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Música popular americana

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Música de Estados Unidos da América
Timeline
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Gêneros
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Formas específicas
A música religiosa Musica gospel Pop Christian
Música étnica

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Anglo-Americano ( Old-time · Ocidental)
Americano africano
Celta
Latina ( Tejano · Puerto Rican)
Cajun e Creole
Havaiano

Comunidades imigrantes
Mídia e desempenho
Prêmios de música
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Paradas de música
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Música popular americana teve um efeito profundo sobre a música em todo o mundo. O país tem visto a ascensão de estilos populares que tiveram uma influência significativa na cultura global, incluindo ragtime , azuis, jazz , rock, R & B , doo wop, evangelho, alma, funk, heavy metal, punk, disco, casa, techno, salsa , grunge e hip hop. Além disso, a indústria da música americana é bastante diversificado, apoiando uma série de estilos regionais, como zydeco, klezmer e slack-chave. O apelo destes estilos está nas suas flexíveis, ritmos enérgicos, a sua atraente linhas vocais, e em muitos casos as suas associações simbólicas com a situação dos mais desfavorecidos.

Estilos distintos da música popular americana surgiu no início do século 19, e no século 20 o americano indústria da música desenvolveu uma série de novas formas de música, usando elementos do blues e outros gêneros de Música folk americana. Estes estilos populares incluídos país, R & B, jazz e rock. A década de 1960 e 70 viu um número de mudanças importantes na música popular americana, incluindo o desenvolvimento de uma série de novos estilos, incluindo o heavy metal, punk, soul e hip hop. Embora esses estilos não eram populares no sentido de mainstream, que foram gravadas comercialmente e são, portanto, exemplos de música popular ao contrário da popular ou música clássica.

Cedo canção popular

O primeiro grande compositor popular americana, Stephen Foster.

As primeiras músicas que poderiam ser considerados música popular americana, ao contrário da música popular de uma determinada região ou etnia, foram sentimental canções de salão por Stephen Foster e seus pares, e canções destinadas para uso em shows de menestréis , produções teatrais que contou com canto, dança e performances cômicas. Minstrel mostra geralmente usado Instrumentos africanos e dança, e contou com artistas com os rostos enegrecidos, uma técnica chamada blackface . Em meados do século 19, as empresas de turismo tinha tomado esta música não só a todas as partes dos Estados Unidos, mas também para a Inglaterra, Europa Ocidental, e até mesmo para a ?frica e ?sia. Shows de menestréis eram geralmente anunciados como se a música dos shows foi em um Estilo americano africano, embora muitas vezes isso não era verdade.

Folha de rosto da música " Jim Dandy de Caroline "por Dan Emmett, Londres, c. 1844.

Os negros tinham tomado parte na cultura popular americana antes da era da Guerra Civil, pelo menos, que remonta ao Teatro africano Grove em Nova York na década de 1820 ea publicação da primeira música de um compositor preto, Francis Johnson, em 1818. No entanto, esses marcos importantes ainda ocorreu inteiramente dentro das convenções da música européia. A primeira canção menestrel extremamente popular era " Ir Jim Crow "por Thomas "Daddy" Arroz, que foi realizada pela primeira vez em 1832 e foi uma sensação em Londres, quando Arroz realizada lá em 1836. O arroz utilizado uma dança que ele copiou de um cavalariço com uma melodia adotada a partir de um irlandês jig. Os elementos africanos incluiu o uso do banjo , acredita derivar de instrumentos de corda do Oeste Africano, e ritmos acentuados e aditivos. Muitas das canções dos shows de menestréis ainda são lembrados hoje, especialmente aqueles por Emmett e Daniel Stephen Foster, sendo este último, de acordo com David Ewen, "primeiro compositor principal dos Estados Unidos, e um dos escritores proeminentes do mundo de canções" . Canções de Foster eram típicos da era menestrel em seu sentimentalismo descarado, e na sua aceitação da escravidão. No entanto, Foster fez mais do que a maioria dos compositores do período de humanizar os negros que ele compôs cerca de, tal como em "Nelly foi a Lady", uma canção melancólica melancólica sobre um homem negro de luto pela perda de sua esposa.

O show menestrel marcou o início de uma longa tradição de música americana Africano sendo apropriados para as audiências populares, e foi a primeira forma distintamente americano de música para encontrar aclamação internacional, em meados do século 19. Como Donald Clarke notou, menestrel mostra contido "música essencialmente preto, enquanto os atos mais bem sucedidos eram brancos, de modo que as músicas e danças de origem negra foram imitados por artistas brancos e, em seguida, adoptado pelos artistas negros, que, assim, em certa medida acabou imitando a si mesmos ". Clarke atributos o uso de blackface a um desejo de americanos brancos para glorificar a existência brutal de ambos os negros livres e escravos, descrevendo-os como indivíduos felizes e despreocupadas, que melhor se adaptam à vida plantação eo desempenho de canções simples, alegre, que facilmente apelaram ao branco audiências.

Shows de menestréis blackface permaneceu popular ao longo da última parte do século 19, apenas gradualmente morrendo perto do início do século 20. Durante esse tempo, uma forma de teatro luxuoso e elaborado chamado extravaganza surgiu, começando com Charles M. Barras ' The Black Crook . Extravaganzas foram criticados pelos jornais e igrejas do dia, porque os shows foram considerados sexualmente excitante, com mulheres cantando canções obscenas vestidos com roupas quase transparente. David Ewen descreveu isso como o início das "carreiras longas e ativas de exploração sexual" do teatro musical americano e canção popular . Mais tarde, extravagâncias tomou elementos de performances burlescas, que foram satírico e produções paródico que eram muito populares no final do século 19 .

Como a extravagância eo burlesco, o show de variedades foi uma produção de banda desenhada e irreverente, popular do meio para o final do século 19, época em que ele tinha evoluído para vaudeville. Esta forma foi inovado por produtores como Tony Pastor que tentou encorajar as mulheres e crianças para assistir seus shows; eles estavam hesitantes porque o teatro tinha sido por muito tempo o domínio de uma multidão áspera e desordenada . Até o início do século 20, vaudeville foi um respeitado entretenimento para as mulheres e crianças, e compositores como Gus Edwards escreveu canções que eram populares em todo o país . Os programas mais populares do vaudeville eram, como o Ziegfeld Follies, uma série de canções e esquetes que teve um profundo efeito sobre o desenvolvimento posterior de Broadway teatro musical e as canções de Tin Pan Alley.

Tin Pan Alley

Tin Pan Alley era uma área chamada Union Square em Nova York, que se tornou o grande centro de edição de música em meados da década de 1890. Os compositores da época escreveu canções fórmulas, muitos deles baladas sentimentais . Durante esta época, um sentimento de consciência nacional foi em desenvolvimento, como os Estados Unidos tornou-se uma potência mundial formidável, especialmente após a Guerra Hispano-Americana. O aumento da disponibilidade e eficiência das ferrovias eo serviço postal ajudou a disseminar idéias, incluindo músicas populares.

Alguns dos mais notáveis editores de Tin Pan Alley incluído Willis Woodward, o Casa Witmark de publicação, Charles K. Harris, e Edward B. Marks and Joseph W. Stern. Stern e Marks estavam entre os mais conhecidos compositores de Tin Pan Alley; eles começaram a escrever juntos como amadores em 1894 . Além dos populares, baladas tradicionais e outras canções de corte limpo, algumas editoras Tin Pan Alley focada em bruto e picante. Coon canções eram outra parte importante da Tin Pan Alley, derivada das músicas regadas-down do menestrel show com a "verve e eletricidade" trazida pela "assimilação do ritmo ragtime" . A primeira música coon popular foi "New Coon in Town", lançado em 1883, e seguido por uma onda de shouters coon como Ernest Hogan e May Irwin .

Broadway

O início do século 20 também viu o crescimento de Broadway, um grupo de teatros especializados em musicais. Broadway tornou-se um dos locais mais proeminentes para o teatro musical no mundo, e produziu um corpo de canções que levaram Donald Clarke para chamar a era, a era de ouro da composição. A necessidade de adaptar canções agradáveis para as limitações de um teatro e um enredo permitiu e incentivou o crescimento da composição e da ascensão de compositores como George Gershwin, Vincent Youmans, Irving Berlin e Jerome Kern .

Óperas estrangeiras eram populares entre a classe alta ao longo do século 19, enquanto outros estilos de teatro musical incluído operetas, óperas balada e do bouffe ópera. Os ingleses de operetas Gilbert e Sullivan foram particularmente popular, enquanto composições americanos teve problemas para encontrar uma audiência. George M. Cohan foi o primeiro compositor notável americana de teatro musical, eo primeiro a se afastar da opereta, e também é notável por usando a linguagem do vernáculo em seu trabalho. Até o início do século 20, no entanto, negros dramaturgos, compositores e músicos estavam tendo um efeito profundo sobre teatro musical, começando com as obras de Will Marion Cook, James Reese Europa e James P. Johnson; o primeiro grande hit musical preto foi Junto embaralhar em 1921.

Operetas importados e produções nacionais de ambos os brancos e os negros como Cohan como Cook, Europa e Johnson todos tiveram uma influência formativa na Broadway. Compositores como Gershwin, Porter e Kern fez teatro musical cômico em um passatempo nacional, com uma sensação de que era distintamente americano e não dependente de modelos europeus. A maioria destes indivíduos eram judeus, com Cole Porter a única grande exceção; eles eram os descendentes de imigrantes do século 19 que fugiam da perseguição no Império Russo , instalou-se mais influente em vários bairros da cidade de Nova York. Muitos dos primeiros musicais foram influenciados pela música negra, mostrando elementos de jazz cedo, como Em Dahomey; os compositores judeus destas obras pode ter visto as conexões entre o tradicional preto notas azuis e seu próprio povo Música judaica.

Canções da Broadway foram registrados por volta da virada do século, mas não se tornou muito popular fora do seu contexto teatral até muito mais tarde. Jerome Kern da "Eles não acreditaram em mim" era uma canção cedo que se tornou nacionalmente popular. Inovações posteriores de Kern incluiu uma trama mais crível do que as histórias em vez disformes construídas em torno de canções de trabalhos anteriores, começando com Show Boat em 1927. George Gershwin foi talvez o compositor mais influente na Broadway, começando com "Swanee" em 1919 e mais tarde trabalha para jazz e orquestras. Sua composição mais duradouro pode ser a ópera Porgy and Bess , uma história sobre dois negros, que Gershwin destina-se como uma espécie de "ópera folk", a criação de um novo estilo de teatro musical americano baseado em expressões idiomáticas americanas.

Jazz

Ragtime foi um estilo de música de dança baseado em torno do piano, usando ritmos sincopados e cromatismos ; mais conhecido intérprete e compositor do gênero foi, sem dúvida, Scott Joplin. Os ritmos irregulares de ragtime são documentados para, pelo menos, já em 1886, em Congo Square, em Nova Orleans, onde as danças do Caribe Africano americanos e mixado em celebrações selvagens. Autor Gunther Schuller vê ragtime como uma mistura de elementos africanos com o padrão de marchas europeias 2/4 , Enquanto outros apontam para a importância de gabaritos e outros estilos de dança entre a música de grandes bandas afro-americanos em muitas cidades do norte durante o final do século 19. Donald Clarke considera ragtime o culminar de coon songs, utilizados pela primeira vez em shows de menestréis e, em seguida, vaudeville, eo resultado dos ritmos da minstrelsy percolação para o mainstream; Ele também sugere que o som distintivo do ragtime pode ter vindo de uma tentativa de imitar o banjo Africano American usando o teclado .

Devido à natureza essencialmente Africano Americano de ragtime, é mais comumente considerado o primeiro estilo de música popular americana para ser música verdadeiramente negro; certamente, ele também foi fortemente influenciada por elementos europeus, mas ragtime trouxe síncope e um som de preto mais autêntica música popular. Canções de ragtime populares foram notados e vendidos como partitura, mas o estilo geral foi jogado de maneira mais informal em toda a nação; estes artistas amadores jogou uma forma mais fluida do ragtime que, eventualmente, tornou-se uma grande influência formativa sobre jazz .

Cedo gravado música popular

Thomas Edison invenção do 's cilindro fonográfico começou o nascimento da música gravada. O primeiro cilindro para ser lançado foi " Semper Fidelis "por a US Marine Band. Na primeira, os cilindros foram lançados com moderação, mas como as suas vendas cresceram mais rentável, distribuição aumentado. Essas músicas gravadas cedo eram uma mistura de vaudeville, quartetos do barbeiro, marchas, ópera, canções da novidade, e outras músicas populares. Muitos padrões populares, como "The Good Old Summertime", "Shine on Harvest Moon" e "Over There" vir a partir deste momento. Havia também alguns hits iniciais no campo do jazz, começando com o 1.917 gravações de Dixieland Original Jazz Band, e seguido por King Oliver Creole Jazz Band, que jogou em um estilo de jazz New Orleans mais autêntica.

Azuis tinha sido em torno de um longo tempo antes de se tornar uma parte da primeira explosão da música popular gravada na história americana. Isto veio em 1920, quando clássicos de blues do sexo feminino cantores como Ma Rainey, Bessie Smith e Mamie Smith cresceu muito popular; o primeiro hit deste campo foi Mamie Smith de "Crazy Blues". Estes cantores de blues urbano mudou a idéia da música popular de ser canções simples que poderia ser facilmente realizados por qualquer pessoa para obras principalmente associada com um cantor individual. Artistas como Sophie Tucker, conhecido por "Some of These Days", tornou-se associada com seus hits, fazendo suas interpretações individualizadas tão importante quanto a música em si.

Ao mesmo tempo, como gravadoras Paramount Records e OKeh Registros lançou o campo da música de corrida, que foi principalmente azuis direcionados a públicos afro-americanas. O mais famoso destes atos passou a inspirar gêneros muito do desenvolvimento popular, depois do blues e blues-derivados, incluindo Charley Patton, Lonnie Johnson e Robert Johnson.

Jazz Popular (1920-1935) e swing (1935-1947)

Jazz é um tipo de música caracterizado por notas azuis, síncope, swing, chamada e resposta, polirritmia, e improvisação. Embora originalmente um tipo de música de dança, jazz agora foi "considerado por muito tempo um tipo de música popular ou vernácula (e também) se tornar uma forma de arte sofisticada que tem interagido de maneira significativa com a música da sala de concertos " . Desenvolvimento de Jazz ocorreu em torno do mesmo tempo como ragtime moderno, blues, gospel e música country, tudo o que pode ser visto como parte de um continuum sem demarcação clara entre eles; jazz especificamente foi mais estreitamente relacionadas com ragtime, com os quais poderia ser distinguido pelo uso de improvisação rítmica mais intrincada, muitas vezes colocando notas longe da batida implícita. As bandas mais antigas de jazz adoptou a maior parte do vocabulário do blues, incluindo notas dobradas e azuis e "rosna" instrumentais e esfregaços.

Paul Whiteman foi o líder da banda mais popular da década de 1920, e reivindicou para si o título de "The King of Jazz". Apesar de sua contratação Bix Beiderbecke e muitos dos outros melhores músicos de jazz brancos da época, gerações posteriores de amantes do jazz, muitas vezes julgados música de Whiteman ter pouco a ver com jazz real. No entanto, sua noção de combinar o jazz com orquestrações elaborados tenha sido devolvido a repetidamente por compositores e arranjadores de décadas posteriores.

Whiteman comissionado de Gershwin "Rhapsody in Blue", que foi lançado pela Orquestra de Whiteman. Banda de Ted Lewis foi perdendo apenas para o Paul Whiteman em popularidade durante a década de 1920, e sem dúvida desempenhou jazz mais real com menos pretensão de Whiteman, especialmente em suas gravações do final dos anos 1920. Alguns dos outros "jazz" bandas da década incluídos os de: Harry Reser, Leo Reisman, Abe Lyman, Nat Shilkret, George Olsen, Ben Bernie, Bob Haring, Ben Selvin, Earl Burtnett, Gus Arnheim, Rudy Vallee, Jean Goldkette, Isham Jones, Roger Wolfe Kahn, Sam Lanin, Vincent Lopez, Ben Pollack e Fred Waring.

Na década de 1920, a música executada por estes artistas foi extremamente popular com o público e foi normalmente rotulado como jazz. Hoje, no entanto, esta música é desacreditado e rotulado como "doce música" pelos puristas do jazz. A música que as pessoas consideram hoje como "jazz" tendiam a ser jogado por minorias. Nos anos 1920 e início dos anos 1930, no entanto, a maioria das pessoas ouviu o que hoje chamaríamos de "sweet music" e jazz incondicional foi categorizada como "música quente" ou "música de raça".

Em 1935, música swing se tornou popular com o público e rapidamente substituído jazz como o mais popular tipo de música (embora a sua era alguma resistência a ele em primeiro lugar). Música swing é caracterizado por uma secção rítmica forte, geralmente composto de um contrabaixo e bateria, tocando em um meio para jejuar tempo, e dispositivos rítmicos como o nota balançada. Swing é essencialmente um tipo de jazz 1930 fundido com elementos do blues e da sensibilidade pop de Tin Pan Alley . Balanço usado bandas maiores do que outros tipos de jazz tinha e foi chefiada pelo bandleaders que firmemente dispostos a material, desencorajando a improvisação que tinha sido uma parte integrante do jazz. David Clarke chamado balanço do primeiro "estilo orientado a jazz (para ser) no centro da música popular ... em oposição a apenas dando-lhe espinha dorsal" . Até o final da década de 1930, vocalistas se tornou mais e mais proeminente, eventualmente, tomar o centro do palco na sequência da American Federation of Musicians greve, o que fez a gravação com uma grande banda proibitivamente caro . Balanço passou a ser acompanhado por uma dança popular chamado o dança do balanço, que foi muito popular nos Estados Unidos, entre ambas as audiências brancas e pretas, especialmente os jovens.

Diversificação dos azuis e popularização

Além do jazz e swing da música popular ouvida por América mainstream, houve uma série de outros gêneros que eram populares entre certos grupos de pessoas, por exemplo, as minorias ou audiências rurais. Começando na década de 1920 e acelerando enormemente na década de 1940, os azuis começaram a diversificar-se rapidamente em um amplo espectro de novos estilos. Estes incluíram um, estilo chamado uptempo energético rhythm and blues (R & B), uma fusão de blues e Anglo-Celtic música chamada música country e da fusão de hinos e spirituals com estruturas de blues chamado música gospel. Mais tarde do que esses outros estilos, em 1940, um blues, R & B e fusão país eventualmente chamado o rock and roll desenvolvidos, eventualmente, vir a dominar popular americana no início da década de 1960.

A música country é primariamente uma fusão de blues americano africanos e spirituals com Música popular Appalachian, adaptado para o público pop e popularizada no início dos anos 1920. De particular importância foi irlandesa e escocesa músicas, música de dança, baladas e estilos vocais, bem como Nativo americano, Espanhol, Alemão, Francês e Música mexicana. A instrumentação do país no início girava em torno da Europeia derivado violino eo Africano derivado banjo , com a guitarra adicionados mais tarde. Instrumentação música country usado elementos africanos, como um formato de chamada-e-resposta, música improvisada e ritmos sincopados. Mais tarde ainda, instrumentos de corda como o ukulele e violão de aço tornou-se comum devido à popularidade de Música havaiana no início do século 20 e da influência de músicos como Sol e Hoopii Lani McIntyre. . As raízes da moderna música country são geralmente atribuída a 1927, quando seu talento musical olheiro Ralph pares registrados Jimmie Rodgers e A Família Carter. Suas gravações são consideradas a base para a moderna música country. Houve música popular antes de 1927, que poderia ser considerado país, mas, como Ace Collins ressalta, essas gravações tinha "apenas marginal e muito inconsistente" efeitos nos mercados nacionais da música, e foram apenas superficialmente semelhante ao que era então conhecido como hillbilly music . Além Rodgers e os Carter, um músico chamado Bob Wills era um performer cedo influente conhecido por um estilo chamado Balanço ocidental, que era muito popular na década de 1920 e 30, e foi responsável por trazer uma influência jazz proeminente à música country.

Rhythm and blues (R & B) é um estilo que surgiu na década de 1930 e 40, uma forma rítmica e uptempo de blues com instrumentação mais complexa. Autor Amiri Baraka descrito cedo R & B como "enormes unidades ritmo quebrando afastado atrás gritando cantores de blues (que) tinha de gritar para ser ouvido acima do clangor e dedilhar dos vários instrumentos eletrificada e as seções rítmicas agitadas . R & B foi gravado durante este período, mas não muito e não foi amplamente promovidos pelas gravadoras, que senti que não era adequado para a maioria das audiências, especialmente brancos de classe média, por causa das letras sugestivas e ritmos de condução . Bandleaders como Louis Jordan inovou o som de R & B mais cedo. A banda de Jordan contou com uma pequena seção do chifre e proeminente instrumentação ritmo e canções bluesy usados com temas líricos. Até o final da década de 1940, ele havia produzido dezenove grandes sucessos, e ajudou a pavimentar o caminho para contemporâneos como Wynonie Harris, John Lee Hooker e Roy Milton.

Spirituals cristãs e de blues rural música foram a origem do que hoje é conhecido como música gospel. A partir de cerca de 1920, igrejas afro-americanos destacados evangelho no início da forma de adoradores proclamando sua devoção religiosa (testificando) em, de forma muitas vezes musical improvisada. Evangelho moderno começou com o trabalho de compositores, o mais importante Thomas A. Dorsey, que "(composta) canções com base em spirituals e hinos familiares, fundido com blues e ritmos de jazz" . A partir dessas igrejas início do século 20, a música gospel espalhados por todo o país. Ele permaneceu associado quase inteiramente com as igrejas afro-americanas, e, geralmente, contou com um coro juntamente com um ou mais solistas virtuosos.

Rock and roll é um tipo de música popular, desenvolvido principalmente fora de country, blues e R & B. Facilmente o único estilo musical mais popular em todo o mundo, origens exatas e desenvolvimento precoce de rocha foram muito debatido. Historiador da música Robert Palmer observou que as influências do estilo são bastante diversas e incluem a Afro-caribenha " Batida Bo Diddley ", elementos de" swing big band "e Música latina como o cubano filho e " Ritmos mexicanos " . Outro autor, George Lipsitz afirma que o rock surgiu nas áreas urbanas da América, onde não formaram um "poliglota, cultura da classe trabalhadora (onde os significados sociais) anteriormente transmitida em isolamento por blues, country, polca, zydeco e latino músicas encontrou nova expressão como eles misturaram em um ambiente urbano " .

1950 e 60s

A meados do século 20 viu uma série de mudanças muito importantes na música popular americana. O campo de música pop desenvolveu tremendamente durante este período, como o preço cada vez mais baixo da música gravada estimularam a demanda e maiores lucros para a indústria fonográfica. Como resultado, música comercialização tornou-se cada vez mais proeminente, resultando em um número de estrelas pop mainstream cuja popularidade foi previamente inédito. Muitos dos primeiros tais estrelas eram cantores ítalo-americanos, como Dean Martin, Rudy Vallee, Tony Bennett, Perry Como, Frankie Laine e, o mais famosa, a "primeira vocalista pop para gerar histeria entre seus fãs" Frank Sinatra. A era moderna da estrela teen pop, no entanto, começou na década de 1960. Bubblegum grupos pop como Os Monkees foram escolhidos inteiramente por sua aparência e habilidade para vender discos, sem ter em conta a capacidade musical. No mesmo período, no entanto, também viu o surgimento de novas formas de música pop que alcançaram uma presença mais permanente no campo da música popular americana, incluindo rock, soul e pop-folk. Até o final da década de 1960, dois acontecimentos tinham mudado completamente a música popular: o nascimento de um contracultura, que explicitamente oposição música mainstream, muitas vezes em conjunto com o ativismo político e social, ea mudança de compositores profissionais para artistas que estavam ambos cantores e compositores.

O rock and roll entrou pela primeira vez a música popular tradicional através de um estilo chamado rockabilly, que fundiu o som do rock nascente com elementos da música country. O rock and roll Black-realizados anteriormente tinha limitado sucesso mainstream, e alguns observadores na época acreditava que um artista branco que poderia credivelmente cantar em um R & B e estilo país seria um sucesso. Sam Phillips, de Memphis, Tennessee de Sun Records, foi quem encontrou um tal performer, em Elvis Presley , que se tornou um dos músicos mais vendidos na história, e trouxe o rock and roll para o público em todo o mundo . O sucesso de Presley foi precedida por Bill Haley, um artista branco cuja " Rock Around the Clock "é por vezes apontada como o início da era do rock. No entanto, a música de Haley era" mais organizados "e" mais calculado "do que os" ritmos mais frouxos "de rockabilly, que também, ao contrário de Haley, não usam saxofones ou coro cantando .

R & B manteve-se extremamente popular durante a década de 1950 entre o público negro, mas o estilo não foi considerada adequada para os brancos, ou respeitáveis negros de classe média por causa de sua natureza sugestiva. Muitas canções de R & B populares foram em vez tocada por músicos brancos como Pat Boone, num estilo tradicional mais palatável, e se transformou em hits pop . Até o final da década de 1950, porém, houve uma onda de popular negra blues-rock e influenciou-country R & B artistas ganhando fama sem precedentes entre os ouvintes brancos; estes incluíram Bo Diddley e Chuck Berry . Com o tempo, os produtores no campo R & B virou-se para, gradualmente, mais atos baseada rock como Little Richard e Fats Domino.

Doo wop é um tipo de música harmonia vocal realizada por grupos que se tornou popular na década de 1950. Embora às vezes considerado uma espécie de rock, doo wop é mais precisamente uma fusão de R & B vocal, gospel e jazz com os azuis e estruturas pop , Embora até os anos 1960, as linhas que separam rock de doo wop, R & B e outros estilos afins foi muito embaçado. Doo wop tornou-se o primeiro estilo de R & B música derivado "a tomar forma, definir-se como algo que as pessoas reconhecidas como novo, diferente, estranho, suas" (ênfase no original) . Como doo wop tornou-se mais popular, mais inovações foram adicionados, incluindo o uso de um vocalista baixo, uma prática que começou com Jimmy Ricks de Os Ravens . Doo wop artistas eram originalmente quase toda preto, mas alguns grupos de brancos e integradas logo se tornou popular. Estes incluíram um número de Grupos ítalo-americanos, como Dion & the Belmonts e Frankie Valli & The Four Seasons, enquanto outros vocalistas femininas adicionado e até formaram grupos só de mulheres no campo quase universalmente masculino; estes incluíram The Queens e Os Chantels .

A década de 1950 viu uma série de breves modismos que passou a ter um grande impacto sobre futuras estilos de música. Artistas como Pete Seeger e Os Weavers popularizou uma forma de reavivamento dos velhos tempos de Música anglo-americana. Este campo tornou-se eventualmente associado com a política de esquerda e comunismo , levando a um declínio na aceitação como artistas eram cada vez mais na lista negra e criticado. No entanto, esta forma de pop-folk exerceu uma influência profunda na forma de 1950 folk-rock e estilos relacionados. Juntamente com o sucesso, em vez de esporádicos popularizou a música popular anglo veio uma série de Modismos de dança latina, incluindo mambo, rumba, ChaChaCha e boogaloo. Apesar de seu sucesso foi novamente esporádica e breve, música latina continuou a exercer uma influência contínua sobre rock, soul e outros estilos, bem como, eventualmente, evoluir para a música salsa na década de 1970.

País: Nashville Som

Começando no final de 1920, um estilo distinto primeiro chamado de "old-timey" ou "hillbilly" música começou a ser transmitido e gravado no sul rural e Centro-Oeste; primeiros artistas incluiu a Família Carter, Charlie Poole e seus North Carolina Ramblers, e Jimmie Rodgers. O desempenho ea divulgação desta música era regionais no início, mas as mudanças populacionais causados pela Segunda Guerra Mundial espalhá-lo mais amplamente. Após a guerra, houve aumento do interesse em estilos de especialidade, incluindo o que tinha sido conhecido como corrida e música caipira; estes estilos foram renomeados para rhythm and blues e country e western, respectivamente . As grandes gravadoras tinham tido algum sucesso promovendo dois tipos de actos país: Southern artistas como novidade Tex Williams e cantores como Frankie Laine, que misturou pop e country em um estilo convencionalmente sentimental . Este período também viu o surgimento de Hank Williams, um cantor country branco que tinha aprendido o blues de um músico de rua preto chamado T-Tot, no noroeste do Alabama . Antes de sua morte em 1953, Hank Williams gravou onze singles que venderam pelo menos um milhão de cópias cada um e pioneira no Som Nashville.

O som Nashville era um tipo popular de música country que surgiu na década de 1950, uma fusão de populares jazz big band e balançar com o lirismo do honky-tonk país . O sucesso popular de gravações Hank Williams tinha convencido gravadoras de música country que poderia encontrar o público mainstream. As gravadoras então tentou tirar os ásperos, honky-tonk elementos de música country, removendo o som assumidamente rural que tinha feito Williams famoso. Indústria de Nashville estava reagindo ao aumento de rockabilly performer Elvis Presley por artistas de marketing que cruzaram o fosso entre o país e pop; . Chet Atkins, diretor da Divisão de música country da RCA, fez a mais para inovar o som Nashville, abandonando os elementos mais ásperos de país, enquanto Owen Bradley usadas técnicas de produção sofisticadas e instrumentação suave que eventualmente se tornou padrão na Nashville Sound, que também cresceu a incorporar cordas e coros vocais . Até o início da década de 1960, o som Nashville foi percebido como aguado por muitos mais artistas tradicionalistas e fãs, resultando em uma série de cenas locais, como o Som Lubbock e, o mais influente, o Som Bakersfield.

Ao longo da década de 1950, o mais popular tipo de música country foi a Nashville Sound, que foi um sofisticado e estilo pop-oriented. Muitos músicos preferido um som mais áspero, levando ao desenvolvimento do Lubbock Som e Bakersfield Sound. O som de Bakersfield foi inovou em Bakersfield, Califórnia em meados dos anos 1950, por artistas como Wynn Stewart, que usou elementos da Balanço ocidental e rock, tais como a breakbeat, juntamente com um estilo vocal honky tonk . Ele foi seguido por uma onda de artistas como Buck Owens e Merle Haggard, que popularizou o estilo.

Alma

A música soul é uma combinação de R & B e gospel que começou no final de 1950 nos Estados Unidos. A música soul é caracterizada pela sua utilização de técnicas do evangelho com uma maior ênfase na vocalistas, eo uso de temas seculares. As gravações de 1950 Sam Cooke,Ray Charles eJames Brown são comumente considerada os primórdios da soul music.primeiras gravações de Solomon Burke para a Atlantic Records codificou o estilo, e como Peter Guralnick escreve, "foi só com a união de Burke e Atlantic Records que você poderia ver qualquer coisa parecida com um movimento " .

O Motown Record Corporation em [[{Detroit Michigan]] tornou-se sucesso com uma série de recordes alma fortemente pop-influenciados, que foram palatável o suficiente para ouvintes brancos, de modo a permitir que R & B e soul ao cruzamento para o público mainstream. Um importante centro de gravação de música soul era Florence, Alabama, onde a fama Studios operado. Jimmy Hughes, Percy Sledge e Arthur Alexander gravado no Fama; mais tarde, na década de 1960, Aretha Franklin também iria gravar na área. Fame Studios, muitas vezes referida como Muscle Shoals , depois de uma cidade vizinha Florença, teve uma relação estreita com a Stax, e muitos dos músicos e produtores que trabalhavam em Memphis também contribuiu para gravações feitas no Alabama.

Em Memphis, Stax Records Produzido por pioneiros gravações de soul Otis Redding, Wilson Pickett e Don Covay. Outros artistas Stax como Eddie Floyd e Johnnie Taylor também fez contribuições significativas para a música soul. Em 1968, o movimento soul music começou a lasca, como James Brown e Sly & the Family Stone começou a expandir e abstrata a alma eo rhythm and blues em outras formas. Guralnick escreveu que mais "do que qualquer outra coisa ... o que me parece ter trazido a era da alma a uma moagem, halt inquietante foi a morte de Martin Luther King em abril de 1968" .

Rock dos anos 1960

O primeiro dos novos principais gêneros de rock da década de 1960 era de surf, pioneira por californiano Dick Dale. Surf foi em grande parte instrumental e à base de guitarra do rock com um som distorcido e vibrando, e foi associado com o sul da Califórnia surf baseado cultura jovem. Dale tinha trabalhado com Leo Fender, o desenvolvimento do " amplificador Showman e ... a unidade de reverberação que daria surf music seu som distintamente distorcido " .

Inspirado pelo foco lírico do surf, se não a base musical, The Beach Boys começou sua carreira em 1961 com uma série de sucessos como " Surfin EUA ". Seu som não era instrumental, nem à base de guitarra, mas estava cheio de "rico, denso e, sem dúvida, especial" "vocals flutuante (com) Quatro harmonias caloiro-ish que montam sobre, uma carga propulsora droned " . songwriter Os Beach Boys Brian Wilson cresceu gradualmente mais excêntrico, experimentando novas técnicas de estúdio como ele tornou-se associado com o crescente contracultura.

A contracultura foi um movimento de jovens que incluía o ativismo político, especialmente em oposição à Guerra do Vietnã, e para a promoção de vários ideais hippies. Os hippies foram associados principalmente com dois tipos de música: o folk-rock e do rock país de gente como Bob Dylan e Gram Parsons, eo rock psicodélico de bandas como Jefferson Airplane e The Doors. Este movimento foi muito intimamente ligada à invasão britânica, uma onda de bandas do Reino Unido que se tornaram populares durante a maior parte da década de 1960. A primeira onda da invasão britânica incluiu bandas como The Zombies e os Moody Blues, seguido por bandas de rock como os Rolling Stones , The Who e, o mais famosa, The Beatles . O som destas bandas foi hard rock gumes, com Os Beatles originalmente conhecido por canções que eram praticamente idênticos aos clássicos canções de rock negros por Little Richard, Chuck Berry, Smokey Robinson, The Shirelles e os Isley Brothers . Mais tarde, como a contracultura desenvolvido , Os Beatles começaram a usar técnicas mais avançadas e instrumentos incomuns, como o sitar, bem como letras mais originais.

Joan Baez e Bob Dylan

Folk-rock desenhou no sucesso mainstream esporádica de grupos como o Kingston Trio e os Almanac Singers, enquanto Woodie Guthrie e Pete Seeger ajudou a radicalizar politicamente rural branco música folk . O popular músico Bob Dylan ganhou destaque no meio da década de 1960, a fusão popular com o rock e fazendo a cena emergente intimamente ligado ao Movimento dos Direitos Civis. Ele foi seguido por uma série de bandas de country-rock como The Byrds e Flying Burrito Brothers e cantores-compositores-oriented populares como Joan Baez eo canadense Joni Mitchell. No entanto, até o final da década, havia pouca consciência política ou social evidente nas letras de pop singer-songwriters como James Taylor e Carole King, cuja auto-escreveu canções eram profundamente pessoal e emocional.

Psychedelic rock era um disco tipo, condução do rock baseado em guitarras, intimamente associada com a cidade de San Francisco, Califórnia . Embora Jefferson Airplane foi a única banda de San Francisco psicadélico a ter um grande sucesso nacional, com 1967 de "Somebody to Love" e "White Rabbit", o Grateful Dead, um folk, country e bluegrass com sabor de jam band ", encarna todos os elementos da cena de San Francisco e veio ... para representar a contracultura para o resto do país "; Grateful Dead também se tornou conhecido por ter introduzido a contracultura, e no resto do país, com as idéias de pessoas como Timothy Leary, especialmente o uso de drogas alucinógenas como o LSD para fins espirituais e filosóficas .

1970 e 80s

Na sequência das mudanças políticas, sociais e musicais turbulentas dos anos 1960 e início dos anos 1970, a música rock diversificada. O que antes era conhecido como o rock and roll , um estilo razoavelmente discreto de música, tinha evoluído para uma categoria abrangente chamado simplesmente de música rock , um termo abrangente que acabaria por incluir diversos estilos como música heavy metal, punk rock e, às vezes até mesmo hip hop música . Durante os anos 70, no entanto, a maioria destes estilos não faziam parte da música mainstream, e foram evoluindo na cena musical underground.

Início dos anos 1970 viu uma onda de cantores e compositores que desenhou sobre as letras introspectivas, profundamente emocionais e pessoais de 1960 folk-rock. Eles incluíram James Taylor, Carole King e outros, todos conhecidos tanto para a capacidade lírica como por suas performances. O mesmo período viu o surgimento de blues rock and Southern grupos de rock do país como o Allman Brothers Band e Lynyrd Skynyrd . Na década de 1970, soft rock desenvolvido, uma espécie de forma simples, discreto e suave de pop-rock, exemplificada por um número de bandas como América e pão, a maioria dos quais são pouco lembrado hoje; muitos eram one-hit wonders . Além disso, mais duras bandas de rock como arena de Chicago e Styx também viu alguns grande sucesso.

Willie Nelson

Início dos anos 1970 viu o surgimento de um novo estilo de música country que era tão áspero e duro gumes, e que rapidamente se tornou a forma mais popular de país. Este foi país fora da lei, um estilo que incluiu tais estrelas do grosso da população como Willie Nelson e Waylon Jennings . Outlaw país era muito rock-orientado, e tinha letras que incidiu sobre o criminoso, especialmente de drogas e pelo álcool, o comportamento disparatado de seus artistas, que cresceu sua cabelo comprido, vestia jeans e couro e parecia hippies em contraste com os cantores de country-corte limpo que foram empurrando o som Nashville .

Em meados dos anos 70, disco, uma forma de música de dança, foi se tornando popular, evoluindo de clubes de dança de metro para América mainstream. Disco atingiu o seu apogeu após o lançamento de Saturday Night Fever eo fenômeno em torno do filme ea trilha sonora de The Bee Gees. Tempo de Disco foi curta, no entanto, e em 1980 foi logo substituído com um número de gêneros que evoluiu a partir da cena de rock punk, como New Wave. Bruce Springsteen se tornou uma grande estrela, pela primeira vez em meados dos anos para 70 anos e, em seguida, todo o ' 80, com densas, letras inescrutáveis ​​e canções anthemic que ressoou com a classes média e baixa .

70s funk e soul

No início de 1970, soul music foi influenciado pelo rock psicodélico e outros estilos. O fermento social e político dos artistas vezes inspirados como Marvin Gaye e Curtis Mayfield a lançar declarações álbum com comentário social contundente. Artistas como James Brown levou alma para mais música dançante, que eventualmente evoluiu para funk. Funk foi tipificado pelo 1970 bandas como Parliament-Funkadelic, The Meters, eo próprio James Brown, enquanto os grupos mais versáteis como War, The Commodores e Earth, Wind and Fire também se tornou popular. Durante os anos 70, alguns altamente lisos e comerciais de olhos azuis alma age como da Filadélfia Hall & Oates alcançaram o sucesso mainstream, assim como uma nova geração de harmonia de esquina ou cidade-soul de grupos como The Delfonics e da Howard University Unifics.

Até o final da década de 70, Philly soul, funk, rock e outros gêneros a maioria foram dominados por faixas do disco-flexionado. Durante este período, as bandas do funk como The O'Jays e The Spinners continuou a revelar-se hits. Após a morte de disco em 1980, soul music sobreviveu por pouco tempo antes de passar por mais uma metamorfose. Com a introdução de influências de electro music e funk, soul music tornou-se menos cru e mais slickly produzidos, resultando em um gênero de música que foi novamente chamado R & B , geralmente distinto do ritmo anterior e blues, identificando-o como R & B contemporâneo .

80s pop

Na década de 1960, o termo rhythm and blues tinha já sido largamente utilizado; em vez disso, termos como soul music foram usadas para descrever a música popular americana Africano. Na década de 1980, no entanto, rhythm and blues voltou para o uso, na maioria das vezes sob a forma de R & B , um uso que tem continuado até o presente. Contemporâneo R & B surgiu quando sensuais cantores do funk como príncipe tornou-se muito popular, ao lado orientada a dança estrelas pop como Michael Jackson e vocalistas femininas como Tina Turner e Whitney Houston .

Até o final da década de 1980, pop-rock em grande parte consistiu nas radio-friendly bandas glam metal, que usaram imagens derivadas dos britânicos movimento do glam com letras machistas e atitudes, acompanhados por música de hard rock e heavy metal solando virtuosística. Bandas partir desta época incluía muitos grupos britânicos como Def Leppard, bem como bandas americanas pesados ​​influenciou de metal Mötley Crüe, Guns N 'Roses, Bon Jovi e Van Halen .

Os meados dos anos 1980 também viu música Gospel ver o seu pico de popularidade. Uma nova forma de evangelho tinha evoluído, chamada música cristã contemporânea (CCM). CCM tinha sido em torno desde o final dos anos 1960, e consistia em um som pop / rock com letras pequenas religiosas. CCM se tornou a forma mais popular de evangelho em meados da década de 1980, especialmente com artistas como Amy Grant, Michael W. Smith, e Kathy Troccoli. Amy Grant foi o CCM mais popular, e do evangelho, cantor dos anos 1980, e depois de experimentar o sucesso sem precedentes na CCM, atravessou para a pop mainstream em 1980 e 1990. Michael W. Smith também teve um sucesso considerável no CCM antes de cruzar para uma carreira de sucesso na música pop também. Grant viria a produzir o primeiro hit # 1 pop do CCM ("Baby Baby") e álbum mais vendido do CCM ( coração In Motion ).

Na década de 1980, as paradas de música country foram dominadas por cantores pop com influências apenas tangencial de música country, uma tendência que tem continuado desde então. A década de 1980 viu um renascimento do país-tonk do honky-estilo com a ascensão de pessoas como Dwight Yoakam e os novos tradicionalistas Emmylou Harris e Ricky Skaggs , bem como o desenvolvimento de artistas de country alternativo como Uncle Tupelo. Artistas do country alternativo posteriores, como Whiskeytown de Ryan Adams e Wilco, encontrou algum sucesso mainstream.

Nascimento do metro

Durante os anos 1970, uma série de estilos diversos surgiu em contraste início ao grosso da população da música popular americana. Embora esses gêneros não eram em grande parte popular no sentido de vender muitos registros para o público mainstream, eles eram exemplos de música popular , ao contrário do popular ou música clássica. no início de 1970, os negros e porto-riquenhos em Nova York desenvolveu a cultura hip hop , que produziu um estilo de música também chamado hip hop . Praticamente ao mesmo tempo, os latinos, especialmente os cubanos e porto-riquenhos, em Nova York também inovou a música salsa , que combinou muitas formas de música latina com R & B e rock. Os gêneros de punk rock e heavy metal foram mais estreitamente associados com o Reino Unido na década de 70, enquanto vários derivados americanos evoluiu mais tarde na década e na década de 80. Enquanto isso, Detroit evoluiu lentamente uma série de gêneros musicais eletrônicos como casa e techno que mais tarde se tornaram uma parte importante da música popular no mundo inteiro.

Hip hop

Hip hop é um movimento cultural, de que a música é uma parte, juntamente com graffiti e breakdance. A música é composta de duas partes, rap , a entrega dos vocais rápidos, altamente rítmicas e líricas, e DJing, a produção de instrumentação seja através de amostragem, instrumentação , turntablism ou beatboxing . Hip hop surgiu no início de 1970 em The Bronx, Nova Iorque Cidade . jamaicana imigrante DJ Kool Herc é amplamente considerado como o progenitor do hip hop; ele trouxe com ele a prática de brindar ao longo dos ritmos de canções populares. Em Nova York, DJs como Kool Herc jogado registros de músicas funk, disco e populares de rock. Emcees surgiu originalmente para apresentar as canções e manter o público animado e dança; ao longo do tempo, os DJs começaram a isolar as quebras de percussão (o clímax rítmica das músicas), produzindo assim uma batida repetida que os MCs bateu por cima.

Rapping cumprimentos incluídos para amigos e inimigos, exortações para dançar e coloridas, possui muitas vezes bem-humorado. Até o início da década de 1980, tinha havido canções de hip hop populares como " Rappers Delight "pelo Sugarhill Gang e algumas grandes celebridades da cena, como LL Cool J e Kurtis Blow. Outros artistas experimentaram com letras politizadas e consciência social, enquanto outros realizaram fusões com jazz , heavy metal, techno, funk e soul. Hip hop começou a diversificar na última parte da década de 1980. Novos estilos apareceu, como hip hop alternativo ea intimamente relacionada fusão jazz rap, pioneira por rappers como De La Soul e Guru. As tripulações Public Enemy e NWA foi a mais durante esta época para trazer hip hop à atenção nacional; o ex fez com letras incendiárias e politicamente carregadas, enquanto o último se tornou o primeiro exemplo proeminente de rap gangsta.

Salsa

Música Salsa é uma diversificada e predominantemente ritmo Caribe que é popular em muitos latino-americanos países. Salsa incorpora vários estilos e variações; o termo pode ser usado para descrever mais qualquer forma de os populares cubanos -derived gêneros musicais (como ChaChaCha e mambo). Mais especificamente no entanto, salsa refere-se a um estilo particular foi desenvolvido em meados da década de 1970 grupos de New York City -Área cubanos e porto-riquenhos imigrantes para os Estados Unidos , e descendentes estilísticas como 1980 salsa romantica .

Música Salsa sempre tem um 4/4 metros. A música é formulada em grupos de dois bares, usando recorrentes padrões rítmicos, e no início de frases no texto e instrumentos de música. Normalmente, os padrões rítmicos tocadas no percussão são bastante complicado, muitas vezes com vários padrões diferentes tocadas simultaneamente. O ritmo clave é um elemento importante que constitui a base da salsa. Além de percussão, uma variedade de instrumentos melódicos são comumente usados ​​como acompanhamento, como uma guitarra , trombetas , trombones , a de piano , e muitos outros, tudo dependendo dos artistas. Bandas são geralmente divididos em chifre e ritmo seções, liderado por um ou mais cantores ( soneros ou salseros ) .

Punk e rock alternativo

Punk era um tipo de música rock rebelde que começou na década de 1970, como uma reação contra a música popular do dia, especialmente disco, que era visto como insípido e sem inspiração; do punk baseou-se em bandas americanas, incluindo o Velvet Underground, The Stooges eo New York Dolls . Punk era alto, agressivo e geralmente muito simples, exigindo pouco treinamento musical para jogar. Mais tarde, na década, bandas britânicas como o Sex Pistols e The Clash encontrou a fama de curta duração em casa e, em menor grau, nos Estados Unidos. Bandas americanas no campo incluído o mais famosa The Ramones, bem como grupos como os chefes que desempenharam um tipo mais artístico da música que estava intimamente associado com o punk antes de, eventualmente, evoluir para pop- Falando New Wave . Outros atos principais incluem Blondie, Patti Smith e Television.

Henry Rollins, um músico punk rock

Hardcore punk foi a resposta de jovens norte-americanos para o mundial explosão punk rock do final dos anos 1970. Hardcore despojado punk rock e new wave de suas tendências, por vezes, elitistas e artísticas, resultando em canções curtas, rápidas e intensas que falavam de jovens descontentes. Hardcore explodiu nas metrópoles americanas de Los Angeles , Washington, DC , Nova York e Boston ea maioria das cidades norte-americanas tinham suas próprias cenas locais até o final da década de 1980 .

Rock alternativo é um agrupamento diversificado de bandas de rock que na América desenvolvidos em grande parte da cena hardcore na década de 1980 em oposição gritante com a cena musical mainstream. Subgêneros do rock alternativo que se desenvolveram durante a década incluem indie rock, rock gótico, grunge, e college rock. A maioria das bandas alternativas foram unificados por sua dívida coletiva ao punk, que lançou as bases para música underground e alternativa na década de 1970. Embora o gênero é considerado rock, alguns estilos foram influenciados pelo folk americano, reggae e jazz. Como o punk e hardcore, rock alternativo teve pouco sucesso comercial na América na década de 1980, mas via o estabelecimento das bases de uma cena indie através de turnês, rádio da faculdade, fanzines, e boca-a-boca, bandas alternativas lançou as bases para a descoberta de do gênero na consciência pública americana na próxima República decade.One é uma banda de rock alternativo

Metal pesado

O heavy metal é uma forma de música caracterizado por ritmos agressivos, condução e guitarras distorcidas altamente amplificados, geralmente com letras grandiosas e instrumentação virtuosa. Heavy metal é um desenvolvimento do blues, blues rock, rock e rock progressivo. Suas origens estão nas bandas de hard rock britânicos que entre 1967 e 1974 levou blues e rock e criou um híbrido com um som pesado, guitarra-e-bateria-centrada. A maioria dos pioneiros no campo, como Black Sabbath, foram Inglês, embora muitos foram inspirados por artistas americanos como Blue Cheer e Jimi Hendrix.

Bon Jovi

No início de 1970, os primeiros grandes bandas americanas começaram a aparecer, como Blue Öyster Cult e Aerosmith, e músicos como Eddie Van Halen começou sua carreira. Metal pesado permaneceu, no entanto, um fenómeno largamente subterrâneo. Durante a década de 1980, um formulário baseado pop de hard rock, com um espírito de festa-saudável e uma estética visual influenciado glam-(por vezes referido como "hair metal") dominou as paradas musicais, liderados por superstars como Poison, Bon Jovi, Mötley Crüe e Ratt. O 1987 estréia do Guns N 'Roses, uma banda de hard rock cuja imagem refletida do baixo-ventre grittier da Sunset Strip, foi pelo menos em parte uma reação contra a imagem excessivamente polida de hair metal, mas selvagem sucesso que a banda foi em muitos aspectos o último suspiro do hard-rock e cena metal. Em meados da década de 1980, como o termo "heavy metal" se tornou o assunto de muita contestação, o estilo tinha ramificações fora em tantas direções diferentes que novas classificações foram criados por fãs, gravadoras e fanzines, embora, por vezes, as diferenças entre os vários subgêneros não eram claras, mesmo para os artistas supostamente pertencentes a um determinado estilo. O mais notável dos anos 1980 subgêneros metálicos nos Estados Unidos foi o rápido e agressivo estilo thrash metal, abriu caminho por bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica, Slayer, Ludichrist, e Mucky Pup.

1990 até o presente

Talvez a mudança mais importante na década de 1990 na música popular americana foi a ascensão do rock alternativo através da popularidade do grunge. Este foi anteriormente um agrupamento explicitamente anti-mainstream de gêneros que se erguiam ao grande começo fama no início dos anos 1990. O gênero em seus estágios iniciais foi em grande parte situado na Sub Pop Records, uma empresa fundada por Bruce Pavitt e John Poneman. Bandas grunge significativas assinou com a gravadora eram Green River (metade dos membros deste banda viria a tornar-se membros fundadores do Pearl Jam), Sonic Youth (embora não seja uma banda grunge eles eram influentes em bandas grunge e na verdade ele estava sobre a insistência de Kim Gordon que a empresa David Geffen assinaram Nirvana) e Nirvana. Grunge é um subgênero do rock alternativo com uma "ninhada de lodo escuro, à base de guitarra" de som , com base em heavy metal, punk e elementos de bandas como Sonic Youth e seu uso de "tunings não convencionais para dobrar canções pop de outra forma padrão completamente fora de forma " . Com a adição de um "melódico, elemento Beatlesque" ao som de bandas como Nirvana, grunge tornou-se muito popular nos Estados Unidos . Grunge tornou-se bem sucedido comercialmente no início de 1990, com um pico entre 1991 e 1994. Bandas das cidades em os EUA Pacífico Northwest especialmente Seattle, Washington , foram responsáveis ​​pela criação do grunge e mais tarde fez-se popular com o público mainstream. A suposta Geração X, que tinha acabado de chegar a idade adulta como do grunge popularidade repicaram, estavam intimamente associados com grunge, o som que ajudou a "definir o desespero de (que) geração" . posteriores bandas Publicar Grunge como o Foo Fighters e Creed tornou-se popular forma de Rock alternativo, pois foi e ainda é muito radio friendly ao contrário da banda Grunge do qual foram musicalmente influenciado por. bandas de Pop Punk como GreenDay e Blink 182 também ganhou popularidade.

Gangsta rap é uma espécie de hip hop, o mais importante caracterizado por um foco lírico sobre a sexualidade machista, fisicalidade e uma imagem perigosa, criminal. Embora as origens do rap gangsta pode ser rastreada até meados dos anos 1980 raps de Filadélfia Schoolly D ea do West Coast Ice-T, o estilo é geralmente dito ter começado na área de Los Angeles e Oakland, onde Too Short, NWA e outros encontraram a sua fama. Este cena rap da costa oeste gerou o início dos anos 1990 som G-funk, que emparelhado letras de rap gangsta com um tom de espessura e obscuro, muitas vezes contando com amostras de 1970 P-funk; os defensores mais conhecidos desta som foram os rappers da descoberta Dr. Dre e Snoop Doggy Dogg.

Até o final da década e no início dos anos 2000 da música pop consistia principalmente de uma combinação de pop-hip-hop e R & B pop-tingida, incluindo um número de boy bands e divas do sexo feminino. O som predominante na década de 90 era música country pop com apenas elementos muito limitadas de país. Isso inclui muitos dos artistas mais vendidos da década de 1990, como Clint Black, Shania Twain, Faith Hill ea primeira destas estrelas de crossover, Garth Brooks .

Impacto internacional e social

Música popular americana tornou-se extremamente popular internacionalmente. Rock, hip hop, jazz, country e outros estilos têm fãs em todo o globo. BBC Radio DJ Andy Kershaw, por exemplo, observou que a música country é popular em praticamente todo o mundo . De fato, fora de "todas as contribuições feitas pelos norte-americanos para o mundo cultura ... (música popular americana) foi tomada (a maioria) de coração por todo o mundo " . Outros estilos de música popular americana também tiveram um efeito formativo internacionalmente, incluindo funk, a base para o Oeste Africano Afrobeat, R & B, um dos principais fonte para jamaicano reggae e rock, que influenciou profundamente a maioria cada gênero de música popular no mundo inteiro. Rock, country, jazz e hip hop se tornaram uma parte arraigada de muitos países, levando a variedades locais como música country australiano, Tanzânia Bongo Flava e rocha russo.

Rocha teve uma influência formativa na música popular, que teve o efeito de transformar "o próprio conceito de que a música popular" éenquanto Charlie Gillett argumentou que rock and roll "foi o primeiro gênero popular para incorporar o pulso implacável e grande volume de vida urbana para a música em si " .

Os impactos sociais da música popular americana têm sido sentida tanto nos Estados Unidos e em países estrangeiros. Começando tão cedo quanto as extravagâncias do final do século 19, a música popular americana tem sido criticado por ser muito sexualmente excitante e para encorajar a violência, abuso de drogas e comportamento geralmente imoral. As críticas foram especialmente orientados para estilos afro-americanos de música como eles começaram a atrair platéias brancas, geralmente jovens; azuis, jazz, rock e hip hop todos se enquadram nesta categoria ].

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