Néoclassicisme
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Néoclassicisme (du grec neos de νέος, classicus latine et ismos de -ισμός grec) est le nom donné à l'Ouest mouvements dans le décoratifs et les arts visuels , la littérature , le théâtre , la musique et l'architecture qui se inspirent de l'art «classique» et la culture de la Grèce antique ou de la Rome antique . Le principal mouvement néoclassique a coïncidé avec le 18ème siècle des Lumières , et a continué dans le début du 19e siècle, dernièrement en concurrence avec le romantisme . Dans l'architecture le style a continué tout au long des 19e et 20e siècles et dans le 21ème.
Vue d'ensemble
Néoclassicisme est un renouveau des styles et de l'esprit de l'antiquité classique inspiré directement de la période classique, qui a coïncidé et reflète l'évolution de la philosophie et d'autres domaines de l'Age des Lumières, et a d'abord été une réaction contre les excès de la précédente rococo de style. Alors que le mouvement est souvent décrite comme la contrepartie opposée du romantisme , ce est une grande simplification excessive qui tend à ne pas être durable quand les artistes ou d'œuvres spécifiques sont pris en compte, le cas de la championne principale supposée de la fin de néoclassicisme, Ingres, ce qui démontre particulièrement bien. La reprise peut être attribuée à la mise en place de l'archéologie officielle. Les écrits de Johann Joachim Winckelmann était important dans l'élaboration de ce mouvement à la fois dans l'architecture et les arts visuels. Ses livres, Réflexions sur l'imitation des œuvres grecques en peinture et de sculpture (1750) et Geschichte der Kunst des Alterthums ("Histoire de l'art antique", 1764) furent les premiers à distinguer nettement entre antique art grec et romain, et de définir les délais dans l'art grec, traçant une trajectoire de la croissance à la maturité et l'imitation ou la décadence qui continue d'exercer une influence à nos jours. Winckelmann croyait que l'art devrait viser à «noble simplicité et calme grandeur», et a salué l'idéalisme de l'art grec, dans laquelle il dit que nous trouvons: "non seulement la nature à ses plus belles mais aussi quelque chose au-delà de la nature, à savoir certaines formes idéales de son beauté, qui, comme un ancien interprète de Platon nous enseigne, venez à partir d'images créées par l'esprit seul ". La théorie était très loin d'être nouveau dans l'art occidental, mais son accent sur une étroite copie des modèles grecs était: «La seule façon pour nous de devenir grande ou, si cela est possible, inimitable, est d'imiter les anciens".
Avec l'avènement de la Grand Tour, une mode de collecte antiquités ont commencé qui a jeté les fondations de nombreuses grandes collections diffusion d'une renaissance néoclassique dans toute l'Europe. "Néoclassicisme" dans chaque art implique un canon particulier d'un modèle "classique".
En anglais, le terme "néoclassicisme" est utilisé principalement des arts visuels; le mouvement similaire dans Littérature anglaise, qui a commencé beaucoup plus tôt, est appelé La littérature d'Auguste, qui avait été dominante pendant plusieurs décennies, et commençait à décliner, au moment néoclassicisme dans les arts visuels est devenu à la mode. Bien que les termes diffèrent, la situation dans la littérature française était similaire. En musique, la période a vu la montée de la musique classique, et "néoclassicisme" est utilisé de 20e développements siècle. Toutefois, les opéras de Christoph Willibald Gluck, représentait une approche spécifiquement néo-classique, énoncé dans sa préface à la partition publiée de Alceste (1769), qui visait à réformer l'opéra en supprimant l'ornementation, l'accroissement du rôle du chœur en ligne avec La tragédie grecque, et l'utilisation de lignes mélodiques simples sans fioritures.
Le terme «néoclassique» n'a pas été inventé jusqu'à ce que le milieu du 19e siècle, et au moment où le style a été décrit par des termes tels que "le vrai style", "réformée" et "renaissance"; ce qui était considéré comme étant relancé variant considérablement. Modèles anciens étaient certainement très impliqués, mais le style pourraient également être considérées comme une renaissance de la Renaissance , et surtout en France comme un retour à la plus austère et noble baroque de l'âge de Louis XIV , pour lesquels une nostalgie considérables avaient développé que la position militaire et politique dominante de la France a lancé un sérieux déclin. Sacre le portrait d'Ingres de Napoléon même emprunté à l'Antiquité tardive diptyques consulaires et leur Renaissance carolingienne, à la désapprobation des critiques.
Néoclassicisme était plus forte dans l'architecture , la sculpture et de la arts décoratifs, où les modèles classiques dans le même milieu étaient relativement nombreuses et accessibles; exemples de la peinture ancienne qui ont démontré les qualités que l'écriture de Winckelmann trouvé dans la sculpture étaient et sont absents. Winckelmann a été impliqué dans la diffusion des connaissances des premières grandes peintures romaines à découvrir, à Pompéi et Herculanum et, comme la plupart des contemporains, sauf pour Gavin Hamilton, a été impressionné par eux, citant Pline, les observations de jeunes sur le déclin de la peinture dans sa période.
Néoclassicisme européenne dans les arts visuels a commencé c. 1760 en opposition avec les alors-dominantes baroques et rococo styles. L'architecture rococo souligne la grâce, de l'ornementation et l'asymétrie; Architecture néoclassique est fondée sur les principes de simplicité et de symétrie, qui ont été considérés comme des vertus des arts de Rome et de la Grèce antique , et ont été plus directement tirées du 16ème siècle de la Renaissance Classicisme . Chaque «néo» - classicisme sélectionne certains modèles parmi la gamme des classiques possibles qui sont à sa disposition, et ignore les autres. Les écrivains et les causeurs néoclassiques, des mécènes et des collectionneurs, des artistes et sculpteurs de 1765-1830 ont rendu hommage à une idée de la génération de Phidias, mais les exemples de sculpture qu'ils effectivement embrassé étaient plus susceptibles d'être des copies romaines de sculptures hellénistiques. Ils ont ignoré la fois l'art grec archaïque et les œuvres de l'Antiquité tardive. L'art rococo de l'ancienne Palmyre est venu comme une révélation, à travers des gravures dans les ruines de bois de Palmyre. Même la Grèce était tout-mais-non visités, un trou perdu rugueuse de l'Empire ottoman, dangereux à explorer, afin néoclassiques de l'appréciation de l'architecture grecque a été médiée par des dessins et des gravures, qui subtilement lissée et régularisés, "corrigée" et "restaurée" les monuments . de la Grèce, pas toujours consciemment Comme pour la peinture, la peinture grecque était complètement perdu: peintres néoclassique imagination relancé, en partie grâce à des frises en bas-relief, de mosaïques et la peinture de poterie et en partie par les exemples de la peinture et la décoration de la Haute Renaissance de Raphaël «de la génération, fresques Néron Domus Aurea, Pompéi et Herculanum et par admiration renouvelée Nicolas Poussin. Much "néoclassique" la peinture est plus classicisant au sujet que dans toute autre chose. Une farouche, mais souvent très mal informé, conflit a fait rage pendant des décennies sur les mérites relatifs de l'art grec et romain, avec Winckelmann et son hellénistes généralement le côté garçon gagnante.
Peinture et gravure
Il est difficile de retrouver le caractère radical et passionnant de la peinture néo-classique tôt pour le public d'aujourd'hui; frappe maintenant, même les écrivains favorablement inclinés à lui comme "insipide" et "presque entièrement sans intérêt pour nous» -certains des Les commentaires de Kenneth Clark sur Parnassus ambitieux Anton Raphael Mengs au Villa Albani, par l'artiste qui son ami Winckelmann décrit comme "le plus grand artiste de sa propre, et peut-être de temps plus tard". Les dessins, par la suite transformées en gravures, des John Flaxman utilisé dessin et chiffres de ligne très simple surtout dans le profil pour représenter L'Odyssée et d'autres sujets, et une fois que «les jeunes artistique de l'Europe a tiré", mais sont maintenant "négligé", tandis que le peintures de l'histoire Angelika Kaufmann, essentiellement portraitiste, sont décrits comme ayant «une douceur onctueuse et l'ennui» par Fritz Novotny. Frivolité rococo et le mouvement baroque avaient été dépouillés, mais de nombreux artistes du mal à mettre ne importe quoi à leur place, et en l'absence d'exemples anciens de la peinture d'histoire, autres que le Vases grecs utilisés par Flaxman, Raphaël avaient tendance à être utilisé comme un modèle de remplacement, comme Winckelmann recommandé.
Le travail d'autres artistes, qui ne pouvait pas facilement être décrits comme insipides, les aspects combinés de romantisme avec un style néoclassique généralement, et font partie de l'histoire des deux mouvements. Le peintre germano-danoise Asmus Jacob Carstens a terminé très peu de grands travaux mythologiques qu'il avait l'intention, laissant la plupart des dessins et des études de couleurs qui se succèdent souvent dans l'approche de la prescription de Winckelmann du «noble simplicité et calme grandeur». Contrairement régimes latentes Carstens, le gravures de Giovanni Battista Piranesi étaient nombreux et rentable, et repris par ceux qui font la Grand Tour à toutes les parties de l'Europe. Son objet principal était les bâtiments et les ruines de Rome, et il a été plus stimulée par l'ancienne que moderne. L'atmosphère quelque peu inquiétante de beaucoup de ses Vedute (vues) devient dominante dans sa série de 16 gravures de Carceri d'Invenzione («Prisons imaginaires») dont "l'architecture cyclopéenne oppressif» transmet «rêves de peur et de frustration". Le Swiss-né Johann Heinrich Füssli passé la plupart de sa carrière en Angleterre, et alors que son style fondamentale a été fondée sur des principes néoclassiques, ses sujets et le traitement reflète le plus souvent la souche «gothique» du romantisme , et a cherché à évoquer le drame et l'excitation.
Néoclassicisme dans la peinture a gagné un nouveau sens de l'orientation avec le succès sensationnel de Jacques-Louis David Serment des Horaces au Salon de Paris de 1785. En dépit de son évocation des vertus républicaines, ce était une commission par le gouvernement royal, qui a insisté sur David peinture à Rome. David a réussi à combiner un style idéaliste avec le drame et la force. La perspective centrale est perpendiculaire au plan de l'image, a fait plus catégorique par l'arcade sombre derrière, contre lequel les figures héroïques sont disposées comme dans un Frise, avec un soupçon de l'éclairage artificiel et mise en scène de l'opéra , et la coloration classique de Nicolas Poussin. David est rapidement devenu le leader de l'art français, et après la Révolution française est devenu un politicien avec contrôle d'une grande patronage du gouvernement dans l'art. Il réussi à conserver son influence dans le napoléonienne période, se tournant vers des œuvres de propagande franchement, mais a dû quitter la France pour se exiler à Bruxelles à la Bourbon Restauration.
De nombreux étudiants de David inclus Jean Auguste Dominique Ingres, qui se voyait comme un classique tout au long de sa longue carrière, malgré un style mature qui a une relation équivoque avec le courant principal du néoclassicisme, et de nombreux détournements plus tard dans Orientalisme et le style Troubadour qui sont difficiles à distinguer de ceux de ses contemporains romantiques sans vergogne, que par la primauté ses œuvres donnent toujours au dessin. Il expose au Salon depuis plus de 60 ans, de 1802 dans les débuts de l'impressionnisme , mais son style, une fois formé, a peu changé.
Fantastique représentation de la Appian Way; gravure de Giovanni Battista Piranesi, 1756
Angelica Kauffmann, Vénus Induit Helen à tomber en amour avec Paris, 1790
Asmus Jacob Carstens, Nuit et ses enfants, sommeil et la mort, 1794, craie noire sur papier, 745 x 985 cm
La version d'Ingres du néoclassicisme, Œdipe et le Sphinx, 1808
Sculpture
Si la peinture néoclassique souffert d'un manque de modèles anciens, sculpture néoclassique tendance à souffrir d'un excès d'entre eux, bien que des exemples de la sculpture grecque réelle de la «période classique" de début dans environ 500 BC étaient alors très peu; les œuvres les plus réputés étaient la plupart du temps des copies romaines. Les sculpteurs néoclassiques principaux apprécié énormes réputation dans leur propre jour, mais sont maintenant moins considérés, à l'exception de Jean-Antoine Houdon, dont le travail était essentiellement des portraits, très souvent que des bustes, qui ne sacrifient une forte impression de la personnalité de l'sitter à l'idéalisme. Son style est devenu plus classique que sa longue carrière a continué, et représente une progression plutôt lisse de charme rococo à la dignité classique. Contrairement à certains sculpteurs néoclassiques, il n'a pas insisté sur ses modèles en costume romain, ou d'être dévêtu. Il dépeint la plupart des grandes figures des Lumières, et a voyagé en Amérique pour produire un statue de George Washington, ainsi que des bustes de Thomas Jefferson , Benjamin Franklin et d'autres sommités de la nouvelle république.
Antonio Canova et le Danois Bertel Thorvaldsen ont été tous deux basés à Rome, et ainsi que des portraits de nombreuses personnalités produit et les groupes ambitieux grandeur nature; à la fois la tendance fortement représentés dans la sculpture néoclassique idéaliser. Canova a une légèreté et de grâce, où Thorvaldsen est plus grave; la différence est illustrée dans leurs groupes respectifs des Trois Grâces. Tous ceux-ci, et de Flaxman, étaient encore actifs dans les années 1820, et le romantisme a été lent à influer sur la sculpture, où les versions du néoclassicisme restés le style dominant pour la plupart du 19e siècle.
Un néoclassique au début de la sculpture était le Suédois Johan Tobias Sergel ,. John Flaxman est également, ou principalement, un sculpteur, la production de la plupart des reliefs sévèrement classiques qui sont comparables dans le style de ses impressions; il a également conçu et modélisé pour céramiques néoclassiques Josiah Wedgwood depuis plusieurs années. Johann Gottfried Schadow et son fils Rudolph, l'un des rares sculpteurs néoclassiques de mourir jeune, ont été les plus grands artistes allemands, avec Franz Anton Zauner en Autriche. Le regretté sculpteur baroque autrichien Franz Xaver Messerschmidt se tourna vers le néoclassicisme en milieu de carrière, peu de temps avant, il semble avoir subi une sorte de crise mentale, après quoi il se retira dans le pays et se consacre à la très distinctifs «têtes de caractère» de simples chiffres tirant expressions faciales extrêmes. Comme Carceri de Piranèse, ceux-ci jouissaient d'une grande regain d'intérêt au cours de l'âge de la psychanalyse au début du 20e siècle. Le sculpteur néoclassique Néerlandais Mathieu Kessels a étudié avec Thorvaldsen et a travaillé presque exclusivement à Rome.
Depuis avant les années 1830 aux États-Unis n'a pas eu une tradition de sculpture de son propre, sauf dans les zones de pierres tombales, des girouettes et des figures de proue de navire, la manière néoclassique européenne ya été adopté, et il était à dominer pendant des décennies et est illustré dans les sculptures de William Henry Rinehart (1825-1874), Hiram Powers, et Randolph Rogers.
Reposant Faun, 1770, Johan Tobias Sergel
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Voltaire par Jean-Antoine Houdon, 1778, l'une des nombreuses versions différentes.
Le triomphe de 1810, Jean-Pierre Cortot, de la Arc de Triomphe
Hercule et les chevaux de Diomède, Johann Gottfried Schadow, étude pour le Porte Brandenberg arc de triomphe
Discobole préparant à jeter, Mathieu Kessels, Chatsworth House
Un des «têtes de caractère» de Franz Xaver Messerschmidt
Nydia, Randolph Rogers, 1859
Architecture et les arts décoratifs
Il est une souche anti-rococo qui peut être détecté dans certains pays européens l'architecture du 18ème siècle plus tôt, le plus clairement représentée dans la architecture palladienne de Georgian -Bretagne et l'Irlande , mais aussi reconnaissable dans une veine classicisant de l'architecture dans Berlin . Ce est une architecture robuste de la maîtrise de soi, académiquement sélective maintenant des "meilleurs" modèles romains.
Néoclassicisme abord gagné influence dans l'Angleterre et de France , grâce à une génération d'étudiants d'art françaises formés à Rome et influencé par les écrits de Johann Joachim Winckelmann, et il a été rapidement adopté par des cercles progressistes en Suède . Dans un premier temps, décor classicisante a été greffé sur des formulaires européens familiers, comme dans les intérieurs pour l'amant de Catherine II Comte Orlov, conçu par un architecte italien avec une équipe de stuccadori italienne: seuls les médaillons ovales isolés comme camées et la dessus-bas-relief soupçon de néoclassicisme; les meubles sont entièrement rococo italien.
Mais une deuxième vague néoclassique, plus grave, plus étudié (par l'intermédiaire de gravures) et plus consciemment archéologique, est associé à la hauteur de l' Empire napoléonien . En France, la première phase du néoclassicisme est exprimée dans le style "Louis XVI", la deuxième phase dans les styles que nous appelons «Directoire» ou Empire. Italie se accrochait à rococo jusqu'à ce que les régimes napoléoniennes introduit le nouveau classicisme archéologique, qui a été embrassé comme une déclaration politique par les jeunes, progressistes, les Italiens urbaines avec des penchants républicains.
Dans les arts décoratifs, le néoclassicisme est illustré dans le mobilier Empire fait à Paris, Londres, New York, Berlin; en Meubles Biedermeier fabriqué en Autriche; en Les musées de Karl Friedrich Schinkel à Berlin, Sir La Banque d'Angleterre John Soane à Londres et le nouvellement construit " capitale "dans Washington, DC , et en Wedgwood de bas-reliefs et "basaltes noirs" vases. L'architecte écossais Charles Cameron a créé des intérieurs de palais à l'italienne pour l'origine allemande Catherine II la Grande en russe de Saint-Pétersbourg: le style était international.
Intérieur, le néoclassicisme fait une découverte de la véritable intérieur classique, inspiré par les redécouvertes au Pompéi et Herculanum, qui avait commencé à la fin des années 1740, mais seulement atteint un large public dans les années 1760, avec les premiers volumes de la distribution de luxe étroitement contrôlé de Le Antichità di Ercolano. Les antiquités d'Herculanum a montré que même les intérieurs les plus classicisantes du baroque , ou les chambres la plupart des «romains» de William Kent étaient basées sur basilique et temple architecture extérieure, tourné à l'extérieur dans: fenêtres fronton transformés en miroirs dorés, cheminées surmontées de façades du temple, maintenant tout l'air assez emphatique et absurde. Les nouveaux intérieurs ont cherché à recréer un vocabulaire authentique romain et véritablement intérieur, employant plus plates, motifs légers, sculpté en bas frise peinte en relief ou monotones en camaïeu («comme camées»), médaillons isolés ou des vases ou des bustes ou bucranes ou d'autres motifs, suspendues à des guirlandes de laurier ou un ruban, d'arabesques fines sur des fonds, peut-être, de «rouge pompéien" ou teintes pâles, ou les couleurs de pierre. Le style en France fut d'abord un style parisien, le Goût grec, pas un style de cour. Seulement lorsque le dodu, jeune roi a accédé au trône en 1774 a fait de son mode aimant Reine apportera le style "Louis XVI" au tribunal.
De 1800 un nouvel afflux d'exemples architecturaux grecs, vu par l'intermédiaire de gravures et des gravures, a donné un nouvel élan au néoclassicisme qui se appelle le Greek Revival. Dans le même temps, le style Empire était une vague plus grandiose du néoclassicisme dans l'architecture et les arts décoratifs, essentiellement basée sur les styles romains, qui a pris naissance et a pris son nom de la règle de Napoléon Ier dans le Premier Empire français, où il a été destiné à idéaliser le leadership de Napoléon et l'Etat français. Le style correspond aux plus bourgeois Le style Biedermeier dans les terres germanophones, Style fédéral aux États-Unis, le style Régence en Grande-Bretagne et l'Napoleonstil en Suède. Selon Hugh Honour, "loin d'être, comme on le croit parfois, le point culminant du mouvement néo-classique, l'Empire marque son déclin rapide et la transformation de retour une fois de plus en une simple renaissance antique, vidé de toutes les idées et la force nobles de conviction qui avaient inspiré ses chefs-d'œuvre ». Une phase antérieure du style a été appelé le Adam style dans la Grande-Bretagne et «Louis XVI» ou Louis XVI, en France.
Néoclassicisme a continué à être une force majeure dans art académique à travers le 19ème siècle et au-delà, une antithèse constante romantisme ou Revivals- gothique bien que depuis la fin du 19e siècle, il avait souvent été considéré comme anti-moderne, ou même réactionnaire, dans les milieux critiques influents. Vers le milieu du 19e siècle, plusieurs villes européennes notamment- St-Pétersbourg et Munich -étaient transformés en véritables musées de l'architecture néoclassique.
L'architecture néo-gothique (souvent lié avec le mouvement culturel romantique), un style originaire du 18ème siècle, qui a gagné en popularité au cours du 19ème siècle, en contraste néoclassicisme. Alors que néoclassicisme a été caractérisée par styles grecs et romains d'influence, lignes géométriques et l'ordre, l'architecture néogothique a mis l'accent sur les bâtiments médiévaux prospectifs, souvent fait d'avoir un cadre rustique, "romantique", l'apparence.
Or coquetier, Paris 1762-1763, au gout Grec (style grec)
table de style Empire
vase Wedgwood dans le style grec figures rouges, c. 1815
Empire saucière de style, Porcelaine de Sèvres, 1809-1810
Néoclassicisme et de la mode
Dans la mode, néoclassicisme a influencé la plus grande simplicité des robes des femmes, et la mode durable pour le blanc, bien avant la Révolution française, mais ce ne est qu'après qu'il que les tentatives approfondies en cours d'imiter les styles antiques devint à la mode en France, au moins pour les femmes. Costumes classiques ont longtemps été porté par les dames à la mode posant "comme" une figure de la mythologie grecque ou romaine dans un portrait (en particulier il y avait une éruption de ces portraits du "modèle" jeune Lady Hamilton de 1780), mais ces costumes ne ont été portés pour la séance de portrait et bals masqués jusqu'à la période révolutionnaire, et peut-être, comme d'autres styles exotiques, comme se déshabiller à la maison. Mais les styles portés dans les portraits par Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien et d'autres trend-setters parisiens étaient pour aller-en public ainsi. Voyant Mme Tallien à l'opéra, Talleyrand dit en plaisantant que: "Il Ne EST PAS possible de s'exposer, plus somptueusement!" ("On ne pouvait pas être plus sumptously déshabiller"). En 1788, juste avant la Révolution, le portraitiste de la cour Élisabeth Vigée Le Brun a tenu une "souper grec" où les dames portaient des tuniques grecques "de" blancs simples. Coiffures classiques plus courtes, si possible avec des boucles, étaient moins controversée et très largement adoptée, et les cheveux a été maintenant découverts même à l'extérieur; sauf pour robe de soirée bonnets ou autres revêtements avaient généralement été portés même à l'intérieur avant. Des rubans ou des filets à la grecque minces ont été utilisées pour attacher les cheveux ou décorer la place.
Robes très légère et ample, généralement blancs et souvent avec les bras nus choquant, rose pure de la cheville juste au-dessous du corsage, où il y avait un ourlet mince fortement souligné ou cravate autour du corps, souvent dans une couleur différente. La forme est maintenant souvent connu sous le nom Silhouette empire bien qu'il est antérieure à la Premier Empire Français de Napoléon, mais sa première impératrice Joséphine de Beauharnais était influente dans sa diffusion à travers l'Europe. Un châle rectangulaire long ou pellicule, souvent uni rouge mais avec une bordure décorée dans les portraits, aidé par temps froid, et a apparemment été mis autour de la ventre quand vous êtes assis - pour lesquels tentaculaire postures semi-couchés ont été favorisés. Au début du 19e siècle, ces styles avaient largement répandu à travers l'Europe.
La mode néoclassique pour les hommes était beaucoup plus problématique, et n'a jamais vraiment décollé autre que pour les cheveux, où il a joué un rôle important dans les styles plus courtes que, finalement, envoya l'utilisation de perruques, puis cheveux blancs en poudre, pour les jeunes hommes. Le pantalon a été le symbole du barbare des Grecs et des Romains, mais à l'extérieur du peintre ou, en particulier, l'atelier du sculpteur, peu d'hommes étaient prêts à abandonner. En effet, la période a vu le triomphe du pantalon pur, ou Pantalon, au cours des cullottes ou culotte de la Ancien Régime. Même lorsque David a conçu un nouveau "costume national" français à la demande du gouvernement au cours de la hauteur de l'enthousiasme révolutionnaire pour tout changer en 1792, il comprenait leggings assez serrés sous un manteau qui se est arrêté au-dessus du genou. Une forte proportion de bien-to-do jeunes hommes ont passé une grande partie de la période clé dans le service militaire en raison de la Guerres de la Révolution française, et l'uniforme militaire, qui a commencé à souligner vestes qui étaient courte sur le devant, donnant une vue complète de pantalons moulants, a été souvent porté lorsqu'il ne est pas en service, et a influencé les styles masculins cilivian.
Le pantalon problème avait été reconnu par les artistes comme un obstacle à la création contemporaine peintures d'histoire; comme d'autres éléments de la robe contemporaine ils étaient considérés comme irrémédiablement laid et peu héroïque par de nombreux artistes et critiques. Divers stratagèmes ont été utilisés pour éviter les dépeignant des scènes modernes. En James Dawkins et Robert Wood découverte des ruines de Palmyra (1758) par Gavin Hamilton, les deux antiquaires gentleman sont présentés dans toge comme robes arabes. En Watson et le requin (1778) par John Singleton Copley, le personnage principal pourrait vraisemblablement être représentée nue, et la composition est telle que des huit autres hommes présentés, un seul présente un seul culottes jambe en bonne place. Cependant, le Copley Américains et Benjamin West a conduit les artistes qui ont montré avec succès que pantalons pourraient être utilisés dans les scènes héroïques, avec des oeuvres comme de l'Ouest La mort du général Wolfe (1770) et de Copley La mort du Major Peirson, le 6 Janvier 1781 (1783), bien que le pantalon était toujours soigneusement évité dans Le Radeau de la Méduse, achevé en 1819.
D'inspiration classique styles de cheveux masculins inclus la Bedford cultures, sans doute le précurseur de la plupart des styles de simples hommes modernes, qui a été inventé par le politicien radical Francis Russell, 5e duc de Bedford comme une protestation contre une taxe sur la poudre de cheveux; il a encouragé ses frends de l'adopter par eux qu'ils ne le feraient pas de parier. Un autre style d'influence (ou un groupe de styles) a été nommé par les Français après l'empereur romain Titus, de ses bustes, aux cheveux courts et en couches, mais un peu entassés sur la couronne, souvent avec quiffs ou serrures pendaient sobres; variantes sont familiers de la chevelure des deux Napoléon et George IV d'Angleterre . Le style était censé avoir été introduit par l'acteur François-Joseph Talma, qui a éclipsé ses co-acteurs perruque en apparaissant dans des productions d'œuvres tels que Voltaire Brutus l '. En 1799, un magazine de mode parisienne a signalé que même les hommes chauves adoptaient perruques Titus, et le style a également été porté par les femmes, les Journal de Paris de rapports en 1802 que «plus de la moitié des femmes élégantes portaient leurs cheveux ou une perruque à la Titus.
James Dawkins et Robert Wood découverte des ruines de Palmyre, par Gavin Hamilton (1758)
Madame Raymond de Verninac par Jacques-Louis David, avec des vêtements et une chaise dans Style Directoire. «Année 7", qui est 1798-1799.
Portrait de Madame Récamier, David, 1800
Princesse Elizabeth Alexeievna (Louise de Bade) en 1802
Francis Russell, 5e duc de Bedford dans un Bedford cultures
Plus tard, "Neoclassicisms"
Dans l'architecture américaine, le néoclassicisme était une expression de la Mouvement de la Renaissance américaine, ca 1890-1917; sa dernière manifestation était en Beaux-Arts architecture, et ses tout derniers grands projets publics, ont été les Lincoln Memorial (très critiquée à l'époque), Le National Gallery de Washington, DC (également fortement critiquée par la communauté architecturale comme arrière pensée et démodée dans sa conception), et de la American Museum of Roosevelt Memorial de Histoire Naturelle. Il se agissait éléphants blancs quand ils ont été construits. Dans le Raj britannique, Sir La planification de la ville monumentale d'Edwin Lutyens pour New Delhi marque le magnifique coucher de soleil du néoclassicisme. La Seconde Guerre mondiale était de briser les plus envie de - et l'imitation de - mythiques, temps héroïques.
Conservateur architectes modernistes tels que Charles Perret en France a gardé les rythmes et l'espacement de l'architecture colonnaire même dans des bâtiments d'usine. Où un colonnade aurait été dénoncé comme «réactionnaire», un bâtiment de pilastre-like panneaux cannelés sous une répétition frise regardé «progressiste." Pablo Picasso a expérimenté avec des motifs classicisantes dans les années immédiatement après la Première Guerre mondiale , et de la Style Art déco qui se est imposé suite à la 1925 Paris Exposition des Arts Décoratifs, souvent appuyée sur des motifs néoclassiques sans les exprimer ouvertement: sévère, blocs commodes par EJ Ruhlmann ou Sue et Mare; croquante, très bas-relief frises de demoiselles et les gazelles dans tous les médias; robes à la mode qui ont été drapées ou coupées dans le biais pour recréer des lignes grecques; la danse de l'art de Isadora Duncan; la Rationaliser Moderne style des bureaux de poste des États-Unis et le comté de bâtiments des tribunaux construits aussi tard que 1950; et le Dime Roosevelt.
Il y avait tout un mouvement du 20ème siècle dans les arts qui a également été appelés néo-classicisme. Il englobait au moins la musique, la philosophie et la littérature. Ce est entre la fin de la Première Guerre mondiale et la fin de la Seconde Guerre mondiale . Pour plus d'informations sur les aspects musicaux, voir 20ème siècle et la musique classique Néoclassicisme (musique). Pour plus d'informations sur les aspects philosophiques, voir Great Books.
Ce mouvement néo-classique littéraire rejeté l'extrême romantisme de (par exemple) dada , en faveur de la modération, de la religion (en particulier le christianisme) et un programme politique réactionnaire. Bien que les bases de ce mouvement Littérature anglaise ont été portées par TE Hulme, les plus célèbres étaient les néoclassiques TS Eliot et Wyndham Lewis. En Russie , le mouvement cristallisé dès 1910 sous le nom de Acméisme, avec Anna Akhmatova et Ossip Mandelstam que les principaux représentants.
Dans la musique
Néoclassicisme dans la musique est un mouvement 20e siècle; dans ce cas, ce est le la musique classique de la fin du 18e et début du 19e siècle qui est en train de renaître, pas la musique du monde antique. Ce est finalement une réponse à l'allemand modernisme dans la première partie du 20e siècle. Ce est un anti-progrès, anti-industrielle et style musical anti-innovante. Ceci a été inspiré par des compositeurs affirmant que l'humanité est intrinsèquement "diatonique» et «tonale»; à l'opposé des influences et des compositions musicales ultra-moderne à l'époque. Compositeurs commencé à regarder en arrière pour influences musicales historiques. Bien que la pratique de l'emprunt styles musicaux du passé ne est pas rare dans l'histoire musicale, musiques d'art ont traversé des périodes où les musiciens ont utilisé des techniques modernes couplés avec des formes plus âgés ou harmonies de créer de nouveaux types d'œuvres. Caractéristiques de composition notables sont, le retour à la tonalité, le retour à des formes classiques (suites de danses, concerti grossi, formes sonate évidentes, etc.), revenir à l'idée de la musique absolue, l'utilisation de textures musicales légères, et l'compositeurs concision de musique expression. Dans la musique classique, ce est notamment pratiquée entre les années 1920 et les années 1950. Igor Stravinsky est le compositeur le plus connu utilisant ce style; il a commencé effectivement la révolution musicale avec son Bach-like Octuor pour instruments à vent (1923). Un travail individuel particulier que représente ce style bien est Prokofiev Symphonie classique n ° 1 en ré, qui rappelle le style symphonique de Haydn ou de Mozart . Néoclassique vient de la même période, et visait à désencombrer le style impérial russe en termes d'étapes et de récit, tout en conservant ses innovations techniques.
Architecture de Russie et l'Union soviétique
En 1905-1914 l'architecture russe traversé une période brève mais influente de renaissance néoclassique; la tendance a commencé avec les loisirs de style Empire de la période alexandrine et a rapidement élargi dans une variété de néo- Renaissance , palladiennes écoles et modernisés, pourtant reconnue classiques. Ils ont été conduits par les architectes nés en 1870, qui ont atteint pic créatif avant la Première Guerre mondiale aime Ivan Fomine, Vladimir Chtchouko, Ivan Zholtovsky. Quand l'économie récupéré dans les années 1920, ces architectes et leurs partisans ont continué à travailler dans principalement environnement moderniste; certains (Zholtovsky) a strictement suivi le canon classique, d'autres (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) développé leurs propres styles modernisés.
Avec la vague de répression sur l'indépendance des architectes et démenti officiel de la modernité (1932), a démontré par le concours international pour le Palais des Soviets, le néoclassicisme a été immédiatement promu comme l'un des choix de l'architecture stalinienne, mais pas le seul. Il coexistait avec l'architecture moderniste de modérément Boris Iofan, à la frontière avec contemporain Art Déco (Schuko); encore une fois, les plus purs exemples du style ont été produites par l'école Zholtovsky qui restait un phénomène isolé. L'intervention politique a été un désastre pour les dirigeants constructivistes encore été sincèrement accueilli par les architectes des écoles classiques.
Néoclassicisme était un choix facile pour l'URSS, car il n'a pas compté sur les technologies modernes de construction ( cadre en acier ou en béton armé) et pourrait être reproduit dans traditionnels maçonnerie. Ainsi, les conceptions de Zholtovsky, Fomin et d'autres maîtres anciens ont été faciles à reproduire dans les villes éloignées vertu matériau stricte rationnement. Amélioration de la technologie de la construction après la Seconde Guerre mondiale a permis architectes staliniens se lancer dans la construction de gratte-ciel, même si stylistiquement ces gratte-ciel (y compris les "exporté" architecture du Palais de la Culture et de la Science, de Varsovie et de la Shanghai International Convention Centre) partagent peu avec les modèles classiques. Néoclassicisme et le néo-Renaissance ont persisté dans des projets résidentiels et de bureaux moins exigeantes jusqu'en 1955, quand Nikita Khrouchtchev a mis fin à l'architecture stalinienne cher.
L'architecture du 21e siècle
Après une accalmie au cours de la période de domination architecture moderne (environ post-Seconde Guerre mondiale jusqu'au milieu des années 1980), le néoclassicisme a vu peu d'une résurgence. Dans le États-Unis certains bâtiments publics sont construits dans le style néoclassique que d'au moins 2006, avec l'achèvement du Centre Symphony Schermerhorn au Nashville .
Dans la Grande-Bretagne un certain nombre d'architectes sont actifs dans le style néoclassique. Des exemples de leurs travaux comprennent deux bibliothèques universitaires: Maitland Robinson Bibliothèque de Quinlan Terry au Downing College et de Robert Adam Architectes Sackler Library. La majorité des nouveaux bâtiments néoclassiques en Grande-Bretagne sont des maisons privées.
Dès la première décennie du 21e siècle, l'architecture néo-classique est généralement classé sous le terme générique de «l'architecture traditionnelle". En outre, un certain nombre de morceaux de l'architecture postmoderne inspirer de explicites et inclure des références à néoclassicisme, le Théâtre National de Catalogne à Barcelone entre eux. Postmoderne goût architectural comprend, en fait, des éléments historiques, comme la colonne, le capital ou le tympan. Deux des plus excroissances Postmodernisme "classiques" sont l'architecture néo-éclectique et architecture néo-historist.
