Conteúdo verificado

Música

Informações de fundo

Esta seleção wikipedia foi escolhido por voluntários que ajudam Crianças SOS da Wikipedia para este Seleção Wikipedia para as escolas. Veja http://www.soschildren.org/sponsor-a-child para saber mais sobre apadrinhamento de crianças.

Música
Lição de música Staatliche Antikensammlungen 2421.jpg
Uma pintura em um vaso grego antigo descreve uma lição de música (c. 510 aC).
Médio Som
Cultura originário vário
Era originário Paleolítico
Artes performáticas
As principais formas

Dança · Música · Opera & Ballet · Teatro

Formas menores

Habilidades circenses · Mágica · Mime · Puppetry · Discurso

Gêneros

Drama · Tragédia · Comédia · Tragicomédia · Romântico · Sátira · Épico · Lírica

A música é uma arte cuja forma meio é som e silêncio. Seus elementos comuns são pitch (que rege melodia e harmonia), ritmo (e seus conceitos associados andamento, metro, e articulação), dinâmica, e as qualidades sonoras de timbre e textura. A palavra deriva do grego μουσική (mousike; "arte da Musas ").

A criação, performance, importância, e até mesmo o definição de música variam de acordo com a cultura eo contexto social. Faixas de música de composições estritamente organizadas (e sua recreação no desempenho), através da música de improvisação para formas aleatórias. A música pode ser dividido em gêneros e subgêneros, embora as linhas divisórias e as relações entre gêneros musicais são muitas vezes sutis, às vezes abertas à interpretação individual e ocasionalmente controverso. Dentro as artes, a música pode ser classificado como um artes de palco, uma bela arte , e arte auditivo. Ele também pode ser dividida entre música da arte e música folclórica . Há também uma forte ligação entre música e matemática. A música pode ser tocada e ouvida ao vivo, pode ser parte de uma obra dramática ou filmar, ou pode ser gravado.

Para muitas pessoas, em muitas culturas, a música é uma parte importante do seu modo de vida. Grego antigo e Filósofos indianos definiu a música como tons ordenou horizontalmente quanto verticalmente melodias e harmonias como. Provérbios comuns, tais como "a harmonia das esferas" e "é música para os meus ouvidos" apontam para a noção de que a música é muitas vezes encomendados e agradável de ouvir. No entanto, compositor do século 20 John Cage pensei que qualquer som pode ser música, dizendo, por exemplo: "Não há nenhum ruído, único som." Musicólogo Jean-Jacques Nattiez resume o relativista, ponto de vista pós-moderno: "A fronteira entre a música eo ruído é sempre culturalmente definidas pelo o que implica que, mesmo dentro de uma única sociedade, esta fronteira nem sempre passa pelo mesmo lugar; em suma, não raramente é um consenso ... Por todas as contas não existe um conceito universal único e intercultural definir o que a música pode ser ".

História

Eras pré-históricas

Música pré-histórica só pode ser teorizado base em conclusões de sítios arqueológicos paleolíticos. Flautas são muitas vezes descobertas, esculpida em ossos em que buracos laterais foram perfurados; estes são pensados para ter sido soprado em uma extremidade como o japonês shakuhachi. O Divje Borracho da flauta, esculpida a partir de um urso das cavernas fémur, é pensado para ser pelo menos 40.000 anos. Instrumentos como a flauta de sete furos e vários tipos de instrumentos de corda foram recuperados a partir das Civilização do Vale arqueológicos sites. A ?ndia tem uma das mais antigas tradições musicais das referências mundiais para Música clássica indiana (marga) são encontrados no Vedas, escrituras antigas da Tradição hindu. A coleção mais antiga e maior de instrumentos musicais pré-históricos foi encontrado na China e remonta a entre 7000 e 6600 aC. O Hurrian canção, encontrado no tabuletas de argila que datam de aproximadamente 1400 aC, é o mais velho sobrevivente simbolizada obra de música.

Antigo Egito

Músicos de Amun, Tomb of Nakht, 18a dinastia, Western Tebas.

A antiga Egípcios creditado um de seus deuses, Toth, com a invenção de música, que Osiris, por sua vez usado como parte de seu esforço para civilizar o mundo. O primeiro material e evidência de representação de instrumentos musicais egípcios data do Período pré-dinástico, mas a evidência é mais segura atestado no Unido de idade, quando harpas, flautas e clarinetes duplas foram jogados. Instrumentos de percussão, liras e lutes foram adicionados a orquestra pela Reino Médio. Cymbals freqüentemente acompanhada de música e dança, tanto quanto eles ainda o fazem em Egito hoje. Egípcio música popular , incluindo o tradicional Dhikr rituais Sufi, são o mais próximo contemporânea música gênero a egípcia antiga da música, tendo preservado muitas das suas características, ritmos e instrumentos.

Culturas asiáticas

Gangubai Hangal
Durga

Música clássica indiana é uma das mais antigas tradições musicais do mundo. A civilização do Vale do Indo tem esculturas que mostram dança e instrumentos musicais antigos, como a flauta de sete furos. Vários tipos de instrumentos de cordas e tambores foram recuperados a partir de Harrappa e Mohenjo Daro pelas escavações realizadas por Sir Mortimer Wheeler. O Rigveda tem elementos de presente música indiana, com uma notação musical para denotar o medidor eo modo de cantar. Música clássica indiana (marga) é monofônico, e com base em uma única linha melodia ou raga ritmicamente organizada através talas. Música Hindustani foi influenciada pelas práticas de desempenho persas dos Mongóis afegãs. Carnatic música popular nos estados do sul, é em grande parte devocional; a maioria das canções são dirigidas às divindades hindus. Há um monte de músicas que enfatizam o amor e outras questões sociais.

Música asiática cobre as culturas musicais de Saudita, ?sia Central, Leste da ?sia, Sul da ?sia, e Sudeste Asiático. Música clássica chinesa, a tradicional arte ou música tribunal da China, tem uma história que se estende por cerca de três mil anos. Ele tem seus próprios sistemas sem igual de notação musical, como também afinação e pitch, instrumentos musicais e estilos ou gêneros musicais. Música chinesa é pentatônica-diatônica, que tem uma escala de doze notas de uma oitava (5 + 7 = 12) como faz música de influência europeia. Música persa é a música da Pérsia e países de língua persa: musiqi, a ciência ea arte da música, e muzik, o som eo desempenho de música (Sakata 1983).

Antiguidade

Culturas ocidentais tiveram uma grande influência sobre o desenvolvimento da música. A história da música das culturas ocidentais pode ser rastreada até a Grécia Antiga vezes.

Grécia Antiga

A música era uma parte importante da vida social e cultural na Grécia Antiga . Músicos e cantores desempenhou um papel proeminente na Teatro grego. Misturado-sexo refrões realizadas para o entretenimento, celebração, e cerimônias espirituais. Instruments incluiu o duplo-reed aulos e uma arrancada instrumento de cordas, o lira, principalmente o tipo especial chamado kithara. A música era uma parte importante da educação, e os meninos foram ensinados música a partir de seis anos de idade. Alfabetização musical grega criou um florescimento de desenvolvimento música. Grego teoria musical incluiu o grego modos musicais, que eventualmente se tornou a base para Ocidental religiosa e música clássica. Mais tarde, influências do Império Romano , Europa Oriental , eo Império Bizantino mudou a música grega. O Seikilos epitáfio é o exemplo mais antigo de uma composição musical completa, incluindo notação musical, a partir de qualquer lugar do mundo.

A Idade Média

Léonin ou Pérotin
Breves morre hominis

O medieval era (476 dC a 1400 dC) começou com a introdução de cantar em Igreja Católica Romana serviços. Western Music, em seguida, começou a tornar-se mais de uma forma de arte com os avanços na notação musical. O único repertório medieval europeu que sobrevive desde antes cerca de 800 é o monofônico litúrgico cantochão da Igreja Católica Romana, a tradição central do que foi chamado de canto gregoriano . Paralelamente a estas tradições de sagrado e música da igreja existia uma tradição vibrante de música secular. Exemplos de compositores deste período são Léonin, Pérotin e Guillaume de Machaut.

A Renascença

TL de Victoria
Meus Amicus
Alegoria da música, por Filippino Lippi

Renaissance música (c. 1400 AD a 1600 AD) foi mais focada em temas seculares. Por volta de 1450, o A impressão da imprensa foi inventada, e que ajudou a disseminar estilos musicais mais rapidamente e através de uma área maior. Assim, a música pode desempenhar um papel cada vez mais importante na vida diária. Músicos trabalhou para a igreja, tribunais e vilas. Coros de igreja cresceu em tamanho, ea igreja continuou a ser um patrono importante da música. Em meados do século 15, compositores escreveram música sacra ricamente polifônica. Compositores proeminentes a partir desta época são Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley, e Orlande de Lassus. No entanto, a atividade musical mudou para os tribunais. Reis e príncipes competiram para os melhores compositores.

Muitos líderes importantes compositores veio da Holanda, Bélgica e norte da França e são chamados os compositores Franco-Flamenga. Eles ocupou cargos importantes em toda a Europa, especialmente na Itália. Outros países com vidas musicais vibrantes incluem Alemanha, Inglaterra e Espanha.

O Barroco

JSBach
Toccata und Fuge

O Barroco da música teve lugar 1600-1750, como o estilo artístico barroco floresceu em toda a Europa; e durante este tempo, música expandida na sua gama e complexidade. Música barroca começou quando os primeiros óperas foram escritas e quando música contrapontística tornou-se predominante. Compositores barrocos alemães escreveu para pequenas conjuntos incluindo cordas, bronze e sopros, bem como coros, órgão de tubulação , cravo, e clavicórdio. Durante este período, várias formas de música principais foram definidos que durou em períodos posteriores, quando eles foram expandidas e evoluiu ainda mais, incluindo o fuga, o invenção, o sonata, eo concerto. O estilo barroco tardio foi polifonicamente complexo e ornamental e rica em suas melodias. Compositores da era barroca incluem Johann Sebastian Bach , George Frideric Handel , e Georg Philipp Telemann.

Classicismo

WA Mozart
Symphony 40 g-moll

A música do Período Clássico (1750 dC a 1830 dC) olhou para a arte ea filosofia da Grécia e Roma antigas, aos ideais de equilíbrio, proporção e expressão disciplinada. Tem uma textura mais leve, mais clara e consideravelmente mais simples, e tende a ser quase voicelike e singable. Novos gêneros foram descobertos. O estilo foi o principal homofonia, onde proeminente melodia e acompanhamento são claramente distintos.

Importância foi dada a música instrumental. Foi dominado por uma maior evolução de formas musicais definidos inicialmente no período barroco: o sonata, a concerto, eo sinfonia. Outros tipos principais eram trio, quarteto de cordas, serenade e divertimento. A sonata foi a forma mais importante e desenvolvido. Apesar de compositores barrocos também escreveu sonatas, o estilo clássico da sonata é completamente distinta. Todas as principais formas instrumentais da era clássica foram baseadas na estrutura dramática da sonata.

Um dos passos evolutivos mais importantes feitas no período clássico foi o desenvolvimento de concertos públicos. A aristocracia ainda iria desempenhar um papel significativo no patrocínio de vida musical, mas era agora possível para os compositores de sobreviver sem ser seus empregados permanentes. A crescente popularidade levou a um crescimento tanto no número e variedade das orquestras. A expansão dos concertos orquestrais exigiu grandes espaços públicos. Como resultado de todos estes processos, música sinfónica (incluindo ópera , ballet e oratório) tornou-se mais extrovertida.

Os compositores mais conhecidos do Classicismo são Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven e Schubert Franz . Beethoven e Schubert, também são considerados compositores em evolução para o romantismo.

Romantismo

R. Wagner
Die Walküre

Música Romântico (c. 1810 AD a 1900 AD) transformou os estilos e formas rígidas da era Clássica em pedaços mais apaixonadas e expressivas. Ele tentou aumentar a expressão emocional e poder para descrever verdades mais profundas e sentimentos humanos. As qualidades emocionais e expressivas da música veio a prevalecer sobre a técnica ea tradição. Compositores românticos cresceu em idiossincrasia, e foi mais longe no sincretismo da-arte formas diferentes (tais como literatura), história (figuras históricas), ou a própria natureza com a música. O amor romântico foi um tema predominante em muitas obras compostas durante esse período. Em alguns casos, as estruturas formais do período clássico foram preservados, mas em muitos outros gêneros existentes, formas e funções foram aprimoradas. Além disso, foram criadas novas formas que foram consideradas mais adequadas para o novo assunto. Opera e ballet continuou a evoluir.

Em 1800, a música desenvolvida por Ludwig van Beethoven e Schubert Franz introduziu um mais dramático, estilo expressivo. No caso de Beethoven, motivos, desenvolvida organicamente, veio substituir melodia que a unidade de composição mais significativo. Compositores românticos posteriores, como Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák, e Gustav Mahler usado mais elaboradas acordes e mais dissonância para criar tensão dramática. Eles geraram obras complexas e muitas vezes muito mais tempo musical. Durante o período Romântico tonalidade estava no seu auge. O final do século 19 viu uma dramática expansão no tamanho da orquestra , e no papel de concertos como parte de sociedade urbana. Ele também viu uma nova diversidade no música de teatro, incluindo opereta, e comédia musical e outras formas de teatro musical.

20th- século 21 e-music

Contrabaixista Reggie Workman, jogador saxofone tenor Pharoah Sanders, eo baterista Idris Muhammad realizar em 1978

Com Música do século 20, houve um grande aumento na audição de música como o rádio ganhou popularidade e fonógrafos foram usadas para reproduzir e distribuir música. O foco da música da arte foi caracterizada por exploração de novos ritmos, estilos, cores e sons. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg, e John Cage foram todos os compositores influentes da música arte do século 20. A invenção da gravação de som ea capacidade de editar música deu origem ao novo sub-gênero de música clássica, incluindo o acusmática e Escolas música concreta de composição eletrônica.

Jazz evoluiu e tornou-se um gênero importante da música ao longo do século 20, e durante a segunda metade desse século, música rock fez o mesmo. O jazz é uma forma de arte musical americano que se originou no início do século 20 na Comunidades afro-americanas no sul dos Estados Unidos a partir de uma confluência de Africanos e europeus tradições musicais. O estilo do Oeste Africano pedigree é evidente em seu uso de notas azuis, improvisação, polirritmia, síncope, eo nota balançada. Desde seu desenvolvimento inicial até o presente, jazz também incorporou música do 19 e do século 20 da música popular americana . Jazz tem, desde o seu início 20 do início do século, gerou uma variedade de subgêneros, que vão desde Nova Orleans Dixieland (1910) para 1970 e 1980 da era fusão jazz-rock.

A música rock é um gênero da música popular que se desenvolveu na década de 1960 a partir de 1950 rock and roll, rockabilly, azuis, e música country . O som do rock muitas vezes gira em torno da guitarra ou violão, e ele usa uma forte batida traseira estabelecido por um secção de ritmo de elétrica guitarra, baixo tambores e instrumentos de teclado como o órgão , o piano , ou, desde os anos 1970, sintetizadores analógicos e os digitais e computadores desde a década de 1990. Junto com a guitarra ou teclados, saxofone e blues ao estilo gaita são usados como instrumentos solos. Na sua "forma mais pura", que "tem três acordes, uma batida traseira forte, insistente, e uma melodia cativante." No final dos anos 1960 e início dos anos 1970, ela se ramificou em diferentes subgêneros, que vão desde blues rock e fusão jazz-rock de heavy metal e punk rock, assim como o gênero influenciou mais clássica de rock progressivo e vários tipos de gêneros de rock experimental.

Atuação

Chinês Músicos Naxi

Desempenho é a expressão física de música. Muitas vezes, uma obra musical é realizada uma vez a sua estrutura e instrumentação são satisfatórios para seus criadores; no entanto, como ele é executado, ele pode evoluir e mudar. Um desempenho pode ser ensaiado ou improvisada. Improvisação é uma idéia musical criado sem premeditação, enquanto ensaio é a repetição vigorosa de uma idéia até que tenha alcançado a coesão. Músicos, às vezes, adicionar improvisação para uma idéia ensaiada para criar uma performance única.

Muitas culturas incluem fortes tradições de a solo e desempenho, como na música clássica indiana, e na tradição da arte-música ocidental. Outras culturas, como em Bali, incluem fortes tradições de desempenho do grupo. Todas as culturas incluem uma mistura de ambos, eo desempenho pode variar de solo improvisado jogar por um de diversão para rituais de desempenho altamente planejados e organizados, como o concerto de música clássica moderna, procissões religiosas, festivais de música ou concursos de música. Música de câmara, que é música para um conjunto pequeno com apenas um pouco de cada tipo de instrumento, é frequentemente visto como mais íntimo do que obras sinfônicas.

Tradição oral

Muitos tipos de música, como o tradicional blues e música popular foram originalmente preservado na memória dos artistas intérpretes ou executantes, e as canções foram transmitidas oralmente , ou sonoros (de ouvido). Quando o compositor de música não é mais conhecido, esta música é muitas vezes classificado como "tradicional". Diferentes tradições musicais têm diferentes atitudes em relação a como e onde fazer alterações no material de fonte original, de bastante rigoroso, para as pessoas que exigem a improvisação ou a alteração à música. A história da cultura também pode ser passada de ouvido através da música.

Ornamentação

Em uma nota ou em parte a música de um artista, este sinal indica que o músico deve executar uma trinado-a rápida alternância entre duas notas. Jogar

O detalhe incluído explicitamente no notação de música varia entre os gêneros e períodos históricos. Em, notação de música em geral a arte do século 17 até os artistas do século 19 exigido para ter uma grande quantidade de conhecimento contextual sobre a realização de estilos. Por exemplo, no século 17 e 18, a música anotada para artistas solo normalmente indicada uma melodia simples, sem adornos. No entanto, esperava-se artistas para saber como adicionar enfeites estilisticamente apropriados, tais como trinados e gira. No século 19, a música de arte para artistas solo podem dar uma instrução geral, como para executar a música expressiva, sem descrever em detalhes como o intérprete deve fazer isso. O artista era esperado para saber como usar mudanças de tempo, acentuação, e pausas (entre outros dispositivos) para obter esta "expressiva" estilo de performance. No século 20, notação de música arte muitas vezes se tornou mais explícita e usou uma variedade de marcações e anotações para indicar a artistas como eles devem tocar ou cantar a peça.

Em música popular e jazz, música notação quase sempre indica apenas a estrutura básica da melodia, harmonia, ou abordagem de desempenho; músicos e cantores são esperados para conhecer as convenções de desempenho e estilos associados com gêneros e peças específicas. Por exemplo, o " folha de chumbo "para uma música jazz só pode indicar a melodia e as mudanças de acordes. Os executores na jazz conjunto são esperados para saber como "carne para fora" esta estrutura básica pela adição ornamentos, música improvisada e acompanhamento de acordes.

Produção

Jean-Gabriel Ferlan executa em um concerto de 2008 no College-Lycée Saint-François Xavier

A música é composta e executada para muitas finalidades, que vão desde o prazer estético, fins religiosos ou cerimoniais, ou como um produto de entretenimento para o mercado. Músicos amadores compor e executar música para seu próprio prazer, e eles não derivam sua renda de música. Os músicos profissionais são contratados por uma variedade de instituições e organizações, incluindo as forças armadas, igrejas e sinagogas, orquestras sinfônicas, radiodifusão ou empresas de produção cinematográfica, e escolas de música. Os músicos profissionais, por vezes, trabalhar como freelancer, buscando contratos e compromissos em uma variedade de configurações.

Muitas vezes há muitas ligações entre músicos amadores e profissionais. Começando músicos amadores tomar aulas com músicos profissionais. Em ambientes comunitários, músicos amadores avançados realizar com músicos profissionais em uma variedade de ensembles e orquestras. Em alguns casos, músicos amadores atingir um nível profissional de competência, e eles são capazes de executar em configurações de desempenho profissional. A distinção é feita frequentemente entre a música executada em benefício de uma platéia ao vivo e música que é executada com o objetivo de ser gravada e distribuída através do sistema de varejo de música ou o sistema de radiodifusão. No entanto, existem também muitos casos em que uma performance ao vivo em frente de uma platéia é gravada e distribuída (ou transmissão).

Composição

Um songbook velha que mostra uma composição

"Composição" é muitas vezes classificada como a criação e gravação de música através de um meio pelo qual os outros podem interpretá-lo (ou seja, de papel ou de som). Muitas culturas utilizar pelo menos parte do conceito de material musical preconceber, ou composição, como realizado em ocidental música clássica. Mesmo quando a música é simbolizada precisamente, ainda há muitas decisões que um artista tem que fazer. O processo de um performer decidir como executar a música que tenha sido previamente composta e anotado é chamado de interpretação. Interpretações da mesma música diferentes dos artistas podem variar muito. Compositores e escritores de canções que apresentam suas próprias músicas estão interpretando, tanto quanto aqueles que executam a música de outros ou da música folk. O corpo padrão de opções e técnicas presentes num determinado momento e num determinado local é referido como prática da performance, ao passo que a interpretação é geralmente usada para significar tanto as escolhas individuais de um artista, ou um aspecto da música que não está claro, e, portanto, tem uma interpretação "standard".

Em alguns gêneros musicais, como jazz e blues, ainda mais liberdade é dada ao ator a se envolver em improvisação em um quadro melódica, harmônica, rítmica ou de base. A maior latitude é dada ao intérprete em um estilo de realizar chamado improvisação livre, que é o material que é espontaneamente "pensamento de" (imaginado) enquanto está a ser executada, não preconcebida. Música improvisada geralmente segue as convenções estilísticas ou gênero e até mesmo "totalmente composta" inclui alguns Material livremente escolhido. Composição nem sempre significa o uso de notação, ou a autoria única conhecida de um indivíduo. A música também pode ser determinada por descrever um "processo" que cria sons musicais. Exemplos desta gama de sinos de vento, por meio de programas de computador que selecionam sons. Música de elementos aleatórios é chamado Aleatoric música, e está associada com compositores como John Cage, Morton Feldman, e Witold Lutosławski.

A música pode ser composta para um desempenho repetido ou pode ser improvisado: composto no local. A música pode ser efectuada inteiramente a partir da memória, a partir de um sistema de escrita de notação musical, ou uma combinação de ambos. Estudo da composição tem sido tradicionalmente dominada por exame de métodos e prática da música clássica ocidental, mas a definição da composição é suficientemente ampla para incluir obras improvisadas espontaneamente como os de artistas de jazz gratuitos e percussionistas africanos, como o Bateristas por ovelha.

Notação

Partituras está escrito representação da música. Isto é um homorhythmic (isto é, estilo hino) arranjo de uma peça tradicional intitulado " Adeste Fideles ", em formato de dois funcionários padrão para vozes mistas. Jogar

Notação é a expressão escrita de notas da música e ritmos em papel, utilizando símbolos. Quando a música é escrita para baixo, os arremessos e ritmo da música é notada, junto com instruções sobre como executar a música. O estudo de como ler a notação envolve teoria musical, harmonia, o estudo da prática de desempenho, e em alguns casos uma compreensão de métodos de desempenho históricos. A notação escrita varia com estilo e período de música. Na música Arte Ocidental, os tipos mais comuns de notação escrita são dezenas, que incluem todas as peças de música de uma peça conjunto, e suas partes, que são a notação musical para os artistas individuais ou cantores. Na música popular, jazz e de blues, a notação musical padrão é a folha de chumbo, que anota a melodia, acordes, letras (se for uma peça vocal), e estrutura da música. Pontuações e peças também são usados na música popular e jazz, particularmente nas grandes ensembles, tais como jazz "big bands".

Na música popular, guitarristas e elétrico baixistas muitas vezes ler música anotada em tablatura (muitas vezes abreviado como "guia"), que indica a localização das notas a serem tocadas no instrumento usando um diagrama da guitarra ou baixo fingerboard. Tabulature também foi utilizado na época barroca para anotar música para o alaúde, um instrumento de cordas, com trastes. Música escrita é produzido como partitura. Para executar música de notação exige uma compreensão de ambos os elementos rítmicos e passo incorporados nos símbolos e a prática de desempenho que está associado com uma peça de música ou um gênero. Na improvisação, o artista joga frequentemente de música, onde apenas as mudanças de acordes são escritos, o que requer uma grande compreensão da estrutura da música e progressões de acordes.

Improvisação

Improvisação musical é a criação de música espontânea. Improvisação é muitas vezes considerado um ato de composição instantânea por artistas, onde as técnicas de composição são empregados com ou sem preparação. Improvisação é uma parte importante de alguns tipos de música, como azuis, jazz , e fusion jazz, em que artistas instrumentais improvisar solos e linhas de melodia. Na tradição da música da arte ocidental, a improvisação era uma habilidade importante durante o período barroco e durante a era clássica; artistas solo e cantores improvisado cadências virtuoso durante os shows. No entanto, no século 20 e 21, a improvisação desempenhou um papel menor em Música Arte Ocidental.

Teoria

Teoria musical abrange a natureza e mecânica de música. É muitas vezes envolve identificar padrões que regem técnicas dos compositores e examinando o idioma e notação de música. Em um grande sentido, teoria musical e destila analisa o parâmetros ou elementos da música - ritmo, harmonia ( função harmônica), melodia, estrutura, forma, e textura. Em termos gerais, a teoria da música pode incluir qualquer declaração, crença ou concepção de ou sobre música. As pessoas que estudam estas propriedades são conhecidos como teóricos da música. Alguns têm aplicado acústica, fisiologia humana, e psicologia para a explicação de como e por que a música é percebida. A música tem muitos fundamentos ou elementos diferentes. Estes são, mas não estão limitados a: passo, bater ou pulso, ritmo, melodia, harmonia, textura, atribuição de vozes, timbre ou a cor, qualidades expressivas (dinâmica e articulação), e forma ou estrutura.

O passo é uma sensação subjetiva, refletindo geralmente a baixeza ou alteza de um som. O ritmo é o arranjo de sons e silêncios em tempo . Medidor anima tempo em agrupamentos de impulsos regulares, chamada medidas ou bares. Uma melodia é uma série de notas soando em sucessão. As notas de uma melodia normalmente são criadas com respeito a lançar sistemas, tais como escalas ou modos. Harmony é o estudo de sonoridades verticais em música. Sonoridade Vertical refere-se a considerar as relações entre arremessos que ocorrem em conjunto; geralmente isso significa, ao mesmo tempo, embora a harmonia também pode ser implicada por uma melodia que esboça uma estrutura harmônica. As notas podem ser organizados em diferentes escalas e modos. Teoria musical ocidental geralmente divide a oitava em uma série de 12 notas que podem ser incluídos em uma peça de música. Na música escrita usando o sistema de maior-menor tonalidade, a chave de um pedaço determina a escala utilizada. Textura musical é o som geral de uma peça de música comumente descritos de acordo com o número de e relação entre as partes ou linhas de música: monophony, heterofonia, polifonia, homofonia, ou monody.

Timbre, às vezes chamado de "Cor" ou "Cor Tone" é a qualidade ou o som de uma voz ou instrumento. Qualidades expressivas são aqueles elementos da música que criam mudança na música que não estão relacionados com a lançar, o ritmo ou timbre. Eles incluem Dynamics e Articulação. Form é uma faceta da teoria musical que explora o conceito de sintaxe musical, a nível local e global. Exemplos de formas comuns de música ocidental incluem o fuga, o invenção, sonata-allegro, cânone, strophic, Tema e Variações, e rondo. Música popular, muitas vezes faz uso de forma estrófica muitas vezes em conjunto com Doze bar blues. Análise é o esforço para descrever e explicar a música.

Filosofia e estética

Filosofia da música é o estudo de questões fundamentais relativas à música. O estudo filosófico da música tem muitas ligações com questões filosóficas em metafísica e estética . Algumas questões básicas da filosofia da música são:

  • Qual é a definição de música? (Quais são os condições necessárias e suficientes para classificar algo como música?)
  • Qual é a relação entre a música ea mente?
  • O que faz história musical revelar-nos sobre o mundo?
  • Qual é a conexão entre a música e as emoções?
  • O que é significado em relação à música?

Tradicionalmente, a estética da música explorou as dimensões matemáticas e cosmológicas de organização rítmica e harmônica. No século XVIII, o foco deslocou-se para a experiência de ouvir música, e assim a perguntas sobre sua beleza e prazer humano ( plaisir e gozo) de música. A origem desta mudança filosófica é por vezes atribuída a Baumgarten no século 18, seguido por Kant . Através da sua escrita, o antigo termo "estética", ou seja, a percepção sensorial, recebeu o seu dia presente conotação. Nas últimas décadas, os filósofos tendem a enfatizar questões além de beleza e diversão. Por exemplo, a capacidade da música para expressar a emoção tem sido uma questão central.

No século 20, as contribuições importantes foram feitas por Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton, e Stephen Davies. No entanto, muitos músicos, críticos de música e outros não-filósofos têm contribuído para a estética da música. No século 19, um debate significativo surgiu entre Eduard Hanslick, um crítico de música e musicólogo, compositor e Richard Wagner . Harry Partch e alguns outros musicologistas, tal como Kyle Gann, estudou e tentou popularizar música microtonal eo uso de suplente escalas musicais. Também muitos compositores modernos como Lamonte Young, Rhys Chatham e Glenn Branca prestou muita atenção a uma escala chamada apenas entonação.

Pensa-se frequentemente que a música tem a capacidade de afetar nossas emoções , intelecto e psicologia ; ele pode amenizar nossa solidão ou incitar nossas paixões. O filósofo Platão na República sugere que a música tem um efeito direto sobre a alma. Por isso, ele propõe que na música regime ideal estaria intimamente regulados pelo Estado. (Livro VII)

Houve uma forte tendência na estética da música para enfatizar a importância fundamental da estrutura de composição; no entanto, outras questões relacionadas com a estética da música incluem lirismo, harmonia, hipnotismo, emotividade , dinâmica temporal, ressonância, lúdico, e cor (ver também desenvolvimento musical).

Cognição e psicologia

Cognição musical

O campo da cognição musical envolve o estudo de muitos aspectos da música, incluindo como ela é processada pelos ouvintes. Ao invés de aceitar as práticas padrão de análise, compor e executar a música como um dado, muita pesquisa em cognição musical procura, em vez de descobrir os processos mentais que estão subjacentes a estas práticas. Além disso, a investigação no domínio procura descobrir semelhanças entre as tradições musicais de culturas diferentes e possíveis "restrições" cognitivas que limitam a estes sistemas musicais. As questões relativas ao caráter inato musical, e as respostas emocionais à música são também grandes áreas de pesquisa no campo.

Surdos pessoas podem experimentar a música, sentindo as vibrações em seu corpo, um processo que pode ser melhorada se o indivíduo detém, um objecto oco ressonante. Um músico surdo bem conhecido é o compositor Ludwig van Beethoven , que compôs muitas obras famosas, mesmo depois que ele tinha perdido completamente a audição. Exemplos recentes de músicos surdos incluem Evelyn Glennie, um aclamado percussionista que foi surdo desde doze anos de idade, e Chris Buck, um virtuoso violinista que perdeu a audição. Isso é relevante porque indica que a música é um processo cognitivo mais profundo do que as frases não examinadas, tais como, "agradável ao ouvido", sugere. Muita pesquisa em cognição musical procura descobrir esses complexos processos mentais envolvidos na escuta a música, que podem parecer intuitivamente simples, mas são muito intrincado e complexo.

Instituto Neurológico de Montreal pesquisadora Valorie Salimpoor e seus colegas têm mostrado agora que os sentimentos de prazer associados com a música emocional são o resultado daliberação de dopamina noestriato - as mesmas áreas anatômicas que sustentam os aspectos antecipatórios e gratificantes de droga vício.

Neurociência cognitiva da música

O córtex auditivo primário é uma das principais áreas associadas com a resolução arremesso superior.

Neurociência cognitiva da música é o estudo científico dos mecanismos baseados em cerebrais envolvidas nos processos cognitivos subjacentes música. Estes comportamentos incluem escuta música, execução, composição, leitura, escrita, e actividades auxiliares. É também cada vez mais preocupados com a base cerebral para estética musical e emoção musical. Os cientistas que trabalham neste campo pode ter formação em neurociência cognitiva, neurologia, neuroanatomia, psicologia, teoria da música, ciência da computação e outras áreas afins.

Neurociência cognitiva da música é distinguido de áreas afins, comoa psicologia da música,percepção musical emusicologia cognitiva em sua dependência de observações diretas do cérebro, usando técnicas comoa ressonância magnética funcional (fMRI),a estimulação magnética transcraniana (TMS),magnetoencefalografia ( MEG),eletroencefalograma (EEG), e A tomografia por emissão de pósitrons (PET).

Psicologia Música

Psicologia da música, ou a psicologia da música, pode ser considerada como um ramo da psicologia ou um ramo da musicologia. Destina-se a explicar e entender o comportamento musical e da experiência musical. Psicologia música moderna é principalmente empírico: o conhecimento da música-psicológico tende a avançar principalmente com base em interpretações de dados sobre o comportamento musical e experiência, que são coletados pela observação sistemática de e interação com participantes humanos. Psicologia música é um campo de pesquisa com relevância prática para o desempenho da música, composição de música, educação da música, medicina música, e musicoterapia.

Musicologia cognitiva

Musicologia cognitiva é um ramo da ciência cognitiva relacionada coma modelagem computacional de conhecimento musical com o objetivo de compreender música e cognição.

Musicologia cognitiva pode ser diferenciada das áreas de cognição musical, psicologia música e neurociência cognitiva da música por uma diferença de ênfase metodológica. Musicologia cognitiva utiliza modelagem de computador para estudar música-relacionado representação do conhecimento e tem raízes em inteligência artificial e ciência cognitiva. O uso de modelos de computador fornece uma exigente, meio interativo em que a formular e testar teorias.

Este campo interdisciplinar investiga temas como os paralelos entre linguagem e música no cérebro. Modelos biologicamente inspirados de computação muitas vezes são incluídos na pesquisa, tais como redes neurais e evolutivos programas. Este campo procura modelar como o conhecimento musical é representada, armazenados, percebida, executado e gerado. Usando um ambiente de computador bem estruturada, as estruturas sistemáticas desses fenômenos cognitivos podem ser investigadas.

Psicoacústica

Psicoacústica é o estudo científico de som percepção. Mais especificamente, é o ramo da ciência que estuda as psicológicas e respostas fisiológicas associadas a sons (incluindo voz e música ). Pode ainda ser classificados como um ramo da psicofísica.

Biomusicology

Biomusicology é o estudo da música a partir de um ponto de vista biológico. O termo foi cunhado por Nils L. Wallin em 1991. A música é um aspecto do comportamento da espécie humana e possivelmente outros. Como os seres humanos são organismos vivos, o estudo científico da música é, portanto, parte da biologia , assim, o "bio" em "biomusicology."

Biomusicologists deverão ter concluído estudos formais em ambos biologia ou outras ciências e musicologia experimentais, incluindo a teoria da música. Os três ramos principais de biomusicology são musicologia evolutiva, neuromusicology, e musicologia comparativa. Musicologia evolutiva estuda as "origens da música, a questão da canção animais, pressões de seleção subjacentes evolução da música" e "evolução da música e evolução humana". Neuromusicology estuda as "áreas do cérebro envolvidas no processamento da música, os processos neurais e cognitivos de processamento musical", e "a ontogenia de capacidade musical e habilidade musical". Musicologia comparada estuda as "funções e usos da música, vantagens e custos da tomada de música", e "características universais de sistemas musicais e comportamento musical."

Sociologia

Esta pintura da dinastia Song (960-1279), intitulado a "Noite Revels de Han Xizai", mostra músicos chineses entreter os convidados em uma festa em uma casa do século 10-.

Música é vivida por indivíduos em uma variedade de configurações sociais que variam de estar sozinho para assistir a um grande concerto. Apresentações musicais assumir diferentes formas em diferentes culturas e ambientes socioeconômicos. Na Europa e na América do Norte, muitas vezes há uma divisão entre os quais os tipos de música são vistos como uma " alta cultura "e" baixa cultura. " "Alta cultura" tipos de música tipicamente incluem música arte ocidental, como barroco, clássico, romântico, moderno e sinfonias-era, concertos, e trabalhos solo, e normalmente são ouvidos em concertos formais em salas de concerto e igrejas, com o público sentado calmamente em assentos.

Outros tipos de-music incluindo, mas não limitados a, jazz, blues, soul, e país -são freqüentemente realizada em bares, casas noturnas e teatros, onde o público pode ser capaz de beber, dançar e expressar-se por torcendo. Até o final do século 20, a divisão entre formas musicais "altos" e "baixos" foi amplamente aceito como uma distinção válida que se separou de melhor qualidade, mais avançado "art music" dos estilos populares da música ouvida em bares e salões de dança.

No entanto, na década de 1980 e 1990, musicólogos que estudam essa divisão percebida entre gêneros musicais "altos" e "baixos", argumentou que essa distinção não é baseado no valor musical ou a qualidade dos diferentes tipos de música. Em vez disso, eles argumentaram que esta distinção foi baseada em grande parte na socioeconomia pé ou classe social dos artistas ou público dos diferentes tipos de música. Por exemplo, enquanto a platéia para concertos sinfônicos clássicas normalmente têm renda acima da média, o público para um concerto de rap em uma área do centro da cidade pode ter abaixo da média rendas. Mesmo que o performers, audiência, ou local onde não música "arte" é realizado pode ter um status socioeconômico mais baixo, a música que é executada, como blues, rap, punk, o funk, ou ska pode ser muito complexo e sofisticado.

Quando compositores introduzir estilos de música que rompem com a convenção, não pode haver uma forte resistência por parte de especialistas de música acadêmicos e cultura popular. Late-período quartetos de cordas de Beethoven, Stravinsky balé pontuação, o serialismo, jazz bebop-era, hip hop, punk rock e electro todos foram considerados não-música por alguns críticos, quando foram introduzidas pela primeira vez. Tais temas são examinados na sociologia da música. O estudo sociológico da música, às vezes chamado sociomusicology, é frequentemente perseguida nos departamentos de sociologia, estudos de mídia ou música, e está intimamente relacionado ao campo da etnomusicologia.

Negócio

A indústria da música refere-se ao setor de negócios relacionados com a criação e venda de música. É constituída por gravadoras, rótulos e editoras que distribuem produtos de música gravados internacionalmente e que muitas vezes controlam os direitos sobre esses produtos. Algumas gravadoras são " independente ", enquanto outros são filiais de entidades corporativas maiores ou internacionais grupos de mídia. Na década de 2000, a popularidade crescente de ouvir música como arquivos de música digital em MP3 players, iPods ou computadores, e da música negociação em sites de compartilhamento de arquivos ou comprá-lo on-line na forma de arquivos digitais teve um grande impacto na música tradicional o negócio. Muitas lojas menores CD independentes saiu do negócio como compradores de música diminuiu suas compras de CDs, e muitos rótulos teve vendas de CDs mais baixos. Algumas companhias fizeram bem com a mudança para um formato digital, embora, como da Apple iTunes, uma loja online que vende arquivos digitais de músicas através da Internet.

Educação

Não profissional

Um recital de violino Suzuki com alunos de diferentes idades.

A incorporação de formação de música na pré-escola ao ensino pós-secundário é comum na América do Norte e Europa. Envolvimento na música é pensado para ensinar habilidades básicas, tais como concentração, contagem, escuta, e cooperação ao mesmo tempo, promover a compreensão da linguagem , melhorar a capacidade de recordar informações e criando um ambiente mais propício à aprendizagem em outras áreas. Em escolas de ensino fundamental, as crianças muitas vezes aprender a tocar instrumentos como o gravador , cantar em pequenos coros, e aprender sobre a história da música ocidental da arte. Nas escolas secundárias os alunos podem ter a oportunidade de realizar algum tipo de conjuntos musicais, tais como coros, bandas, bandas de concertos, bandas de jazz, ou orquestras, e em alguns sistemas escolares, aulas de música podem estar disponíveis. Alguns alunos também tomar privadas aulas de música com um professor. Músicos amadores tipicamente ter aulas para aprender rudimentos musicais e beginner- de técnicas musicais de nível intermediário.

Na universidade nível, os alunos, na maioria das artes e humanidades programas podem receber crédito para a tomada de cursos de música, que normalmente tomam a forma de um curso de visão geral sobre a história da música , ou um curso de apreciação da música que se concentra em ouvir música e aprender sobre diferentes estilos musicais. Além disso, a maioria das universidades norte-americanas e europeias têm algum tipo de conjuntos musicais que os alunos não-musicais são capazes de participar, como coros, bandas de marcha, ou a orquestras. O estudo da música ocidental da arte é cada vez mais comum fora da América do Norte e Europa, como o Instituto Indonésio das Artes, em Yogyakarta, Indonésia , ou os programas de música clássica que estão disponíveis nos países asiáticos, como Coréia do Sul, Japão e China. Ao mesmo tempo, as universidades ocidentais e faculdades estão se ampliando seu currículo para incluir música de culturas não-ocidentais, como a música da África ou Bali (por exemplo, música de Gamelan).

Academia

Musicología é o estudo do objecto de música. As primeiras definições definiu três sub-disciplinas: musicologia sistemática, musicologia histórica, musicologia e comparativa ou etnomusicologia. Na bolsa de estudos contemporânea, é mais provável encontrar uma divisão da disciplina em teoria musical, história da música, e etnomusicologia. Pesquisa em musicologia tem sido muitas vezes enriquecida pelo trabalho interdisciplinar, por exemplo no domínio da psicoacústica. O estudo da música das culturas não-ocidentais, bem como o estudo cultural da música, é chamado de etnomusicologia. Os alunos podem prosseguir o estudo de graduação da musicologia, etnomusicologia, história da música, teoria musical e através de vários tipos diferentes de graus, incluindo um B.Mus, um BA com concentração na música, um BA com honras em Música, ou um bacharelado em História da Música e Literatura. Graduados de cursos de graduação de música pode ir para um estudo mais aprofundado em programas de pós-graduação de música.

Pós-graduação incluem o Master of Music, o Master of Arts, o Doctor of Philosophy (PhD) (por exemplo, em musicologia ou teoria musical) e, mais recentemente, o Doctor of Musical Arts, ou DMA. O grau de Master of Music, que leva de um a dois anos para ser concluído, normalmente é concedido aos estudantes que estudam o desempenho de um instrumento, a educação, a voz ou composição. O grau de Master of Arts, que leva de um a dois anos para ser concluído e muitas vezes requer uma tese, normalmente é concedido aos estudantes que estudam musicologia, história da música, ou a teoria da música. Graduação graus universitários em música, incluindo o Bacharelado em Música, o Bachelor of Educação Musical, eo Bachelor of Arts (com especialização em música) normalmente levam três a cinco anos para ser concluído. Estes graus proporcionar aos alunos uma base na teoria musical e história da música, e muitos estudantes também estudar um instrumento ou aprender a cantar técnica como parte de seu programa.

O PhD, o que é necessário para estudantes que querem trabalhar como professores universitários em musicologia, história da música, ou teoria musical, leva 3-5 anos de estudo após o grau de Mestre, durante o qual o aluno irá completar cursos avançados e realizar pesquisas para uma dissertação. O DMA é um relativamente novo grau que foi criado para fornecer uma credencial para artistas profissionais ou compositores que querem trabalhar como professores universitários no desempenho ou composição musical. O DMA leva de três a cinco anos após um mestrado, e inclui cursos avançados, projetos e performances. Em tempos medievais, o estudo da música foi um dos Quadrivium dos sete Artes Liberais e considerado vital para ensino superior. Dentro do Quadrivium quantitativa, música, ou mais precisamente harmônicos, foi o estudo de proporções racionais.

Zoomusicology é o estudo da música de animais não-humanos, ou os aspectos musicais de sons produzidos por animais não-humanos. Como George Herzog (1941) perguntou: "Os animais têm música?" , de François-Bernard Mâche Musique, mythe, natureza, ou les Dauphins d'Arion (1983), um estudo de "ornitho-musicologia" usando uma técnica de Nicolas Ruwet Langage, musique, poésie (1972) análise de segmentação paradigmático, mostra que o canto dos pássaros são organizados de acordo com um princípio de repetição-transformação. Jean-Jacques Nattiez (1990), argumenta que "em última análise, é um ser humano que decide o que é eo que não é musical, mesmo quando o som não é de origem humana. Se reconhecermos que o som não está organizado e conceituado (isto é, feito para formar música) apenas pelo seu produtor, mas pela mente que percebe isso, então a música é exclusivamente humana. "

A teoria da música é o estudo da música, geralmente de uma forma altamente técnica externa de outras disciplinas. Mais amplamente, refere-se a qualquer estudo da música, geralmente relacionados de alguma forma com as preocupações de composição, e pode incluir a matemática , física e antropologia . O que é mais comumente ensinada em aulas teóricas começando música são as diretrizes para escrever no estilo do período de prática comum, ou música tonal. Teoria, até mesmo da música do período de prática comum, pode assumir muitas outras formas. teoria dos conjuntos musical é a aplicação da matemática a teoria dos conjuntos de música, aplicada pela primeira vez a música atonal . teoria musical especulativo , em contraste com a teoria da música analítico , é dedicada à análise e síntese de materiais de música, por exemplo sistemas de afinação, geralmente como preparação para a composição.

Etnomusicologia

EthnomusicologistFrances Densmore gravaçãomontanha principal chefe Blackfoot para oBureau de Etnologia Americana (1916)

Etnomusicologia

No Ocidente, a maior parte da história da música que é ensinado lida com a arte da música da civilização ocidental. A história da música em outras culturas (" música do mundo "ou o campo de" etnomusicologia ") também é ensinado nas universidades ocidentais. Isso inclui as tradições clássicas documentados de países asiáticos fora da influência da Europa Ocidental, bem como o povo indígena ou música de várias outras culturas. Estilos populares de música varia muito de cultura para cultura, e de período a período. Diferentes culturas enfatizou diferentes instrumentos ou técnicas, ou utilizar para música. A música tem sido usado não só para entretenimento, para cerimônias, e para a comunicação prático e artístico, mas também para propaganda .

Há uma série de classificações de música, muitos dos quais são apanhados na discussão sobre a definição de música. Entre a maior delas é a divisão entre a música clássica (ou "arte" música), e música popular (ou música comercial - incluindo música rock, música country e música pop). Alguns gêneros não se encaixam perfeitamente em um desses dois "grandes" classificações, (tais como música folk, música do mundo, ou a música jazz).

Como as culturas do mundo entraram em contato maior , seus estilos musicais indígenas têm muitas vezes fundidos em novos estilos. Por exemplo, os Estados Unidos estilo bluegrass contém elementos de Anglo- Irlandesa, escoceses, irlandeses, tradições instrumentais e vocais alemães e africanos, que eram capazes de fundir na sociedade multi-étnica dos Estados Unidos. Gêneros de música são determinados tanto pela tradição e pela apresentação como pela música real. Alguns trabalhos, como George Gershwin Rhapsody in Blue , são reivindicadas por ambos jazz e música clássica, enquanto de Gershwin Porgy and Bess e Leonard Bernstein West Side Story são reivindicadas por ambos ópera e da tradição musical da Broadway. Muitos festivais de música atuais celebrar um gênero musical particular.

Música indiana , por exemplo, é um dos tipos mais antigos e mais longa vida de música, e ainda é amplamente ouvido e realizado no Sul da Ásia, bem como a nível internacional (especialmente desde a década de 1960). Música indiana tem basicamente três formas de música clássica, Hindustani, Carnatic, e estilos Dhrupad. Ele também tem um grande repertório de estilos, que envolvem somente a música de percussão, como as performances talavadya famosos em Sul da ?ndia.

A musicoterapia

A musicoterapia é um processo interpessoal na qual o terapeuta utiliza a música e todas as suas facetas-físicas, emocionais, mentais, sociais, estéticos e espirituais para ajudar os clientes a melhorar ou manter sua saúde. Em alguns casos, as necessidades do cliente são abordados directamente através da música; em outros, são abordados através das relações que se desenvolvem entre o cliente eo terapeuta. A musicoterapia é usado com indivíduos de todas as idades e com uma variedade de condições, incluindo: transtornos psiquiátricos, problemas médicos, deficiências físicas, deficiências sensoriais, deficiências de desenvolvimento, abuso de substâncias, distúrbios de comunicação, problemas interpessoais e envelhecimento. Ele também é usado para: melhorar a aprendizagem, construir a auto-estima, reduzir o estresse, exercício físico apoiar e facilitar uma série de outras atividades relacionadas à saúde.

Uma das primeiras menções de musicoterapia estava no Al-Farabi (c 872 -. 950) tratadistas Significados do Intelecto , que descreveu os efeitos terapêuticos da música no alma. musical tem sido muito utilizado para ajudar as pessoas a lidar com suas emoções. No século 17, o estudioso de Robert Burton The Anatomy of Melancholy argumentou que a música ea dança eram críticos no tratamento de doenças mentais, especialmente melancolia. Ele notou que a música tem um "excelente poder ... para expulsar muitas outras doenças", e ele chamou-lhe "um remédio soberano contra o desespero e melancolia." Ele ressaltou que na Antiguidade, Canus, um violinista de Rodes, usou a música para "fazer um homem alegre melancolia, ... um amante mais apaixonado, um homem religioso mais devoto." Em novembro de 2006, o Dr. Michael J. Crawford e seus colegas também descobriram que a musicoterapia ajudou esquizofrênicos pacientes. No Império Otomano , as doenças mentais foram tratados com a música.

Retirado de " http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Music&oldid=544101903 "