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História da pintura

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A história da pintura atinge volta no tempo para artefatos de seres humanos pré-históricos, e se estende por todas as culturas, que representa um contínuo, embora perturbado, a tradição da Antiguidade. Em diferentes culturas, e que abrangem continentes e milênios, a história da pintura é um rio contínuo de criatividade, que continua no século 21. Até o início do século 20, ele se baseou principalmente em representacional, religiosa e motivos clássicos, após o que mais puramente abstrato e abordagens conceituais ganhou favor.

Desenvolvimentos em oriental pintando historicamente a paralela aqueles na pintura ocidental , geralmente, alguns séculos mais cedo. Africano arte, Arte islâmica, Arte indiana, Arte chinesa, e Arte japonesa cada um teve a influência significativa na arte ocidental, e, eventualmente, vice-versa.

Artigos recomendadas: Pintura ocidental do século 20, pintura ocidental , pintura , Esboço da história da pintura.

Pré-história

Os mais antigos pinturas conhecidas estão no Grotte Chauvet em France, reivindicado por alguns historiadores para ter aproximadamente 32.000 anos de idade. Elas são gravados e pintados usando ocre vermelho e preto de pigmentos e mostram cavalos, rinoceronte, leões, búfalo, mammoth ou seres humanos frequentemente caçando. Há exemplos de pinturas rupestres em todo o França, ?ndia, Espanha, Portugal, China, Austrália, etc Várias hipóteses têm sido feitas quanto ao significado destas pinturas tiveram que as pessoas que os feitos in-world. Homens pré-históricos podem ter pintado animais para "pegar" seu alma ou espírito, a fim de caçá-los mais facilmente ou as pinturas pode representar uma visão animista e uma homenagem a envolvente natureza , ou podem ser o resultado de uma necessidade básica de expressão que é inata ao ser humano, ou eles poderiam ter sido para a transmissão de informações práticas.

Em Paleolítico, a representação de seres humanos em pinturas rupestres era raro. Principalmente, os animais foram pintados, não apenas os animais que foram usados como animais de produção, mas também que representavam a força como o rinoceronte ou grande Felidae, como no Caverna de Chauvet. Sinais como pontos às vezes eram atraídos. Representações humanas raras incluem handprints e meio-humano / figuras de animais. A Caverna de Chauvet no Ardèche Os departamentos da França contém os mais importantes pinturas rupestres preservados da era paleolítica, pintado em torno de 31.000 BC. O Altamira pinturas rupestres em Espanha foram feitas 14.000 a 12.000 BC e mostram, entre outros, bisontes . O hall de touros em Lascaux, Dordogne, na França, é uma das pinturas rupestres mais conhecidos de cerca de 15.000 a 10.000 aC.

Se há um significado para as pinturas, permanece desconhecido. As cavernas não estavam em uma área habitada, de modo que pode ter sido usado para rituais sazonais. Os animais são acompanhados de sinais que sugerem um possível uso de magia. Arrow-símbolos como em Lascaux são por vezes interpretados como calendário ou uso almanaque. Mas a evidência permanece inconclusiva. O trabalho mais importante do Mesolítico eram os guerreiros marchando, uma pintura do rock na Cingle de la Mola, Castellón, Espanha datados de cerca de 7000-4000 aC. A técnica utilizada foi provavelmente cuspir ou assoar os pigmentos para o rock. As pinturas são bastante naturalista, embora estilizado. As figuras não são tridimensional, embora eles se sobrepõem

As pinturas indígenas mais antigos conhecidos (ver secção abaixo) foram as pinturas rupestres de tempos pré-históricos, o petroglifos como encontrado em lugares como o Grutas de Bhimbetka, (veja acima) e alguns deles são mais velhos do que 5500 BC. Tais obras continuaram e depois de vários milênios, no século 7, esculpida pilares da Ajanta, Estado de Maharashtra presente um belo exemplo de pinturas indianas, e as cores, em sua maioria vários tons de vermelho e laranja, foram derivadas de minerais.

Pintura Oriente

A história da pintura oriental inclui uma vasta gama de influências de várias culturas e religiões. Desenvolvimentos em Pintura oriental paralelo historicamente aqueles na pintura ocidental , em geral, alguns séculos mais cedo. Africano arte, Arte islâmica, Arte indiana, Art coreano, Arte chinesa, e Arte japonesa cada um teve a influência significativa na arte ocidental, e, vice-versa.

Pintura chinesa é uma das mais antigas tradições artísticas contínua do mundo. As primeiras pinturas não eram de representação, mas ornamental; que consistia de modelos ou desenhos em vez de fotos. Cerâmica primitiva foi pintado com espirais, ziguezagues, pontos, ou animais. Foi apenas durante o Período dos Reinos Combatentes (403-221 aC) que os artistas começaram a representar o mundo em torno deles. Pintura japonesa é um dos mais antigos e altamente refinado do Artes japonesas, abrangendo uma ampla variedade de gêneros e estilos. A história da pintura japonesa é uma longa história de síntese ea competição entre nativo Estética japonesa e adaptação de ideias importadas. A história da Coreano pintura é datado de cerca de 108 dC, quando ele aparece pela primeira vez como uma forma independente. Entre esse tempo e as pinturas e afrescos que aparecem na Goryeo túmulos da dinastia, tem havido pouca pesquisa. Basta dizer que até o Dinastia Joseon foi a principal influência chinesa pintura embora feito com paisagens coreanas, características faciais, temas budistas, e uma ênfase na observação celestial de acordo com o rápido desenvolvimento da astronomia coreano.


Pintura do Leste Asiático

Um frasco pintado chinês do Han Ocidental Era (202 aC - 9 CE)

China, Japão e Coréia têm uma forte tradição na pintura que também é altamente ligado à arte da caligrafia e gravura (tanto que é comumente visto como a pintura). Far pintura tradicional leste é caracterizado por técnicas à base de água, menos realismo, "elegante" e assuntos estilizados, abordagem gráfica de representação, a importância de espaço em branco (ou espaço negativo) e uma preferência para paisagem (em vez de figura humana) como um assunto. Além de tinta e cor no papel de seda ou pergaminhos, em ouro laca também foi um meio comum em obras de arte pintadas do Leste Asiático. Apesar de seda era um meio um pouco caro para pintar em cima, no passado, a invenção de papel durante o primeiro século dC pelo tribunal Han eunuco Cai Lun fornecida não só um meio barato e difundido para a escrita, mas também um meio barato e difundido para a pintura (tornando-o mais acessível ao público).

As ideologias do Confucionismo , Taoísmo e Budismo desempenharam papéis importantes na arte do Leste Asiático. Medievais pintores dinastia Song, tais como Lin Tinggui e seu Lavagem de Luohan (Alojado no Smithsonian Freer Gallery of Art) do século 12 são excelentes exemplos de idéias budistas fundidos em arte clássica chinesa. Na última pintura de seda em (imagem e descrição fornecida no link), budista careca Luohan são retratados em um ambiente prático de lavar roupas por um rio. No entanto, a pintura em si é visualmente deslumbrante, com o Luohan retratado em detalhes ricos e cores opacas, brilhantes em contraste com a nebulosa, marrom e ambiente arborizado sem graça. Além disso, as copas das árvores estão envoltas em névoa de roda, desde que o "espaço negativo" comum mencionado no East Asian Art.

Em Japonisme, atrasados artistas do século 19 como os impressionistas , Van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec e Whistler admirado tradicional japonesa Ukiyo-e artistas como Hokusai e Hiroshige e seu trabalho foi influenciado por ele.

Panorama de Ao longo do rio Durante Qing Ming Festival, refilmagem do século 18 de um original do século 12 pelo artista chinês Zhang Zeduan Nota: navegação começa a partir da direita

Pintura chinesa

Manhã de Primavera no Palácio Han, por Ming-era artista Qiu Ying (1494-1552 dC)

Os primeiros (sobreviventes) exemplos de chinês pintado data artwork para o Período dos Reinos Combatentes (481-221 aC), com pinturas sobre seda ou murais túmulo na rocha, tijolo, ou pedra. Eles foram muitas vezes no formato estilizado simplista e em padrões geométricos mais ou menos rudimentares. Eles muitas vezes representado criaturas mitológicas, cenas domésticas, cenas de trabalho, ou cenas palacianas cheias de funcionários na corte. Obra de arte durante este período ea subseqüente Dinastia Qin (221-207 aC) e Dinastia Han (202 aC - 220 dC) foi feito não como um meio em si mesmo ou para uma maior expressão pessoal. Em vez artwork foi criado para simbolizar e direitos honra funerários, representações de divindades mitológicas ou espíritos dos antepassados, etc. pinturas em seda de funcionários judiciais e cenas domésticas poderia ser encontrado durante a Dinastia Han, juntamente com cenas de caça homens a cavalo ou participando em parada militar. Há também foi pintura em três dimensões obras de arte nas estatuetas e estátuas, como as cores originais pintados cobrindo os soldados e cavalos estátuas da Exército de Terracota. Durante o clima social e cultural da antiga Oriente Dinastia Jin (316-420 AD), com base em Nanjing, no sul, pintura tornou-se um dos passatempos oficiais da confucionistas funcionários burocráticos e -taught aristocratas (juntamente com música tocada pelo guqin cítara, escrita fantasiosa caligrafia , e escrita e declamação de poesia ). Pintura tornou-se uma forma comum de auto-expressão artística, e durante este período os pintores da corte ou entre circuitos sociais de elite foram julgados e classificados por seus pares.

O Buda Sakyamuni , por Zhang Shengwen, 1173-1176 AD, Dinastia Song período.

O estabelecimento de chinês clássico pintura de paisagem é credenciada em grande parte à Artista Dinastia Jin Oriental Gu Kaizhi (344-406 AD), um dos artistas mais famosos da história chinesa. Como as cenas de rolagem alongadas de Kaizhi, Dinastia Tang (618-907 dC) como artistas chineses Wu Daozi pintado artwork cores vivas e altamente detalhadas sobre handscrolls longos horizontais (que foram muito populares durante o Tang), tais como os seus oitenta e sete pessoas Celestes. Artwork pintado durante o período Tang pertenciam os efeitos de um ambiente paisagem idealizada, com pouca quantidade de objetos, pessoas ou atividade, bem como monocromática na natureza (exemplo: os murais do túmulo de preço Yide no Mausoléu Qianling). Havia também figuras como pintor início da era Tang Zhan Ziqian, que pintou pinturas de paisagens soberbas que estavam bem à frente de sua época no retrato de realismo. No entanto, a arte paisagem não atingiram maior nível de maturidade e realismo em geral até o Cinco Dinastias e Dez Reinos período (907-960 AD). Durante este tempo, houve excepcionais paisagem pintores como Dong Yuan (consulte este artigo para um exemplo de sua arte), e aqueles que pintou representações mais vivas e realistas de cenas domésticas, como Gu Hongzhong e seus Revels da noite de Han Xizai.

Nêsperas e Montanha Pássaro, artista anônimo da Dinastia Song do Sul ; pinturas em folha de estilo álbum como este eram populares no Song do Sul (1127-1279).

Durante o chinês da dinastia Song (960 - 1279 dC), não só a arte de paisagem foi melhorado, mas a pintura do retrato tornou-se mais padronizados e sofisticado do que antes (por exemplo, referem-se a Imperador Huizong da Canção), e atingiu sua maturidade era clássica durante a Dinastia Ming (1368 - 1644 AD). Durante o final do século 13 e primeira metade do século 14, Chinês, sob a Controlados por Mongol Dinastia Yuan não foram autorizados a entrar mais altos cargos de governo (reservado para mongóis ou de outros grupos étnicos da ?sia Central), eo Imperial exame foi deixado para o momento. Muitos confucionistas educados chinês que agora não tinham profissão virou-se para as artes da pintura e teatro em vez disso, como o período Yuan se tornou uma das épocas mais vibrantes e abundante para o trabalho artístico chinês. Um exemplo de tal seria Qian Xuan (1235-1305 dC), que foi funcionário da dinastia Song, mas por patriotismo, se recusou a servir o tribunal Yuan e dedicou-se à pintura. Exemplos de arte soberba deste período incluem os murais pintados ricos e detalhados do Palácio Yongle , Ou "Dachunyang Longevity Palace", de 1262 dC, um UNESCO Património Mundial da Humanidade. Dentro do palácio, pinturas cobrem uma área de mais de 1000 metros quadrados, e mantenha temas principalmente taoístas. Foi durante a dinastia Song que os pintores também se reuniam em clubes sociais ou reuniões para discutir a sua arte ou a arte dos outros, o louvor dos que muitas vezes levou a convicções ao comércio e vender preciosas obras de arte. No entanto, houve também muitos críticos severos de outros arte, bem, mostrando a diferença de estilo e gosto entre os diferentes pintores. Em 1088 AD, o cientista e estadista polímata Shen Kuo uma vez escreveu sobre a obra de arte de um Li Cheng, que ele criticou como segue:

"

... Em seguida, houve Li Cheng, que quando ele descreveu pavilhões e lodges em meio a montanhas, prédios storeyed, pagodes e similares, sempre usado para pintar o beirais como pode ser visto a partir de baixo. Sua idéia era que "deve-se olhar para cima a partir de baixo, assim como um homem que está no nível do solo e olhando para o beiral do telhado de um pagode pode ver suas vigas e caibros seus cantilever beiral '. Isto está tudo errado. Em geral, a maneira correta de uma pintura de paisagem é ver o pequeno do ponto de vista do grande ... apenas como um olha montanhas artificiais em jardins (como se caminha sobre). Se um se aplica (método de Li) para a pintura de montanhas reais, olhando para eles a partir de baixo, só se pode ver um perfil de cada vez, e não a riqueza de suas pistas numerosas e perfis, para não falar de tudo o que está acontecendo em nos vales e gargantas, e nas pistas e pátios com suas moradias e casas. Se estamos a leste de uma montanha suas partes ocidentais estariam no limite de fuga da longínqua distância, e vice-versa. Certamente esta não poderia ser chamado uma pintura bem sucedida? O Sr. Li não entendeu o princípio de "ver o pequeno do ponto de vista do grande '. Ele foi certamente maravilhosa de diminuir com precisão alturas e distâncias, mas deve anexar uma tal importância para os ângulos e cantos dos edifícios?

"
Imperador Qianlong Praticar caligrafia , de meados do século 18.

Embora elevado nível de estilização, apelo místico e elegância surreal foram preferidos muitas vezes mais realismo (como em shan estilo shui), começando com a dinastia medieval Canção havia muitos pintores chineses e, em seguida, depois que mostravam cenas da natureza que eram vividamente real. Mais tarde artistas da Dinastia Ming levaria após essa ênfase Dinastia Song for intrincados detalhes e realismo em objetos na natureza, especialmente nas representações de animais (tais como patos, cisnes, pardais, tigres, etc.) entre os remendos das flores de cores vivas e moitas de escova e madeira (um bom exemplo seriam os pássaros pintura anônimo da Dinastia Ming e de ameixa , Alojados na Freer Gallery do Museu Smithsonian, em Washington, DC). Havia muitos renomados artistas da Dinastia Ming; Qiu Ying é um excelente exemplo de um pintor primordial era Ming (famoso mesmo em seu próprio dia), utilizando em suas obras de arte cenas domésticas, cenas movimentadas palacianas e cenas da natureza de vales de rios e montanhas mergulhadas envolta em neblina e nuvens de roda. Durante a Dinastia Ming, há também eram diferentes e rivalizando com escolas de arte associadas com a pintura, como o Wu Escola ea Zhe School.

Pintura clássica chinesa continuou até o início da era moderna dinastia Qing , com pinturas do retrato altamente realistas, como visto na Dinastia Ming tardia do início do século 17. Os retratos de Imperador Kangxi, Yongzheng Imperador, e Imperador Qianlong são excelentes exemplos de pintura realista retrato chinês. Durante o período de reinado de Qianlong eo contínuo século 19, Europeu Barroco estilos de pintura teve uma influência perceptível nas pinturas retrato chineses, especialmente com efeitos visuais pintadas de iluminação e sombreamento. Da mesma forma, pinturas do Leste Asiático e outras obras de arte (como porcelana e laca) eram muito apreciados na Europa desde o contato inicial, no século 16.

Período Muromachi, Shingei, (1431-1485), Visualizando uma cachoeira, Museu Nezu, Tokyo.

A pintura japonesa

Pintura japonesa (絵 画) é um dos mais antigos e altamente refinado das artes japonesas, abrangendo uma ampla variedade de gêneros e estilos. Como com a história de artes japonesas em geral, a história da pintura japonesa é uma longa história de síntese ea competição entre japoneses nativos estética ea adaptação de ideias importadas. Ukiyo-e, "retratos do mundo flutuante", é um gênero de japonês xilogravuras (ou xilogravuras) e pinturas produzidas entre os 17 e os séculos 20, com motivos de paisagens, o teatro e bairros prazer. É o gênero artístico principal da impressão do woodblock em Japão. Gravura japonesa especialmente a partir do Período Edo exerceu enorme influência na pintura ocidental na França durante o século 19.

Pintura da ?sia do Sul

Pintura indiana

Pinturas indígenas historicamente girava em torno das divindades religiosas e reis. Arte indiana é um termo coletivo para várias escolas diferentes de arte que existiam na Subcontinente indiano. As pinturas variaram de grandes afrescos de Ajanta para o intrincado Mughal pinturas em miniatura para as obras de metal embelezados da Tanjore escola. As pinturas da Gandhar- Taxila são influenciados pela Persa trabalha no oeste. O estilo oriental da pintura foi principalmente desenvolvido em torno da Nalanda escola de arte. As obras são na sua maioria inspiradas por várias cenas de mitologia indiana .

História

As primeiras pinturas indianas foram as pinturas rupestres de tempos pré-históricos, o petroglifos como encontrado em lugares como o Rocha abrigos de Bhimbetka, e alguns deles são mais velhos do que 5500 BC. Tais obras continuaram e depois de vários milênios, no século 7, esculpida pilares da Ajanta, Estado de Maharashtra presente um belo exemplo de pinturas indianas, e as cores, em sua maioria vários tons de vermelho e laranja, foram derivadas de minerais.

Bhimbetka pintura rupestre

Ajanta cava no Maharashtra, ?ndia são monumentos da caverna do rocha-cut que datam do século 2 BCE e contendo pinturas e escultura consideradas obras-primas da arte religiosa budista e arte pictórica universal.

Um fresco de Caverna 1 de Ajanta.
Pintura de Madhubani

Pintura de Madhubani é um estilo da pintura indiana, praticado na região de Mithila de estado de Bihar, na ?ndia. As origens da pintura de Madhubani estão envoltas na antiguidade.

Deusa Mãe A pintura em miniatura do Estilo de Pahari, que data do século XVIII. Pahari e Rajput miniaturas compartilham muitas características comuns.
Pintura Rajput

Pintura Rajput, um estilo de Pintura indiana, evoluiu e floresceu, durante o século 18, nas cortes reais de Rajputana, na ?ndia. Cada reino Rajput desenvolveu um estilo distinto, mas com certas características comuns. Pinturas Rajput retratam uma série de temas, eventos de épicos como o Ramayana eo Mahabharata, a vida de Krishna, belas paisagens, e os seres humanos. Miniaturas foram o meio preferido de pintura Rajput, mas vários manuscritos também contêm pinturas Rajput, e pinturas foram mesmo feitas nas paredes dos palácios, câmaras internas dos fortes, havelies, em particular, os havelis de Shekhawait.

As cores extraída de certos minerais, fontes vegetais, conchas, e foram mesmo obtido por processamento de pedras preciosas, foram utilizadas ouro e prata. A preparação de cores desejadas foi um processo moroso, tendo por vezes semanas. Escovas usadas foram muito bem.

Pintura de Mughal

Pintura Mughal é um estilo particular de Pintura indiana, geralmente confinado a ilustrações no livro e feito em miniaturas, e que surgiu, desenvolvido e tomou forma durante o período do Império Mughal 16 séculos -19º).

Pintura Tanjore

Pintura Tanjore é uma importante forma de clássico South Indian nativo pintura para a cidade de Tanjore em Tamil Nadu. A forma de arte remonta ao início do século 9o, um período dominado pelos Chola governantes, que incentivou a arte ea literatura. Estas pinturas são conhecidos por sua elegância, cores ricas, e atenção aos detalhes. Os temas para a maioria destas pinturas são Deuses e deusas hindus e cenas da mitologia Hindu . Nos tempos modernos, essas pinturas tornaram-se um muito procurado lembrança durante ocasiões festivas no sul da ?ndia.

O processo de fazer uma pintura Tanjore envolve muitas etapas. A primeira etapa envolve a tomada do esboço preliminar da imagem na base. A base é constituída por um pano colado sobre uma base de madeira. Em seguida, o pó de giz ou óxido de zinco é misturado com água-solúvel adesivo e aplicadas sobre a base. Para fazer a base mais suave, um leve abrasiva é por vezes utilizado. Depois que o desenho é feito, decoração da jóia e os fatos em que a imagem é feito com pedras semi-preciosas. Laces ou tópicos também são usados para decorar as jóias. Além de tudo isso, as folhas de ouro são coladas. Finalmente, corantes são usados para adicionar cores às figuras nas pinturas.

A Escola de Madras

Durante o domínio britânico na ?ndia, a coroa descobriu que tinha Madras algumas das mentes mais talentosas artísticas e intelectuais do mundo. Como os britânicos também tinham estabelecido uma enorme liquidação e em torno de Madras, Georgetown foi escolhido para estabelecer um instituto que iria atender às expectativas artísticas dos royals em Londres. Este tem vindo a ser conhecida como a Madras School. No primeiro artistas tradicionais foram empregados para produzir variedades requintados de mobiliário, trabalhos em metal e objetos antigos e seu trabalho foi enviado para os palácios reais da Rainha.

Ao contrário da Escola de Bengala, onde 'copiar' é a norma de ensino, a Escola de Madras floresce em "criando" novos estilos, argumentos e tendências.

A Escola de Bengal

A Escola de Arte de Bengal foi um influente estilo de arte que floresceram na ?ndia durante o Raj britânico no início do século 20. Foi associado com a Indian nacionalismo , mas também foi promovida e apoiada por muitos administradores culturais britânicos.

A Escola Bengal surgiu como um avant garde e movimento nacionalista reagindo contra o estilos de arte acadêmica anteriormente promovida na ?ndia, tanto pela Artistas indianos, tais como Raja Ravi Varma e em escolas de arte britânicos. Seguindo a influência generalizada de ideias espirituais indianos no A oeste, o professor de arte britânica Ernest Binfield Havel tentou reformar os métodos de ensino no Calcutá School of Art, incentivando os alunos a imitar Miniaturas Mughal. Isso causou imensa controvérsia, levando a uma greve de estudantes e reclamações por parte da imprensa local, incluindo a partir de nacionalistas que consideraram ser um movimento retrógrado. Havel foi apoiado pelo artista Abanindranath Tagore, um sobrinho do poeta Rabindranath Tagore . Tagore pintou uma série de trabalhos influenciados pela arte Mughal, um estilo que ele e Havel acredita ser expressivo de distintas qualidades espirituais da ?ndia, ao contrário do "materialismo" do Ocidente. Mais conhecido pintura de Tagore, Bharat Mata (Mãe ?ndia), mostrava uma jovem mulher, retratada com quatro braços na forma de divindades hindus, segurando objetos simbólicos das aspirações nacionais da ?ndia. Tagore mais tarde tentou desenvolver ligações com artistas japoneses, como parte de uma aspiração de construir um modelo pan-Asianist de arte.

A influência da Escola de Bengala na ?ndia declinou com a propagação do idéias modernistas na década de 1920. No período pós-independência, artistas indianos mostraram mais adaptabilidade como eles emprestado livremente de estilos europeus e amalgamou-las livremente com motivos indianos para novas formas de arte. Enquanto artistas como Francis Newton Souza e Tyeb Mehta eram mais ocidental em sua abordagem, havia outros como Ganesh Pyne e Maqbool Fida Husain, que desenvolveu estilos completamente indígenas de trabalho. Hoje, após o processo de liberalização do mercado da ?ndia, os artistas estão experimentando mais exposição para a arte-cenário internacional, que está ajudando-os nos países emergentes com novas formas de arte que até agora não foram vistos na ?ndia. Jitish Kallat tinha atirado à fama no final dos anos 90 com suas pinturas que foram ambos moderno e além do âmbito da definição genérica. No entanto, enquanto artistas na ?ndia no novo século são experimentar novos estilos, temas e metáforas, não teria sido possível obter esse reconhecimento rápido sem o auxílio das casas de negócios que estão agora entrando no campo da arte como eles nunca tiveram antes.

Pintura indiana moderna

Amrita Sher-Gil foi um pintor indiano, também conhecido como da ?ndia Frida Kahlo , e hoje considerado um importante pintor de mulheres do século 20 na ?ndia, cujo legado está a par com a dos Mestres Bengal Renascença; ela é também o "mais caro" mulher pintor da ?ndia.

Hoje, ela está entre Nove de mestrado, cujo trabalho foi declarado como tesouros de arte por O Pesquisa Arqueológica da ?ndia, em 1976 e 1979, e mais de 100 de suas pinturas são agora apresentados em Galeria Nacional de Arte Moderna, Nova Deli .

Durante a era colonial, as influências ocidentais começaram a fazer um impacto sobre a arte indiana. Alguns artistas desenvolveu um estilo que usou as idéias ocidentais de composição, perspectiva e realismo para ilustrar temas indianos. Outros, como Jamini Roy, conscientemente se inspirou em arte popular.

Na época da Independência, em 1947, várias escolas de arte na ?ndia, desde o acesso a técnicas e idéias modernas. Galerias foram estabelecidos para apresentar estes artistas. Arte indiana moderna tipicamente mostra a influência de estilos ocidentais, mas é muitas vezes inspirados por temas indianos e imagens. Grandes artistas estão começando a ganhar reconhecimento internacional, inicialmente entre a diáspora indiana, mas também entre o público não-índios.

O Grupo de artistas progressistas, estabelecida pouco depois de a ?ndia se tornou independente em 1947, destinava-se a estabelecer novas formas de expressar a ?ndia na era pós-colonial. Os fundadores eram seis artistas eminentes - KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza e FN Souza, embora o grupo foi dissolvido em 1956, foi profundamente influente na mudança da linguagem da arte indiana. Quase todos os grandes artistas da ?ndia na década de 1950 foram associados com o grupo. Alguns daqueles que são hoje conhecidos são Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta, e Akbar Padamsee. Outros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran, e Bijon Choudhuri enriqueceu a cultura de arte da ?ndia. Eles tornaram-se ícones da arte indiana moderna. Os historiadores de arte como Prof. Rai Anand Krishna também se referiram a essas obras de artistas modernos que reflectem ethos indiano. Geeta Vadhera teve aclamação em traduzir complexos, temas espirituais indianos em tela como Sufi pensou, as Upanishads e do Bhagwad Geeta.

Arte indiana ganhou um novo impulso com a liberalização econômica do país desde o início de 1990. Artistas de diversas áreas agora começaram a trazer em variados estilos de trabalho. Liberalização arte indiana pós funciona não apenas dentro dos limites de tradições académicas, mas também fora dela. Artistas têm introduzido novos conceitos que até agora não foi visto na arte indiana. Devajyoti Ray introduziu um novo gênero de arte chamada Pseudorealism. Pseudorealist Art é um estilo de arte original que foi desenvolvido inteiramente no solo indiano. Pseudorealism leva em conta o conceito indiano de abstração e usa-lo para transformar cenas regulares de vida indígena em uma imagens fantásticas.

No pós-liberalização Índia, muitos artistas se estabeleceram no mercado de arte internacional, como o pintor abstrato Natvar Bhavsar e escultor Anish Kapoor cuja mamute obras postminimalist ter adquirido a atenção para a sua própria dimensão. Muitas casas e galerias de arte também abriram nos EUA e na Europa para mostrar obras de arte indianas.

Pintura ocidental

Egito, Grécia e Roma

Antigo Egipto , uma civilização com muito fortes tradições da arquitetura e escultura (ambos originalmente pintado em cores brilhantes) também teve muitas pinturas murais em templos e edifícios, e pintou ilustrações sobre papiro manuscritos. Pintura de parede egípcia e pintura decorativa é muitas vezes gráfico, às vezes mais simbólico do que realista. Pintura egípcia retrata figuras em contorno em negrito e plana silhueta, em que a simetria é uma característica constante. pintura egípcia tem estreita ligação com as suas linguagem escrita - chamado hieróglifos egípcios. Símbolos pintados são encontrados entre as primeiras formas de linguagem escrita. Os egípcios também pintado em linho, restos de que sobrevivem até hoje. Pinturas egípcias antigas sobreviveram devido ao clima extremamente seco. Os antigos egípcios criaram pinturas para tornar a vida após a morte do falecido um lugar agradável. Os temas incluídos jornada através do outro mundo ou suas divindades protetoras introdução do falecido para os deuses do submundo. Alguns exemplos de tais pinturas são pinturas dos deuses e deusas Ra, Horus, de Anubis, porca, Osiris e Isis . Algumas pinturas em tumbas mostram atividades que o falecido estavam envolvidos em quando eles estavam vivos e que desejam continuar a fazer por toda a eternidade. No New Unido e, mais tarde, o Livro dos Mortos foi enterrado com a pessoa sepultada. Considerou-se importante para uma introdução à vida após a morte.

Ao norte do Egito foi a civilização minóica na ilha de Creta. As pinturas de parede encontradas no palácio de Knossos são semelhantes ao dos egípcios, mas muito mais livre em grande estilo. Por volta de 1100 aC, as tribos do norte da Grécia conquistaram a Grécia ea arte grega tomou uma nova direção.

Grécia Antiga tinha grandes pintores, escultores grandes (embora ambos os esforços foram consideradas como mero trabalho manual na época), e grandes arquitetos. O Partenon é um exemplo de sua arquitetura que já dura para dias modernos. Escultura em mármore grego é frequentemente descrito como a mais elevada forma de arte clássica. Pintura em cerâmica da Grécia Antiga e cerâmica dá um vislumbre especialmente informativa para a forma como a sociedade na Grécia Antiga funcionava. Preto-figura pintura vaso e pintura Vermelho-figura vaso dá muitos exemplos sobreviventes de que a pintura era grego. Alguns famosos pintores gregos sobre painéis de madeira que são mencionados nos textos são Apeles, Zeuxis e Parrhasius, no entanto não há exemplos da Antiga pintura do painel grego sobreviver, apenas descrições escritas por seus contemporâneos ou Romanos posteriores. Zeuxis viveu em 5-6 aC e foi dito ser o primeiro a usar sfumato. Conforme Plínio, o Velho, o realismo de suas pinturas era tal que as aves tentaram comer as uvas pintadas. Apelles é descrito como o maior pintor da Antiguidade para a técnica perfeita no desenho, cor brilhante e modelagem.

Arte romana foi influenciado pela Grécia e pode em parte ser tomado como um descendente de pintura grega antiga. No entanto, pintura romana tem características únicas importantes. Os únicos sobreviventes pinturas romanas são as pinturas murais, muitos de vilas em Campania, no sul da Itália. Tal pintura podem ser agrupados em quatro principais "estilos" ou períodos e podem conter os primeiros exemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva, e pura paisagem. Quase os retratos pintados única sobreviventes do mundo antigo são um grande número de Coffin-retratos de forma busto encontrados no cemitério antigo tardia de Al-Fayum. Embora estes não eram nem o melhor período, nem a mais alta qualidade, eles são impressionantes em si mesmos, e dar uma idéia da qualidade que o melhor trabalho antigo deve ter tido. Um número muito pequeno de miniaturas a partir do final antigas livros ilustrados também sobreviver, e um pouco maior número de cópias dos mesmos a partir do primeiro período medieval.

Idade média

A ascensão do cristianismo transmitido um espírito diferente e destinam-se a estilos de pintura. arte bizantina, uma vez que seu estilo foi estabelecida por volta do século 6, colocou grande ênfase na retenção tradicional iconografia e estilo, e mudou relativamente pouco ao longo dos mil anos do Império Bizantino e as tradições continuadas de grego e russo ortodoxo ícone-pintura. Pintura bizantina tem um sentimento particularmente hierática e ícones foram e ainda são vistos como um reflexo do divino. Havia também muitas pinturas murais em fresco, mas menos delas sobreviveram do que bizantinos mosaicos . Em fronteiras gerais Byzantium arte na abstração, em sua planicidade e representações estilizadas de figuras e paisagens. No entanto, existem períodos, especialmente na chamada arte macedônio de cerca do século 10, quando a arte bizantina tornou-se mais flexível na abordagem.

Livro de Horas

No pós-Antique Europa católica o primeiro distintivo estilo artístico a surgir, que incluiu pintura era a arte Insular das ilhas britânicas, onde os únicos exemplos sobreviventes (e muito provavelmente o único meio em que foi utilizado pintura) são miniaturas em manuscritos iluminados, tais como o Livro de Kells . Estes são os mais famosos para sua decoração abstrata, embora os números, e às vezes cenas, também foram descritos, especialmente na Retratos evangelista. Carolíngio e arte Otoniana também sobrevive principalmente nos manuscritos, embora alguns pintura mural permanecem, e mais estão documentados. A arte deste período Insular e combina influências "bárbaros" com uma forte influência bizantina e uma aspiração para recuperar monumentalidade clássica e equilíbrio.

Paredes de românica e igrejas góticas eram decoradas com afrescos, bem como escultura e muitos dos poucos remanescentes murais têm grande intensidade, e combinam a energia de arte decorativa Insular com uma nova monumentalidade no tratamento de figuras. Muito mais miniaturas em manuscritos iluminados sobrevivem do período, mostrando as mesmas características, que continuam no período gótico.

Pintura do painel torna-se mais comum durante o período românico, sob a forte influência de ícones bizantinos. Em meados do século 13, a arte medieval e gótico pintura tornou-se mais realista, com os princípios de interesse na representação de volume e perspectiva na Itália com Cimabue e, em seguida, seu pupilo Giotto. De Giotto em, o tratamento da composição pelas melhores pintores também tornou-se muito mais livre e inovador. Eles são considerados os dois grandes mestres medievais de pintura na cultura ocidental. Cimabue, dentro da tradição bizantina, usou uma abordagem mais realista e dramático para a sua arte. Seu aluno, Giotto, tomou estas inovações para um nível mais elevado que por sua vez as bases para a pintura tradição ocidental. Ambos os artistas foram pioneiros no movimento para o naturalismo.

Igrejas foram construídas com mais e mais janelas eo uso de coloridos vitrais tornar um grampo em decoração. Um dos mais famosos exemplos deste é encontrado na catedral de Notre Dame de Paris. Por volta do século 14 sociedades ocidentais foram mais rica e mais cultivada e pintores encontraram novos clientes na nobreza e até mesmo os burguesia. manuscritos iluminados assumiu um novo caráter e magros, mulheres vestidas elegantemente judiciais foram mostrados em suas paisagens. Este estilo logo se tornou conhecido como estilo e internacionais pinturas do painel do tempera e retábulos ganharam importância.

Renascimento e Maneirismo

O Renaissance é dito por muitos como a idade de ouro da pintura. Que mede aproximadamente o 14 até o século de mid-17th. Em Itália artistas como Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti , Raphael , Giovanni Bellini e Tiziano levou a pintura para um nível superior através de o uso da perspectiva, o estudo da anatomia humana e proporção, e através de seu desenvolvimento de um refinamento sem precedentes nas técnicas de desenho e pintura.

Pintores flamengos, holandeses e alemães do Renascimento, como Hans Holbein, o Jovem, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, Hieronymous Bosch e Pieter Brueghel representam uma abordagem diferente de seus colegas italianos, um que é mais realista e menos idealizada. Gênero pintura tornou-se uma expressão idiomática popular entre os pintores do norte como Pieter Brueghel. Um novo verossimilhança em representar a realidade tornou-se possível com a adoção de pintura a óleo , cuja invenção foi tradicionalmente, mas erroneamente, creditada a Jan Van Eyck (uma figura de transição importante que preenche pintura no Oriente Idade com pintura do início do Renascimento ). Ao contrário dos italianos, cujo trabalho se baseou fortemente em arte da antiga Grécia e Roma, os nortistas manteve um resíduo estilístico da escultura e manuscritos iluminados da Idade Média. Estas tendências são também ver na arte de Tudor Inglaterra, que foi fortemente influenciado por refugiados protestantes da Países Baixos.

Pintura renascentista reflete a revolução de idéias e ciência ( a astronomia , geografia ) que ocorrem neste período, a Reforma, ea invenção do A impressão da imprensa. Dürer, considerado um dos maiores de gravadores, afirma que os pintores não são meros artesãos, mas pensadores bem. Com o desenvolvimento de pintura de cavalete na Renascença, pintura ganhou a independência da arquitetura. Seguindo séculos dominados por imagens religiosas, assunto secular matéria lentamente retornou à pintura ocidental. Artistas incluídos visões do mundo ao seu redor, ou os produtos de sua própria imaginação em suas pinturas. Aqueles que podiam arcar com a despesa poderia tornar-se patronos e retratos da comissão de si mesmos ou de sua família.

Nos séculos 15 e 16, pinturas do painel que pode ser pendurado em paredes e movimentados à vontade, tornou-se cada vez mais popular para ambas as igrejas e casas particulares, em vez de afresco pinturas murais ou pinturas incorporados em estruturas permanentes, como retábulos. O alta Renaissance deu origem a uma arte estilizada conhecida como Maneirismo. No lugar das composições equilibradas e abordagem racional à perspectiva que caracterizam a arte no início do século 16, os maneiristas procurado instabilidade, artifício, e dúvida. Os rostos não perturbados e gestos de Piero della Francesca e as Virgens calmas de Raphael são substituídas pelas expressões problemáticas de Pontormo e a intensidade emocional de El Greco. algumas décadas mais tarde do Norte Maneirismo dominadas arte neerlandesa e alemã até a chegada do barroco.

Barroco e rococó

Pintura barroca está associado com o barroco movimento cultural, um movimento muitas vezes identificado com o absolutismo ea Contra-Reforma católica ou Revival; a existência de pintura barroca importante na não-absolutistas e estados protestantes também, no entanto, ressalta sua popularidade, como o estilo se espalhou por toda a Europa Ocidental.

Pintura barroca caracteriza-se pela grande drama, cor rica, profunda e intensa luz e sombras escuras. Arte barroca foi concebido para evocar a emoção e paixão em vez da racionalidade calma que tinha sido premiado durante o Renascimento. Durante o período que se inicia por volta de 1600 e continuando ao longo do século 17, a pintura é caracterizado como barroco. Entre os maiores pintores do Barroco são Caravaggio , Rembrandt , Frans Hals, Rubens , Velázquez, Poussin, e Jan Vermeer. Caravaggio é um herdeiro do humanista pintura da Alta Renascença. Sua abordagem realista para a figura humana, pintado diretamente da vida e spotlit dramaticamente contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Pintura barroca muitas vezes dramatiza cenas usando efeitos de luz; isso pode ser visto nas obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain e La Tour.

Durante o século 18, Rococo seguido como uma extensão mais leve do barroco, muitas vezes frívola e erótico. Rococo desenvolvido primeiramente nas artes decorativas e design de interiores na França. sucessão de Luís XV trouxe uma mudança nos artistas da corte e da forma artística em geral. Década de 1730 representou o auge do desenvolvimento Rococo na França exemplificado pelas obras de Antoine Watteau e François Boucher. Rococo ainda manteve o gosto barroco para formulários complexos e intrincados padrões, mas por este ponto, ele tinha começado a integrar uma variedade de características diversas, incluindo o gosto pelo design oriental e composições assimétricas.

O estilo rococó espalhar com artistas franceses e publicações gravadas. Foi prontamente recebidas nas áreas católicas da Alemanha, Bohemia e Áustria, onde foi fundida com as animadas tradições barroco alemão. Alemão rococó foi aplicado com entusiasmo para igrejas e palácios, particularmente no sul, enquanto Frederician Rococo desenvolvido no Reino da Prússia.

Os mestres franceses Watteau, Boucher e Fragonard representam o estilo, assim como Giovanni Battista Tiepolo e Jean-Baptiste-Siméon Chardin que foi considerado por alguns como o melhor pintor francês do século 18 - o Anti-rococó . Retratista era um componente importante do pintura em todos os países, mas especialmente na Inglaterra, onde os líderes eram William Hogarth , em um estilo realista sem corte, e Francis Hayman, Angélica Kauffman (que era suíça), Thomas Gainsborough e Joshua Reynolds em estilos mais lisonjeiras influenciados por Antony Van Dyck . Enquanto na França durante a era rococó Jean-Baptiste Greuze (o pintor favorito de Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, e Élisabeth Vigée-Lebrun foram altamente realizado retratistas e pintores de história.

William Hogarth ajudou a desenvolver uma base teórica para Rococo beleza. Embora não intencionalmente fazendo referência ao movimento, ele argumentou em seu Análise da beleza (1753) que as linhas onduladas e curvas S proeminentes em Rococo foram a base para a graça e beleza na arte ou na natureza (ao contrário da linha recta ou do círculo em Classicismo) . O começo do fim para Rococo veio no início dos anos 1760 como figuras como Voltaire e Jacques-François Blondel começou a exprimir a sua crítica à superficialidade e à degeneração da arte. Blondel lamentou a "confusão ridícula de escudos, dragões, juncos, de palmas e plantas" em interiores contemporâneos. Por 1785, Rococo tinha passado fora de moda na França, passa a ter a ordem e seriedade do Neoclássico artistas como Jacques Louis David.

Século 19: Neo-classicismo, pintura de história, romantismo, impressionismo, cargo impressionismo, Simbolismo

Depois Rococo surgiu no final do século 18, na arquitetura, na pintura e, em seguida, grave neo-classicismo , melhor representado por artistas como David e seu herdeiro Ingres. Trabalho de Ingres já contém muita da sensualidade, mas nenhum a espontaneidade, que foi caracterizar o Romantismo . Este movimento voltou sua atenção para a paisagem e natureza, bem como a figura humana ea supremacia da ordem natural acima vontade da humanidade. Existe um filosofia panteísta (ver Spinoza e Hegel) dentro dessa concepção que se opõe iluministas ideais vendo destino da humanidade de uma forma mais trágica ou pessimista claro. A idéia de que os seres humanos não estão acima das forças da Natureza está em contradição com gregos antigos e renascentistas ideais onde a humanidade estava acima de todas as coisas e é dono de seu destino. Este pensamento levou artistas românticos para descrever as sublimes, igrejas em ruínas, naufrágios, massacres e loucura.

Pelos pintores do século mid-19 tornou-se liberada das demandas de seu patrocínio apenas para retratar cenas de religião, mitologia, retratos ou história. A idéia "arte pela arte" começou a encontrar expressão na obra de pintores como Francisco de Goya, John Constable e JMW Turner. Pintores românticos virou pintura de paisagem em um gênero major, considerada até então como um gênero menor ou como um fundo decorativo para composições figura. Alguns dos principais pintores deste período são Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner , Caspar David Friedrich e John Constable . Francisco de Goya obra tardia 's demonstra o interesse romântico no irracional, enquanto a obra de Arnold Böcklin evoca mistério e da pinturas de Estética artista movimento James McNeill Whistler evocar tanto sofisticação e decadência. Nos Estados Unidos, a tradição romântica da pintura de paisagem era conhecida como a Escola do Rio Hudson: expoentes incluem Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran, e John Frederick Kensett. Luminismo foi um movimento na pintura de paisagem americana relacionada com a Hudson Escola River.

Sewing novo da mãe,Mary Cassatt

O líder pintor Escola de Barbizon Camille Corot pintado em ambos um romântico e uma veia realista; seu trabalho prefigura Impressionismo , assim como as pinturas de Eugène Boudin, que era um dos primeiros pintores paisagistas franceses a pintar ao ar livre. Boudin também foi uma importante influência sobre o jovem Claude Monet , a quem, em 1857, ele introduziu a plein air pintura. Uma força importante na viragem para Realismo em meados do século era Gustave Courbet. No último terço dos impressionistas do século como Édouard Manet, Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt , e Edgar Degas trabalhou em uma abordagem mais direta do que já havia sido exibido publicamente. Eles evitaram alegoria e narrativa em favor de respostas individualizadas para o mundo moderno, às vezes pintados com pouco ou nenhum estudo preparatório, contando com destreza de desenho e uma paleta cromática muito. Manet, Degas, Renoir, Morisot, e Cassatt concentrada principalmente no sujeito humano. Ambos Manet e Degas reinterpretado cânones clássicos figurativas dentro de situações contemporâneas; em caso de Manet as re-imaginações reuniu-se com a recepção do público hostil. Renoir, Morisot, e Cassatt virou-se para a vida doméstica para a inspiração, com Renoir focando o nu feminino. Monet, Pissarro, Sisley e usou a paisagem como o seu motivo primário, a transitoriedade da luz e tempo desempenhando um papel importante em seu trabalho. Enquanto Sisley mais estreitamente aderiu aos princípios originais da percepção da paisagem impressionista, Monet procurou desafios em condições cada vez mais cromáticas e mutáveis, culminando em sua série de obras monumentais de lírios de água pintados em Giverny.

Edvard Munch, de 1893, dos primeiros exemplos deExpressionismo

Pissarro adotado algumas das experiências de Pós-impressionismo. Ligeiramente mais jovens pós-impressionistas, como Vincent van Gogh , Paul Gauguin, e Georges Seurat, juntamente com Paul Cézanne levou a arte para a beira do modernismo; por Gauguin Impressionismo deu lugar a um simbolismo pessoal; Seurat transformado cor quebrado do impressionismo em um estudo óptico científico, estruturado em composições friso-como; Método turbulenta de Van Gogh de aplicação de tinta, juntamente com uma utilização sonora de cor, previu Expressionismo e Fauvismo, e Cézanne, desejando unir composição clássica com uma abstração revolucionária de formas naturais, viria a ser visto como um precursor da arte do século 20. A magia do impressionismo foi sentida em todo o mundo, inclusive nos Estados Unidos, onde se tornou parte integrante da pintura de impressionistas americanos, como Childe Hassam, John Twachtman, e Theodore Robinson. Ele também exerceu influência sobre os pintores que não eram essencialmente impressionista em teoria, como o retrato e paisagem pintor John Singer Sargent. Ao mesmo tempo, nos Estados Unidos, na virada do século 20, existia um realismo quase nativa e insular, como ricamente incorporada no trabalho figurativo de Thomas Eakins, a Escola Ashcan, e as paisagens e marinhas de Winslow Homer, cuja totalidade das pinturas foram profundamente investido na solidez das formas naturais. A paisagem visionário, um motivo em grande parte dependente da ambiguidade do noturno, encontrou seus defensores em Albert Pinkham Ryder e Ralph Albert Blakelock.

No final do século 19 também houve vários, tanto dessemelhante, grupos de pintores simbolistas cujas obras ressoou com artistas mais jovens do século 20, especialmente com os fauvistas e os surrealistas. Entre eles estavam Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops, e Jan Toorop, e Gustave Klimt, entre outros, incluindo os simbolistas russos como Mikhail Vrubel.

Pintores simbolistas minado mitologia e imaginário de sonho para uma linguagem visual da alma, buscando pinturas evocativas que trouxe à mente um mundo estático do silêncio. Os símbolos utilizados no Simbolismo não são os familiares emblemas da corrente principal iconografia mas as referências intensamente pessoais, privadas, obscuras e ambíguas. Mais uma filosofia do que um estilo real das artes, os pintores simbolistas influenciou a contemporânea Art Nouveau movimento e Les Nabis. Em sua exploração de temas de sonho, pintores simbolistas são encontrados através dos séculos e culturas, como eles são ainda hoje; Bernard Delvaille descreveu surrealismo de René Magritte como "Simbolismo além de Freud ".

Século 20 Moderna e Contemporânea

A herança de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. No início do século 20 Henri Matisse e vários outros jovens artistas revolucionou o mundo da arte Paris com "selvagem", multi-colorido, expressivo, paisagens e pinturas de figuras que os críticos chamados fauvismo. Pablo Picasso fez seus primeiros cubistas pinturas baseado em Cézanne de idéia de que toda representação da natureza pode ser reduzido para três sólidos: cubo , esfera e cone.

Pioneiros do século 20

A herança de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. No início do século 20 Henri Ma e vários outros artistas jovens, incluindo o pré-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck revolucionou o mundo da arte Paris com "selvagem", multi-colorido, expressivo, paisagens e pinturas de figuras que os críticos chamados Fauvismo - (como pode ser visto na galeria acima). Henri Matisse segunda versão 's de The Dance significa um ponto-chave em sua carreira e no desenvolvimento da pintura moderna. Ela reflete o fascínio incipiente de Matisse com arte primitiva: as intensas cores quentes contra o fundo azul esverdeado legal ea sucessão rítmica de nus dançando transmitir os sentimentos de libertação emocional e hedonismo. Pablo Picasso fez seus primeiros cubistas pinturas baseadas na idéia de Cézanne que todos representação da natureza pode ser reduzido para três sólidos: cubo , esfera e cone. Com a pintura Les Demoiselles d'Avignon de 1907, (ver galeria) Picasso criou dramaticamente uma imagem nova e radical que descreve uma cena do bordel crua e primitiva com cinco prostitutas, mulheres violentamente pintadas, que relembram Africano máscaras tribais e as suas próprias novas cubistas invenções. analítico Cubismo (veja a galeria) foi desenvolvido conjuntamente por Pablo Picasso e Georges Braque, exemplificado pelo Violino e Castiçal, Paris , (visto de cima) de cerca de 1908 através de 1912. cubismo analítico, a primeira manifestação clara do cubismo, foi seguido por cubismo sintético , praticou por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e inúmeros outros artistas para a década de 1920. cubismo sintético é caracterizada pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos da colagem, collé papier e uma grande variedade de assuntos mescladas.

Henri Matisse1909, tardeFauvismo
Giorgio de Chirico 1914, pré- Surrealismo

Les Fauves (francês para os animais selvagens ) foram os primeiros pintores do século 20, experimentando com a liberdade de expressão através da cor. O nome foi dado, com humor e não como um elogio, ao grupo pelo crítico de arte Louis Vauxcelles. fauvismo foi um breve e frouxamente um agrupamento dos primeiros artistas do século 20 cujos os trabalhos sublinharam qualidades painterly, eo uso imaginativo de cor profunda sobre o valores representacionais. Fauvistas fez o tema da pintura de fácil leitura, perspectivas exageradas e uma previsão interessante presciente do Fauves foi expressa em 1888 por Paul Gauguin de Paul Sérusier,

"Como você vê essas árvores são amarelas Então, coloque em amarelo;?. Essa sombra, e azul, pintá-lo com pura ultramarino; estas folhas vermelhas? Coloque no vermelhão. "

Os líderes do movimento eram Henri Matisse e André Derain - rivais amigáveis ​​de uma espécie, cada um com seus próprios seguidores. Em última análise, Matisse tornou-se o yang para Picasso 's yin no século 20. Pintores Fauvist incluído Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, o pintor holandês Kees van Dongen, e parceiro de Picasso no cubismo, Georges Braque entre outros.

Fauvismo, como um movimento, não tinha teorias concretas, e foi de curta duração, começando em 1905 e terminando em 1907, eles tinham apenas três exposições. Matisse era visto como o líder do movimento, devido à sua antiguidade na idade e auto-definição prévia no mundo da arte acadêmica. Sua 1905 retrato de Mme. Matisse A Linha Verde , (acima), causou sensação em Paris, quando foi exibido pela primeira vez. Ele disse que queria criar arte para encantar; arte como uma decoração era seu propósito e pode-se dizer que o seu uso de cores brilhantes tenta manter a serenidade da composição. Em 1906, por sugestão de seu marchand Ambroise Vollard, André Derain foi para Londres e produziu uma série de pinturas como Charing Cross Bridge, London (acima) no estilo fauvista, parafraseando a famosa série pelo impressionista pintor Claude Monet . Mestres como Henri Matisse e Bonnard Pierre continuou a desenvolver seus estilos narrativos independentes de qualquer movimento durante todo o século 20.

Pierre Bonnard, 1913, europeumodernista pintura Narrativa

Em 1907 Fauvismo não era mais um novo movimento chocante, logo foi substituído pelocubismona tela do radar dos críticos como o mais recente empreendimento emArte Contemporânea do tempo. Em 1907 Appolinaire, comentando sobre Matisse em um artigo publicado no La Falange, disse, "Nós não estamos aqui em presença de um extravagante ou uma empresa extremista:. A arte de Matisse é eminentemente razoável"cubismo analítico(veja a galeria) foi desenvolvido conjuntamente por Pablo Picasso eGeorges Braque de cerca de 1908 até 1912. cubismo analítico, a primeira clara manifestação do cubismo, foi seguido porcubismo sintético, praticado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e inúmeros outros artistas para a década de 1920. cubismo sintético é caracterizada pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos da colagem, papier collé e uma grande variedade de assuntos mescladas.

Durante os anos entre 1910 e o fim da Primeira Guerra Mundial e após o auge do cubismo , vários movimentos surgiram em Paris. Giorgio De Chirico se mudou para Paris em julho de 1911, onde se juntou a seu irmão Andrea (o poeta e pintor conhecido como Alberto Savinio ). Através de seu irmão que ele conheceu Pierre Laprade um membro do júri no Salon d'Automne, onde expôs três de seus trabalhos de sonho: Enigma do Oráculo , Enigma de uma tarde e Auto-Retrato . Durante 1913, ele exibiu seu trabalho no Salon des Indépendants e Salon d'Automne, seu trabalho foi notado por Pablo Picasso e Guillaume Apollinaire e vários outros. Suas pinturas atraentes e misteriosos são considerados fundamentais para os primórdios da Surrealismo. (ver galeria), durante a primeira metade do século 20 na Europa mestres como Georges Braque, André Derain, e Giorgio De Chirico continuou pintando independente de qualquer movimento.

Pioneiros da arte moderna

Nas duas primeiras décadas do século 20 e depois de o cubismo , vários outros movimentos importantes emergiram; futurismo ( Balla), arte ( Kandinsky), Der Blaue Reiter), Bauhaus, ( Kandinsky) e ( Klee), Orfismo, ( Robert Delaunay e František Kupka ), Sincronismo ( Morgan Russell), De Stijl ( Mondrian), Suprematismo ( Malevich), Construtivismo ( Tatlin), Dadaísmo ( Duchamp, Picabia, Arp) e Surrealismo ( De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst). Pintura moderna influenciou todas as artes visuais, de arquitectura modernista e design, ao cinema avant-garde, teatro e dança moderna e tornou-se um laboratório experimental para a expressão da experiência visual, da fotografia e poesia concreta para anunciar arte e moda. A pintura de Van Gogh exerceu grande influência sobre século 20 Expressionismo , como pode ser visto no trabalho dos fauvistas, Die Brücke (um grupo liderado pelo pintor alemão Ernst Kirchner), eo expressionismo de Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Chaim Soutine e outros ..

Amedeo Modigliani,Retrato de Soutine1916, exemplo deExpressionismo
Wassily Kandinsky 1913, nascimento dearte

Wassily Kandinsky um pintor, Russo gravurista e teórico de arte, um dos artistas mais famosos do século 20 é geralmente considerado o primeiro pintor importante da arte moderna. Como um modernista cedo, em busca de novos modos de expressão visual e expressão espiritual, ele teorizou como fez contemporâneos ocultistas e teosofistas, que a abstração pura visuais teve vibrações corolário com som e música. Eles propuseram que pura abstração poderia expressar pura espiritualidade. Suas primeiras abstrações foram geralmente intitulado como o exemplo na (acima galeria) Composição VII , fazendo conexão com o trabalho dos compositores de música. Kandinsky incluiu muitas das suas teorias sobre a arte em seu livro referente ao espiritual na arte. Robert Delaunay foi um artista francês que está associado com Orfismo, (uma reminiscência de uma ligação entre a pura abstração eo cubismo). Seus trabalhos posteriores foram mais abstrato, uma reminiscência de Paul Klee. Suas contribuições fundamentais para a pintura abstrata referem-se a seu uso corajoso da cor e um amor claro da experimentação de profundidade e tom. A convite do Wassily Kandinsky, Delaunay e sua esposa do artista Sonia Delaunay, se juntou O Cavaleiro Azul ( Der Blaue Reiter), um de Munique grupo de artistas abstratos baseados, em 1911, e sua arte tomou um rumo para o abstrato.

Outros grandes pioneiros da abstração precoce incluem pintor russoKasimir Malevich, que após aRevolução Russaem 1917, e depois de pressão doregime stalinista em 1924 voltou a imagery pintura ecamponeses e trabalhadores no campo, e pintor suíçoPaul Klee cujo magistral experimentos de cores fez dele um pioneiro importante dapintura abstratanas Bauhaus.Ainda outros pioneiros importantes da pintura abstrata incluir o artista suecoHilma af Klint, pintor checoFrantišek Kupka, bem como artistas americanosStanton MacDonald-Wright eRussell Morgan que, em 1912, fundaramSincronismo, uma movimento de arte que se assemelha Orfismo.

Edvard Munch,Morte de Marat I(1907), um exemplo deExpressionismo
Gustav Klimt,expressionismo, 1907-1908

Expressionismo e Simbolismo são rubricas gerais que descreve vários movimentos importantes e relacionados na pintura do século 20 que dominou a maior parte da arte avant-garde que está sendo feito em Ocidental, Leste e Norte da Europa. Expressionismo foi pintado em grande parte entre a Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial, principalmente na França, Alemanha, Noruega, Rússia, Bélgica e Áustria. Os artistas do expressionista estão relacionados tanto Surrealismo e Simbolismo e são cada única e um tanto excêntrica pessoal. Fauvismo, Die Brücke, e Der Blaue Reiter são três dos grupos mais conhecidos da expressionistas e simbolistas pintores.

Artistas como interessantes e diversificadas comoMarc Chagall, cuja pintura I e da Vila, (acima) conta uma história autobiográfica que analisa a relação entre o artista e suas origens, com um léxico de ArteSimbolismo. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Kollwitz Schmidt , Georges Rouault, Amedeo Modigliani e alguns dos americanos no exterior comoMarsden Hartley, eStuart Davis, foram consideradas influentes pintores expressionistas. Embora Alberto Giacometti é pensado principalmente de como uma intensasurrealistaescultor, ele fez pinturas expressionistas intensas também.

Pioneiros da abstração

A arte de Piet Mondrian também foi relacionado aos seus estudos espirituais e filosóficas. Em 1908 ele se interessou pelo movimento teosófico lançado por Helena Petrovna Blavatsky no final do século 19. Blavatsky acreditava que era possível alcançar um conhecimento mais profundo da natureza do que o previsto por meios empíricos, e grande parte da obra de Mondrian para o resto de sua vida foi inspirado por sua busca para que o conhecimento espiritual.

De Stijl também conhecido comoneoplasticism, era um movimento artístico holandesa fundada em 1917. O termo De Stijlé usado para se referir a um corpo de trabalho 1917-1931 fundada na Holanda.

De Stijl é também o nome de uma revista que foi publicado pelo pintor holandês, desenhista, escritor, crítico e Theo van Doesburg propagação teorias do grupo. Ao lado de van Doesburg, os membros principais do grupo foram os pintores Piet Mondrian, Vilmos Huszar, e Bart van der Leck e os arquitetos Gerrit Rietveld, Robert van 't Hoff e JJP Oud. O artístico filosofia que formou uma base para o trabalho do grupo é conhecido como neoplasticism - a nova arte de plástico (ou Nieuwe Beelding em holandês).

Os defensores da De Stijl procurou expressar um novo ideal utópico de harmonia e ordem espiritual. Defendiam pura abstração e universalidade por uma redução ao essencial de forma e cor; eles simplificado composições visuais para as direções vertical e horizontal, e usados ​​apenas cores primárias junto com preto e branco. Na verdade, de acordo com a Tate Gallery 's artigo online em neoplasticismo, o próprio Mondrian estabelece estas delimitações em seu ensaio "neoplasticismo em Pictorial Art'. Ele escreve: "... esta nova ideia de plástico irá ignorar as indicações de aparência, ou seja, a forma natural e cor. Pelo contrário, ele deve encontrar a sua expressão na abstração da forma e da cor, isto é, na linha recta e a cor primária claramente definidas ". O artigo Tate ainda resume que esta arte permite que "apenas cores primárias e não-cores, apenas quadrados e retângulos, única e linha reta horizontal ou vertical." O artigo on-line do Museu Guggenheim em De Stijl resume essas características em termos semelhantes: "Ele [De Stijl] foi posto no princípio fundamental da geometria da linha recta, o quadrado, o retângulo e, combinado com um asymmetricality forte; o uso predominante de cores primárias puras com preto e branco, e as relações entre os elementos positivos e negativos em um arranjo de formas e linhas não objectivas ".

Movimento De Stijl foi influenciado por Cubist pintura, bem como pelo misticismo e as idéias sobre formas geométricas "ideais" (como a "linha reta perfeita") na filosofia neoplatônica do matemático MHJ Schoenmaekers. As obras de De Stijl influenciaria o estilo Bauhaus eo estilo internacional de arquitectura, bem como vestuário e design de interiores. No entanto, ele não seguiu as orientações gerais de um "ismo" (cubismo, futurismo, surrealismo), nem aderir aos princípios de escolas de arte como a Bauhaus; era um projeto coletivo, uma sociedade mista.

Dadaísmo e Surrealismo

Marcel Duchamp, ganhou destaque internacional, na esteira de seu sucesso notório na cidade de Nova York Armory Show, em 1913, (logo depois que ele denunciou artmaking para o xadrez ). Depois de Duchamp Nu descendo a escada se tornou a causa célebre internacional em 1913 mostra Armory, em Nova York, ele criou o A noiva despida por seus celibatários, mesmo, Grande Vidro (veja acima). O Grande Vidro empurrou a arte da pintura a novos limites radicais sendo parte pintura, colagem parte, construção parte. Duchamp tornou-se associada a Dada movimento que começou em ponto morto Zurique , na Suíça, durante a Primeira Guerra Mundial e atingiu o pico de 1916 a 1920. O movimento de artes envolvidos principalmente visuais, literatura (poesia, manifestos de arte, teoria da arte), teatro e design gráfico e concentrou sua política anti guerra através de uma rejeição das normas vigentes em arte através de anti-arte obras culturais. Francis Picabia (veja acima), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, juntamente com Duchamp e muitos outros estão associados com o movimento dadaísta . Duchamp e vários dadaístas também estão associados com o surrealismo, o movimento que dominou pintura europeia em 1920 e 1930.

Kurt Schwitters, 1919,colagem pintado,Dada

Em 1924 André Breton publicou o Manifesto Surrealista. O movimento surrealista na pintura tornou-se sinônimo de vanguarda e que contou com artistas cujas obras variaram do abstrato para o super-realista. Com obras em papel como Máquina de transformar rapidamente , (acima) Francis Picabia continuou o seu envolvimento no Dada movimento através de 1919 em Zurique e Paris, antes de romper com ele depois de desenvolver um interesse na arte surrealista. Yves Tanguy, René Magritte e Salvador Dalí são particularmente conhecido por . suas representações realistas de imagens oníricas e fantásticas manifestações da imaginação de Joan Miró O lavrado Campo de 1923-1924 beira a abstração, esta pintura adiantada de um complexo de objetos e figuras, e arranjos de personagens sexualmente ativas; foi a primeira obra surrealista do Miro. O mais abstrato Joan Miró, Jean Arp, André Masson, e Max Ernst eram muito influentes, especialmente nos Estados Unidos durante os anos 1940.

Ao longo da década de 1930, Surrealismo continuou a tornar-se mais visível para o público em geral. A grupo surrealista desenvolvido na Grã-Bretanha e, segundo Breton, o 1936 London International Exhibition surrealista foi uma marca d'água alta do período e se tornou o modelo para exposições internacionais. Grupos surrealistas no Japão, e especialmente na América Latina, no Caribe e no México produziu obras inovadoras e originais.

Dalí e Magritte criou algumas das imagens mais reconhecidas do movimento. A pintura 1928/1929 Esta não é uma tubulação , por Magritte é o tema de um livro de Michel Foucault 1973, Isto não é um cachimbo (edição Inglês, 1991), que discute a pintura e seu paradoxo. Dalí se juntou ao grupo em 1929, e participou da criação rápida do estilo visual entre 1930 e 1935.

Surrealismo como um movimento visual tinha encontrado um método: para expor a verdade psicológica retirando objetos comuns de seu significado normal, a fim de criar uma imagem atraente que estava além de organização formal comum, e da percepção, por vezes evocando a empatia do espectador, às vezes o riso e às vezes indignação e perplexidade.

1931 marcou um ano, quando vários pintores surrealistas produziram obras que marcaram pontos de viragem na sua evolução estilística: num exemplo (veja a galeria acima) formas líquidas tornou a marca registrada de Dalí, particularmente em seu A Persistência da Memória , o que caracteriza a imagem de relógios que sag como se eles estão derretendo. Evocações de tempo e de seu mistério atraente e absurdo.

As características deste estilo - uma combinação dos depictive, o abstrato, eo psicológico - veio para ficar para a alienação que muitas pessoas sentiram noperíodo modernista, combinado com o sentido de atingir mais profundamente na psique, a ser "feito com toda a individualidade. "

Max Ernst, 1920, cedo Surrealismo

Max Ernst, cuja 1920 pintura Assassinando Avião , estudou filosofia e psicologia, em Bona, e estava interessado em realidades alternativas experimentadas pelo insano. Suas pinturas podem ter sido inspirados pelo psicanalista Sigmund Freud estudo 's dos delírios de um paranóico, Daniel Paul Schreber. Freud identificou fantasia de se tornar uma mulher como um de Schreber complexo de castração. A imagem central de dois pares de pernas refere-se aos desejos hermafroditas de Schreber. A inscrição de Ernst na parte de trás da pintura lê: A imagem é curiosa por causa de sua simetria. A dois sexos equilíbrio entre si.

Durante os anos 1920 a obra de André Masson foi extremamente influente em ajudar o recém-chegado a Paris e jovem artista Joan Miró encontrar suas raízes na nova pintura surrealista. Miró reconheceu em cartas a seu revendedor Pierre Matisse a importância de Masson como um exemplo para ele em seus primeiros anos em Paris.

Muito tempo depois de tensões pessoais, políticos e profissionais fragmentaram o grupo surrealista no ar e éter, Magritte, Miró, Dalí e outros surrealistas continuar a definir um programa nas artes visuais. Outros artistas surrealistas proeminentes incluem Giorgio de Chirico, Meret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, e Leonor Fini entre outros.

Entre as Guerras

Patrick Henry Bruce,modernismo americano de 1924

Der Blaue Reiter era um movimento alemão que dura desde 1911 até 1914, fundamental ao Expressionism, junto com morre Brücke que foi fundado a década precedente em 1905 e foi um grupo de alemães expressionistas artistas formados em Dresden em 1905. Os membros fundadores do Die Brücke foram Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner e Karl Schmidt-Rottluff. Membros posteriores incluíram Max Pechstein, Otto Mueller e outros. O grupo foi um dos mais seminais, que em devido tempo tiveram um grande impacto sobre a evolução da arte moderna no século 20 e criou o estilo do expressionismo .

Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, cujo psiquicamente expressiva pintura do bailarino russo Retrato de Alexander Sakharoff de 1909 está na galeria acima, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger e outros fundaram o grupo Der Blaue Reiter, em resposta à rejeição da pintura de Kandinsky último julgamento de um exposição. Der Blaue Reiter faltou um manifesto artístico central, mas foi centrado em torno de Kandinsky e Marc. Artistas Gabriele Münter e Paul Klee também estavam envolvidos.

Paul Klee, 1921,Bauhaus

O nome do movimento vem de uma pintura por Kandinsky criou em 1903 (veja a ilustração). Afirma-se também que o nome poderia ter derivado do entusiasmo de Marc para cavalos e do amor de Kandinsky do azul da cor. Para Kandinsky, azul é a cor da espiritualidade: mais escuro o azul, mais desperta o desejo humano para o eterno.

Nos EUA, durante o período entre a Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial pintores tendem a ir para a Europa para o reconhecimento. Artistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy e Stuart Davis, criou reputação no exterior. Em Nova York, Albert Pinkham Ryder e Ralph Blakelock eram figuras influentes e importantes da pintura americana advanced entre 1900 e 1920. Durante a década de 1920 fotógrafo Alfred Stieglitz exibido Georgia O'Keeffe , Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin e outros artistas, incluindo European Masters Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau, Paul Cézanne, e Pablo Picasso , em sua galeria a 291.

Expressionismo e Simbolismo são rubricas gerais que descreve vários movimentos importantes e relacionados na pintura do século 20 que dominou a maior parte da arte avant-garde que está sendo feito em Ocidental, Leste e Norte da Europa. Expressionismo foi pintado em grande parte entre a Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial, principalmente na França, Alemanha, Noruega, Rússia, Bélgica e Áustria. Os artistas do expressionista estão relacionados tanto Surrealismo e Simbolismo e são cada única e um tanto excêntrica pessoal. Fauvismo, Die Brücke, e Der Blaue Reiter são três dos grupos mais conhecidos da expressionistas e simbolistas pintores. Artistas como interessantes e diversificadas como Marc Chagall, Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Otto Dix, Käthe Kollwitz Schmidt, Georges Rouault, Amedeo Modigliani e alguns dos americanos no exterior como Marsden Hartley, e Stuart Davis, foram consideradas influentes pintores expressionistas. Embora Alberto Giacometti é pensado principalmente de como uma intensa surrealista escultor , ele fez pinturas expressionistas intensos de figuras também.

Consciência social

Durante os anos 1920 e os anos 1930 e da Grande Depressão , Surrealismo, Cubismo tarde, a Bauhaus, De Stijl, Dada, expressionismo alemão, o expressionismo, e modernistas e cor magistral pintores como Henri Matisse e Bonnard Pierre caracterizou o cenário artístico europeu. Na Alemanha Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz e outros politizado suas pinturas, prenunciando a vinda da Segunda Guerra Mundial. Enquanto na América pintura de cenas americanas e as realismo e sociais regionalismo movimentos que continham tanto comentário político e social dominado o mundo da arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, e outros tornaram-se proeminentes. Na América Latina, além do uruguaio pintor Joaquín Torres García e Rufino Tamayo do México, o movimento muralista com Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez e Santiago Martinez Delgado e as pinturas simbolista por Frida Kahlo começou um renascimento das artes para a região, com um uso de cores e histórico, e as mensagens políticas. Frida Kahlo simbolista 's trabalha também se relacionam fortemente ao surrealismo e ao movimento Realismo Mágico na literatura. O drama psicológico em muitos dos auto-retratos de Kahlo (acima) ressaltam a vitalidade e relevância de suas pinturas de artistas no século 21.

American Gothic é uma pintura por Grant Wood a partir de 1930. Retratando um agricultor segurando-forcado e uma mulher mais jovem em frente de uma casa de estilo gótico Carpenter, é uma das imagens mais familiares no século 20 arte americana. Os críticos de arte tinham opiniões favoráveis ​​sobre a pintura, como Gertrude Stein e Christopher Morley, que assumiu a pintura era para ser uma sátira da vida rural de cidade pequena. Foi, portanto, visto como parte da tendência de representações cada vez mais críticos da América rural, ao longo das linhas de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis 1920 Main Street , e de Carl Van Vechten O Tattooed condessa na literatura. No entanto, com o início da Grande Depressão , a pintura passou a ser visto como uma representação de firme espírito pioneiro americano.

Diego Rivera, Recreação de Man at the Crossroads(rebatizadoMan, controlador do universo), originalmente criado em 1934,movimento muralismo mexicano

Diego Rivera é talvez mais conhecido pelo mundo público por seu mural 1933, " Homem no Crossroads ", no hall de entrada do edifício RCA no Rockefeller Centre. Quando seu patrono Nelson Rockefeller descobriu que o mural incluiu um retrato de Lenin e outro comunista imaginário, ele disparou Rivera, ea obra inacabada foi finalmente destruído por uma equipe de Rockefeller. O filme Cradle Will rock inclui uma dramatização da controvérsia. Frida Kahlo (da esposa de Rivera) obras são frequentemente caracterizadas por seus retratos austeros de dor. De suas 143 pinturas 55 são auto-retratos, que frequentemente incorporam representações simbólicas de suas feridas físicas e psicológicas. Kahlo foi profundamente influenciado pela cultura indígena mexicana, o que resulta em cores brilhantes de seus pinturas e simbolismo dramático. Temas cristãos e judeus são descritos frequentemente em seu trabalho, bem como, ela combinou elementos do clássico religiosa mexicana tradição que eram muitas vezes violento e sangrento, com renderings surrealistas. suas pinturas Enquanto não são abertamente Christian - ela era, afinal, um comunista declarado - que certamente contêm elementos do estilo mexicano Christian macabra de pinturas religiosas.

O ativismo político foi uma importante peça de David Siqueiros vida 'e, freqüentemente, inspirou-o a deixar de lado sua carreira artística. Sua arte foi profundamente enraizada na Revolução Mexicana, um período violento e caótico na história mexicana em que várias facções sociais e políticos lutaram por reconhecimento e poder. O período compreendido entre a década de 1920 até a década de 1950 é conhecido como o Renascimento mexicana, e Siqueiros foi ativo na tentativa de criar uma arte que era ao mesmo tempo mexicana e universal. Ele brevemente desistiu de pintura para se concentrar na organização de mineiros em Jalisco. Ele dirigia uma oficina de arte política, em Nova York, em preparação para o 1936 Greve Geral para a Paz e Socorro desfile. O jovem Jackson Pollock participou da oficina e ajudou a construir carros alegóricos para o desfile. Entre 1937 e 1938, ele lutou na Guerra Civil Espanhola ao lado das forças republicanas espanholas, em oposição ao golpe militar de Francisco Franco. Ele era exilado duas vezes do México, uma vez em 1932 e novamente em 1940, na sequência da sua tentativa de assassinato de Leon Trotsky .

Conflito mundial

Durante os anos 1930 a política de esquerda radicais caracteriza muitos dos artistas ligados ao Surrealismo, incluindo Pablo Picasso . Em 26 de abril de 1937, durante a Guerra Civil Espanhola, o cidade basca de Guernica foi a cena do " bombardeamento de Gernika "pela Legião Condor da Luftwaffe da Alemanha nazista. Os alemães estavam atacando a apoiar os esforços de Francisco Franco para derrubar o Governo basco eo governo republicano espanhol. A cidade foi devastada, embora o conjunto biscainho eo carvalho de Gernika sobreviveu. Pablo Picasso pintou seu mural dimensionado Guernica para comemorar os horrores do bombardeio.

Na sua forma final, Guernica é uma imensa preto e branco, 3,5 metros (11 pés) de altura e 7,8 metros (23 pés) de largura mural pintado em óleo. O mural apresenta uma cena de morte, violência, brutalidade, sofrimento e desamparo, sem retratar suas causas imediatas. A escolha para pintar em contrastes em preto e branco com a intensidade da cena retratada e invoca o imediatismo de uma fotografia de jornal. Picasso pintou a pintura mural porte chamado Guernica em protesto contra o bombardeio. A pintura foi exibida pela primeira vez em Paris em 1937, em seguida, Escandinávia, depois de Londres em 1938 e, finalmente, em 1939, a pedido de Picasso a pintura foi enviado para os Estados Unidos em um empréstimo prolongado (por segurança) no MoMA. A pintura foi em uma excursão de museus em todo o EUA até seu retorno final para o Museu de Arte Moderna de Nova York, onde foi exibido por quase trinta anos. Finalmente em acordo com Pablo Picasso desejo 's para dar a pintura para o povo de Espanha como um presente, ela foi enviada para a Espanha em 1981.

Durante a Grande Depressão da década de 1930, ao longo dos anos de arte americana II Guerra Mundial foi caracterizado por Realismo Social e Pintura de cenas americanas (como visto acima) na obra de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, e vários outros. Nighthawks (1942) é uma pintura por Edward Hopper que retrate pessoas sentadas em um centro de jantar tarde da noite. Não é apenas a pintura mais famosa de Hopper, mas um dos mais reconhecidos na arte americana. Ele está atualmente na coleção do Art Institute of Chicago. A cena foi inspirada por um diner (já demolido), em Greenwich Village, bairro de Hopper casa em Manhattan. Hopper começou a pintar-lo imediatamente após o ataque a Pearl Harbor . Após este evento houve um grande sentimento de tristeza sobre o país, um sentimento de que é retratado na pintura. A rua urbana está vazia fora da lanchonete, e dentro de nenhuma das três patronos aparentemente está olhando ou falando com os outros, mas em vez disso está perdido em seus próprios pensamentos. Este retrato da vida urbana moderna como vazia ou solitária é um tema comum em todo o trabalho de Hopper.

A dinâmica para os artistas na Europa durante a década de 1930 deteriorou-se rapidamente como o poder dos nazistas na Alemanha e na Europa Oriental aumentaram. O clima tornou-se tão hostil para os artistas e arte associados com o Modernismo e abstração que muitos deixados para as Américas. arte degenerada era um termo adotado pelo Nazi regime na Alemanha para descrever praticamente todos arte moderna. Essa arte foi proibido em razão de que era un-alemão ou bolchevique judaica na natureza, e aqueles identificados como artistas degenerados foram sujeitos a sanções. Estes incluíram a ser demitido de funções docentes, sendo proibido expor ou vender sua arte, e em alguns casos sendo proibido de produzir arte inteiramente.

Arte Degenerada foi também o título de uma exposição, montado pelos nazistas em Munique em 1937, que consiste em obras de arte modernistas caoticamente hung e acompanhados por rótulos de texto ridicularizando o art. Projetado para inflamar a opinião pública contra o modernismo, a exposição posteriormente viajou para várias outras cidades na Alemanha e na Áustria. Artista alemão Max Beckmann e dezenas de outros fugiram da Europa para Nova York. Em Nova York uma nova geração de jovens e excitantes pintores modernistas liderado por Arshile Gorky, Willem de Kooning, e outros estavam apenas começando a vir de idade.

Retrato de Arshile Gorky de alguém que poderia ser Willem de Kooning (acima) é um exemplo da evolução do expressionismo abstrato a partir do contexto da figura pintura, cubismo e surrealismo. Junto com seus amigos de Kooning e John D. Graham Gorky criado bio-morphically em forma e composições figurativas abstratas que na década de 1940 evoluiu para pinturas totalmente abstratas. O trabalho de Gorky parece ser uma análise cuidadosa de memória, emoção e forma, utilizando a linha e cor para expressar sentimentos e da natureza.

Em meados do século

A década de 1940 em Nova York anunciava o triunfo do americano expressionismo abstrato, movimento modernista que combina lições aprendidas com Henri Matisse , Pablo Picasso , surrealismo, Joan Miró, Cubismo, Fauvismo, e início do modernismo através de grandes mestres na América como Hans Hofmann e John D. Graham. Artistas americanos beneficiaram da presença de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, galeria de Pierre Matisse, e galeria de Peggy Guggenheim The Art of This Century , bem como outros fatores.

Pós-Segunda Guerra Mundial americana pintura chamado expressionismo abstrato incluídos artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Tobey, Barnett Newman, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov , William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, e Theodoros Stamos, entre outros. Expressionismo abstrato americano tem o seu nome em 1946 a partir do crítico de arte Robert Coates. Ele é visto como combinando a intensidade emocional e auto-negação dos expressionistas alemães com a estética anti-figurativa das escolas abstratas europeus, como o futurismo, o cubismo sintético e Bauhaus. Expressionismo abstrato, pintura da ação, e pintura da cor campo são sinônimos com a Escola de Nova Iorque.

Tecnicamente Surrealismo era um predecessor importante para o expressionismo abstrato com sua ênfase na espontânea, criação automática ou subconsciente. Jackson Pollock tinta escorrendo 's em uma tela colocada no chão é uma técnica que tem suas raízes na obra de André Masson. Outra manifestação precoce importante do que veio a ser o expressionismo abstrato é o trabalho do artista americana Northwest Mark Tobey, especialmente suas telas "escrita branca", que, embora geralmente não é grande em escala, antecipar o "todo" olhar de pinturas do gotejamento de Pollock.

O expressionismo abstrato

Além disso, expressionismo abstrato tem uma imagem de ser rebelde, anárquico, altamente idiossincrática e, alguns se sentem, em vez niilista. Na prática, o termo é aplicado a qualquer número de artistas que trabalham (principalmente) em Nova York que tiveram bastante diferentes estilos, e até mesmo aplicado ao trabalho que não é especialmente abstrato nem expressionista. Energéticas "de Pollock pinturas de ação ", com sua sensação de" ocupado ", são diferentes tanto tecnicamente e esteticamente, ao violentas e grotescas Mulheres série de Willem de Kooning. Como visto acima na galeria Mulher V é um de uma série de seis pinturas feitas por De Kooning, entre 1950 e 1953, que representam uma figura feminina de três quartos de comprimento. Ele começou a primeira dessas pinturas, Woman I coleção: O Museu de Arte Moderna de Nova York, em junho de 1950, mudando várias vezes e pintando a imagem até janeiro ou fevereiro de 1952, quando a pintura foi abandonado inacabado. O historiador de arte Meyer Schapiro viu a pintura no estúdio de De Kooning logo depois e incentivou o artista a persistir. A resposta de De Kooning era começar três outras pinturas sobre o mesmo tema; Mulher II coleção: O Museu de Arte Moderna de Nova York, Mulher III , Museu de Arte Contemporânea de Teerã, Mulher IV , Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri. Durante o verão de 1952, passamos em East Hampton , de Kooning explorado o tema através de pinturas e desenhos. Ele pode ter terminado o trabalho em Woman I até o final de junho, ou possivelmente como até Novembro de 1952, e, provavelmente, as outras três mulheres imagens foram concluídas em muito ao mesmo tempo. As séries da mulher são decididamente pinturas figurativas. Outro artista importante é Franz Kline, como demonstrado por sua pintura número 2 de 1954 (veja a galeria) como com Jackson Pollock e outros expressionistas abstratos, foi marcado um "pintor de ação" por causa de seu estilo aparentemente espontânea e intensa, concentrando-se menos, ou não em tudo, em valores absolutos ou em aparência, mas nas pinceladas reais e uso de lona.

Robert Motherwell,Elegy para a República Espanhola No. 110
Clyfford Still 1957Colour Field -O expressionismo abstrato

Clyfford Still,Barnett Newman, (veja acima),Adolph Gottlieb, e os blocos serenamente cintilantes de cor emMark Rothkotrabalho 's (o que não é o que normalmente seriam chamados expressionista e que Rothko foi negado abstrato), são classificados como expressionistas abstratos , embora a partir de queClement Greenberg denominado osentido do campo de cor do expressionismo abstrato. Tanto Hans Hofmann (veja a galeria) eRobert Motherwell (galeria) pode ser confortavelmente descrito como praticantes daaction painting e pintura do campo de cor.

O expressionismo abstrato tem muitas semelhanças estilísticas para os artistas russos do início do século 20, como Wassily Kandinsky. Embora seja verdade que a espontaneidade ou da impressão de espontaneidade caracteriza muitos dos expressionistas abstratos obras, a maioria destas pinturas envolvido planejamento cuidadoso, especialmente desde que seu grande tamanho exigia. Uma exceção pode ser as pinturas do gotejamento de Pollock.

Por este estilo ganhou aceitação popular na década de 1950 é uma questão de debate. Americana realismo social havia sido o mainstream na década de 1930. Ele tinha sido influenciado não só pela Grande Depressão , mas também pelos Realistas Social do México, tais como David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera. O clima político após a Segunda Guerra Mundial não tolerar longo dos protestos sociais desses pintores. O expressionismo abstrato surgiu durante a Segunda Guerra Mundial e começou a ser exibido durante o início dos anos 1940 em galerias de Nova York como The Art of This Century Gallery . Final dos anos 1940 até meados dos anos 1950 inaugurou a era McCarthy. Foi após a Segunda Guerra Mundial e um tempo de conservadorismo político e de censura artística extrema nos Estados Unidos. Algumas pessoas especulam que desde que o assunto foi muitas vezes totalmente abstrato, expressionismo abstrato tornou-se uma estratégia segura para artistas a perseguir este modelo. A arte abstracta poderia ser visto como apolítico. Ou se a arte era política, a mensagem era em grande parte para os insiders. No entanto aqueles teóricos estão em minoria. Como a primeira escola verdadeiramente original da pintura na América, expressionismo abstrato demonstrou a vitalidade e criatividade do país nos anos do pós-guerra, bem como a sua capacidade (ou necessidade) para desenvolver um sentido estético que não foi restringida pelas normas europeias de beleza.

Embora expressionismo abstrato se espalhou rapidamente por todo os Estados Unidos, os principais centros deste estilo foram Nova York e Califórnia, especialmente na escola de Nova York, e da área de San Francisco Bay. Pinturas expressionistas abstratas compartilham certas características, incluindo o uso de grandes telas, uma abordagem de "all-over", em que toda a tela é tratada com igual importância (em oposição ao ser centro de mais interesse do que as bordas. A tela como a Arena se tornou um credo de pintura da ação, enquanto a integridade do plano pictórico se tornou um credo dos pintores do campo de cor.

Durante os anos 1950 pintura do campo de cor inicialmente se referia a um tipo particular de expressionismo abstrato, especialmente o trabalho de Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell e Adolph Gottlieb. É essencialmente descrito pinturas abstratas com grandes extensões planas de cor que expressa os sentimentos e as propriedades de grandes áreas da superfície nuances sensuais e visuais. O crítico de arte Clement Greenberg percebida pintura do campo de cor como relacionado, mas diferente da pintura de Acção. A expansão global e gestalt do trabalho dos pintores de campo cor primeiros fala de uma experiência quase religiosa, boquiaberto diante de um universo em expansão de sensualidade, cor e superfície. Durante os primeiros da década de 1960 a meados pintura do campo de cor era o termo usado para descrever artistas como Jules Olitski, Kenneth Noland, e Helen Frankenthaler, cujas obras foram relacionados para a segunda geração expressionismo abstrato, e aos artistas mais jovens, como Larry Zox, e Frank Stella, - todos se movendo em uma nova direção. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, e outros muitas vezes usado referências muito reduzidos com a natureza, e pintada com um uso altamente articulada e psicológico da cor. Em geral, estes artistas eliminado imagens reconhecíveis. Em Montanhas e Mar , de 1952, (ver acima), uma obra seminal de pintura do campo de cor por Helen Frankenthaler o artista usou a técnica de coloração pela primeira vez.

Na Europa, houve a continuação do surrealismo, cubismo, dadaísmo e as obras de Matisse . Também na Europa, Tachismo (o equivalente europeu ao expressionismo abstrato) tomou conta da mais nova geração. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein e Pierre Soulages, entre outros são considerados figuras importantes na pintura europeia do pós-guerra.

Eventualmente pintura abstrata na América evoluiu para movimentos como o Neo-Dada, pintura do campo de cor, Pós abstração pictórica, arte Op, hard-edge, arte Minimal, pintura da lona em forma, Abstracção lírico, Neo-expressionismo e da continuação do expressionismo abstrato. Como uma resposta à tendência para a abstração imagery surgiu através de vários novos movimentos, designadamente arte Pop.

Arte pop

O termo "arte pop" foi utilizado por Lawrence Alloway em Inglaterra em 1958 para descrever as pinturas que celebravam o consumismo da era pós-Segunda Guerra Mundial. Este movimento rejeitou o expressionismo abstrato e seu foco na hermenêutica e interior psicológico, a favor da arte que retratava, e muitas vezes o material célebre cultura de consumo, a publicidade, ea iconografia da era da produção em massa. As primeiras obras de David Hockney e as obras de Richard Hamilton Peter Blake e Eduardo Paolozzi foram considerados exemplos seminais do movimento.

O pop art na América foi em grande medida inicialmente inspirada pelos trabalhos de Jasper Johns, Larry Rivers, e Robert Rauschenberg. Embora as pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis e Charles Demuth durante os anos 1920 e 1930 pôr a mesa para a arte pop nos Estados Unidos. Em Nova York, durante meados dos anos 1950 Robert Rauschenberg e Jasper Johns criou obras de arte que a princípio parecia ser continuações de Pintura abstrata do expressionista. Na verdade, as suas obras e do trabalho de Larry Rivers, foram partidas radicais do expressionismo abstrato, especialmente no uso de imagens banal e literal ea inclusão ea combinação de materiais mundanos em seu trabalho. As inovações de uso específico Johns 'de várias imagens e objetos como cadeiras, números, metas, latas de cerveja e da bandeira americana; Rios pinturas de temas extraídos da cultura popular, como George Washington que cruza o Delaware, e suas inclusões de imagens de anúncios, como o camelo de cigarros Camel, e construções surpreendentes de Rauschenberg usando inclusões de objetos e fotos tiradas de cultura popular, lojas de ferragens, ferros-velhos, as ruas da cidade, e taxidermia deu origem a um novo movimento radical na arte americana. Eventualmente em 1963 o movimento passou a ser conhecido mundialmente como pop art.

Arte pop americana é exemplificado por artistas: Andy Warhol , Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann e Roy Lichtenstein entre outros. Pop art funde cultura popular e de massa com belas artes, enquanto injetar humor, ironia e imagens reconhecíveis e conteúdo na mistura. Em outubro de 1962, o Sidney Janis Gallery montado Os Novos Realistas a primeira grande exposição grupo pop art em uma galeria de arte parte alta da cidade de Nova York. Sidney Janis montada a exposição em uma loja 57th Street perto de sua galeria em 15 E. 57th Street. O show enviou ondas de choque através da Escola de Nova York e reverberou em todo o mundo. No início do outono de 1962 uma historicamente importante e inovador Nova Pintura de objetos comuns exposição de arte pop, com curadoria de Walter Hopps no Museu de Arte de Pasadena enviou ondas de choque em todo o oeste dos Estados Unidos.

Enquanto na cena do centro da cidade em cidade de Nova York East Village 10th Street artistas galerias foram formulação de uma versão americana do pop art. Claes Oldenburg teve sua montra, ea Galeria Verde sobre a 57th Street começou a mostrar Tom Wesselmann e James Rosenquist. Mais tarde Leo Castelli exibiu outro artistas americanos, incluindo a maior parte das carreiras de Andy Warhol e Roy Lichtenstein e seu uso de pontos Benday, uma técnica utilizada na reprodução comercial. Há uma conexão entre as obras radicais de Duchamp e Man Ray, os dadaístas rebeldes - com um senso de humor; e artistas pop como Alex Katz (que se tornaram conhecidos por sua paródia da fotografia de retrato e da vida suburbana), Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein e os outros.

Embora ao longo do século 20 muitos pintores continuaram a praticar paisagem e pintura figurativa com temas contemporâneos e técnica sólida, como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Balthus, Francis Bacon, Nicolas de Staël,Andrew Wyeth,Lucian Freud,Frank Auerbach,Philip Pearlstein,David Park,Nathan Oliveira,David Hockney,Malcolm Morley,Richard Estes,Ralph Goings,Audrey Flack,Chuck Close,Susan Rothenberg, Eric Fischl, Vija Celmins eRichard Diebenkorn.

Figurativo, Paisagem, Natureza-Morta, eo Realismo

Durante a década de 1930 até os anos 1960 pintura abstrata na América e na Europa evoluiu em movimentos como o expressionismo abstrato, pintura do campo de cor, Pós abstração pictórica, arte Op, hard-edge, arte Minimal, pintura da lona em forma, e abstracção lírico. Outros artistas reagiram como uma resposta à tendência para a abstração, permitindo imagens figurativa para continuar através de vários novos contextos, como o Movimento Figurativo Bay Area na década de 1950 e novas formas de expressionismo da década de 1940 até os anos 1960. Na Itália, durante este tempo, Giorgio Morandi foi o mais importante pintor vida ainda, explorar uma grande variedade de abordagens para que descreve garrafas cotidianas e utensílios de cozinha. Ao longo do século 20 muitos pintores praticado Realismo e usou imagens expressiva; praticando paisagem e pintura figurativa com temas contemporâneos e técnica sólida e expressividade única como pintor still-life Giorgio Morandi, Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Graça Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning e outros. Juntamente com Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard, Georges Braque, e outros mestres do século 20.

Estudo depois de Velázquez Retrato do papa Inocente X , 1953 (veja acima) é uma pintura pelo artista irlandês nascido Francis Bacon e é um exemplo de Pós II Guerra Mundial Europeu Expressionismo . O trabalho mostra uma versão distorcida do retrato de Inocêncio X pintado pelo artista espanhol Diego Velázquez em 1650. O trabalho é parte de uma série de variantes do Velázquez de pintura que Bacon executado ao longo dos anos 1950 e início dos anos 1960, sobre um total de quarenta -Cinco obras. Quando perguntado por que ele foi obrigado a rever o assunto com tanta frequência, Bacon respondeu que não tinha nada contra os Papas, que ele apenas "queria uma desculpa para usar essas cores, e você não pode dar roupas comuns que cor roxa, sem entrar em um espécie de falsa maneira fauve ". O Papa nesta versão ferve de raiva e agressão, e as cores escuras dão à imagem uma aparência grotesca e pesadelo. As cortinas plissadas do cenário são tornadas transparentes, e parecem cair através de rosto do Papa.

Pintor italiano Giorgio Morandi foi um importante século 20, pioneiro do minimalismo. Nascido em Bolonha, Itália , em 1890, ao longo de sua carreira, Morandi concentrada quase exclusivamente em ainda vive e paisagens, com exceção de alguns auto-retratos. Com grande sensibilidade para o tom, cor e equilíbrio de composição, ele iria retratar as mesmas garrafas e vasos familiares de novo e de novo em pinturas notáveis ​​por sua simplicidade de execução. Morandi executado 133 gravuras, um corpo significativo de trabalho em seu próprio direito, e seus desenhos e aquarelas, muitas vezes se aproximam abstração em sua economia de meios. Através de sua motivos simples e repetitivo e uso econômico de cor, valor e superfície, Morandi tornou-se um precursor presciente e importante do minimalismo. Ele morreu em Bologna em 1964.

Após a Segunda Guerra Mundial, o termo Escola de Paris muitas vezes referida Tachismo, o equivalente europeu do expressionismo abstrato americano e os artistas também estão relacionados com a Cobra. Defensores importantes sendo Jean Dubuffet, Pierre Soulages, de Staël Nicholas, Hans Hartung, Serge Poliakoff, e Georges Mathieu, entre vários outros. Durante o início da década de 1950 Dubuffet (que sempre foi um artista figurativo), e de Staël, abandonado abstração, e voltou a imagens via figuração e da paisagem. Trabalho de De Staël foi rapidamente reconhecido dentro do mundo da arte do pós-guerra, e ele se tornou um dos artistas mais influentes da década de 1950. Seu retorno à representação (marinhas, futebolistas, músicos de jazz, gaivotas) durante a década de 1950 pode ser visto como um precedente influente para o americano Movimento Figurativo Bay Area, como muitos daqueles pintores abstratos como Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown e outros fizeram um movimento similar; retornando às imagens durante meados dos anos 1950. Grande parte de Staël 's obra tardia - em particular sua diluído, e óleo diluído em tela paisagens abstratas de meados dos anos 1950 prevê pintura do campo de cor e abstracção lírico dos anos 1960 e 1970. Nicolas de Staël 'cor corajosa e vívida intensamente s em suas últimas pinturas prever a direção de grande parte da pintura contemporânea que vieram depois dele incluindo a arte Pop da década de 1960.

Brut arte, Novo Realismo, Bay Area Movimento Figuras simbólicas, neo-Dada, photorealism

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