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Crianças SOS, uma instituição de caridade educação , organizou esta selecção. Visite o site da SOS Children at http://www.soschildren.org/

No sentido horário, a partir da esquerda: a auto-retrato de Vincent van Gogh , um Africano Estátua Chokwe, detalhe da Nascimento de Venus por Sandro Botticelli e um japonês Leão Shisa

A arte é uma gama diversificada de actividades humanas e os produtos dessas actividades; este artigo se concentra principalmente sobre as artes visuais , o que inclui a criação de imagens ou objetos em campos, incluindo pintura , escultura , gravura , fotografia e outros meios visuais. Arquitetura é freqüentemente incluída como uma das artes visuais; No entanto, como o artes decorativas, que envolve a criação de objetos onde as considerações práticas de uso são essenciais em uma forma que eles geralmente não são para uma pintura, por exemplo. Música , teatro , cinema , dança , e outros artes de palco, bem como literatura e outros meios de comunicação, tais como mídia interativa são incluídos em uma definição mais ampla de arte ou as artes. Até o século 17, a arte a que se refere a qualquer habilidade ou domínio e não se diferenciou das artesanato ou ciências , mas no uso moderno das artes plásticas , onde considerações estéticas são primordiais, distinguem-se das competências adquiridas em geral, eo decorativo ou Artes Aplicadas.

Art tem sido caracterizada em termos de mimesis, expressão, comunicação de emoção, ou outros valores. Durante o período romântico , a arte passou a ser visto como "uma faculdade especial da mente humana para ser classificada com a religião ea ciência". Embora a definição do que constitui a arte é contestado e mudou ao longo do tempo, descrições gerais mencionar uma idéia de agência humana e da criação através da habilidade imaginativa ou técnica.

A natureza da arte, e conceitos relacionados, tais como a criatividade ea interpretação, são exploradas em um ramo da filosofia conhecido como a estética .

Arte criativa e arte

Obras de arte podem contar histórias ou simplesmente expressar uma verdade estética ou sentimento. Panorama de uma secção de A Thousand Li de montanhas e rios, uma pintura do século 12 pelo artista Dinastia Song Wang Ximeng.

Por uma definição ampla de arte, trabalhos artísticos têm existido por quase tanto tempo quanto a humanidade : a partir do início arte pré-histórica para arte contemporânea; no entanto, algumas teorias restringir o conceito de sociedades ocidentais modernas. O primeiro e mais amplo sentido da arte é a única que se manteve mais próxima do significado Latin mais velho, que traduz aproximadamente a "habilidade" ou "ofício". Alguns exemplos onde este significado se mostra muito ampla incluem artefato, artificial, artifício, médicos artes, e artes militares. No entanto, existem muitos outros usos coloquial da palavra, todos com alguma relação com a sua etimologia.

Do século 20 ruandês garrafa. Obras artísticas podem servir funções práticas, para além do seu valor decorativo.

Na filosofia medieval, ". O nome de arte deve ser aplicada somente aos que contribuem para produzir e necessaries e pilares da vida" João Crisóstomo entendeu que Tomás de Aquino , ao tratar o adorno das mulheres, dá uma ética justificação para os: "No caso de uma arte voltada à produção de bens que os homens não podem usar sem pecado, segue-se que o pecado operários em fazer tais coisas, como diretamente proporcionando outros uma ocasião de pecado, por exemplo, se um homem fosse fazer ídolos ou qualquer coisa relativa a idólatra adoração. Mas, no caso de uma arte cujos produtos podem ser utilizados pelo homem ou de um bem ou de um mau uso, tais como espadas, flechas e afins, a prática de tal arte não é pecado. Estes sozinho deve ser chamado artes ". Aquino declarou que a arte é nada mais do que "a razão direito sobre certas obras a serem feitas", e que é louvável, não fosse a vontade com que um artesão faz um trabalho ", mas para a qualidade do trabalho. Art, portanto, , propriamente falando, é um hábito operativo. " Aristóteles e Tomás de Aquino distingui-lo do hábito de relacionados prudência.

A segunda e mais recente sentido da palavra arte é como uma abreviação para a arte criativa ou artes plásticas e surgiu no início do século 17. Fine art significa que uma habilidade está sendo usada para expressar o artista de criatividade, ou se engajar sensibilidades estéticas do público, ou para atrair o público para com a consideração das coisas mais finas.

A palavra arte pode se referir a várias coisas: um estudo de habilidade criativa, um processo de usar a habilidade criativa, um produto da habilidade criativa, ou experiência do público com a habilidade criativa. As artes criativas (arte como disciplina) são um conjunto de disciplinas que produzem obras de arte (arte como objetos) que são obrigados por uma unidade pessoal (arte como atividade) e transmitir uma mensagem, humor, ou simbolismo para o espectador a interpretar (arte como experiência). A arte é algo que estimula os pensamentos, as emoções, as opiniões, ou as ideias de um indivíduo com os sentidos. Obras podem ser explicitamente feito para esta finalidade ou interpretados com base em imagens ou objetos. Embora a aplicação de conhecimentos científicos para derivar uma nova teoria científica envolve habilidade e resultados na "criação" de algo novo, isso representa a ciência só e não é classificado como arte.

Muitas vezes, se a habilidade está sendo usado em uma maneira comum ou prática, as pessoas vão considerá-lo um ofício ao invés de arte. Da mesma forma, se a habilidade está a ser utilizado de um modo comercial ou industrial, que pode ser considerado arte comercial, em vez de belas artes. Por outro lado, artesanato e projeto são considerados às vezes arte aplicada. Alguns seguidores de arte têm argumentado que a diferença entre arte e arte aplicada tem mais a ver com juízos de valor feitos sobre a arte do que qualquer diferença de definição clara. No entanto, mesmo fine art, muitas vezes tem objetivos além de pura criatividade e auto-expressão. O objetivo de obras de arte pode ser para comunicar idéias, como na arte motivada politicamente, espiritualmente, ou filosoficamente; para criar um senso de beleza (veja estética ); para explorar a natureza da percepção; para o prazer; ou para gerar fortes emoções . O objetivo também pode ser aparentemente inexistente.

A natureza da arte tem sido descrito pelo filósofo Richard Wollheim como "um dos mais evasivo dos problemas tradicionais da cultura humana". Art tem sido definido como um veículo para a expressão ou comunicação de emoções e idéias, um meio para explorar e valorizar elementos formais para seu próprio bem, e como mimesis ou representação. A arte como mimesis tem raízes profundas na filosofia de Aristóteles . Goethe definiu a arte como um outro resp. uma segunda natureza , de acordo com seu ideal de uma estilo baseia-se nos fundamentos básicos da percepção e no caráter mais íntimo das coisas. Leo Tolstoy identificado arte como uma utilização de meios indiretos para se comunicar de uma pessoa para outra. Benedetto Croce e RG Collingwood avançou a visão idealista de que a arte expressa emoções, e que a obra de arte, portanto, existe essencialmente na mente do criador. A teoria da arte como forma tem suas raízes na filosofia de Immanuel Kant , e foi desenvolvido no início do século XX por Roger Fry e Clive Bell. Mais recentemente, pensadores influenciada pela Martin Heidegger têm interpretado a arte como o meio pelo qual se desenvolve uma comunidade para si um meio de auto-expressão e interpretação. George Dickie ofereceu um teoria institucional da arte que define uma obra de arte como qualquer artefato sobre a qual uma pessoa qualificada ou pessoas agindo em nome da instituição social comumente referido como "o mundo da arte "conferiu" o estatuto de país candidato à apreciação ".

História

Venus de Willendorf, cerca de 24,000-22,000 BP

Esculturas, pinturas rupestres, pinturas rupestres e petroglifos do Paleolítico Superior datando de cerca de 40.000 anos atrás foram encontrados, mas o significado preciso de tal arte é muitas vezes contestada porque tão pouco se sabe sobre as culturas que os produziram. Os mais antigos objetos de arte no mundo de uma série de minúsculos, conchas de caracol perfurados cerca de 75.000 anos-foram descobertos em uma caverna sul-Africano. Recipientes que podem ter sido usados para armazenar tintas foram encontrados datam de 100.000 anos.

Pintura de caverna de um cavalo a partir do Cavernas de Lascaux, cerca de 16.000 BP

Muitos grandes tradições na arte têm uma fundação na arte de uma das grandes civilizações antigas: o Antigo Egito , Mesopotâmia , Pérsia , ?ndia, China, Grécia Antiga, Roma, bem como Inca , Maya , e olmeca . Cada um destes centros da civilização cedo desenvolveu um estilo único e característico em seu art. Por causa do tamanho e da duração dessas civilizações, mais de suas obras de arte sobreviveram e mais de sua influência foi transmitida a outras culturas e épocas posteriores. Alguns também forneceram os primeiros registros de como os artistas trabalharam. Por exemplo, este período da arte grega viu uma veneração da forma física humana e para o desenvolvimento de competências equivalentes para mostrar musculatura, equilíbrio, beleza, e as proporções anatomicamente corretas.

Em Bizantina e Arte medieval da Idade Média ocidental, muita arte voltada para a expressão das verdades bíblicas e religiosas, e usado estilos que mostraram a maior glória de um mundo celestial, tais como o uso do ouro no fundo de pinturas, ou de vidro em mosaicos ou janelas, que também apresentou números em formas idealizadas, modelado (flat). No entanto uma tradição realista clássica persistiu em pequenas obras bizantinas, e realismo cresceu firmemente na arte da Europa católica.

Arte renascentista teve um grande aumento ênfase na representação realista do mundo material, eo lugar dos seres humanos nele, refletida na corporalidade do corpo humano, eo desenvolvimento de um método sistemático de perspectiva gráfica para descrever recessão em um espaço de imagem tridimensional.

A assinatura estilizado de Sultan Mahmud II do Império Otomano foi escrita em Caligrafia árabe. Ele lê Mahmud Khan, filho de Abdulhamid é sempre vitorioso.
O Grande Mesquita de Kairouan (também chamado de Mesquita de Uqba) é um dos melhores, mais significativo e mais bem preservados exemplos artísticos e arquitectónicos dos primeiros grandes mesquitas; datada em seu estado presente desde o século 9, é o ancestral e modelo de todas as mesquitas nas terras islâmicas ocidentais. O Grande Mesquita de Kairouan está localizado na cidade de Kairouan na Tunísia .

No leste, A rejeição de arte Islâmica do iconografia levou a ênfase em padrões geométricos, caligrafia, e arquitetura. Mais a leste, religião dominada estilos artísticos e formas também. ?ndia e Tibet viu ênfase em esculturas pintadas e dança, enquanto pintura religiosa emprestado muitas convenções de escultura e tendiam a cores de contraste brilhantes com ênfase em contornos. China viu o florescimento de muitas formas de arte: jade, bronzework, cerâmica (incluindo o impressionante Exército de Terracota do Imperador Qin), poesia, caligrafia, música, pintura, drama, ficção, etc. estilos chineses variam muito de época para época e cada um é tradicionalmente nomeado após a dinastia reinante. Assim, por exemplo, da dinastia Tang pinturas são monocromáticos e esparso, enfatizando paisagens idealizadas, mas Dinastia Ming pinturas são agitado e colorido, e se concentrar em contar histórias através de configuração e composição. Japão nomes seus estilos após dinastias imperiais também, e também vi muito interação entre os estilos de caligrafia e pintura. Impressão de xilogravura tornou-se importante no Japão após o século 17.

Pintura pela dinastia Song artista Ma Lin, por volta de 1250. 24,8 × 25,2 cm

O western Age of Enlightenment no século 18 viu representações artísticas de certezas físicas e racionais do universo mecânico, bem como visões politicamente revolucionárias de um mundo pós-monárquico, como O retrato de Blake de Newton como um geômetra divina, ou Pinturas propagandísticos de Davi. Isso levou a românticas rejeições desta em favor de imagens de o lado emocional e individualidade dos seres humanos, exemplificados nos romances de Goethe . O final do século 19, em seguida, viu uma série de movimentos artísticos, como arte acadêmica, Simbolismo, impressionismo e fauvismo entre outros.

A história da arte do século XX é uma narrativa de infinitas possibilidades ea busca por novos padrões, cada um sendo demolido em sucessão pelo próximo. Assim, os parâmetros do Impressionismo , Expressionismo , Fauvismo, cubismo , dadaísmo , Surrealismo, etc. não podem ser mantidos muito além do momento de sua invenção. O aumento global de interação durante este tempo vi uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental, como Pablo Picasso sendo influenciado por Africano escultura. Gravuras japonesas (que haviam sido influenciados pela Renaissance draftsmanship Ocidental) teve uma enorme influência sobre o impressionismo eo desenvolvimento posterior. Mais tarde, esculturas africanas foram ocupados por Picasso e até certo ponto por Matisse . Da mesma forma, a oeste teve grandes impactos sobre arte oriental nos séculos 19 e 20, com idéias originalmente ocidentais como o comunismo e Pós-Modernismo exercendo uma poderosa influência sobre estilos artísticos.

Modernismo, a busca pela verdade idealista, cedeu na segunda metade do século 20 para uma realização de sua inatingível. Theodor W. Adorno disse em 1970, "agora é tomado como certo que nada que diz respeito a arte pode ser dado como certo mais nada: nem a própria arte, nem arte em relação com o todo, nem mesmo o direito de arte de existir." Relativismo foi aceito como uma verdade inevitável, o que levou ao período de arte contemporânea e a crítica pós-moderna, onde as culturas do mundo e da história são vistas como formas variáveis, que podem ser apreciadas e retiradas apenas com ironia. Além disso, a separação de culturas é cada vez mais ténue e alguns argumentam que é agora mais apropriado pensar em termos de uma cultura global, ao invés de culturas regionais.

Propósito da arte

A Navajo tapete feito cerca de 1880
Moçárabe Beatus miniatura. Espanha, final do século 10

Art teve um grande número de funções diferentes ao longo de sua história, fazendo com que o seu objectivo difícil de quantificar abstrato ou a qualquer conceito único. Isso não implica que a finalidade da arte é "vaga", mas que tem tido muitas razões únicas, diferentes para ser criada. Algumas destas funções de arte são fornecidos no seguinte esquema. Os diferentes efeitos de arte podem ser agrupados de acordo com aqueles que são não-motivado, e aqueles que são motivados (Lévi-Strauss).

Funções não-motivados de arte

Os fins não motivados de arte são aqueles que são parte integrante do ser humano, transcendem o indivíduo, ou não cumprir um propósito externo específico. Neste sentido, a arte, a criatividade, é algo que os seres humanos devem fazer pela sua própria natureza (isto é, nenhuma outra espécie cria arte), e é, portanto, além de utilidade.

  1. Instinto humano básico para a harmonia, equilíbrio, ritmo . Art neste nível não é uma ação ou um objeto, mas uma apreciação interna de equilíbrio e harmonia (beleza), e, portanto, um aspecto do ser humano além do utilitário.

    "Imitação, então, é um instinto de nossa natureza. Em seguida, há o instinto de" harmonia "e ritmo, metros, sendo manifestamente seções de ritmo. As pessoas, portanto, começando com este dom natural desenvolvido por graus suas aptidões especiais, até à sua rudes improvisações deu à luz a poesia. " Aristotle

  2. Experiência do misterioso. Art fornece uma maneira de experimentar a si mesmo em relação ao universo. Esta experiência pode muitas vezes vêm desmotivado, quando se aprecia a arte, música ou poesia.

    "A coisa mais bela que podemos experimentar é o mistério. É a fonte de toda verdadeira arte e ciência." -Albert Einstein

  3. Expressão da imaginação. Art fornecer um meio para expressar a imaginação de maneiras não-grammatic que não estejam vinculados à formalidade da linguagem falada ou escrita. Ao contrário de palavras, que vêm em sequências e cada um dos quais tem um significado definido, a arte oferece uma variedade de formas, símbolos e idéias com significados que são maleáveis.

    "?guia de Júpiter [como um exemplo de arte] não, é como lógica (estética) atributos de um objeto, o conceito do sublime e majestade da criação, mas sim algo mais - algo que dá a imaginação um incentivo para espalhar seu vôo sobre toda uma série de representações afins que provocam mais pensamento do que admite a expressão em um conceito determinado por palavras. Elas fornecem uma idéia estética, que serve a idéia racional acima como um substituto para a apresentação lógica, mas com a função adequada, no entanto, de animar a mente, abrindo para fora para ele uma perspectiva em um campo de representações afins alongamento para além do seu ken ". Emmanuel Kant

  4. Funções rituais e simbólicas. Em muitas culturas, a arte é utilizada em rituais, performances e danças como uma decoração ou símbolo. Embora estes muitas vezes não têm utilitária (motivado) finalidade específica, os antropólogos sabem que muitas vezes eles servem a um propósito no nível de significado dentro de uma cultura particular. Esse significado não tenha sido apresentada por um indivíduo, mas muitas vezes é o resultado de muitas gerações de mudança, e de uma relação cosmológica dentro da cultura.

    "A maioria dos estudiosos que lidam com pinturas rupestres ou objetos recuperados a partir de contextos pré-históricos que não podem ser explicados em termos utilitários e são assim classificados como decorativo, ritual ou simbólica, está ciente da armadilha colocada pelo termo 'arte'." -Silva Tomaskova

Motivado funções de arte

Motivado fins de arte referem-se a ações intencionais, conscientes por parte dos artistas ou criador. Estes podem ser para provocar uma mudança política, para comentar sobre um aspecto da sociedade, para transmitir uma emoção ou estado de espírito específico, para abordar a psicologia pessoal, para ilustrar uma outra disciplina, para (com artes comerciais) para vender um produto, ou simplesmente como um forma de comunicação.

  1. Comunicação. Art, em sua forma mais simples, é uma forma de comunicação. Como a maioria das formas de comunicação têm uma intenção ou objetivo direcionado para outro indivíduo, este é um objectivo motivado. Artes ilustrativas, tais como ilustração científica, são uma forma de arte como comunicação. Os mapas são outro exemplo. No entanto, o conteúdo pode não ser científica. Emoções, humores e sentimentos também são comunicadas através da arte.

    "[A arte é um conjunto de artefactos] ou imagens com significados simbólicos, como meio de comunicação." -Steve Mithen

  2. A arte como entretenimento. Art poderá procurar trazer uma emoção ou estado de espírito particular, com o objetivo de relaxar ou entreter o espectador. Isso é muitas vezes a função das indústrias de arte de filmes e jogos de vídeo.
  3. O Avante Garde. Arte para a mudança política Uma das funções que definem a arte do início do século XX. Tem sido a utilização de imagens visuais para trazer a mudança política. Movimentos de arte que tinham essa meta-dadaísmo, o surrealismo, o construtivismo russo e expressionismo abstrato, entre outros, são referidos coletivamente como as artes avante-garde.

    "Por outro lado, a atitude realista, inspirada pelo positivismo, de Saint Thomas Aquinas ao Anatole France, parece-me claramente de ser hostil a qualquer avanço intelectual ou moral. Eu detesto isso, porque é composta de mediocridade, ódio, e maçante . presunção É esta atitude que hoje dá à luz desses livros ridículos, essas peças insultuosas Ele constantemente se alimenta de e deriva a força dos jornais e embrutece a ciência ea arte de assiduamente lisonjeiro o menor de gostos;. clareza na fronteira com estupidez, um cão vida. " -André Breton (surrealismo)

  4. Art for psicológico e fins de cura. A arte também é usado por terapeutas de arte, psicoterapeutas e psicólogos clínicos como arte-terapia. O Diagnóstico Série de desenho, por exemplo, é usado para determinar a personalidade e funcionamento emocional de um paciente. O produto final não é o principal objetivo neste caso, mas sim um processo de cura, através de atos criativos, é procurado. A peça resultante de obras de arte também podem oferecer uma visão sobre os problemas vividos pelo sujeito e pode sugerir abordagens adequadas para ser utilizado em formas mais convencionais de terapia psiquiátrica.
  5. Arte para investigação social, subversão e / ou anarquia. Embora semelhante à arte para a mudança política, arte subversiva ou desconstrutivista pode procurar a questionar aspectos da sociedade, sem qualquer objetivo político específico. Neste caso, a função da arte pode ser simplesmente a criticar algum aspecto da sociedade.
    Tinta spray graffiti na parede em Roma
    A arte do graffiti e outros tipos de arte de rua são gráficos e imagens que são pintada com spray ou stêncil sobre visíveis publicamente paredes, edifícios, ônibus, trens e pontes, normalmente sem permissão. Certas formas de arte, como grafite, podem também ser ilegal quando eles quebram leis (neste caso vandalismo).
  6. Arte para causas sociais. A arte pode ser usado para aumentar a consciência para uma grande variedade de causas. Uma série de atividades de arte foram destinadas a aumentar a consciência de autismo , câncer , tráfico de seres humanos, e uma variedade de outros temas, tais como a conservação do oceano, os direitos humanos na Darfur, assassinados e desaparecidos mulheres aborígenes, abuso de idosos e poluição . Trashion, praticado por artistas como Marina detritos é um exemplo de como usar a arte para aumentar a conscientização sobre a poluição.
  7. Arte para propaganda ou comercialismo. Art é freqüentemente utilizada como uma forma de propaganda , e, portanto, pode ser usada para influenciar sutilmente concepções populares ou humor. De forma semelhante, a arte que tenta vender um produto também influencia o humor e emoção. Em ambos os casos, o objetivo da arte aqui é manipular sutilmente o espectador para uma resposta emocional ou psicológica especial em direção a uma idéia ou objeto particular.
  8. A arte como um indicador de aptidão. Tem sido argumentado que a capacidade do cérebro humano excede em muito o que era necessário para a sobrevivência no ambiente ancestral. Um explicação psicologia evolutiva para isso é que o cérebro associadas e características humanas (como habilidade artística e criatividade) são o equivalente humano do pavão cauda 's. O objectivo da cauda extravagante do pavão masculino tem sido argumentado que ser para atrair as fêmeas (ver também Runaway Fisherian e princípio handicap). De acordo com esta teoria execução superior da arte era evolucionária importante porque atraiu companheiros.

As funções da arte descritos acima não são mutuamente exclusivas, como muitos deles podem se sobrepor. Por exemplo, a arte para fins de entretenimento também podem tentar vender um produto, ou seja, o jogo de filme ou vídeo.

O acesso do público

Versailles: Louis Le Vau abriu o pátio interior para criar a entrada expansiva cour d'honneur, depois copiada por toda a Europa.

Desde os tempos antigos, grande parte da melhor arte tem representado uma exposição deliberada de riqueza ou poder, muitas vezes conseguido através de escala maciça e materiais caros. Muita arte foi encomendada por governantes ou estabelecimentos religiosos, com as versões mais modestas disponível apenas para os mais ricos da sociedade. No entanto, houve muitos períodos em que a arte de alta qualidade estava disponível, em termos de propriedade, através de grandes partes da sociedade, sobretudo em meios baratos como cerâmica, que persiste no solo e mídia perecíveis, tais como têxteis e madeira . Em muitas culturas diferentes, o cerâmica dos povos indígenas das Américas são encontrados em uma variedade tão grande de sepulturas que claramente não estavam restritos a uma elite social, embora outras formas de arte pode ter sido. Métodos reprodutivos, como moldes feitos à produção em massa mais fácil, e foram usadas para trazer de alta qualidade Olaria romana antiga e grega Tanagra figurines a um mercado muito amplo. Selos cilíndricos foram ambos artístico e prático, e muito utilizado por aquilo que pode ser vagamente chamado de classe média no Antigo Oriente Próximo. Uma vez que as moedas foram amplamente utilizados estes também se tornou uma forma de arte que alcançou a mais ampla gama de sociedade. Outra inovação importante veio no século 15 na Europa, quando gravura começou com pequeno xilogravuras, principalmente religiosas, que muitas vezes eram muito pequenas e mão-colorido, e acessível até mesmo por camponeses que eles colados nas paredes de suas casas. Livros foram inicialmente muito caro, mas caiu de forma constante no preço até por volta do século 19 até os mais pobres podiam pagar alguns com ilustrações impressas. Gravuras populares de muitos tipos diferentes têm decorado casas e outros locais durante séculos.

Edifícios públicos e monumentos, seculares e religiosos, por sua natureza geralmente tratar o conjunto da sociedade, e os visitantes como espectadores, e exibição para o público em geral tem sido um fator importante na sua concepção. Templos egípcios são típicos em que o mais maior e mais luxuosa decoração foi colocada sobre as peças que podiam ser vistos pelo público em geral, em vez de as áreas vistos apenas pelos sacerdotes. Muitas áreas de palácios reais, castelos e as casas da elite social muitas vezes eram geralmente acessíveis, e grande parte das coleções de arte dessas pessoas poderia ser visto, quer por qualquer pessoa, ou por aqueles capazes de pagar um preço pequeno, ou aqueles vestindo as roupas corretas, independentemente de quem eles eram, como no Palácio de Versalhes, onde os acessórios extras apropriados (fivelas de sapatos de prata e uma espada) poderia ser contratado a partir de lojas fora.

Regimes especiais foram feitas para permitir que o público de ver muitos colecções reais ou privadas colocados em galerias, como com o Orleans Coleção principalmente alojado em uma ala do Palais Royal, em Paris, o que pode ser visitada durante a maior parte do século 18. Na Itália, o turismo arte do Grand Tour se tornou uma grande indústria a partir do Renascimento, e os governos e as cidades fizeram esforços para tornar as suas obras principais acessíveis. Os britânicos Coleção Real permanece distinta, mas grandes doações, como a Biblioteca real idade foram feitas a partir dele para o Museu Britânico, criado em 1753. O Uffizi em Florença abriu inteiramente como uma galeria em 1765, embora esta função foi gradualmente tomando o edifício ao longo dos escritórios dos funcionários públicos originais por um longo tempo antes. O edifício agora ocupado pelo Prado em Madrid foi construído antes da Revolução Francesa para a exibição pública de partes da coleção de arte real, e galerias de reais semelhantes abertos ao público existia em Viena , Munique e outras capitais. A abertura do Musée du Louvre durante a Revolução Francesa (em 1793) como um museu público para grande parte da antiga coleção real francesa certamente marcou uma etapa importante no desenvolvimento do acesso público à arte, transferir a propriedade para um estado republicano, mas era uma continuação das tendências já bem estabelecida.

A maioria dos museus públicos modernos e programas de arte-educação para crianças em escolas pode ser rastreada até este impulso de ter a arte acessível a todos. Museus nos Estados Unidos tendem a ser presentes do muito rico para as massas ( O Metropolitan Museum of Art, em Nova York, por exemplo, foi criado por John Taylor Johnston, um executivo da estrada de ferro, cuja coleção de arte pessoal semeado do museu.) Mas apesar de tudo isso, pelo menos uma das funções importantes da arte no século 21 permanece como um marcador de riqueza e status social.

Desempenho por Joseph Beuys, 1978: Todo mundo um artista - No caminho para a forma libertária do organismo social

Houve tentativas de artistas para criar arte que não pode ser comprado pelos ricos como um objeto de status. Um dos motivadores originais principais de grande parte da arte do final dos anos 1960 e 1970 foi a criação de arte que não pode ser comprado e vendido. É "necessário apresentar algo mais do que meros objetos", disse o major do pós-guerra artista alemão Joseph Beuys. Este período de tempo viu o surgimento de coisas como arte da performance, vídeo-arte, e arte conceitual. A idéia era que, se a obra de arte foi um desempenho que iria deixar nada para trás, ou era simplesmente uma idéia, não poderia ser comprado e vendido. "Preceitos democráticos que giram em torno da ideia de que uma obra de arte é uma mercadoria impulsionou a inovação estética que germinaram em meados da década de 1960 e foi ceifada por toda a década de 1970. Artistas amplamente identificados sob o título de arte conceitual ... substituindo desempenho e publicação de atividades para engate com tanto o material e preocupações materialistas de forma pintado ou escultural ... [tem] se esforçou para minar o objeto de arte objeto qua. "

Nas décadas desde então, essas idéias foram um pouco perdido como o mercado de arte aprendeu a vender DVDs edição limitada de obras de vídeo, convites para peças de arte exclusivas desempenho, e os objetos que sobraram de peças conceituais. Muitas dessas performances criar obras que só são compreendidos pelos elite que foram educados a respeito de porque uma idéia ou vídeo ou um pedaço de lixo aparente pode ser considerado arte. O marcador do estado torna-se compreender o trabalho em vez de necessariamente possuí-lo, ea obra de arte continua a ser uma actividade de classe alta. "Com o uso generalizado da tecnologia de gravação de DVD no início de 2000, os artistas, eo sistema de galeria que deriva seus lucros com a venda de obras de arte, ganhou um importante meio de controlar a venda de obras de arte de vídeo e de computador em edições limitadas para colecionadores."

Controvérsias

Théodore Géricault de Jangada da Medusa, cerca de 1820

Art tem sido controverso, que seja detestado por alguns espectadores, para uma grande variedade de razões, embora a maioria das controvérsias pré-modernas são mal gravada, ou completamente perdido para uma visão moderna. Iconoclastia é a destruição de arte que é odiado por uma variedade de razões, inclusive religiosas. Aniconismo é uma antipatia geral quer de todas as imagens figurativas, ou aqueles muitas vezes apenas religiosas, e tem sido um fio em muitas das principais religiões. Tem sido um fator crucial na história da Arte islâmica, onde representações de Maomé permanecem especialmente controversa. Muita arte foi puramente não gostava, porque retratavam ou não representava governantes impopulares, festas ou outros grupos. Convenções artísticas têm sido muitas vezes conservador e levado muito a sério por críticos de arte, embora muitas vezes muito menos por um público mais vasto. O conteúdo iconográfico da arte poderia causar polêmica, como com representações medievais da nova motivo da Swoon da Virgem, em cenas do Crucificação de Jesus. O último julgamento por Michelangelo foi controversa por vários motivos, incluindo violações da decoro através nudez ea Apollo pose de Cristo -como.

O conteúdo de muita arte formal através história foi ditada pelo patrono ou comissário, em vez de apenas o artista, mas com o advento do Romantismo , e as mudanças económico no produção de arte, a visão dos artistas tornou-se o determinante habitual do conteúdo de sua arte, o aumento da incidência de controvérsias, embora muitas vezes reduzindo o seu significado. Fortes incentivos para originalidade e publicidade percebida também encorajou os artistas a tribunal controvérsia. Théodore Géricault de Jangada da Medusa (c. 1820), foi em parte um comentário político sobre um evento recente. Édouard Manet Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), foi considerado escandaloso não por causa da Mulher nu, mas porque ela está sentado ao lado de homens completamente vestidos com as roupas da época, ao invés de em vestes do mundo antigo. John Singer Sargent de Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), causou uma controvérsia sobre a rosa avermelhado usado para colorir lóbulo da orelha da mulher, considerado muito sugestivo e, supostamente, arruinando a reputação do modelo da alta sociedade.

O abandono gradual do naturalismo ea representação de representações realistas da aparência visual de sujeitos nos séculos 19 e 20 levaram a uma controvérsia de rolamento com duração de mais de um século. No século XX, Pablo Picasso 's Guernica (1937) usado prender cubistas técnicas e austeros óleos monocromáticas, para descrever as consequências terríveis de um atentado contemporânea de uma pequena cidade antiga, Basque. de Leon Golub Interrogation III (1981), descreve uma fêmea nu detido, encapuzado amarrado a uma cadeira, com as pernas abertas para revelar seus órgãos sexuais, cercada por dois algozes vestido com roupas todos os dias. de Andres Serrano Piss Christ (1989) é uma fotografia de um crucifixo, sagrado para a religião cristã e representando Cristo ' s sacrifício e sofrimento final, submersa em um copo de própria urina do artista. O tumulto resultante levou a comentários no Senado dos Estados Unidos sobre o financiamento público das artes.

Teoria

No século XIX, os artistas eram principalmente preocupado com as idéias de verdade e beleza . O teórico estético John Ruskin, que defendeu o que ele viu como o naturalismo de JMW Turner , viu o papel da arte como a comunicação por artifício de uma verdade essencial que só poderia ser encontrado na natureza.

A definição e avaliação de arte tornou-se especialmente problemático desde o século 20.Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético da arte: arealista, em que qualidade estética é um valor absoluto independente de qualquer ponto de vista humano; o Objectivist, pelo qual também é um valor absoluto, mas é dependente da experiência humana geral; e o Relativistposição, pelo que não é um valor absoluto, mas depende de, e variam com, a experiência humano de diferentes humanos.

A chegada do Modernismo na liderança final do século XIX para uma ruptura radical na concepção da função da arte, e depois novamente no final do século XX, com o advento do pós-modernismo. 1960 artigo "Pintura modernista" de Clement Greenberg define a arte moderna como " o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina ". Greenberg originalmente aplicado essa idéia para o movimento expressionista abstrato e usou-o como uma forma de entender e justificar plana (não-ilusionista) pintura abstrata:

Realistic arte, naturalista tinha dissimulado a forma, usando a arte para ocultar a arte; modernismo usou a arte para chamar a atenção para a arte. As limitações que constituem a forma de pintura a-superfície plana, a forma do suporte, as propriedades do pigmento foram tratados pelos Old Masters factores como negativas, que podem ser reconhecidas apenas implicitamente ou indirectamente. Sob o Modernismo essas mesmas limitações chegou a ser considerado como factores positivos, e foram abertamente reconhecido.

Depois de Greenberg, vários teóricos da arte importantes surgiram, tais como Michael Fried, TJ Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin e Griselda Pollock, entre outros. Embora apenas originalmente concebido como uma maneira de compreender um conjunto específico de artistas, definição de arte moderna de Greenberg é importante para muitas das ideias de arte dentro dos vários movimentos da arte do século 20 e início do século 21.

Artistas pop como Andy Warhol tornou-se tanto notável e influente através do trabalho e, possivelmente incluindo criticando a cultura popular, assim como o mundo da arte. Artistas dos anos 1980, 1990 e 2000, expandiu essa técnica de auto-crítica além de grande arte para todas as tomadas de imagem cultural, incluindo imagens de moda, história em quadrinhos, cartazes e pornografia.

Duchamp propôs uma vez que a arte é toda a atividade de qualquer kind- tudo. No entanto, a maneira que apenas certas atividades são hoje classificados como arte é uma construção social. Há evidências de que pode haver um elemento de verdade nisto. The Invention of Art: Uma História Cultural é um livro de história da arte que examina a construção do moderno sistema das artes ou seja Fine Art . Shiner encontra provas de que o sistema mais antigo das artes antes de nosso sistema moderno (belas artes), realizada arte para ser qualquer atividade humana qualificada ou seja, a sociedade grega antiga não possuía a arte prazo, mas techné. Techne pode ser entendida nem como arte ou ofício, a razão é que as distinções de arte e artesanato são produtos históricos que vieram mais tarde na história humana. Techne incluiu pintura , escultura e música , mas também; cozinhar, medicina , equitação , geometria , carpintaria, profecia e agricultura etc.

Disputas de classificação

Duchamp Fountain, 1917

Os diferendos quanto à existência ou não de classificar algo como uma obra de arte são referidos como disputas classificatórias sobre arte.

Disputas classificatórias no século 20 têm incluídocubistaeimpressionistapinturas, Duchamp Fountain, osfilmes, imitações superlativo denotas,arte conceitual, ejogos de vídeo.

Filósofo David Novitz argumentou que a divergência sobre a definição de arte raramente são o cerne do problema. Em vez disso, "as preocupações e interesses apaixonados que os seres humanos colete na sua vida social" são "uma parte muito importante de todas as disputas classificatórias sobre a arte" (Novitz, 1996). De acordo com Novitz, disputas classificatórias são mais frequentemente disputas sobre valores sociais e onde a sociedade está tentando ir do que eles estão prestes a teoria adequada. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou Hirst 's e trabalho de Emin, argumentando "Para 1000 ano arte tem sido uma das nossas grandes forças civilizadoras. Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam tornar bárbaros de todos nós", eles não estão avançando um definição ou teoria sobre a arte, mas questionando o valor da obra de Hirst e Emin. Em 1998, Arthur Danto, sugeriu um experimento de pensamento mostrando que "o status de um artefato como obra de arte resulta a partir das idéias de uma cultura se aplica a ele, em vez de suas qualidades físicas ou perceptíveis inerentes. interpretação Cultural (uma teoria da arte de algum tipo ) é, portanto, constitutiva de arthood de um objecto. "

Anti-art é um rótulo para a arte que desafia intencionalmente os parâmetros e valores da arte estabelecidos; é termo associado com o dadaísmo e atribuído a Marcel Duchamp, pouco antes da Primeira Guerra Mundial, quando ele estava fazendo arte a partir de objetos encontrados. Um destes, Fountain (1917), um urinol comum, alcançou proeminência e influência considerável na arte. Anti-arte é uma característica do trabalho por Internacional Situacionista, o lo-fi movimento de arte Mail, e os jovens artistas britânicos , embora seja uma forma ainda rejeitado pelos Stuckists, que se descrevem como anti-anti-arte.

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