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SOS Enfants, un organisme de bienfaisance de l'éducation , a organisé cette sélection. Visitez le site Web d'enfants SOS au http://www.soschildren.org/

Horaire du coin supérieur gauche: un auto-portrait de Vincent van Gogh , un Africain Chokwe statue, détail de la Naissance de Vénus par Sandro Botticelli et un Japonais Shisa lion

L'art est une gamme diversifiée de les activités humaines et les produits de ces activités; cet article se concentre principalement sur les arts visuels , qui comprend la création d'images ou d'objets dans les domaines y compris la peinture , la sculpture , la gravure , la photographie , et d'autres médias visuels. architecture est souvent inclus comme l'un des arts visuels; Cependant, comme le arts décoratifs, il implique la création d'objets où les considérations pratiques d'utilisation sont essentiels dans une manière qui ne sont généralement pas pour une peinture, par exemple. Musique , théâtre , cinéma , danse , et d'autres arts de la scène, ainsi que la littérature et d'autres médias tels que médias interactifs sont inclus dans une définition plus large de l'art ou les arts. Jusqu'au 17ème siècle, l'art visé à ne importe quelle compétence ou la maîtrise et ne était pas différencié du l'artisanat ou les sciences , mais dans l'usage moderne des beaux-arts , où les considérations esthétiques sont primordiales, se distinguent des compétences acquises en général, et de la décoration ou arts appliqués.

Art a été caractérisé en termes de mimésis, l'expression, la communication de l'émotion, ou d'autres valeurs. Au cours de la période romantique , l'art est venu à être considéré comme «une faculté spéciale de l'esprit humain à classer avec la religion et la science". Bien que la définition de ce qui constitue l'art est contestée et a changé au fil du temps, des descriptions générales mentionnent une idée de organisme humain et la création par compétence imaginative ou technique.

La nature de l'art, et les concepts connexes telles que la créativité et l'interprétation, sont explorées dans une branche de la philosophie connue sous le nom d'esthétique .

Art créatif et de l'art

Les œuvres d'art peuvent raconter des histoires ou simplement exprimer une vérité esthétique ou un sentiment. Panorama d'une section des Mille Li des montagnes et des rivières, une peinture du 12ème siècle par la dynastie des Song artiste Wang Ximeng.

Par une définition large de l'art, les œuvres artistiques existent depuis presque aussi longtemps que l'humanité : à partir de début art pré-historique art contemporain; Toutefois, certaines théories restreignent le concept aux sociétés occidentales modernes. Le premier et le plus large sens de l'art est celui qui est resté le plus proche du latin qui signifie plus, ce qui signifie grosso modo «compétences» ou «métier." Quelques exemples où ce sens se avère très large comprennent artefact, artificielle, l'artifice, médicaux arts, et arts militaires. Cependant, il ya de nombreux autres usages familiers du mot, le tout avec une certaine relation à son étymologie.

20e siècle rwandais bouteille. Œuvres artistiques peuvent servir des fonctions pratiques, en plus de leur valeur décorative.

Dans la philosophie médiévale, ". Le nom de l'art devrait être appliquée qu'à ceux qui contribuent à produire et nécessaires et piliers de la vie" Jean Chrysostome a jugé que Thomas d'Aquin , lors du traitement de l'ornement des femmes, donne une éthique justifier pourquoi: "Dans le cas de un art dirigé vers la production de biens que les hommes ne peuvent pas utiliser sans péché, il se ensuit que le péché ouvriers à faire de telles choses, que directement offrant d'autres une occasion de péché; par exemple, si un homme était de faire des idoles ou quoi que ce soit se rapportant à idolâtre culte. Mais dans le cas d'un art dont les produits peuvent être utilisés par l'homme soit pour un bien ou d'un mauvais usage, comme des épées, flèches, etc., la pratique d'un tel art ne est pas un péché. Ceux-là seuls devrait être appelé arts ". Aquin a jugé que l'art ne est rien d'autre que "la bonne raison à propos de certains travaux à faire,» et qu'il est louable, et non de la volonté avec laquelle un artisan fait un travail », mais pour la qualité du travail. Art, donc , à proprement parler, est une habitude opératoire. " Aristote et Thomas d'Aquin le distinguent de l'habitude connexe de la prudence.

La deuxième et la plus récente sens du mot art est une abréviation pour la création artistique ou beaux-arts et a émergé au début du 17e siècle. Signifie d'art que d'une compétence est utilisée pour exprimer l'artiste la créativité, ou de se engager sensibilités esthétiques de l'auditoire, ou de tirer le public vers l'examen des choses plus fines.

Le mot art peut se référer à plusieurs choses: une étude du savoir-faire créatif, un processus d'utiliser le savoir-faire créatif, un produit du savoir-faire créatif, ou l'expérience de l'audience avec le savoir-faire créatif. Les arts créatifs (art comme discipline) sont une collection de disciplines qui produisent des œuvres d'art (l'art comme objets) qui sont contraints par un entraînement personnel (art comme activité) et de transmettre un message, de l'humeur, ou le symbolisme pour le spectateur d'interpréter (art comme l'expérience). L'art est quelque chose qui stimule les pensées, les émotions, les croyances ou des idées d'un individu à travers les sens. Oeuvres peuvent être explicitement prises à cet effet ou interprétés sur la base des images ou des objets. Bien que l'application des connaissances scientifiques pour établir une nouvelle théorie scientifique implique la compétence et les résultats dans la «création» de quelque chose de nouveau, ce qui représente la science et ne est pas classée comme art.

Souvent, si la compétence est utilisée d'une manière commune ou pratique, les gens vont considérer un métier à la place de l'art. De même, si la compétence est utilisée d'une manière commerciale ou industrielle, on peut considérer art commercial au lieu des beaux-arts. D'autre part, de l'artisanat et la conception sont parfois considérées arts appliqués. Certains adeptes d'art ont fait valoir que la différence entre beaux-arts et arts appliqués a plus à voir avec jugements de valeur portés sur l'art que toute différence de définition claire. Cependant, même les beaux-arts a souvent des objectifs au-delà de la pure créativité et l'expression de soi. Le but d'œuvres d'art peut être de communiquer des idées, comme dans l'art politiquement, spirituellement, ou philosophiquement motivé; pour créer un sentiment de beauté (voir l'esthétique ); pour explorer la nature de la perception; pour le plaisir; ou pour générer de fortes émotions . Le but peut également être apparemment inexistante.

La nature de l'art a été décrit par le philosophe Richard Wollheim comme «l'un des plus évasive des problèmes traditionnels de la culture humaine". Art a été défini comme un véhicule pour l'expression ou de communication des émotions et des idées, un moyen pour explorer et apprécier éléments formels pour leur propre bien, et comme mimesis ou représentation. L'art comme mimesis a des racines profondes dans la philosophie de Aristote . Goethe définis art comme un autre resp. une seconde nature , selon son idéal d'un un style fondé sur les fondements de base de la perspicacité et sur le caractère plus intime des choses. Léon Tolstoï identifié l'art comme un recours à des moyens indirects pour communiquer d'une personne à une autre. Benedetto Croce et RG Collingwood avancé la vue idéaliste que l'art exprime des émotions, et que l'œuvre d'art existe donc essentiellement dans l'esprit du créateur. La théorie de l'art comme forme a ses racines dans la philosophie de Kant , et a été développé au début du XXe siècle par Roger Fry et Clive Bell. Plus récemment, les penseurs influencés par Martin Heidegger ont interprété l'art comme le moyen par lequel une communauté se développe pour lui-même un moyen d'expression de soi et de l'interprétation. George Dickie a offert une théorie institutionnelle de l'art qui définit une œuvre d'art comme ne importe quel artefact sur lequel une personne qualifiée ou des personnes agissant au nom de l'institution sociale communément appelés «le monde de l'art "a conféré" le statut de candidat à l'appréciation ».

Histoire

Vénus de Willendorf, vers 24,000-22,000 BP

Sculptures, peintures rupestres, des peintures rupestres et pétroglyphes de la Datant du Paléolithique supérieur à il ya environ 40000 années ont été trouvés, mais la signification précise d'un tel art est souvent contestée parce que peu est connu sur les cultures qui les ont produits. Les plus anciens objets d'art dans le monde une série de minuscules coquilles d'escargots forés environ 75.000 ans, ont été découverts dans une grotte d'Afrique du Sud. Récipients qui peuvent avoir été utilisés pour maintenir les peintures ont été trouvés datant d'aussi loin que 100000 années.

Peinture rupestre d'un cheval de la Grottes de Lascaux, vers 16000 BP

Beaucoup de grandes traditions dans l'art ont un fondement dans l'art de l'une des grandes civilisations antiques: l'Egypte ancienne , la Mésopotamie , la Perse , l'Inde, la Chine, la Grèce antique, Rome, ainsi que Inca , Maya et olmèque . Chacun de ces centres de la civilisation tôt développé un style unique et caractéristique de son art. En raison de la taille et de la durée de ces civilisations, plusieurs de leurs œuvres d'art ont survécu en plus de leur influence a été transmis à d'autres cultures et époques ultérieures. Certains ont également fourni les premiers enregistrements de comment les artistes ont travaillé. Par exemple, cette période de l'art grec a vu une vénération de la forme physique humaine et le développement des compétences équivalentes à montrer la musculature, l'équilibre, la beauté et proportions anatomiquement correctes.

En Byzantin et L'art médiéval du Moyen Age occidental, beaucoup d'art axée sur l'expression des vérités bibliques et religieuses, et utilisé les styles qui ont montré la gloire supérieur d'un monde céleste, tels que l'utilisation de l'or dans l'arrière-plan de peintures, de mosaïques ou de verre ou fenêtres, qui a également présenté des chiffres dans des formes idéalisées, motifs (à plat). Néanmoins, une tradition réaliste classique persisté dans de petites œuvres byzantines, et le réalisme a augmenté régulièrement dans l'art de l'Europe catholique.

Art de la Renaissance avait un accent fortement augmenté sur la représentation réaliste du monde matériel, et de la place de l'homme en elle, reflétée dans la corporéité du corps humain, et le développement d'une méthode systématique de point de vue graphique pour représenter la récession dans un espace de l'image en trois dimensions.

La signature stylisée de Sultan Mahmud II de l' Empire ottoman a été écrit en Calligraphie arabe. Il lit Mahmud Khan fils de Abdulhamid est toujours victorieuse.
Le Grande Mosquée de Kairouan (aussi appelée la mosquée de Oqba) est un des plus beaux, le plus important et le mieux préservé des exemples artistiques et architecturales de début des grandes mosquées; daté dans son état actuel du 9ème siècle, il est l'ancêtre et le modèle de toutes les mosquées dans les terres islamiques occidentaux. Le Grande Mosquée de Kairouan est situé dans la ville de Kairouan en Tunisie .

Dans l'est, Le rejet de l'art islamique de iconographie conduit à l'accent sur des motifs géométriques, calligraphie, et architecture. Plus à l'est, la religion dominée styles artistiques et formes aussi. Inde et le Tibet ont vu l'accent sur des sculptures peintes et la danse, tandis que la peinture religieuse emprunté de nombreuses conventions de la sculpture et tendance aux couleurs vives et contrastées avec un accent sur les contours. La Chine a vu l'épanouissement de nombreuses formes d'art: la sculpture de jade, bronzes, poteries (y compris l'étourdissement armée de terre cuite de l'empereur Qin), la poésie, la calligraphie, la musique, la peinture, le théâtre, fiction, etc. styles chinois varient grandement d'une époque à et chacun est traditionnellement nommé d'après la dynastie régnante. Ainsi, par exemple, de la Dynastie Tang peintures sont monochromes et clairsemée, mettant l'accent sur les paysages idéalisés, mais la dynastie Ming peintures sont occupés et coloré, et se concentrer sur raconter des histoires par paramètre et la composition. Le Japon nomme ses styles après dynasties impériales aussi, et a également vu beaucoup interaction entre les styles de calligraphie et la peinture. gravure sur bois est devenu important au Japon après le 17e siècle.

Peinture de la dynastie des Song artiste Ma Lin, circa 1250. 24,8 x 25,2 cm

L'ouest Siècle des Lumières au 18e siècle a vu des représentations artistiques de certitudes physiques et rationnelles de l'univers horloger, ainsi que des visions politiquement révolutionnaires d'un monde post-monarchiste, comme La représentation de Blake de Newton comme un géomètre divine, ou Peintures de propagande de David. Cela a conduit à romantiques rejets de ce en faveur de photos du côté émotionnel et l'individualité de l'homme, illustrés dans les romans de Goethe . La fin du 19e siècle a alors vu une foule de mouvements artistiques, tels que l'art académique, Symbolisme, l'impressionnisme et fauvisme entre autres.

L'histoire de l'art du XXe siècle est un récit des possibilités infinies et la recherche de nouvelles normes, chacun étant démolis successivement par la prochaine. Ainsi, les paramètres de l'impressionnisme , l'expressionnisme , Fauvisme, cubisme , dadaïsme , Surréalisme, etc. ne peut être maintenue très au-delà du moment de leur invention. L'augmentation globale interaction pendant cette période a vu une influence équivalente d'autres cultures dans l'art occidental, tels que Pablo Picasso étant influencée par La sculpture africaine. Estampes japonaises (qui avaient été eux-mêmes influencés par la Renaissance occidentale dessinateur) avaient une immense influence sur l'impressionnisme et le développement ultérieur. Plus tard, sculptures africaines ont été prises par Picasso et dans une certaine mesure par Matisse . Impacts énormes même, l'ouest a eu sur l'art de l'Est dans les 19e et 20e siècles, des idées à l'origine de l'ouest comme le communisme et Post-modernisme exercer une puissante influence sur les styles artistiques.

Modernisme, la recherche de la vérité idéaliste, céda dans la seconde moitié du 20e siècle à une réalisation de son inaccessibilité. Theodor W. Adorno a déclaré en 1970: «Ce est maintenant pris pour acquis que rien de ce qui concerne l'art peut être tenu pour acquis plus: ni art lui-même, ni l'art par rapport à l'ensemble, ni même le droit de l'art d'exister." Le relativisme a été accepté comme une vérité inévitable, qui a conduit à la période de art contemporain et la critique postmoderne, où les cultures du monde et de l'histoire sont considérées comme formes changeantes, qui peuvent être appréciées et tirer seulement avec ironie. En outre, la séparation des cultures est de plus en plus floue et certains soutiennent qu'il est maintenant plus approprié de penser en termes d'une culture globale, plutôt que les cultures régionales.

But de l'art

Un Navajo tapis réalisé vers 1880
Mozarabe Beatus miniature. Espagne, fin du 10ème siècle

Art a eu un grand nombre de fonctions différentes tout au long de son histoire, ce qui rend son objectif difficile à quantifier abstraite ou à un seul concept. Cela ne implique pas que le but de l'art est «vague», mais qu'il a eu beaucoup de raisons différentes, uniques pour être créé. Certaines de ces fonctions de l'art sont prévus dans le plan suivant. Les différents objectifs de l'art peuvent être regroupés en fonction de ceux qui sont non-motivés, et ceux qui sont motivés (Lévi-Strauss).

Les fonctions non-motivés d'art

Les fins non motivés d'art sont ceux qui sont partie intégrante de l'être humain, de transcender l'individu, ou ne remplissent pas un but externe spécifique. En ce sens, l'art, la créativité, est quelque chose de l'homme doivent faire par leur nature même (ce est à dire, aucune autre espèce crée art), et est donc au-delà de l'utilité.

  1. Basic instinct humain de l'harmonie, l'équilibre, le rythme . Art à ce niveau ne est pas une action ou un objet, mais une appréciation interne de l'équilibre et de l'harmonie (beauté), et donc un aspect de l'être humain au-delà de l'utilité.

    «Imitation, alors, est l'un instinct de notre nature. Ensuite, il ya l'instinct de« harmonie »et le rythme, les compteurs étant manifestement sections de rythme. Les personnes, donc, à commencer par ce don naturel développés par degrés leurs aptitudes spéciales, jusqu'à ce que leur improvisations grossiers ont donné naissance à la poésie ". -Aristote

  2. Expérience de la mystérieuse. Art fournit une façon de découvrir soi-même par rapport à l'univers. Cette expérience peut souvent venir démotivés, que l'on apprécie l'art, la musique ou la poésie.

    "La plus belle chose que nous pouvons éprouver est la mystérieuse. Il est la source de tout art véritable et la science." -Albert Einstein

  3. Expression de l'imagination. Art fournir un moyen d'exprimer l'imagination d'une manière non-programmatiques qui ne sont pas liés à la formalité de la langue parlée ou écrite. Contrairement mots, qui viennent dans des séquences et dont chacun avoir un sens précis, l'art offre une gamme de formes, de symboles et d'idées avec des significations qui sont malléables.

    "L'aigle de Jupiter [comme un exemple de l'art] ne est pas, comme logique (esthétique) les attributs d'un objet, le concept de la sublimité et la majesté de la création, mais plutôt quelque chose d'autre - quelque chose qui donne l'imagination une incitation à étendre son vol au-dessus toute une série de représentations proches qui provoquent plus de réflexion que ne admet d'expression dans un concept déterminé par mots. Ils fournissent une idée esthétique, qui sert l'idée rationnelle ci-dessus comme un substitut pour une présentation logique, mais avec le bon fonctionnement, cependant, d'animer l'esprit en ouvrant pour elle un prospect en un champ de représentations Kindred étirement delà de son ken ". -Immanuel Kant

  4. Fonctions rituelles et symboliques. Dans de nombreuses cultures, l'art est utilisé dans des rituels, des spectacles et des danses comme une décoration ou un symbole. Alors que ceux-ci ont souvent pas (motivé) but utilitaire spécifique, anthropologues savoir qu'ils servent souvent un but au niveau du sens dans une culture particulière. Ce sens ne est pas fournie par un seul individu, mais est souvent le résultat de plusieurs générations de changement et d'une relation cosmologique dans la culture.

    "La plupart des chercheurs qui se occupent de peintures rupestres ou des objets récupérés dans des contextes préhistoriques qui ne peuvent être expliqués en termes utilitaires et sont donc classés comme décoratif, rituelle ou symbolique, sont conscients du piège posé par le terme« art »." -Silva Tomášková

Fonctions motivés d'art

Fins motivés d'art se rapportent à des actions conscientes, intentionnelles de la part des artistes ou créateur. Il peut se agir d'apporter des changements politiques, commenter sur un aspect de la société, pour transmettre une émotion ou une ambiance particulière, pour aborder la psychologie personnelle, pour illustrer une autre discipline, à (avec les arts commerciaux) pour vendre un produit, ou simplement comme un forme de communication.

  1. Communication. Art, à sa plus simple, est une forme de communication. Comme la plupart des formes de communication ont l'intention ou l'objectif dirigé vers une autre personne, ce est un but motivés. Arts illustratifs, comme illustration scientifique, sont une forme d'art que la communication. Les cartes sont un autre exemple. Toutefois, le contenu ne doit pas être scientifique. Emotions, humeurs et les sentiments sont également communiqués à travers l'art.

    "[L'art est un ensemble de] objets ou des images avec des significations symboliques comme un moyen de communication." -Steve Mithen

  2. Art comme un divertissement. Art peut chercher à provoquer une émotion ou humeur particulière, dans le but de se détendre ou de divertir le spectateur. Ce est souvent la fonction des industries d'art de Motion Pictures et jeux vidéo.
  3. L'Avante-Garde. Art pour le changement politique. Une des fonctions qui définissent l'art du début du XXe siècle a été d'utiliser des images pour amener un changement politique. Les mouvements artistiques qui ont cet objectif-dadaïsme, le surréalisme, le constructivisme russe et l'expressionnisme abstrait, entre autres-sont collectivement appelés les arts de Avante-garde.

    "En revanche, l'attitude réaliste, inspirée du positivisme, de Saint Thomas d'Aquin à Anatole France, semble bien pour moi d'être hostile à tout progrès intellectuel ou moral. Je déteste, car il est composé de la médiocrité, de la haine, et terne . suffisance Ce est cette attitude qui, aujourd'hui, donne naissance à ces livres ridicules, ces pièces insultantes Il se nourrit constamment et tire sa force de la presse et abrutit la science et de l'art en flattant assidûment le plus bas de goûts;. clarté riverains de la stupidité, un chien la vie. " -André-Breton (Surréalisme)

  4. Art à des fins de guérison psychologique et. Art est également utilisée par des thérapeutes d'art, psychothérapeutes et psychologues cliniciens que l'art-thérapie. Le Diagnostic Dessin série, par exemple, est utilisé pour déterminer la personnalité et le fonctionnement émotionnel d'un patient. Le produit final ne est pas le but principal dans ce cas, mais plutôt un processus de guérison, par des actes créatifs, est recherchée. La pièce résultante d'œuvres d'art peut également offrir un aperçu des difficultés rencontrées par le sujet et peut suggérer des approches appropriées pour être utilisées dans des formes plus classiques de thérapie psychiatrique.
  5. Art pour l'enquête sociale, la subversion et / ou l'anarchie. Bien que similaire à l'art pour le changement politique, l'art subversive ou déconstructiviste peut chercher à remettre en question les aspects de la société sans but politique précis. Dans ce cas, la fonction de l'art peut être tout simplement de critiquer certains aspects de la société.
    Peinture en aérosol graffitis sur un mur à Rome
    L'art du graffiti et d'autres types de art de la rue sont des graphiques et des images qui sont peints à la bombe ou pochoir sur les murs consultables par le public, les bâtiments, les autobus, les trains et les ponts, généralement sans permission. Certaines formes d'art, comme les graffitis, peuvent également être illégale quand ils cassent lois (dans ce cas de vandalisme).
  6. Art pour des causes sociales. L'art peut être utilisée pour sensibiliser le public à une grande variété de causes. Un certain nombre d'activités artistiques visaient à sensibiliser l'autisme , le cancer , traite des êtres humains, et une variété d'autres sujets, tels que la conservation des océans, droits de l'homme dans Darfour, assassinées et disparues femmes autochtones, les abus envers les aînés, et la pollution . Trashion, pratiquée par des artistes tels que Marina débris est un exemple d'utilisation de l'art pour sensibiliser à la pollution.
  7. Art de la propagande, ou le mercantilisme. Art est souvent utilisé comme une forme de propagande , et peut donc être utilisé pour influencer subtilement les conceptions populaires ou de l'humeur. De la même manière, l'art qui tente de vendre un produit influe également sur l'humeur et de l'émotion. Dans les deux cas, le but de l'art est ici de manipuler subtilement le spectateur dans une réponse émotive ou psychologique particulier vers une idée ou un objet particulier.
  8. L'art comme un indicateur de remise en forme. Il a été avancé que la capacité du cerveau humain dépasse de loin ce qui était nécessaire pour la survie dans l'environnement ancestral. Une explication de la psychologie évolutionniste est que le cerveau et les associés des traits humains (comme la capacité artistique et la créativité) sont l'équivalent humain du paon queue ». Le but de la queue extravagante du paon mâle a été avancé pour être pour attirer les femelles (voir aussi Emballement fisherien et principe du handicap). Selon cette théorie exécution supérieure d'art évolutive était important car il a attiré camarades.

Les fonctions de l'art décrites ci-dessus ne sont pas mutuellement exclusifs, comme beaucoup d'entre eux peuvent se chevaucher. Par exemple, l'art pour des fins de divertissement peut également chercher à vendre un produit, ce est à dire le jeu de film ou vidéo.

L'accès du public

Versailles: Louis Le Vau a ouvert la cour intérieure pour créer l'entrée expansive cour d'honneur, plus tard copié partout en Europe.

Depuis les temps anciens, une grande partie de l'art raffiné a représenté un affichage délibéré de richesse ou de pouvoir, souvent réalisé en utilisant l'échelle massive et des matériaux coûteux. Beaucoup d'art a été commandée par les dirigeants ou les établissements religieux, avec des versions plus modestes disponible que pour les plus riches de la société. Néanmoins, il ya eu de nombreuses périodes où l'art de très haute qualité étaient disponibles, en termes de propriété, sur de grandes parties de la société, surtout dans les médias bon marché tels que la poterie, qui persiste dans le sol, et les médias périssables tels que le textile et le bois . Dans de nombreuses cultures différentes, le la céramique des peuples autochtones des Amériques se trouvent dans un tel éventail de tombes qu'ils ne étaient manifestement pas limités à un élite sociale, bien que d'autres formes d'art ont pu. Méthodes de reproduction tels que moules en production de masse plus facile, et ont été utilisés pour apporter de haute qualité La poterie romaine antique et grecque Tanagra figurines à un très large marché. Sceaux cylindres étaient à la fois artistique et pratique, et très largement utilisé par ce qu'on peut appeler vaguement la classe moyenne dans le Proche-Orient ancien. Une fois que les pièces ont été largement utilisés ces également devenus une forme d'art qui a atteint le plus large éventail de la société. Une autre innovation importante est venu au 15ème siècle en Europe, où la gravure a commencé avec un petit gravures sur bois, principalement religieuses, qui étaient souvent très petite et de la main-coloré, et abordable même par paysans qui les collés sur les murs de leurs maisons. Livres imprimés étaient initialement très cher, mais ont cessé de baisser dans le prix jusqu'à ce que par le 19ème siècle, même les plus pauvres pouvaient se permettre certaines avec illustrations imprimées. Estampes populaires de toutes sortes différentes ont décoré les maisons et autres lieux depuis des siècles.

Bâtiments publics et des monuments, laïques et religieuses, de par leur nature traitent normalement l'ensemble de la société, et les visiteurs en tant que spectateurs, et l'affichage au grand public a longtemps été un facteur important dans leur conception. Temples égyptiens sont typiques de cette décoration le plus grand et le plus somptueux a été placée sur les parties qui pourraient être vus par le grand public, plutôt que les zones vus que par les prêtres. De nombreuses régions du palais royaux, les châteaux et les maisons de l'élite sociale étaient souvent accessibles à tous, et une grande partie des collections d'art de ces personnes pourraient souvent être vus, soit par personne, soit par ceux qui peuvent payer un petit prix, ou de ceux qui porter les vêtements corrects, indépendamment de qui ils étaient, à la Château de Versailles, où les accessoires supplémentaires appropriées (argent chaussure de boucles et une épée) pourraient être embauchés dans les magasins à l'extérieur.

Des dispositions spéciales ont été prises pour permettre au public de voir de nombreuses collections royales ou privés placés dans des galeries, comme avec le Orléans Collection essentiellement logé dans une aile de la Palais Royal à Paris, ce qui pourrait être visité pour la plupart du 18e siècle. En Italie, le tourisme de l'art Grand Tour est devenu une industrie importante partir de la Renaissance, et les gouvernements et les villes a fait des efforts pour rendre leurs œuvres accessibles clés. Les Britanniques Collection Royale reste distincte, mais des dons importants comme la Old Bibliothèque royale ont été faites à partir à la British Museum, créé en 1753. Le Offices de Florence ouvert entièrement comme une galerie en 1765, bien que cette fonction avait été peu à peu l'édifice sur des bureaux des fonctionnaires d'origine de pendant une longue période avant. Le bâtiment actuellement occupé par le Prado à Madrid a été construite avant la Révolution française pour l'affichage public des pièces de la collection d'art royale, et les galeries royales similaires ouverts au public existé dans Vienne , Munich et d'autres capitales. L'ouverture de la Musée du Louvre pendant la Révolution française (en 1793) comme un musée public pour une grande partie de l'ancienne collection royale française certainement marqué une étape importante dans le développement de l'accès du public à l'art, le transfert de propriété à un Etat républicain, mais était une continuation de tendances déjà bien établie.

La plupart des musées publics modernes et des programmes d'éducation artistique pour les enfants dans les écoles peuvent être remonter à cette impulsion d'avoir l'art accessible à tous. Musées aux États-Unis ont tendance à être des cadeaux de la très riche pour les masses ( Le Metropolitan Museum of Art à New York, par exemple, a été créé par John Taylor Johnston, un dirigeant de chemin de fer dont la collection d'art personnelle ensemencé le musée.) Mais malgré tout cela, au moins l'une des fonctions importantes de l'art du 21e siècle demeure comme un marqueur de richesse et de statut social.

Performance par Joseph Beuys, 1978: Tout le monde un artiste - Sur le chemin de la forme libertaire de l'organisme social

Il ya eu des tentatives par les artistes pour créer de l'art qui ne peut être acheté par les riches comme un objet d'état. Un des premiers facteurs de motivation originaux d'une grande partie de l'art de la fin des années 1960 et 1970 a été de créer un art qui ne pouvait être acheté et vendu. Il est "nécessaire de présenter quelque chose de plus que de simples objets», a déclaré le principal d'après-guerre artiste allemand Joseph Beuys. Cette période a vu la montée des choses telles que art de la performance, art vidéo, et l'art conceptuel. L'idée était que si l'œuvre était une performance qui ne laissent rien derrière, ou était simplement une idée, il ne pouvait pas être acheté et vendu. "Préceptes démocratiques gravitant autour de l'idée que l'œuvre d'art est une marchandise poussés l'innovation esthétique qui a germé dans les milieu des années 1960 et a été récolté durant les années 1970. Artistes largement identifiés sous la rubrique de l'art conceptuel ... activités de remplacement de la performance et de l'édition pour l'engagement à la fois le matériel et les préoccupations matérialistes de la forme peinte ou sculpturale ... [ont] essayé de saper l'objet d'art en tant qu'objet ".

Dans les décennies qui ont suivi, ces idées ont été quelque peu perdu le marché de l'art a appris à vendre des DVD édition limitée d'œuvres vidéo, des invitations à exclusifs œuvres d'art de la performance, et les objets laissés par morceaux conceptuels. Beaucoup de ces performances créer des œuvres qui ne sont compris par les élites qui ont été formés pour expliquer pourquoi une idée ou une vidéo ou un morceau de poubelle apparente peuvent être considérés comme l'art. Le marqueur de l'état devient comprendre le travail au lieu de nécessairement posséder, et l'œuvre d'art reste une activité de la classe supérieure. "Avec l'utilisation généralisée de la technologie d'enregistrement DVD dans le début des années 2000, les artistes, et le système de galerie qui tire ses profits de la vente d'oeuvres d'art, a gagné un important moyen de contrôle de la vente de vidéo et informatiques oeuvres d'art en éditions limitées à des collectionneurs."

Controverses

Théodore Géricault Radeau de la Méduse, circa 1820

Art a longtemps été controversée, ce est-à-dire détesté par certains téléspectateurs, pour une grande variété de raisons, si la plupart des controverses pré-modernes sont faiblement enregistrés, ou complètement perdus pour une vision moderne. Iconoclasme est la destruction de l'art qui est détesté pour une variété de raisons, y compris religieuses. Aniconisme est une aversion générale soit de toutes les images figuratives, ou ceux souvent juste religieuses, et a été un fil dans de nombreuses grandes religions. Il a été un facteur crucial dans l'histoire de L'art islamique, où représentations de Mahomet restent particulièrement controversée. Beaucoup d'art a été détesté purement parce qu'il décrivait ou autrement représentait dirigeants impopulaires, les partis ou d'autres groupes. Conventions artistiques ont souvent été conservatrice et pris très au sérieux par critiques d'art, bien souvent beaucoup moins par un public plus large. Le contenu iconographique de l'art pourrait susciter la controverse, comme fin des représentations médiévales du nouveau motif de la Swoon de la Vierge dans les scènes de la Crucifixion de Jésus. Le Jugement dernier de Michel-Ange était controversée pour diverses raisons, y compris les infractions décorum dans une nudité et l' Apollo de la pose du Christ.

Le contenu de l'art beaucoup plus formelle à travers l'histoire a été dicté par le patron ou un commissaire plutôt que de simplement l'artiste, mais avec l'avènement du romantisme , et les changements econonomic dans la production de l'art, la vision des artistes est devenu le facteur déterminant d'habitude de la teneur de son art, augmentation de l'incidence des controverses, bien souvent réduire leur importance. De fortes incitations pour l'originalité et la publicité perçue également encouragés artistes à la controverse tribunal. Théodore Géricault Radeau de la Méduse (c. 1820), est en partie un commentaire politique sur un événement récent. Édouard Manet Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), a été considérée comme scandaleuse pas à cause de la femme nue, mais parce qu'elle est assis à côté d'hommes entièrement vêtus de vêtements de l'époque, plutôt que dans des robes du monde antique. John Singer Sargent Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), a provoqué une controverse sur la rose rouge utilisé pour colorer le lobe oreille de la femme, considérée comme beaucoup trop suggestif et censé ruiner la réputation du modèle de la haute société.

L'abandon progressif du naturalisme et de la représentation des représentations réalistes de l'aspect visuel des sujets dans les 19e et 20e siècles a conduit à une controverse de roulement durable depuis plus d'un siècle. Au XXe siècle, Pablo Picasso s ' Guernica (1937) utilisé arrestation cubistes techniques et austères huiles monochromatiques, pour dépeindre les conséquences brutales de l'attentat contemporaine d'une petite ville ancienne, Pays Basque. de Leon Golub Interrogation III (1981), représente une femme nue, détenu à capuchon attaché à une chaise, les jambes ouvertes pour révéler ses organes sexuels, entouré par deux bourreaux habillé dans des vêtements de tous les jours. Andres Serrano Piss Christ (1989) est une photographie d'un crucifix, sacré pour la religion chrétienne et représentant le Christ » s sacrifice et la souffrance finale, immergé dans un verre d'urine de l'artiste. Le tumulte a résulté a conduit à des commentaires dans le Sénat américain sur le financement public des arts.

Théorie

Au XIXe siècle, les artistes étaient surtout préoccupés par les idées de la vérité et de la beauté . Le théoricien esthétique John Ruskin, qui a défendu ce qu'il considérait comme le naturalisme de JMW Turner , vu le rôle de l'art comme la communication par l'artifice d'une vérité essentielle qui ne peut être trouvé dans la nature.

La définition et l'évaluation de l'art est devenu particulièrement problématique depuis le 20e siècle.Richard Wollheim distingue trois méthodes d'évaluation de la valeur esthétique de l'art: l'Réaliste, où la qualité esthétique est une valeur indépendante absolue de toute vue humain; la Objectivist, où il est également une valeur absolue, mais dépend de l'expérience humaine en général; et le relativisteposte, de sorte qu'il est pas une valeur absolue, mais dépend, et varie avec l'expérience humaine de différents humains.

L'arrivée du modernisme à la fin du XIXe plomb siècle à une rupture radicale dans la conception de la fonction de l'art, et puis de nouveau à la fin du XXe siècle avec l'avènement de la postmodernité. 1960 article "Modernist Painting" de Clement Greenberg définit l'art moderne " l'utilisation de méthodes caractéristiques d'une discipline pour critiquer la discipline elle-même ». Greenberg origine appliqué cette idée au mouvement expressionniste abstrait et l'a utilisé comme un moyen de comprendre et de justifier plat (non-illusionniste) peinture abstraite:

Réaliste, art naturaliste avait dissimulé le milieu, en utilisant l'art de dissimuler l'art; modernisme utilisé l'art pour attirer l'attention à l'art. Les limitations qui constituent le médium de la peinture-la surface plane, la forme du support, les propriétés du pigment-ont été traités par les maîtres anciens comme des facteurs négatifs qui pourraient être reconnus implicitement ou indirectement. Sous modernisme ces mêmes limites sont venus à être considérés comme des facteurs positifs, et ont été reconnus ouvertement.

Après Greenberg, plusieurs théoriciens de l'art importants ont émergé, tels que Michael Fried, TJ Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin et Griselda Pollock, entre autres. Bien que prévu à l'origine comme un moyen de comprendre un ensemble spécifique d'artistes, la définition de Greenberg de l'art moderne est important de beaucoup des idées d'art au sein des différents mouvements artistiques du 20e siècle et au début du 21e siècle.

Artistes pop comme Andy Warhol est devenu à la fois remarquable et influente par le travail, y compris et peut-être critiquer la culture populaire, ainsi que le monde de l'art. Les artistes des années 1980, 1990 et 2000, élargi cette technique d'auto-critique au-delà du grand art à tous l'image de décision culturelle, y compris des images de mode, des bandes dessinées, des panneaux d'affichage et la pornographie.

Duchamp fois proposé que l'art est une activité de tout tout gentillesse. Cependant la façon que seules certaines activités sont classées aujourd'hui comme l'art est une construction sociale. Il ya des preuves qu'il peut y avoir un élément de vérité dans cela. The Invention of Art: A Cultural History est un livre d'histoire de l'art qui examine la construction du système moderne des arts IE Fine Art . Shiner trouve des preuves que l'ancien système des arts avant notre système moderne (beaux-arts) a tenu l'art d'être toute activité humaine qualifiée dire la société grecque antique ne possédait pas le terme d'art mais technè. Techne peut être comprise ni comme art ou d'artisanat, la raison étant que les distinctions de l'art et de l'artisanat sont des produits historiques qui sont venus plus tard dans l'histoire humaine. Techne inclus la peinture , la sculpture et la musique , mais aussi, la cuisine, la médecine , l'équitation , la géométrie , la menuiserie, la prophétie et l'agriculture , etc.

différends de classification

Duchamp Fountain 1917

Les différends quant à savoir si ou non de classer quelque chose comme une œuvre d'art sont appelés différends de classification sur l'art.

Différends de classification dans le 20ème siècle ont incluscubistesetimpressionnistespeintures, Duchamp Fontaine, lesfilms, imitations superlatifs debillets de banque,l'art conceptuel, etles jeux vidéo.

Philosophe David Novitz a fait valoir que le désaccord au sujet de la définition de l'art sont rarement le cœur du problème. Au contraire, «les préoccupations et les intérêts passionnés que les humains gilet dans leur vie sociale" sont "tellement partie de tous les différends de classification sur l'art" (Novitz, 1996). Selon Novitz, les différends de classification sont plus souvent des différends sur les valeurs sociétales et où la société tente d'aller que ce qu'ils sont sur ​​la théorie correcte. Par exemple, lorsque le Daily Mail critiqué Hirst s 'et le travail Emin de en faisant valoir "Pour 1000 années l'art a été l'une de nos grandes forces civilisatrices. Aujourd'hui, les moutons mariné et des lits sales menacent de rendre barbares de nous tous», ils ne progressent pas un définition ou de la théorie de l'art, mais en doute la valeur de l'œuvre de ce Hirst et Emin. En 1998, Arthur Danto, a suggéré une expérience de pensée montrant que "le statut d'un artefact que le travail des résultats de l'art à partir des idées d'une culture applique à elle, plutôt que ses qualités physiques ou perceptibles inhérents. interprétation culturelle (une théorie de l'art d'un certain type ) est donc constitutive de la arthood d'un objet ".

Anti-art est un label pour l'art qui défie délibérément les paramètres et les valeurs de l'art établies; il est associé à terme dadaïsme et attribué à Marcel Duchamp, juste avant la Première Guerre mondiale, quand il a été faire de l'art à partir d'objets trouvés. L'un d'eux, Fontaine (1917), un urinoir ordinaire, a réalisé l'importance et une influence considérable sur l'art. Anti-art est une caractéristique du travail par l'Internationale situationniste, le lo-fi mouvement d'art de Mail, et les Young British Artists , si elle est une forme encore rejeté par les Stuckists, qui se décrivent comme anti-anti-art.

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