Música medieval

O termo engloba música medieval Música européia escrito durante os Idade Média . Esta época começa com a queda do Império Romano e termina em aproximadamente a metade do século XV. Estabelecer o fim da era medieval e início do Renascimento é reconhecidamente arbitrária; 1400 é usado aqui.

Visão global

Estilos e tendências

A única música medieval que pode ser estudado é o que foi escrito, e sobreviveu. Desde a criação musical manuscritos era muito caro, devido à despesa de pergaminho, e da enorme quantidade de tempo necessário para que um escriba para copiar tudo para baixo, apenas as instituições ricos foram capazes de criar manuscritos que sobreviveram ao tempo presente. Estas instituições geralmente incluídas as instituições da igreja e da igreja, tais como mosteiros ; alguma música secular, bem como música sacra, também foi preservado por estas instituições. Estes manuscritos sobreviventes não reflectem muito da música popular da época. No início da época, se presume a música escrita para ser monofônicos e homorhythmic com o que parece ser um uníssono cantado texto e sem suporte instrumental anotado. Notação medieval anterior tinha nenhuma maneira de especificar ritmo, embora notações neumatic deu idéias de frases claras, e um pouco mais tarde notações indicado modos rítmicos.

A simplicidade canto, com voz uníssono e declamação natural, é mais comum. A notação de polifonia desenvolve, ea suposição é que as práticas formalizadas polifônicos surgiu pela primeira vez neste período. Harmonia, em intervalos consonantes de quintas perfeitas, uníssonos, oitavas, (e mais tarde, quartas justas) começa a ser notada. Notação rítmica permite interações complexas entre várias linhas vocais de uma forma repetível. O uso de múltiplos textos ea notação de acompanhamento instrumental desenvolvido até ao final da época.

Instruments

Um músico toca vielle em um século 14 Medieval manuscrito

Instrumentos utilizados para executar a música medieval ainda existem, embora em formas diferentes. A flauta uma vez foi feita de madeira , em vez de prata ou de outro metal, e pode ser feito como um instrumento soprado-soprado-lado ou extremidade. O gravador , por outro lado, tem mais ou menos mantido a sua forma passado. O Gemshorn é semelhante ao gravador em ter orifícios na sua parte frontal, que é realmente um membro da família ocarina. Um dos antecessores da flauta, o flauta pan, era popular na época medieval, e é, possivelmente, de Helénica origem. Tubos deste instrumento eram feitas de madeira, e foram formados em comprimento para produzir diferentes tons.

Música medieval usa muitos arrancada instrumentos de corda, tais como alaúde, mandora, Gittern e saltério. O dulcimers, semelhante em estrutura ao saltério e cítara, foram originalmente arrancado, mas tornou-se atingido, no século 14, após a chegada da nova tecnologia que tornou possível cordas de metal. O sanfona era (e ainda é) um violino mecânico usando uma roda de madeira rosined ligado a uma manivela para "arco" suas cordas. Instrumentos sem caixas de som, como o Harpa do judeu também eram populares na época. As primeiras versões do órgão , violino (ou vielle) e trombone (o chamado sackbut) existia também.

Gêneros

Nesta época, a música era tanto sagrado e secular, embora quase nenhuma música secular cedo sobreviveu, e desde notação foi um desenvolvimento relativamente tardio, a reconstrução desta música, especialmente antes do século 12 , é atualmente uma questão de conjectura.

Teoria e notação

Em teoria musical, este período viu vários avanços mais prática anterior, principalmente na concepção e notação de ritmo. Anteriormente, a música foi organizado em ritmicamente " longs "e" Breves "(em outras palavras," short "), embora muitas vezes sem qualquer diferenciação regulares clara entre o que deve ser usado. O teórico musical mais famoso da primeira metade do século 13 , Johannes de Garlandia, foi o autor da musica mensurabili De (cerca de 1240), o tratado que definiu e mais completamente elucidado o modos rítmicos, um sistema de notação para o ritmo em que um dos seis possíveis padrões foi indicado por uma sucessão particular de nota-formas (organizada no que é chamado " ligaduras "). A linha melódica, uma vez que tinha seu modo, seria geralmente permanecer nela, embora adaptações rítmicas poderia ser indicado por mudanças no padrão esperado de ligaduras, até mesmo a ponto de mudar para outro modo rítmica. A alemã teórico da um período um pouco mais tarde, Franco de Colónia, foi o primeiro a descrever um sistema de notação em que as notas de diferentes formatos têm completamente diferentes valores rítmicos (nos Ars Cantus mensurabilis de aproximadamente 1260), uma inovação que teve um enorme impacto sobre a história subsequente da música europeia. A maior parte da música escrita sobrevivente do século 13 usa os modos rítmicos como definidos pela Garlandia.

Philippe de Vitry é o mais famoso na história da música por escrever o Ars Nova (1322), um tratado sobre a música que deu seu nome à música da era inteira. Suas contribuições para a notação, em notação particular de ritmo, foram particularmente importantes, e tornou possível a música livre e bastante complexa dos próximos cem anos. Em alguns aspectos, o moderno sistema de notação rítmica começou com Vitry, que se libertou da idéia mais velho dos modos rítmicos, padrões rítmicos curtas que foram repetidas sem ser diferenciado individualmente. Os antecessores de notação de metros tempos modernos também têm origem no Ars Nova; para Franco, um breve (para uma breve explicação sobre a notação mensural em geral, consulte o artigo Renaissance música ) igualou três semibreves (isto é, Breves meia) (por vezes, dois, localmente e com determinado contexto, quase sempre, no entanto, estes dois semibreves eram de um comprimento normal e um de comprimento duplo, tendo assim o mesmo espaço de tempo), ea mesma divisão ternária realizada para todos os valores de notas maiores e menores. Até o momento de Ars Nova, o breve pré-poderia ser dividida, por uma composição inteira ou de uma secção, em grupos de dois ou três menor semibreves por utilização de um "sinal de medição," equivalente ao nosso moderno "assinatura de tempo." Desta forma, o "Tempus" (denotando a divisão do breve, o que acaba obteve o mesmo primazia sobre estrutura rítmica como a nossa "medida" moderna) poderiam ser "perfeita", com subdivisão ternária, ou "imperfeito", com subdivisão binária . Tempus perfectus foi indicado por um círculo, enquanto tempus imperfectus foi indicado por um semi-círculo (nosso atual "C" como um stand-in para o compasso 4/4 é realmente um resquício dessa prática, não uma abreviação para " tempo comum ", como popularmente se acredita). De um modo semelhante, o semibreve pode por sua vez ser dividido em três "mínimos" ou " minims "( prolatio perfectus ou maior prolation) ou dois (imperfectus prolatio ou menor prolation) e, no nível mais elevado, o longs em três ou duas breves ( modo imperfeito perfectus modus ou o modo perfeito, ou modus imperfectus ou respectivamente).

Para a duração do período medieval, a maioria das músicas seria composta principalmente em tempus perfeito, com efeitos especiais criados por seções de tempus imperfeita; há uma grande controvérsia atual entre musicólogos se tais secções foram realizadas com um breve iguais ou se mudou, e em caso afirmativo, em que proporção. Nos trabalhos altamente sincopados do Ars Subtilior, vozes diferentes com a mesma composição, às vezes, ser escritos em diferentes assinaturas tempus simultaneamente.

Muitos estudiosos, citando uma falta de evidência attributory positivo, agora considerar tratado "de Vitry" de ser anônimo, mas isso não diminui sua importância para a história da notação rítmica. O primeiro estudioso definitivamente identificável para aceitar e explicar o sistema foi mensural Johannes de Muris ( Jehan des Mars), que pode ser dito ter feito para ele o que fez Garlandia para os modos rítmicos.

Para os teóricos específicos de música medieval, Veja também: Isidoro de Sevilha, Aurelian de Réôme, Odo de Cluny, Guido de Arezzo, Hermannus Contractus, Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris, Franco de Colónia, Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus), Anonymous IV, Marchetto da Padova (Marchettus de Pádua), Jacques de Liège, Johannes de Grocheo, Petrus de Cruce (Pierre de la Croix), e Philippe de Vitry.

Música medieval precoce (antes de 1150)

Tradições chant início

Chant (ou plainsong) é uma forma sagrado monofônico, que representa a primeira música conhecida da igreja cristã. O judeu tradição Sinagoga de cantar salmos foi uma forte influência no canto cristão.

Chant desenvolvidos separadamente em vários centros europeus. Os mais importantes foram Roma , Espanha , Gália, Milan e Irlanda . Estes cânticos foram todos desenvolvidos para apoiar as liturgias regionais utilizado na celebração da missa. Cada área desenvolveu os seus próprios cânticos e as regras para a celebração. Em Espanha, Mozarabic canto foi usada e mostra a influência de Música norte Africano. A liturgia moçárabe até mesmo sobreviveu através Domínio muçulmano, embora esta era uma vertente isolado e essa música foi posteriormente suprimida em uma tentativa de impor a conformidade em toda a liturgia. Em Milão, Canto Ambrosiano, em homenagem St. Ambrose, foi o padrão, enquanto Benevento canto desenvolvido em torno de Benevento, um outro centro litúrgico italiano. Chant galicano foi usada na Gália, e Chant Celtic na Irlanda e na Grã-Bretanha.

Em torno de 1011 dC, a Igreja Católica Romana queria padronizar a Missa e canto. Neste momento, Roma era o centro religioso da Europa ocidental, e Paris era o centro político. O esforço de padronização consistiu principalmente de combinar estes dois ( Roman e Galicano) liturgias regionais. Este corpo de canto se tornou conhecido como o canto gregoriano. Pelos 12º e 13º séculos , o canto gregoriano tinha substituído todos os outros tradições chant ocidentais, com exceção do Canto Ambrosiano em Milão, eo canto moçárabe em poucas capelas espanholas especialmente designados.

O canto gregoriano

Polifonia Antecipado: organum

Por volta do final do século IX, cantores em mosteiros, como St. Gall na Suíça começou a experimentar com a adição de uma outra parte para o canto, geralmente um voz em movimento paralelo, cantando em perfeita na sua maioria quartos ou quintos com a melodia inicial (ver intervalo). Este desenvolvimento é chamado organum, e representa o início de harmonia e, em última análise, contraponto. Durante a próxima vários séculos organum desenvolvido de várias maneiras.

A mais significativa foi a criação do "organum florido" em torno de 1100, às vezes conhecido como o escola de St. Martial (em homenagem a um mosteiro no centro-sul da França, que contém o manuscrito mais bem preservados deste repertório). Em "organum florido" a melodia original seria cantada em notas longas enquanto uma voz que acompanha cantava muitas notas a cada um dos originais, muitas vezes de uma forma muito elaborada, sempre enfatizando o perfeito consonâncias (quartas, quintas e oitavas) como no organa anterior. Desenvolvimentos posteriores do organum ocorreu na Inglaterra, onde o intervalo da terceiro foi particularmente favorecido, e onde organa provavelmente foram improvisados contra um cântico melodia existente, e em Notre Dame em Paris, que era para ser o centro da atividade criativa musical ao longo do século XIII.

Grande parte da música do início do período medieval é anônima. Alguns dos nomes podem ter sido poetas e letristas, e as músicas para que eles escreveram palavras podem ter sido compostas por outras pessoas. Atribuição de música monofônico do período medieval nem sempre é confiável. Manuscritos sobreviventes deste período incluem o Musica Enchiriadis, Codex Calixtinus de Santiago de Compostela, ea Winchester Troper.

Para obter informações sobre compositores específicos ou poetas que escrevem durante o período medieval, ver Papa Gregório I, St. Godric, Hildegard de Bingen, Hucbald, Notker Balbulus, Odo de Arezzo, Odo de Cluny, e Tutilo.

O drama litúrgico

Outra tradição musical da Europa originada durante a Alta Idade Média foi o o drama litúrgico. Em sua forma original, pode representar uma sobrevida de Roman drama com histórias cristãs - principalmente o Evangelho, a Paixão, eo vida dos santos - enxertadas sobre. Cada parte da Europa tinha algum tipo de tradição de drama musical ou semi-musical na Idade Média, envolvendo agindo, falando, cantando e acompanhamento instrumental em alguma combinação. Provavelmente, esses dramas foram realizadas por viagem de atores e músicos. Muitos foram preservados o suficiente para permitir a reconstrução moderna e desempenho (por exemplo, o Jogar de Daniel, que foi recentemente gravado).

Goliardos

O Goliardos eram itinerantes poeta-músicos da Europa a partir do décimo para o meio do século XIII. A maioria eram estudiosos ou eclesiásticos, e que escreveu e cantou em latim. Embora muitos dos poemas sobreviveram, muito pouco da música tem. Eles foram possivelmente influente - mesmo assim de forma decisiva - no troubadour- Trouvere tradição que viria a seguir. A maioria de sua poesia é secular e, enquanto algumas das canções comemorar ideais religiosos, outros são francamente profano, lidando com a embriaguez, devassidão e libertinagem.

Música medieval alta (1150-1300)

Ars Antiqua

O florescimento do Notre Dame escola de polifonia de todo 1150 para 1250 correspondeu às realizações igualmente impressionantes em Arquitetura gótica: na verdade o centro da atividade foi na catedral de Si Notre Dame. Às vezes a música deste período é chamado a escola parisiense, ou organum parisiense, e representa o começo do que é convencionalmente conhecido como Ars Antiqua. Este foi o período em que notação rítmica apareceu primeiro em Western, principalmente um método baseado no contexto de notação rítmica conhecido como o modos rítmicos.

Este foi também o período em que conceitos de estrutura formal desenvolvido, que estavam atentos a proporção, textura e efeito arquitetônico. Compositores do período alternado organum florido e discant (mais nota-contra-note, em oposição à sucessão de muitos melismas-nota contra notas de longa data encontradas no tipo florido), e criou várias novas formas musicais: clausulae, que eram melismáticas seções de organa extraído e equipado com novas palavras e maior elaboração musical; conductus, que era uma canção para uma ou mais vozes a ser cantado ritmicamente, muito provavelmente em uma procissão de algum tipo; e tropos, que eram rearranjos de cânticos antigos com novas palavras e, por vezes, a música nova. Todos esses gêneros salvar um baseavam-se cântico; isto é, uma das vozes, (geralmente três, embora às vezes quatro) quase sempre o menor (o tenor neste momento) cantado um cântico melodia, embora com comprimentos de notas compostas livremente, sobre os quais as outras vozes cantaram organum. A excepção a isto foi a conductus método, uma composição de duas voz que foi composta livremente na sua totalidade.

O moteto, uma das formas musicais mais importantes da alta Idade Média e do Renascimento, desenvolvido inicialmente durante o período de Notre Dame fora da clausula, especialmente o formulário usando múltiplas vozes como elaborado por Pérotin, que abriu o caminho para esta particularmente, substituindo muitos de seu antecessor (como cânone da catedral) Clausulae florido longo do Léonin com substitutos em um estilo discant. Aos poucos, veio a haver livros inteiros destes substitutos, disponíveis para serem montados dentro e fora dos vários cantos. Uma vez que, na verdade, não eram mais do que pode, eventualmente, ter sido usada no contexto, é provável que o clausulae chegou a ser executados de forma independente, quer em outras partes da massa, ou em devoções particulares. O clausulae, assim praticada, tornou-se o moteto quando troped com palavras não-litúrgicas, e foi desenvolvido em uma forma de grande elaboração, sofisticação e sutileza no século XIV, o período de Ars Nova.

Manuscritos sobreviventes desta época incluem o Codex Montpellier, Codex Bamberg, e El Codex musical de Las Huelgas.

Compositores dessa época incluem Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de St. Victor, e Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Petrus é creditado com a inovação de escrever mais de três semibreves para ajustar o comprimento de um breve. Vindo antes da inovação de tempus imperfeitos, esta prática innagurated a era dos que agora são chamados motetos "Petronian". Estas obras do final do século 13, estão situados na três, às vezes quatro, peças e ter múltiplos textos cantados em simultâneo. Estes textos podem ser sagrada ou secular no assunto, e com o latim e francês misto. O moteto Petronian é um gênero muito complexo, dada a sua mistura de vários breves semibreve com modos rítmicos e às vezes (com freqüência crescente) substituição de canções seculares para canto no tenor. Na verdade, cada vez maior complexidade rítmica seria uma característica fundamental do século 14, embora a música na França, Itália, Inglaterra e levaria bastante caminhos diferentes durante esse tempo.

Trovadores e trouvères

A música do trovadores e trouvères era uma tradição vernacular da música secular monofônico, provavelmente acompanhado por instrumentos, cantada por músicos profissionais, ocasionalmente itinerantes, que estavam tão habilidoso quanto poetas como eram cantores e instrumentistas. A linguagem dos trovadores era Occitan (também conhecido como o langue d'oc, ou Provençal); a linguagem dos trouvères foi francês antigo (também conhecido como langue d'petróleo). O período dos trovadores correspondeu ao florescimento da vida cultural Provence, que durou até o século XII e na primeira década do décimo terceiro. Assuntos típicos de música trovadoresca foram guerra , cavalaria e amor cortês. O período dos trovadores acalmou após a Cruzada albigense , a campanha feroz por Papa Inocêncio III para eliminar o Heresia dos cátaros (e desejo dos barões do norte de se apropriar da riqueza do sul). Trovadores sobreviventes foi tanto para a Espanha, norte da Itália ou do norte da França (onde a tradição Trouvere viveu), onde suas habilidades e técnicas contribuíram para os desenvolvimentos posteriores da cultura musical secular nesses lugares.

A música dos trouvères foi semelhante à dos trovadores, mas foi capaz de sobreviver no século XIII afetado pela Albigensian Cruzada. A maioria dos mais de dois mil músicas Trouvere sobreviventes incluem música, e mostram uma sofisticação tão grande quanto a da poesia acompanha.

O Minnesinger tradição era o germânico contrapartida à actividade dos trovadores e trouvères a oeste. Infelizmente, poucas fontes de sobreviver a partir do momento; as fontes de Minnesang são na sua maioria a partir de dois ou três séculos após o pico do movimento, levando a alguma controvérsia sobre a sua exactidão. Entre os sobreviventes Minnesingers com música são Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide e Niedhart von Reuenthal.

Trovadores com melodias sobreviventes

Compositores da era medieval alto e tarde

Música medieval tardio (1300-1400)

França: Ars Nova

O início do Ars Nova é uma das poucas divisões cronológicas limpas em música medieval, uma vez que corresponde à publicação da Roman de Fauvel, uma enorme compilação de poesia e música, em 1310 e 1314. O Roman de Fauvel é uma sátira sobre abusos na igreja medieval, e é preenchido com motetos medievais, lais, rondeaux e outras novas formas seculares. Enquanto a maioria das músicas é anônimo, contém várias peças de Philippe de Vitry, um dos primeiros compositores da motet isorrítmica, um desenvolvimento que distingue o século XIV. O moteto isorrítmica foi aperfeiçoado por Guillaume de Machaut, o melhor compositor da época.

Durante a era Ars nova, música secular adquiriu uma sofisticação polifônico anteriormente encontrados somente em música sacra, um desenvolvimento não é surpreendente considerando o caráter secular do início do Renascimento (e deve-se notar que, enquanto essa música é normalmente considerado como "medieval", as forças sociais que produziram foram responsáveis pelo início do Renascimento literária e artística na Itália-a distinção entre Idade Média e do Renascimento é uma borrada, especialmente considerando artes tão diferentes como a música ea pintura). O termo "Ars Nova" (nova arte, ou nova técnica) foi cunhado por Philippe de Vitry em seu tratado com esse nome (provavelmente escrito em 1322), a fim de distinguir a prática da música da época imediatamente anterior.

O gênero secular dominante do Ars Nova foi o chanson, como que vai continuar a estar na França por mais dois séculos. Estas canções foram compostas em formas musicais correspondentes à poesia eles definido, que eram na chamada formes correções de Rondeau, balada, e virelai. Estas formas afetou significativamente o desenvolvimento da estrutura musical de maneiras que são sentidas até hoje; por exemplo, a rima-regime ouvert-clos compartilhada por todos os três exigiu uma realização musical que contribuiu diretamente para a noção moderna de frases antecedentes e conseqüentes. Foi nesse período, também, em que começou a longa tradição de definir a massa comum. Esta tradição começou por volta de meados do século com as configurações isoladas ou pareadas de Kyries, Glorias, etc., mas Machaut composto que é pensado para ser a primeira missa completa concebida como uma composição. O mundo sonoro de Ars Nova música é muito mais um dos primazia linear e complexidade rítmica. Intervalos "descanso" são a quinta e oitava, com terças e sextas considerados dissonâncias. Saltos de mais de um sexto em vozes individuais não são incomuns, levando à especulação de participação instrumental, pelo menos no desempenho secular.

Manuscritos sobreviventes franceses incluem o Ivrea Codex eo Codex Apt.

Para obter informações sobre compositores franceses específicas que escrevem na era medieval, ver Jehan de Lescurel, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Borlet, Solage, e François Andrieu.

Itália: Trecento

A maioria das músicas da Ars nova era de origem francesa; no entanto, o termo é frequentemente frouxamente aplicadas a toda a música do século XIV, especialmente para incluir a música secular na Itália. Há este período foi muitas vezes referida como Trecento.

Música italiana tem sempre, ao que parece, foi conhecida por seu caráter lírico ou melódica, e isso remonta ao século 14 em muitos aspectos. Música secular italiana desta vez (o pouco sobreviver música litúrgica existe, é semelhante ao francês, com excepção para a notação um pouco diferente) apresentou o que foi chamado o estilo cantalina, com uma voz top florido apoiado por dois (ou até mesmo um; um justo quantidade de Trecento italiano música é apenas para duas vozes) que são mais regulares e mais lento. Este tipo de textura permaneceu uma característica da música italiana nos populares gêneros seculares do século 15 e 16, bem como, e foi uma influência importante sobre o eventual desenvolvimento da textura trio que revolucionou a música no dia 17.

Havia três formas principais de obras seculares no Trecento. Um deles foi o madrigal, não a mesma que a de 150-250 anos mais tarde, mas com uma verso / abster-se-como forma. Três-line estrofes, cada um com palavras diferentes, alternados com uma linha de dois RITORNELLO, com o mesmo texto em cada aparência. Talvez possamos ver as sementes da posterior late-renascentista e barroco ritornello neste dispositivo; ele também retorna novamente e novamente, reconhecível de cada vez, em contraste com as suas seções díspares circundantes. Outra forma, o caccia ("chase") foi escrito por duas vozes em um cânone na uníssono. Às vezes, essa forma também contou com um ritornello, que foi, ocasionalmente, também em estilo canônico. Normalmente, o nome do gênero desde um duplo significado, uma vez que os textos das caccia eram principalmente sobre caça e atividades ao ar livre disponíveis, ou cenas, pelo menos, cheio de acção. A terceira forma principal foi o ballata, que era mais ou menos equivalente ao virelai francês.

Manuscritos sobreviventes italianos incluem o Squarcialupi eo Codex Rossi Codex.

Para obter informações sobre compositores italianos específicos escrita na era medieval, ver Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Paolo da Firenze (Paolo Tenorista), Giovanni da Firenze (aka Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bolonha, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia, e Maestro Piero.

Alemanha: Geisslerlieder

O Geisslerlieder foram as músicas de bandas de vagando flagelantes, que procuravam apaziguar a ira de um Deus irado por música penitencial acompanhado pela mortificação de seus corpos. Havia dois períodos separados de atividade de Geisslerlied: uma em meados do século XIII, a partir do qual, infelizmente, nenhuma música sobrevive (embora numerosas letras fazer); e outra de 1349, para o qual ambas as palavras e música sobreviver intacto devido à atenção de um único sacerdote que escreveu sobre o movimento e registrou sua música. Este segundo período corresponde à propagação da peste negra na Europa, e documentos de um dos eventos mais terríveis da história europeia. Ambos os períodos de atividade Geisslerlied eram principalmente na Alemanha.

Houve também polifonia de influência francesa escrita em áreas alemãs neste momento, mas foi um pouco menos sofisticado do que seus modelos. Para ser justo com os compositores em sua maioria anônimos deste repertório, no entanto, a maioria dos manuscritos sobreviventes parecem ter sido copiadas com extrema incompetência, e estão cheios de erros que fazem uma avaliação verdadeiramente completa da qualidade da música impossível.

Maneirismo e Ars Subtilior

O chanson Belle, bonne, sálvia por Baude Cordier, um pedaço Subtilior Ars incluído no Chantilly Codex

Como muitas vezes visto no final de qualquer era musical, o fim da era medieval é marcado por um estilo altamente manneristic conhecido como Subtilior Ars. De certa forma, esta foi uma tentativa de fundir os estilos franceses e italianos. Esta música foi altamente estilizado, com uma complexidade rítmica que não foi acompanhada até o século 20. Na verdade, não só foi a complexidade rítmica desse repertório em grande parte inigualável durante séculos cinco e meia, com síncopes extremos, dribles mensural, e até mesmo exemplos de augenmusik (como uma chanson por Baude Cordier escritos à mão na forma de um coração), mas também o seu material de melodia foi bastante complexa, bem como, em particular na sua interacção com as estruturas rítmicas. Já foi discutido sob Ars Nova tem sido a prática de isoritmia, que continuou a desenvolver-se através do final do século e de fato não alcançou seu mais alto grau de sofisticação até o início do século 15. Em vez de usar técnicas isorrítmica em uma ou duas vozes, ou negociá-los entre as vozes, algumas obras veio a apresentar uma textura isorrítmica penetrante que rivaliza com o serialismo integral do século 20 na sua ordenação sistemática dos elementos rítmicos e tonais. O termo "maneirismo" foi aplicado por estudiosos posteriores, como muitas vezes é, em resposta a uma impressão de sofisticação sendo praticado por si só, uma doença que alguns autores sentiram infectou os Ars Subtilior.

Uma das fontes mais importantes existentes de canções Ars subtilior é a Chantilly Codex.

A transição para o Renascimento

Demarcando o fim da era medieval e início do Renascimento, no que respeita à composição da música, é problemática. Enquanto a música do século XIV é bastante obviamente medieval na concepção, a música do início do século XV, é muitas vezes concebida como pertencente a um período de transição, não só mantendo alguns dos ideais do final da Idade Média (como um tipo da escrita polifônica em que as partes são muito diferentes uns dos outros em caráter, como cada um tem a sua função específica textural), mas também mostrando alguns dos traços característicos do Renascimento (tal como o estilo de desenvolvimento internacional através da difusão de músicos Franco-Flamenga em toda a Europa, e em termos de textura uma igualdade crescente de partes). O Renascimento começou cedo na Itália, mas a inovação musical lá ficado muito atrás da França e da Inglaterra; o Renascimento veio tarde para a Inglaterra, mas a inovação musical lá estava à frente da Europa continental.

Historiadores da música não concordam sobre quando a era do renascimento começou, mas a maioria dos historiadores concorda que a Inglaterra ainda era uma sociedade medieval no início do século XV (veja a discussão de questões de periodização da Idade Média). Embora não haja consenso, 1400 é um marcador útil, pois foi nessa época que a Renascença entrou em pleno andamento na Itália .

A crescente dependência do intervalo do terceiro como uma consonância é uma das características mais pronunciadas de transição para o Renascimento. Polyphony, em uso desde o século 12, tornou-se cada vez mais elaborada, com vozes independentes altamente durante todo o século 14. Com John Dunstaple e outros compositores ingleses, em parte através da técnica local faburden (um processo de improvisação em que um cântico melodia e uma parte escrita predominantemente em sextas paralelas acima dela são ornamentados por uma cantada em quartas perfeitas abaixo da última, e que mais tarde ganhou força no continente como "fauxbordon"), o intervalo da terceiro surge como um importante desenvolvimento musical; Por causa disso Contenance Angloise ("semblante Inglês"), a música 'Inglês compositores é frequentemente considerado como o primeiro a soar menos verdadeiramente bizarro modernos, o público não escolarizados. Tendências estilísticas Inglês, neste contexto, tinha vindo a ser concretizadas e começou a influenciar os compositores continentais tão cedo quanto 1420, como pode ser visto nas obras do jovem Dufay, entre outros. Enquanto as Guerra dos Cem Anos continuou, Inglês nobres, os exércitos, as suas capelas e comitivas e, portanto, alguns de seus compositores, viajou na França e realizou sua música lá; deve também, naturalmente, ser lembrado que o Inglês partes do norte da França controlado nesta altura.

Manuscritos inglês incluem o Fragmentos Worcester, o Old St. Andrews Music Book, o Old Hall Manuscrito, e Egerton Manuscrito.

Estudo e formação profissional

O Schola Cantorum Basiliensis, universidade de música antiga em Basel , Suíça , oferece a única em tempo integral curso de estudo prático para a música da Idade Média. A formação profissional de dois anos para os músicos é oferecido na academia Burg Fürsteneck na Alemanha .