Diego Velázquez
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| Diego Velázquez | |
|---|---|
 Auto-retrato de Diego Velázquez, 45 x 38 cm. | |
| Nome de nascença | Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |
| Nacionalidade | Espanhol |
| Campo | Pintura |
| Movimento | Barroco |
| Trabalho | Las Meninas, 1656 La Venus del espejo ( Rokeby Venus), 1644-1648 La Rendición de Breda, ( A Rendição de Breda) 1634-1635 |
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (pronunciação espanhola: [Djeɣo roðriɣeð ðe silβa i βelaθkeθ]; 06 de junho de 1599 - 06 de agosto de 1660) foi um pintor espanhol que foi o artista principal na corte do Rei Philip IV. Ele era um artista individualista do contemporâneo barroco período, importante como um retratista. Além de numerosas interpretações de cenas de significado histórico e cultural, ele pintou dezenas de retratos da família real espanhola, de outras figuras européias notáveis, e os plebeus, que culminou na produção de sua obra-prima Las Meninas (1656).
A partir do primeiro trimestre do século XIX, obras de arte de Velázquez era um modelo para o realista e impressionista pintores, em especial Édouard Manet. Desde aquela época, os artistas mais modernos, incluindo o espanhol Pablo Picasso e Salvador Dalí, assim como o pintor anglo-irlandês Francis Bacon, pagaram tributo a Velázquez, recriando vários de seus trabalhos mais famosos.
Infância
Nasceu em Sevilha, Andaluzia, Espanha, Diego, o primeiro filho de Juan Rodríguez de Silva e Velázquez Jerónima, foi batizado na igreja de St Peter, em Sevilha, no domingo, junho 6, 1599. Este batismo deve ter seguido o nascimento do bebê por não mais do que uns poucos semanas, ou talvez apenas alguns dias. Avós paternos de Velázquez, Diego da Silva e Maria Rodrigues, mudou-se para Sevilha a partir de sua nativa Porto, Portugal décadas antes. Quanto a Juan Rodríguez de Silva e sua esposa, ambos nasceram em Sevilha, e se casaram, também na igreja de São Pedro, em 28 de Dezembro 1597. Eles vieram de menor nobreza e foram reconhecidos os privilégios geralmente apreciado pela aristocracia.
Velázquez foi educado por seus pais a temer a Deus e, destinado a sua profissão, recebeu uma boa formação em línguas e filosofia . Mas ele mostrou um dom cedo para a arte; conseqüentemente, ele começou a estudar sob Francisco de Herrera, um pintor vigoroso que desconsiderou a influência italiana da escola de Sevilha cedo. Velázquez permaneceu com ele por um ano. Foi provavelmente a partir de Herrera, que ele aprendeu a usar escovas com cerdas longas.
Depois de deixar o estúdio de Herrera, quando ele tinha 12 anos, Velázquez começou a servir como um aprendiz sob Francisco Pacheco, um artista e professor, em Sevilha. Embora geralmente considerado um maçante, pintor medíocre, Pacheco, por vezes, expressa um realismo simples e direta em contradição com o estilo de Rafael que ele foi ensinado. Velázquez permaneceu na escola de Pacheco por cinco anos, estudando proporção e perspectiva e testemunhando as tendências nos círculos literários e artísticos de Sevilha.
Para Madrid (início de período)
No início da década de 1620, a sua posição e reputação foram assegurados em Sevilha. Em 23 de abril de 1618, casou-se com Juana Velázquez Pacheco (01 de junho de 1602, 10 de agosto de 1660), a filha de seu professor. Ela lhe deu duas filhas-seu único conhecido da família. O mais velho, Francisca de Silva y Velázquez Pacheco (1619-1658), pintor casado Juan Bautista Martínez del Mazo na Igreja de Santiago, em Madrid, em 21 de agosto de 1633; o mais novo, Ignacia de Silva y Velázquez Pacheco, nascido em 1621, morreu na infância.
Velázquez produziu obras notáveis durante este tempo. Conhecido por suas composições de cenas de gênero divertido (também chamados bodegones), tais como Mulher adulta que frita ovos, seus temas sagrados incluem Adoración de los Reyes (1619, A Adoração dos Reis Magos) e Jesús y los peregrinos de Emaús (1626, Cristo e os peregrinos de Emaús), ambos os quais começam a expressar seu realismo mais aguçado e cuidadoso.
Madrid e Philip IV
Velázquez foi para Madrid na primeira quinzena de abril de 1622, com cartas de apresentação para Don Juan de Fonseca, ele próprio a partir de Sevilha, que foi capelão do rei. A pedido de Pacheco, Velázquez pintou o retrato do famoso poeta Luis de Góngora. Velázquez pintou Góngora coroado com uma coroa de louros, mas pintada sobre ele em alguma data posterior desconhecida. É possível que Velázquez parado em Toledo, a caminho de Sevilha, a conselho de Pacheco, ou de volta de Madrid, em que de Góngora, um grande admirador de El Greco, ter composto um poema na ocasião da sua morte.
Em dezembro de 1622, Rodrigo de Villandrando, pintor da corte favorito do rei, morreu. Don Juan de Fonseca encaminhados para Velázquez o comando para vir à corte do Conde-Duque de Olivares, o poderoso ministro de Philip IV. Ele foi oferecido 50 ducados (175 g de ouro -worth cerca de € 2.000 em 2005) para custear suas despesas, e ele estava acompanhado por seu pai-de-lei. Fonseca apresentou o jovem pintor em sua própria casa e sentou-se para um retrato, que, quando concluído, foi transportado para o palácio real. Um retrato do rei foi encomendado. Em 16 de agosto 1623, Philip IV sentou para Velázquez. Completa em um dia, o retrato era susceptível de ter sido não mais do que um esboço da cabeça, mas tanto o rei e Olivares ficaram satisfeitos. Olivares ordenou Velázquez se mudar para Madrid, prometendo que nenhum outro pintor jamais pintar o retrato de Filipe e todos os outros retratos do rei seria retirado de circulação. No ano seguinte, 1624, ele recebeu 300 ducados do rei para pagar o custo de mover sua família para Madrid, que se tornou sua casa para o resto de sua vida.
Através do retrato do busto do rei, pintado em 1623, Velázquez garantiu a admissão ao serviço real, com um salário de 20 ducados por mês, além de assistência médica, hospedagem e pagamento para as fotos ele poderia pintar. O retrato foi exibido nos degraus de San Felipe e foi recebido com entusiasmo. Agora, é perdido. O Museo del Prado, no entanto, tem dois dos retratos de Velázquez do rei (nos 1.070. E 1.071), em que a gravidade do período de Sevilha desapareceu e os tons são mais delicados. A modelagem é firme, lembrando que de Antonio Mor, o pintor retratista holandês de Filipe II , que exerceu uma influência considerável sobre a escola espanhola. No mesmo ano, o príncipe de Gales (mais tarde Charles I ) chegou na corte de Espanha. Registros indicam que ele se sentou para Velázquez, mas o quadro já está perdida. Em setembro de 1628, Peter Paul Rubens chegou a Madrid como um emissário da Infanta Isabella, e Velázquez acompanhou-o a ler o No Ticianos Escorial. Rubens estava então no auge de seus poderes. Os sete meses da missão diplomática mostrou brilho Rubens ", como pintor e cortesão. Rubens teve uma alta opinião de Velázquez, mas ele não tinha nenhuma influência significativa na sua pintura. Ele reforçou o desejo de Velázquez de ver a Itália e as obras dos grandes mestres italianos.
Em 1627, Philip definir uma competição para os melhores pintores de Espanha com o assunto a ser a expulsão do Mouros. Velázquez ganhou. Sua imagem foi destruída em um incêndio no palácio em 1734. Descrições gravadas dele dizer que é retratado Philip III apontando com o bastão para uma multidão de homens e mulheres estão sendo levados por soldados, enquanto o personificação feminina da Espanha fica em repouso calmo. Velázquez foi nomeado cavalheiro usher como recompensa. Mais tarde, ele também recebeu um subsídio diário de 12 réis, a mesma quantia atribuída ao barbeiros tribunal, e 90 ducados por ano para o vestido. Cinco anos depois que ele pintou em 1629, como um pagamento extra, ele recebeu 100 ducados para a imagem de Bacchus ( A Festa de Baco). O espírito eo objetivo deste trabalho são melhor compreendidos a partir do seu nome em espanhol, Los Borrachos (The Drunks) ou Los Bebedores (os bebedores), que estão prestando homenagem simulação para um jovem coroado de hera semi-nua sentada em um vinho barril. A pintura é firme e sólido, ea luz e sombra são mais habilmente manipulados do que em trabalhos anteriores. Ao todo, essa produção pode ser tomado como o exemplo mais avançado do primeiro estilo de Velázquez.
Período italiano
Em 1629, ele foi morar na Itália por um ano e meio. Embora sua primeira visita italiano é reconhecido como um capítulo crucial no desenvolvimento do estilo de Velázquez - e na história do Real espanhola Mecenato, uma vez que Philip IV patrocinado a viagem - sabemos muito pouco sobre os detalhes e especificidades: o que o pintor viu, quem ele conheceu, como ele foi percebido e que inovações que espera introduzir na sua pintura. É canônica de dividir a carreira artística de Velázquez por suas duas visitas a Itália, com seu segundo agrupamento de obras após a primeira visita e seu terceiro agrupamento após a segunda visita. Esta divisão de algum modo arbitrário pode ser aceite, embora não sempre aplicar, porque, como é habitual no caso de muitos pintores, os estilos, por vezes, se sobrepõem uns aos outros. Velázquez raramente assinava seus quadros, e os arquivos reais dar as datas de apenas suas obras mais importantes. A evidência interna e história pertencente aos seus retratos fornecer o resto de um certo ponto.
Retornar para Madrid (período médio)
Velázquez pintou então o primeiro de muitos retratos de o jovem príncipe e herdeiro do trono espanhol, Don Baltasar Carlos, olhando digna e nobre, mesmo em sua infância, com o vestido de um marechal de campo em seu cavalo empinado. A cena está na escola de equitação do palácio, o rei ea rainha olhando de uma varanda, enquanto Olivares atende como mestre do cavalo para o príncipe. Don Baltasar morreu em 1646 na idade de dezessete anos, por isso, a julgar pela sua idade no retrato, que deve ter sido pintado por volta de 1641.
O poderoso ministro Olivares era o patrono precoce e constante do pintor. Sua impassível, rosto sombrio nos é familiar a partir dos muitos retratos pintados por Velázquez. Dois são notáveis; um é um full-length, imponente e digno, no qual ele usa a cruz verde do ordem de Alcantara e prende uma varinha, o emblema de seu escritório como mestre do cavalo, o outro, um grande retrato equestre em que está flatteringly representado como um marechal de campo durante a ação. Nestes retratos, Velázquez tem bem pagou a dívida de gratidão que devia ao seu primeiro patrono, a quem Velázquez estava junto durante a queda de Olivares de poder, expondo-se assim para o grande risco de que a ira do Philip ciúmes. O rei, porém, não mostrou nenhum sinal de malícia para seu pintor favorito.
O escultor Juan Martínez Montañés modelou uma estátua de um dos retratos equestres de Velázquez do rei, pintado em 1636, que foi fundida em bronze pelo Escultor florentino Pietro Tacca e que agora está no Plaza de Oriente em Madrid. O original deste retrato não existir mais, mas vários outros fazem. Velázquez, neste e em todos os seus retratos do rei, descreve Philip vestindo a golilla, um colar de linho rígida se projecta perpendicularmente a partir do pescoço. Foi inventado pelo rei, que estava tão orgulhoso dele que ele celebrou-lo por um festival seguido de uma procissão à igreja para agradecer a Deus pela bênção. Assim, o golilla foi o auge da moda, e apareceu na maior parte dos retratos masculinos do período.
Velázquez estava no comparecimento constante e atento sobre Philip, acompanhando-o em suas viagens para Aragão em 1642 e 1644, e foi, sem dúvida, presente com ele quando ele entrou Lerida como um conquistador. Foi então que ele pintou um grande retrato equestre em que o rei é representado como um grande comandante que conduz suas tropas-um papel que Philip nunca jogou exceto em pompa. Tudo está cheio de animação, exceto o rosto impassível do rei. Ele trava como um pingente para os grandes Olivares retrato-fit rivais do vizinho Charles V por Titian, que inspirou Velázquez para se sobressair-se, e ambos notável por seu tom prateado e sua sensação de ar livre.
Retrato
Além dos quarenta retratos de Philip por Velázquez pintou retratos de outros membros da família real: a primeira esposa de Philip, Elisabeth de Bourbon, e os seus filhos, especialmente seu filho mais velho, Don Baltasar Carlos, de quem há uma longa-metragem bonito em uma sala privada no Palácio de Buckingham . Cavaliers, soldados, clérigos, e do poeta proeminente Francisco de Quevedo (agora em Apsley House), sentou para Velázquez.
Se quer saber quem é o Mulher bonita pode ser que decora a coleção Wallace, uma morena tão diferente dos assistentes do sexo feminino loiras habituais para Velázquez. Esta imagem é um dos ornamentos da coleção Wallace. No entanto, se algumas damas da corte de Filipe foram descritos, Velázquez pintou vários de seus bufões e anões. Velázquez aparece para representá-los com respeito e simpatia, como em El Primo (1644, Inglês: A Favorita), cujo rosto inteligente e enorme fólio com tinteiro e uma caneta ao seu lado mostrar a ele ser um homem mais sábio e melhor educada do que muitos dos galãs do tribunal Pablo de Valladolid (1635, Inglês: Paul de Valladolid)., um bufão, evidentemente, representando um papel, e El Bobo de Coria (1639, Inglês: O palhaço de Coria) pertencem a este período intermediário.
A maior das pinturas religiosas por Velázquez também pertence a esse período do meio, o Cristo Crucificado (1632, Inglês: Cristo na Cruz). É uma obra de grande originalidade, representando Cristo imediatamente após a morte. A cabeça do Salvador paira sobre o seu peito e uma massa de cabelos emaranhados escuro esconde parte do rosto. A figura está sozinho. A imagem foi alongado para se adequar ao seu lugar em um oratório, mas esta adição já foi removido. Alguns acreditam que o homem nesta pintura é seu tio.
Filho-de-lei de Velázquez Juan Bautista Martínez del Mazo lhe tinha sucedido como inaugurar em 1634, eo próprio Mazo tinha recebido uma promoção constante da casa real. Mazo recebeu uma pensão de 500 ducados em 1640, aumentou para 700, em 1648, para retratos pintados e para ser pintado, e foi nomeado inspetor de obras no palácio em 1647.
Philip agora confiada Velázquez com a realização de um projeto em que ele há muito tempo o seu coração: a fundação de um Academia de Artes em Espanha. Rico em imagens, a Espanha foi fraco em estatuária, e Velázquez foi encomendado mais uma vez para avançar para a Itália para fazer compras.
Segunda visita a Itália
Acompanhado por seu servo Juan de Pareja, a quem ele treinou na pintura, Velázquez partiu de Málaga em 1649, o desembarque em Gênova , e procedeu a partir de Milão a Veneza, a compra de pinturas de Ticiano, Tintoretto e Veronese como ele foi. Em Modena ele foi recebido com muito favor pelo duque, e aqui ele pintou o retrato do duque na galeria de Modena e dois retratos que agora enfeitam a Galeria de Dresden, para estas pinturas veio da venda de Modena 1746.
Essas obras pressagiar o advento da terceira e mais recente forma do pintor, um nobre exemplo de que é o grande retrato de Papa Inocêncio X no Galeria Doria Pamphilj em Roma, onde Velázquez agora passou. Lá, ele foi recebido com favor marcado pelo Papa , que lhe presenteado com uma medalha e corrente de ouro. Velázquez deu uma cópia do retrato que Sir- Joshua Reynolds pensou que era a melhor imagem em Roma-com ele para a Espanha. Vários exemplares do que existe em diferentes galerias, alguns deles, possivelmente estudos para o original ou réplicas pintadas para Philip. Velázquez, neste trabalho, já tinha atingido o abreviada manera, um termo cunhado pelos espanhóis contemporâneos para este modelo mais ousado, mais nítida. O retrato mostra tal crueldade na expressão de Innocent que alguns no Vaticano temia que Velázquez se reuniria com o desagrado do Papa, mas Innocent estava bem satisfeito com o trabalho, pendurá-la na sala de espera do seu visitante oficial.
Em 1650, em Roma Velázquez também pintou um retrato de seu servo, Juan de Pareja, agora na Metropolitan Museum of Art, em Nova York. Este retrato adquiridos sua eleição para o Academy of St. Luke. Velázquez supostamente criou este retrato como um warm-up de suas habilidades antes de seu retrato do Papa. Ele captura no semblante grande detalhe de Pareja e sua roupa um pouco cansados e remendado com uma economia impressionante de pinceladas; é uma de suas mais conhecidas peças de retratos.
Voltar para a Espanha (mais tarde período)
Rei Philip desejou que Velázquez voltar para a Espanha; em conformidade, após uma visita ao Nápoles, onde viu seu velho amigo José Ribera, ele retornou à Espanha via Barcelona em 1651, levando consigo muitas fotos e 300 peças de estatuária, que mais tarde foram organizadas e catalogadas para o rei. Escultura despida foi, no entanto, repugnante à Igreja espanhola, e depois da morte de Philip estas obras desapareceram gradualmente. Elisabeth da França tinha morrido em 1644, eo rei tinha casado Mariana de Áustria, a quem Velázquez agora pintado em muitas atitudes. Ele foi especialmente escolhido pelo rei para ocupar o alto cargo de aposentador prefeito, que lhe impunha o dever de cuidar dos aposentos ocupados pelo tribunal-a função responsável que não foi sinecura e um que interferir com o exercício de sua arte. No entanto, longe de indicar qualquer declínio, seus trabalhos deste período estão entre os mais altos exemplos de seu estilo.
Las Meninas
Um dos infantas, Margaret Theresa, a filha mais velha da nova rainha, parece ser objecto de Las Meninas (1656, Inglês: as empregadas domésticas de honra), Velázquez de opus magnum. No entanto, ao olhar para os vários pontos de vista da pintura não é claro quanto a quem ou o que é o verdadeiro sujeito. É a filha real, ou talvez o próprio pintor? A resposta pode estar na imagem na parede traseira, que descreve o rei ea rainha. É este uma imagem no espelho, caso em que o rei ea rainha estão de pé, onde o espectador está? Eles são o tema da obra de Velázquez? Ou é o trabalho simplesmente uma pintura tribunal? Grande parte ainda está em especulações sobre o verdadeiro sujeito desta obra-prima, e muitas das perguntas que são feitas nunca pode ser realmente respondidas.
Criado quatro anos antes de sua morte, ela serve como um excelente exemplo da European barroco período da arte. Uma apoteose do trabalho tenha sido efectuado desde a sua criação; Luca Giordano, um pintor italiano contemporâneo, que se refere a ela como a "teologia da pintura", e no século XVIII o inglês Thomas Lawrence citou-o como a "filosofia da arte", tão decididamente capaz de produzir o efeito desejado. Que efeito tem sido interpretada de maneiras variadas; Dale Brown aponta uma interpretação que, na inserção no trabalho um retrato desbotado do rei e da rainha pendurado na parede de trás, Velázquez engenhosamente prognosticated a queda do império espanhol que estava a ganhar impulso após a sua morte. Outra interpretação é que o retrato é de fato um espelho, e que a própria pintura é na perspectiva do Rei e da Rainha, daí a sua reflexão pode ser visto no espelho na parede do fundo.
Diz-se que o rei pintou o honorário Cruz Roja (Cruz Vermelha) da Orden de Santiago ( Ordem de Santiago) no peito do pintor como ele aparece hoje na tela. No entanto, Velázquez não receber esta honra de cavalaria até três anos após a execução desta pintura. Até mesmo o rei da Espanha não poderia fazer o seu favorito um cavaleiro com cinto de segurança, sem o consentimento da comissão criada para investigar a pureza de sua linhagem. O objectivo destes inquéritos seria para evitar que a nomeação para cargos de alguém encontrado para ter mesmo uma mancha de heresia em sua linhagem, isto é, um traço de judaica sangue ou contaminação ou dos Mouros por comércio em ambos os lados da família por muitas gerações. Os registros desta comissão, foram encontrados entre os arquivos da Ordem de Santiago. Velázquez foi agraciado com a honra em 1659. Sua ocupação como plebeu e comerciante foi justificado porque, como pintor do rei, ele era, evidentemente, que não estão envolvidos na prática de "vender" imagens.
No livro de 1966 Les Mots et Les Choses ( A Ordem das Coisas), filósofo Michel Foucault dedica o capítulo de abertura para uma análise detalhada de Las Meninas. Ele descreve as maneiras em que a pintura problematiza questões de representação através da utilização de espelhos, telas, e as oscilações subsequentes que ocorrem entre a imagem do interior, superfície, e exterior. Em seu livro, A Dying Animal, Philip Roth usa Las Meninas como uma metáfora para a atração distraído de namoro.
Anos finais
Se não fosse por esta nomeação real, o que permitiu Velázquez para escapar da censura da Inquisição , ele não teria sido capaz de lançar seu La Venus del espejo (c 1644-1648, Inglês.: Venus em seu espelho), também conhecido como O Rokeby Venus. É o único sobrevivente do sexo feminino nu por Velázquez.
Havia essencialmente apenas dois patronos de arte na Espanha-a igreja eo rei amante da arte e tribunal. Bartolomé Esteban Murillo foi o artista favorecido pela igreja, enquanto Velázquez foi apadrinhado pela coroa. Uma diferença, no entanto, merece ser observado. Murillo, que trabalhava para uma igreja rica e poderosa, deixou poucos meios para pagar o seu enterro, enquanto Velázquez viveu e morreu no gozo de bons salários e pensões.
Um dos seus últimos trabalhos foi Las Hilanderas (The Spinners), pintado por volta de 1657, representando tanto o interior das obras tapeçaria real ou uma representação de Fable de Ovídio Arachne, dependendo da interpretação. Foi recentemente sugerido que a tapeçaria no fundo baseia-se Titian é The Rape of Europa, ou, mais provavelmente, a cópia que Rubens pintou em Madrid . Ele é cheio de luz, ar e movimento, com cores vibrantes e um tratamento cuidadoso. Anton Raphael Mengs disse que este trabalho parece ter sido não pintada pela mão, mas pela pura força de vontade. Ele exibe uma concentração de toda a arte-conhecimento Velázquez havia se reunido durante sua longa carreira artística de mais de quarenta anos. O esquema é simples: uma confluência de variada e misturado vermelho, verde-azulado, cinza e preto.
Retratos finais Velazquez 'das crianças reais estão entre suas melhores obras. Estes incluem a Infanta Margarita no vestido azul e seu retrato único sobrevivente do doente Príncipe Felipe Próspero. O último é notável pela sua combinação de características doces do príncipe criança e seu cão com uma sutil sensação de melancolia. Como em todas as pinturas tardias do artista, a manipulação das cores é extremamente fluido e vibrante.
Em 1660 um tratado de paz entre a França ea Espanha foi consumada pelo casamento de Maria Theresa com Louis XIV , ea cerimônia foi realizada na ilha de faisão, uma pequena ilha no pantanoso Bidassoa. Velázquez foi carregado com a decoração do pavilhão espanhol e com toda a exposição cênica. Ele atraiu muita atenção da nobreza de seu porte eo esplendor de seu traje. Em 26 de junho, ele retornou a Madrid, e em 31 de julho, ele foi acometido de febre. Sentindo seu fim se aproximando, ele assinou seu testamento, nomeando como seu único executores sua esposa e seu amigo firme chamado Fuensalida, guarda dos registros reais. Ele morreu no dia 6 de agosto de 1660. Ele foi enterrado no jazigo Fuensalida da igreja de San Juan Bautista, e prazo de oito dias a esposa Juana foi enterrado ao lado dele. Infelizmente, esta igreja foi destruída pelos franceses em 1811, assim que seu local de sepultamento é agora desconhecido. Havia muita dificuldade em ajustar as contas emaranhados pendentes entre Velázquez e da tesouraria, e não foi até 1666, após a morte do rei Philip, que foram finalmente resolvido.
Na modernidade
Até o século XIX, pouco era conhecido fora da Espanha da obra de Velázquez. Suas pinturas principalmente escapou de ser roubado pelos marechais franceses durante a Guerra Peninsular. Em 1828, Sir David Wilkie escreveu de Madrid que ele sentiu-se na presença de um novo poder na arte como ele olhou para as obras de Velázquez, e ao mesmo tempo encontrou uma afinidade muito grande entre o artista ea escola britânica de pintores de retratos, especialmente Henry Raeburn. Ele ficou impressionado com a impressão moderna que permeia a obra de Velázquez na paisagem e retrato. Atualmente, sua técnica e individualidade ganharam Velázquez uma posição de destaque na história da arte européia, e ele é muitas vezes considerado um pai da escola espanhola de arte. Embora familiarizado com todas as escolas italianas e um amigo dos pintores mais importante de sua época, ele era forte o suficiente para resistir a influências externas e trabalhar para si o desenvolvimento de sua própria natureza e seus próprios princípios da arte.
Velázquez é frequentemente citado como uma influência fundamental sobre a arte de Édouard Manet, importante quando se considera que Manet é frequentemente citado como a ponte entre o realismo eo impressionismo . Chamando Velázquez o "pintor de pintores", Manet admirado uso de Velázquez de cores vivas pinceladas no meio do estilo acadêmico barroco de seus contemporâneos e construído sobre os motivos de Velázquez em sua própria arte.
Recriações modernas de clássicos
A importância do Velázquez de arte ainda hoje é evidente ao considerar o respeito com que os pintores do século XX consideram seu trabalho. Pablo Picasso apresentou as homenagens mais duráveis para Velázquez em 1957, quando ele recriou Las Meninas em 58 variações, em sua caracteristicamente cubista formulário. Embora Picasso estava preocupado que seus reinterpretações de pintura de Velázquez seria visto apenas como cópias em vez de representações exclusivas, as enormes obras-incluindo o maior que tinha produzido desde Guernica, em 1937,-ganhou uma posição de relevância no cânone da arte espanhola. Picasso manteve a forma geral e o posicionamento do original no âmbito do seu avant-garde estilo cubista.
Salvador Dalí, assim como com Picasso, em antecipação do tricentenário da morte de Velázquez, criado em 1958 um trabalho intitulado Velázquez Pintura a Infanta Margarita Com as luzes e sombras de sua própria glória. O esquema de cores mostra sério tributo de Dalí para Velázquez; o trabalho também funcionou, como no caso de Picasso, como um veículo para a apresentação das teorias mais recentes em arte e pensamento misticismo nuclear, no caso de Dalí.
O pintor anglo-irlandês Francis Bacon encontrou o retrato de Velázquez do Papa Inocêncio X de ser um dos maiores retratos já feitos. Ele criou várias expressionista variações desta peça na década de 1950; no entanto, pinturas de Bacon apresentou uma imagem mais horrível do papa, que já estava morto há séculos. Uma variação famoso tal, intitulada Figura com Carne (1954), mostra o papa entre duas metades de uma vaca bissectado.
Redescobertas recentes de originais Velázquez
Em 2009, o Retrato de um homem na coleção do Metropolitan Museum of Art, que durante muito tempo tinha sido associado com os seguidores de estilo Velázquez 'de pintura, foi limpo e restaurado. Verificou-se ser pelo próprio Velázquez, e as características do homem coincidir com os de uma figura na pintura "A Rendição de Breda". A lona recém-limpos podem, portanto, ser um estudo para que a pintura. Embora a atribuição de Velazquez é considerado como certo, a identidade do sitter ainda é uma questão em aberto. Alguns historiadores de arte consideram este novo estudo a ser um auto-retrato de Velázquez.
Em 2010, foi relatado que uma pintura danificada longo relegado para um porão do Yale University Art Gallery pode ser uma das primeiras obras de Velázquez. Pensado para ter sido dado a Yale em 1925, a pintura foi anteriormente atribuído à escola de espanhol do século 17. Alguns estudiosos estão preparados para atribuir a pintura de Velázquez, embora o Museu do Prado em Madrid está reservando julgamento. A obra, que retrata a Virgem Maria sendo ensinados a ler, será restaurada pelos conservadores em Yale.
Descendentes
Velázquez, através de sua filha Francisca de Silva y Velázquez Pacheco (1619-1658), é um antepassado dos Marqueses de Monteleone, incluindo Enriquetta (Henrietta) Casado de Monteleone (1725-1761), que em 1746 casou Heinrich VI, Contagem Reuss zu Köstritz (1707-1783). Através deles são descendentes de um número de direitos europeus, entre eles Rainha Sofia de Espanha, Rainha Beatrix dos Países Baixos, Rei Carl XVI Gustaf da Suécia, Rei Albert II da Bélgica, Hans-Adam II de Liechtenstein, e Henri, Grão-Duque do Luxemburgo.
Trabalhos selecionados
Velázquez não era prolífico; ele é estimada para ter produzido entre telas apenas 110 e 120 conhecidos. Entre estas pinturas, no entanto, são muitas obras mais conhecidas e influentes.
- Apollo na forja de Vulcan (Apolo en la Fragua de Vulcano) (1.630) - Óleo sobre tela, 223 x 290 cm Museo del Prado, Madrid
- Cristo na casa de Marta e Maria (1618) - óleo sobre tela, 63 x 103,5 centímetros, National Gallery, Londres
- Cristo crucificado (1631) - Óleo sobre tela, 248 x 169 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Demócrito (c 1630). - Óleo sobre tela, 101 x 81 cm Musée des Beaux-Arts, Rouen
- El Triunfo de Baco (Los borrachos) (1628-1629) - Óleo sobre tela, 165 x 225 cm Museo del Prado, Madrid
- Retrato equestre do duque de Olivares (1634) - Óleo sobre tela, 313 x 239 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Esopo (1639-1640) - óleo sobre tela, 179 x 94 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Imposición de la uma casulla San Ildefonso (1623) - Óleo sobre tela, 165 x 115 centímetros, Museo de Bellas Artes, Sevilha
- Mulher adulta que frita ovos (c 1618). - Óleo sobre tela, 105 x 119 centímetros, National Gallery, Edimburgo
- La reina Isabel de Borbón um caballo (1629) - Óleo sobre tela, 301 x 314 cm Museo del Prado, Madrid
- Las Hilanderas (a fábula do Arachne) (c 1657). - Óleo sobre tela, 167 x 252 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Las Meninas (1656) - Óleo sobre tela, 318 x 276 centímetros
- Descansar Mars (1640) - Óleo sobre tela, 179 x 95 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Menipo (1639-1640) - óleo sobre tela, 179 x 94 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Mercúrio e Argus (1659) - cm Oil6, Museo del Prado, Madrid sobre tela, 127 x 248 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Retrato do Conde Duque de Olivares (1624) - Óleo sobre tela, 202 x 107 cm Museu de Arte de São Paulo, São Paulo
- Retrato do Duque de Olivares (1635) - Óleo sobre tela, 67 x 54,5 centímetros, Museu Hermitage, St. Petersburg
- Retrato de Inocêncio X (c 1650). - Óleo sobre tela, 141 x 119 centímetros, Galleria Doria Pamphilj, Roma
- Retrato de Juan de Pareja (1650) - Óleo sobre tela, 81,3 x 69,9 centímetros, Metropolitan Museum of Art, Nova York
- Retrato da mãe Jerónima de la Fuente (1620) - Óleo sobre tela, 79 x 51 centímetros, Museo del Prado, Madrid
- Rokeby Venus (La Venus del Espejo, c 1648-1651.) - Óleo sobre tela, 122 x 177 centímetros, National Gallery, Londres
- A Rendição de Breda(1633-1635) -Óleo sobre tela, 307 x 367 centímetros, Museo del Prado,Madrid
- A Adoração dos Reis Magos(1619) -Óleo sobre tela, 203 x 125 centímetros, Museo del Prado,Madrid
- A Senhora com um fã, (c 1638-1639.) -Óleo sobre madeira, 69 x 51 centímetros, O Wallace Collection, em Londres
- O Lunch(c 1617). -Óleo sobre tela, 108 x 102 cm Museu Hermitage, St. Petersburg
- O Waterseller de Sevilha(c 1620). -Óleo sobre tela, 105 x 80 cm Apsley House, Londres
