Dessin

Homme par nude Annibale Carracci, 16ème siècle

Le dessin est un art visuel qui rend l'utilisation de ne importe quel nombre d'instruments de dessin pour marquer un milieu bidimensionnel. Instruments communs incluent graphite crayons, plume et encre, encrés brosses , de la cire crayons de couleur, crayons, fusains, craie, pastels, marqueurs, stylet, ou différents métaux comme silverpoint. Un artiste qui pratique ou travaille dans le dessin peut être considéré comme un dessinateur ou dessinateur.

Une petite quantité de matériau est libéré sur le support à deux dimensions qui laisse une marque visible, le processus est similaire à celui de la peinture . Le soutien le plus commune pour le dessin est papier, bien que d'autres matériaux tels que le carton, le plastique , cuir, toile et bord, peut être utilisé. Dessins temporaires peuvent être faites sur une tableau ou tableau blanc, voire presque ne importe quoi. Le milieu est également devenu populaire comme un moyen d'expression public via l'art du graffiti, en raison de la disponibilité facile de permanente marqueurs.

Définitions

Le dessin est une forme d'expression visuelle et est l'une des principales formes dans les arts visuels. Il ya un certain nombre de sous-catégories de dessin, y compris la caricature. Certaines méthodes ou approches dessin, tels que " gribouillage "et d'autres types informels de dessin tels que le dessin dans le brouillard d'une douche laisse sur une salle de bain miroir, ou la méthode surréaliste " graphomanie entoptiques », dans lequel des points sont faits sur les sites d'impuretés dans une feuille de papier vierge, et les lignes sont ensuite effectuées entre les points, peut ou ne peut pas être considéré comme faisant partie de« dessin »comme un« art ».

Le mot «dessin» est utilisé à la fois comme un verbe et un nom:

• Dessin (verbe) est l'acte de faire des marques sur une surface de manière à créer une image, la forme ou la forme.
• L'image produite est aussi appelé un dessin (nom). Un rapide, dessin non raffinée peut être défini comme un croquis.

En termes simples, le dessin est distincte de la peinture, peut-être plus dans la vision occidentale; Est asiatique, qui généralement ne utilise pinceaux, a historiquement fait moins de distinction entre les deux. Les critiques peuvent louer la capacité d'un peintre de bien dessiner, ce qui signifie que les formes, en particulier du corps humain, sont bien articulés, ou un dessin peut être considéré picturale.

Ajout de la confusion, des outils et des supports similaires peuvent être utilisés dans les deux tâches. Médias sèches normalement associés avec le dessin, telles que la craie, peuvent être utilisés dans peinture pastel. Dessin peut être fait avec des milieux liquides appliquées à la brosse ou stylos. Supports similaires peuvent également servir à la fois: la peinture implique généralement l'application de peinture liquide sur toile ou panneaux préparés, mais parfois un underdrawing est dessiné en premier sur ce même support. Le dessin est généralement concernés par le marquage de lignes et de zones de tonalité sur le papier, mais l'aquarelle peinture utilise un support papier. Dessins traditionnels étaient monochrome, ou au moins eu peu de couleur, tandis que modernes dessins couleur-crayon peuvent approchent ou traversent la frontière (si il existe) entre le dessin et la peinture.

Le dessin terme suggère un processus et l'intention qui est distinct de l'acte traditionnel de la peinture. Bien qu'il existe des dessins qui sont des œuvres d'art finis, le dessin est souvent exploratoire, avec un accent considérable sur l'observation, la résolution de problèmes et la composition, souvent comme un moyen de préparation pour une peinture. En revanche, la peinture traditionnelle est souvent un moyen d'exécution ou de finition une oeuvre. Il est juste de noter que les peintres modernes intègrent souvent les méthodes de dessin dans leur processus de peinture, particarly dans les premiers stades d'une peinture.

Matière

Madame Palmyre avec son chien, 1897. Henri de Toulouse-Lautrec.

Dessins peuvent être objets de représentation, représentant, les êtres vivants, ou des scènes où les vues d'artistes, se souvient, ou imagine. Ils peuvent être réaliste au point de ressemblance réaliste (par exemple traditionnelle portraits), dessin d'architecture ou des approximations plus souples de la réalité (par exemple, croquis), et très stylisé (par exemple, dessins animés, caricatures, manga), ou abstraite (par exemple, dessin automatique, graphomanie entoptique). Dessin peut aussi être une forme d'art héraldique, avec une gamme de formalité des travaux finis de l'art héraldique à incitant.

Matériels

Livre vient dans une variété de tailles différentes et de qualités, allant du grade de journal pour la pratique jusqu'à haute qualité et du papier relativement coûteux parfois vendu comme des feuilles individuelles. Documents peuvent varier en texture, couleur, l'acidité, et la force lorsqu'il est mouillé. Papier lisse est bon pour le rendu des détails fins, mais un document plus "à pleines dents" tiendra le matériel de dessin mieux. Ainsi, un matériau plus grossier est utile pour produire contraste plus profond.

Pour le stylo et l'encre, papier machine est souvent utilisé pour les dessins de pratique, mais le papier plus lourd résiste mieux. Bristol fait une surface dure qui est particulièrement bon pour l'encre ou d'une amende de graphite dessin détaillé. Papier aquarelle Coldpressed est parfois favorisée pour le dessin d'encre en raison de sa texture. Vélin Tracing est souvent utilisé pour l'expérimentation sur le dessus d'un dessin au crayon, avant de commettre une technique à la dernière page.

Divers outils sont couramment utilisés dans le processus de dessin. Il se agit notamment d'un taille-crayon, papier de verre, gomme mie de pain, mélange des souches, et chamois. D'autres outils qui se avèrent parfois utiles sont papier calque, un boussole cercle, règle, film frisquette, fixateur, et bande rédaction. L'utilisation d'un chevalet ou une table inclinée réduit les effets de distorsion de la perspective. Metalpointing peut inclure le cuivre , bronze, et même l'or dont certains métaux peuvent changer de couleur au fil du temps et produire des résultats intéressants.

Un nouvel outil pour le dessin est 'l'option dessin »de l'ordinateur. Les artistes contemporains ont élargi la sphère des associations le terme «dessin» englobe un certain nombre de médias de dessin non conventionnelles, y compris les performances et le travail multimédia, en utilisant les branches des arbres comme des instruments de dessin, et façonner images avec dépôt de carbone de la fumée.

Certains aspects du processus d'étirage

Ton

Ombrage est la technique de la variation des valeurs tonales sur le papier pour représenter l'ombre de la matière ainsi que le placement de l'ombre. Une attention particulière à la lumière réfléchie, ombres, et met en évidence peut entraîner une interprétation très réaliste de l'image.

Blending utilise un outil pour adoucir ou répartir les coups de dessin d'origine. Le mélange est plus facile à faire avec un milieu qui ne est pas immédiatement se fixer, tels que le graphite, la craie ou le charbon de bois, bien que l'encre fraîchement appliqué peut être sale, humide ou sec, pour certains effets. Pour l'ombrage et le mélange, l'artiste peut utiliser un moignon de mélange, un tissu, un gomme malaxée, un doigt, ou une combinaison des deux. Un morceau de chamois est utile pour créer des textures lisses, et enlèvement de matière pour éclaircir les tons. Tonalité continue peut être réalisée avec du graphite sur une surface lisse sans mélange, mais la technique est laborieuse, impliquant petits mouvements circulaires ou ovales avec un point quelque peu émoussé.

techniques d'ombrage qui introduisent également la texture au dessin comprennent éclosion et pointillés. Il existe un certain nombre d'autres procédés pour produire la texture dans l'image: en plus de choisir un papier approprié, le type de matériau et la technique de dessin dessin se traduiront par des textures différentes. La texture peut être faite à apparaître plus réaliste lorsqu'elle est tirée à côté d'une texture contrastée; une texture grossière sera plus évident lorsqu'il est placé à côté d'une zone en douceur mélangée. Un effet similaire peut être obtenu en traçant différents tons à proximité; un feu de bord à côté d'un fond sombre se démarquer à l'œil, et semblent presque flotter au-dessus de la surface.

Disposition

La mesure des dimensions d'un objet tout en bloquant dans le dessin est une étape importante dans la production d'un rendu réaliste de la aertically peut être utilisé pour mesurer les angles des côtés différents. Ces angles peuvent être reproduits sur la surface de dessin, puis revérifiés pour se assurer qu'ils sont exacts. Une autre forme de mesure est de comparer les tailles relatives des différentes parties de l'objet à l'autre. Un doigt placé en un point le long de la mettre en œuvre le dessin peut être utilisé pour comparer cette dimension avec d'autres parties de l'image.

Lorsque vous essayez de dessiner une forme compliquée comme une figure humaine, il est utile d'abord pour représenter la forme d'un ensemble de formes primitives. Presque ne importe quelle forme peut être représentée par une combinaison du cube, sphère, cylindre, et le cône. Une fois que ces formes de base ont été assemblés dans une image, le dessin peut être raffiné en une forme plus précise et poli. Les lignes des formes primitives sont supprimés et remplacés par la ressemblance finale.

Un art plus raffiné dessin de la figure repose sur l'artiste possédant une connaissance approfondie de l'anatomie et les proportions humaines. Un artiste professionnel est familier avec la structure de squelette, d'un joint, le placement musculaire, le mouvement du tendon, et comment les différentes parties travaillent ensemble pendant le mouvement. Cela permet à l'artiste de rendre des poses plus naturelles qui ne apparaissent pas artificiellement raide. L'artiste est également familier avec la façon dont les proportions varient en fonction de l'âge du sujet, en particulier lors de l'élaboration d'un portrait.

Perspective

La perspective linéaire est une méthode de représenter des objets sur une surface plane afin que les dimensions diminuent avec la distance. Les bords parallèles, rectilignes, de ne importe quel objet, si un bâtiment ou une table, suivront les lignes qui convergent finalement à l'infini. Généralement, ce point de convergence sera long de l'horizon, que les bâtiments sont au niveau de la surface plane construits. Lorsque plusieurs structures sont alignés les uns avec les autres, tels que les bâtiments le long d'une rue, les sommets horizontaux et fonds des structures seront tous convergent généralement à un point de fuite.

Deux points dessin en perspective.

Lorsque les deux fronts et les côtés d'un bâtiment sont dessinés, les lignes parallèles formant un côté convergent en un deuxième point à l'horizon (qui peuvent être hors du papier à dessin.) Ce est une «perspective deux points". Converger les lignes verticales à un point dans le ciel produit alors une «perspective à trois points".

La profondeur peut également être représentée par plusieurs techniques, en plus de l'approche ci-dessus en perspective. Objets de taille similaire devraient jamais apparaître plus l'on se éloigne du spectateur. Ainsi la roue arrière d'un panier apparaît légèrement plus petit que la roue avant. La profondeur peut être représenté par l'utilisation de la texture. Comme la texture d'un objet se éloigne, il devient plus comprimé et occupé, en prenant un caractère tout à fait différent que si elle était proche. La profondeur peut également être représenté en réduisant la quantité de contraste des objets plus éloignés, et également en rendant les couleurs plus pâle. Cela reproduire l'effet de brume atmosphérique, et provoquer l'œil à se concentrer principalement sur les objets dessinés au premier plan.

Talent artistique

Clair-obscur dessin d'étude par Bouguereau

Le composition de l'image est un élément important dans la production d'un travail intéressant mérite artistique. L'artiste prévoit le placement des éléments de l'art afin de communiquer des idées et des sentiments avec le spectateur. La composition peut déterminer l'orientation de l'art, et aboutir à un ensemble harmonieux qui est esthétiquement attrayant et stimulant.

Le éclairage du sujet est également un élément clé dans la création d'une pièce artistique, et le jeu des ombre et de lumière est une méthode utile dans la boîte à outils de l'artiste. Le le placement des sources de lumière peut faire une différence considérable dans le type de message qui est présentée. Plusieurs sources de lumière peuvent se laver les rides dans le visage d'une personne, par exemple, et de donner une apparence plus jeune. En revanche, une seule source de lumière, comme la lumière du jour que dure, peut servir à mettre en évidence toute texture ou caractéristiques intéressantes.

Lors de l'élaboration d'un objet ou d'une figure, l'artiste habile accorde une attention à la fois à la zone dans la silhouette et ce qui se trouve à l'extérieur. L'extérieur est appelé le espace négatif, et peut être aussi important dans la représentation que la figure. Les objets placés dans le fond de la figure devrait apparaître correctement placé partout où ils peuvent être consultés.

Un étude est un projet de dessin qui est fait en vue d'une image finale prévue. Les études peuvent être utilisés pour déterminer l'apparence de parties spécifiques de l'image terminée, ou pour expérimenter avec la meilleure approche pour la réalisation de l'objectif final. Cependant, une étude bien conçue peut être une œuvre d'art à part entière, et de nombreuses heures de travail minutieux peut aller dans l'achèvement d'une étude.

Histoire: maîtres de dessin

Les gens ont fait dessins depuis la préhistoire. Cette forme d'art a gagné en popularité répandue parmi Artistes européens au cours des années 1400, lorsque papier est devenu généralement disponibles, bien que underdrawing pour les peintures existait déjà. Depuis ce temps, chaque siècle a produit des artistes qui ont créé de grands dessins.

• Maîtres de dessin dans les années 1400 et 1500 inclus Leonardo da Vinci , Albrecht Dürer, Michel-Ange et Raphaël .
• Pendant les années 1600, Claude, Nicolas Poussin, Rembrandt , Guercino, et Peter Paul Rubens créés dessins importants.
• Dans les années 1700, de grands dessins ont été produits par Jean-Honouré Fragonard, Francisco Goya , Giovanni Battista Tiepolo, et Antoine Watteau.
• Les maîtres de dessin pendant les années 1800 inclus Paul Cézanne, Jacques Louis David, Pierre-Paul Prud'hon, Edgar Degas, Théodore Géricault, Jean Ingres, Odilon Redon, Henri de Toulouse-Lautrec, Honoré Daumier, et Vincent van Gogh .
• Grands dessins dans les années 1900 ont été créées par Käthe Kollwitz, Max Beckmann, Jean Dubuffet, Egon Schiele, Arshile Gorky, Paul Klee, Oscar Kokoschka, MC Escher, Jules Pascin, et Pablo Picasso .

Illustration numérique

Dessin peut aussi être fait sur un ordinateur . illustration d'ordinateur ou d'illustration numérique est l'utilisation d'outils numériques pour produire des images sous la manipulation directe de l'artiste, généralement par le biais d'un dispositif de pointage tel qu'une un comprimé ou souris. Elle se distingue de art généré par ordinateur, qui est produite par un ordinateur à l'aide de modèles mathématiques créés par l'artiste. Il est également distincte de la manipulation numérique de photos, en ce qu'elle est une construction originale "from scratch". (Éléments photographiques peuvent être incorporés dans ces œuvres, mais ils ne sont pas la base principale ou la source pour eux.)