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Ópera

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O Palais Garnier da Paris Opéra, um dos mais famosos do mundo casas de ópera.

Opera (plural Inglês: óperas; plural italiano: opere) é uma forma de arte em que cantores e músicos executam um dramático trabalho combinando texto (chamado libreto) e partitura musical, geralmente em um teatral configuração. Opera incorpora muitos dos elementos do teatro falado, tais como agindo, paisagem, e trajes e inclui às vezes a dança. O desempenho é geralmente dada em um casa de ópera, acompanhado por uma orquestra ou menor conjunto musical.

Opera é parte da Ocidental tradição da música clássica. Tudo começou na Itália no final do século 16 (com Perdido de Jacopo Peri Dafne, produzido em Florença em 1598) e logo se espalhou pelo resto da Europa: Schütz em Alemanha, Lully na França, e Purcell em Inglaterra todos ajudaram a estabelecer suas tradições nacionais no século 17. No século 18, a ópera italiana continuou a dominar a maioria de Europa, exceto France, atraindo compositores estrangeiros tais como Handel . Opera seria era a forma mais prestigioso da ópera italiana, até Gluck reagiu contra sua artificialidade com suas óperas "reforma" na década de 1760. Hoje a figura mais ilustre da tarde ópera do século 18 é Mozart , que começou com a ópera séria, mas é mais famoso por seu italiano óperas cómicas, especialmente As Bodas de Fígaro (As Bodas de Fígaro), Don Giovanni, e Così fan tutte, bem como a flauta mágica (Die Zauberflöte), um marco na tradição alemão.

O primeiro terço do século 19 viu o ponto alto do estilo bel canto, com Rossini, Donizetti e Bellini todos criando obras que são executados ainda hoje. Ele também viu o advento da Grand Opera tipificada pelas obras de Auber e Meyerbeer. O meio-de-final do século 19 era uma "idade de ouro" da ópera, liderado e dominado por Wagner na Alemanha e Verdi na Itália. A popularidade da ópera continuou através da verismo era na Itália e contemporânea Ópera francesa através de Puccini e Strauss no início do século 20. Durante o século 19, as tradições operáticos paralelas emergiram na Europa Central e Oriental, em particular na Rússia e Bohemia. O século 20 viu muitas experiências com estilos modernos, tais como atonalidade e serialismo ( Schoenberg e Berg), Neoclassicismo ( Stravinsky ), e Minimalismo ( Philip Glass e John Adams). Com a ascensão da tecnologia de gravação, os cantores tais como Enrico Caruso tornaram-se conhecidos às audiências além do círculo de fãs de ópera. Óperas também foram realizados em (e escritas para) de rádio e televisão.

Terminologia Operatic

As palavras de uma ópera são conhecidos como o libreto (literalmente "pequeno livro"). Alguns compositores, nomeadamente Richard Wagner , ter escrito a sua própria libretos; outros têm trabalhado em estreita colaboração com os seus libretistas, por exemplo, Mozart com Lorenzo Da Ponte. Ópera tradicional, muitas vezes referida como " número de ópera ", consiste em dois modos de cantar: recitativo, as passagens-motriz do enredo cantado em um estilo projetado para imitar e enfatizar as inflexões da fala, e aria (um "ar" ou canção formal) em que os personagens expressar suas emoções em um estilo melódico mais estruturada. Duetos, trios e outras formações ocorrem frequentemente, e refrões são usados para comentar sobre a ação. Em algumas formas de ópera, tal como Singspiel, ópera cômica, opereta, e semi-ópera, o recitativo é em grande parte substituído pelo diálogo falado. Passagens melódicas ou semi-melódicas que ocorrem no meio de, ou em vez de, recitativo, também são referidos como arioso. Durante os períodos barroco e clássico, recitativo poderia aparecer em duas formas básicas: secco (seco) recitativo, cantado com um ritmo livre ditada pelo acento das palavras, acompanhado apenas de contínuo, que normalmente era um cravo e um violoncelo; ou accompagnato (também conhecido como strumentato), no qual a orquestra fornecida acompanhamento. Por volta do século 19, accompagnato ganhou a mão superior, a orquestra teve um papel muito maior, e Richard Wagner revolucionou a ópera, abolindo a quase totalidade distinção entre ária e recitativo em sua busca para o que ele chamou de "melodia infinita". Compositores posteriores tendem a seguir o exemplo de Wagner, embora alguns, como Stravinsky em sua Progresso do ancinho têm contrariou a tendência. A terminologia dos vários tipos de vozes ópera é descrito em detalhe abaixo .

História

Origins

Claudio Monteverdi

A palavra ópera significa "trabalho" em italiano (é o plural de latino- opus que significa "trabalho" ou "trabalho"), sugerindo que ele combina as artes do Solo e canto coral, declamação, atuando e dançando em um espetáculo encenado. Dafne por Jacopo Peri foi a primeira composição considerado ópera, como é entendida hoje. Ele foi escrito por volta de 1597, em grande parte sob a inspiração de um círculo de elite de letrados Florentinos humanistas que se reuniram como o " Camerata de 'Bardi ". Significativamente, Dafne foi uma tentativa de reviver o clássico Drama grego, parte do mais amplo renascimento da antiguidade característica do Renascimento . Os membros da Camerata considerou que os "Chorus" partes de dramas gregos foram originalmente cantada, e possivelmente até mesmo o texto integral de todas as funções; ópera foi assim concebido como uma maneira de "restaurar" esta situação. Dafne é, infelizmente, perdeu. Um trabalho mais tarde por Peri, Euridice, que data de 1600, é a primeira pontuação ópera que sobreviveu até os dias atuais. A honra de ser a primeira ópera ainda a ser realizada regularmente, no entanto, vai para Claudio Monteverdi de L'Orfeo, composta para o tribunal de Mântua em 1607. O tribunal de Mantua a Gonzaga, os empregadores de Monteverdi, desempenhou um papel significativo na origem da ópera empregando não só cantores judiciais do donne concerto delle (até 1598), mas também uma das primeiras reais "cantores de ópera"; Madama Europa.

Ópera italiana

A época barroca

Teatro barroco privado em Cesky Krumlov
Teatro Argentina ( Panini, 1747, Musée du Louvre)

Opera não ficar confinada às audiências judiciais por muito tempo. Em 1637, a idéia de uma "estação" ( Carnaval) de óperas participaram de apoio público por venda de ingressos surgiram em Veneza. Monteverdi tinha se mudado para a cidade de Mantua e compôs suas últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria e L'incoronazione di Poppea, para o teatro veneziano na década de 1640. Seu seguidor mais importante Francesco Cavalli ajudou a propagação opera em toda a Itália. Nestes óperas barrocas início, ampla comédia foi misturado com elementos trágicos em uma mistura que abalou algumas sensibilidades educadas, o que provocou o primeiro de muitos movimentos de reforma da ópera, patrocinado pela Academia Arcadian de Veneza, que veio a ser associado com o poeta Metastasio, cuja libretos ajudou a cristalizar o gênero de ópera séria, que se tornou a principal forma de ópera italiana até o final do século 18. Uma vez que o ideal Metastasian tinha sido firmemente estabelecida, comédia em estilo barroco-era ópera foi reservada para o que veio a ser chamado ópera bufa.

Antes de tais elementos foram forçados a sair de ópera séria, muitos libretos tinha contou com um enredo cômico desdobramento separadamente como uma espécie de "ópera-dentro-de-um-opera". Uma razão para isso foi uma tentativa de atrair membros da crescente classe dos comerciantes, novos ricos, mas ainda menos do que a nobreza culta, ao público casas de ópera. Estas parcelas separadas foram quase imediatamente ressuscitado em uma tradição em desenvolvimento para além de que, em parte, derivada da commedia dell'arte, uma longa tradição florescendo fase improvisatory da Itália. Assim como intermedi uma vez havia sido realizado em entre os atos de peças de teatro, óperas no novo gênero cômico de "intermezzi", que se desenvolveram em grande parte em Nápoles nos 1710s e '20s, inicialmente foram encenadas durante os intervalos da ópera séria. Tornaram-se tão popular, no entanto, que logo foram sendo oferecido como produções independentes.

Opera seria foi elevada em tom e altamente estilizado em forma, geralmente composto de recitativo secco intercaladas com longo da capo arias. Estes grande oportunidade oferecida para cantar virtuosística e durante a idade de ouro da ópera séria o cantor realmente se tornou a estrela. O papel do herói era geralmente escrito para o castrato voz; castratti como Farinelli e Senesino, bem como do sexo feminino sopranos tal como Faustina Bordoni, tornou-se em grande demanda em toda a Europa como ópera séria governou o estágio em todos os países com excepção da França. Na verdade, Farinelli foi um dos mais famosos cantores do século 18. Ópera italiana estabeleceu o padrão barroco. Libretos italiano eram a norma, mesmo quando um compositor alemão como Handel viu-se compondo os gostos de Rinaldo e Giulio Cesare para o público de Londres. Libretos italiano permaneceu dominante no período clássico, bem como, por exemplo, nas óperas de Mozart , que escreveu em Viena perto perto do século. Liderando compositores nascidos de italianos de ópera séria incluem Alessandro Scarlatti, Vivaldi e Porpora.

Reforma: Gluck, o ataque ao ideal Metastasian, e Mozart

Ilustração para a pontuação da versão original de Viena Orfeo ed Euridice (publicado em Paris, 1764)

Opera seria teve suas fraquezas e críticos. O gosto pelo embelezamento em nome dos cantores soberbamente treinados, eo uso de espetáculo como um substituto para a pureza ea unidade dramática atraiu ataques. Ensaio de Francesco Algarotti na Opera (1755) provou ser uma inspiração para Reformas de Christoph Willibald Gluck. Ele defendeu que seria da ópera teve que voltar ao básico e que todos os vários elementos de música (tanto instrumental e vocal), balé, e estadiamento-deve ser subserviente ao drama primordial. Vários compositores do período, incluindo Niccolò Jommelli e Tommaso Traetta, tentou colocar esses ideais em prática. O primeiro a ter sucesso no entanto, foi Gluck. Gluck se esforçou para alcançar uma "bela simplicidade". Isto é evidente em sua primeira ópera reforma, Orfeo ed Euridice, onde suas melodias vocais não-virtuosas são suportados por harmonias simples e uma presença mais rico em toda a orquestra.

Reformas de Gluck tiveram ressonância ao longo da história operática. Weber, Mozart e Wagner, em particular, foram influenciados por seus ideais. Mozart, em muitos aspectos, o sucessor de Gluck, combinou um excelente senso de drama, harmonia, melodia e contraponto a escrever uma série de comédias, nomeadamente Così fan tutte, As Bodas de Fígaro , e Don Giovanni (em colaboração com Lorenzo Da Ponte) que permanecem entre as óperas mais amadas, populares e bem conhecidos hoje. Mas a contribuição de Mozart a ópera séria era mais misto; por sua vez, estava morrendo de distância, e apesar de tais obras excelentes como Idomeneo e La Clemenza di Tito, ele não teria sucesso em trazer a forma de arte de volta à vida.

Bel Canto, Verdi e verismo

Giuseppe Verdi, por Giovanni Boldini, 1886 (Galeria Nacional de Arte Moderna, em Roma)

O movimento canto ópera bel floresceu no início do século 19 e é exemplificado pelas óperas de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante e muitos outros. Literalmente "belo canto", bel canto ópera deriva da escola de canto estilística italiana de mesmo nome. Linhas bel canto são tipicamente florido e intrincado, exigindo agilidade suprema e controle de passo. Exemplos de óperas famosas do estilo bel canto incluem Rossini Il Barbiere di Siviglia e La Cenerentola, bem como Donizetti Lucia di Lammermoor.

Após a era do bel canto, um estilo mais direto, contundente foi rapidamente popularizada por Giuseppe Verdi , começando com sua ópera bíblica Nabucco. Óperas de Verdi ressoou com o crescente espírito de Nacionalismo italiano no pós- napoleônica era, e ele rapidamente se tornou um ícone do movimento patriótico (embora sua própria política foram talvez não tão radical). No início da década de 1850, Verdi produziu suas três óperas mais populares: Rigoletto, Il Trovatore e La traviata. Mas ele continuou a desenvolver seu estilo, compondo talvez o maior Francês Grand Opera, Don Carlos, e terminando sua carreira com duas inspirados em Shakespeare obras, Otello e Falstaff, que revelam o quão longe ópera italiana havia crescido em sofisticação desde o início do século 19.

Depois de Verdi, o melodrama sentimental "realista" de verismo apareceu na Itália. Este foi um estilo introduzido por Pietro Mascagni de Cavalleria rusticana e Ruggero Leoncavallo de Pagliacci que veio a dominar praticamente palcos de ópera do mundo, com obras populares como Giacomo Puccini La bohème, Tosca e Madame Butterfly . Mais tarde compositores italianos, como Berio e Nono, têm experimentado modernismo.

Ópera em língua alemã

Inspirado pela ilustração de Wagner drama musical Das Rheingold
Richard Wagner em 1871

A primeira ópera alemã foi Dafne, composto por Heinrich Schütz em 1627, mas a contagem da música não sobreviveu. Ópera italiana realizou uma grande influência sobre países de língua alemã até o final do século 18. No entanto, as formas nativas desenvolvida demasiado. Em 1644 Sigmund Staden produziu o primeiro Singspiel, Seelewig, uma forma popular de ópera em língua alemã na qual canto alterna com diálogos falados. No final do século 17 e início do século 18, o Teatro am Gänsemarkt em Hamburgo apresentou óperas alemães por Keiser, Telemann e Handel . No entanto, a maioria dos principais compositores alemães da época, incluindo o próprio Handel, bem como Graun, Hasse e depois Gluck, optou por escrever a maioria de suas óperas em línguas estrangeiras, especialmente italianos. Em contraste com a ópera italiana, que era geralmente composta para a classe aristocrática, ópera alemã foi geralmente compostas para as massas e tendiam a apresentar melodias folk-como simples, e não era até a chegada de Mozart que a ópera alemão foi capaz de igualar sua homólogo italiano em sofisticação musical.

Mozart 's Singspiele, Die Entführung aus dem Serail (1782) e A Flauta Mágica (1791) foram um importante avanço na realização do reconhecimento internacional para a ópera alemã. A tradição foi desenvolvido no século 19 por Beethoven com sua Fidelio, inspirado no clima da Revolução Francesa . Carl Maria von Weber estabelecido Ópera romântica alemã em oposição ao domínio da língua italiana bel canto. Sua Der Freischütz (1821) mostra sua genialidade para criar uma atmosfera sobrenatural. Outros compositores de ópera da época incluem Marschner, Schubert e Lortzing, mas a figura mais importante foi sem dúvida Wagner .

Wagner foi um dos compositores mais revolucionárias e controversas da história musical. A partir sob a influência de Weber e Meyerbeer, ele evoluiu gradualmente um novo conceito de ópera como um Gesamtkunstwerk (a "obra de arte completa"), uma fusão de música, poesia e pintura. Ele aumentou consideravelmente o papel eo poder da orquestra, a criação de contas com uma complexa teia de leitmotifs, recorrente temas frequentemente associado com os personagens e conceitos do drama, dos quais protótipos pode ser ouvido em suas óperas anteriores, tais como Der fliegende Holländer, Tannhäuser e Lohengrin; e ele estava preparado para violar convenções musicais aceites, tais como tonalidade, em sua busca por uma maior expressividade. Em seus dramas musicais maduras, Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen e Parsifal, ele aboliu a distinção entre ária e recitativo em favor de um fluxo contínuo de "melodia infinita". Wagner também trouxe uma nova dimensão filosófica a ópera em suas obras, que normalmente eram baseados em histórias de Germânica ou Arthurian legenda. Por fim, Wagner construído sua própria casa de ópera em Bayreuth com parte do patrocínio de Ludwig II da Baviera, dedicado exclusivamente à realização de seus próprios trabalhos no estilo que ele queria.

Opera nunca mais seria a mesma depois de Wagner e por muitos compositores seu legado provou ser um fardo pesado. Por outro lado, Richard Strauss aceitou as idéias de Wagner, mas levou-os totalmente em novas direções. Ele primeiro ganhou fama com a escandalosa Salomé ea tragédia escuro Elektra, na qual tonalidade foi empurrado para os limites. Então Strauss mudou de rumo em seu maior sucesso, Der Rosenkavalier, onde Mozart e vienense valsas tornou-se tão importante como uma influência Wagner. Strauss continuou a produzir um corpo muito variado de obras operísticas, muitas vezes com libretos pelo poeta Hugo von Hofmannsthal. Outros compositores que fizeram contribuições individuais para a ópera alemã no início do século 20 incluem Alexander von Zemlinsky, Erich Korngold, Franz Schreker, Paul Hindemith, Kurt Weill eo italiano-nascido Ferruccio Busoni. As inovações de ópera de Arnold Schoenberg e seus sucessores são discutidos na seção sobre o modernismo .

Durante o final do século 19, o compositor austríaco Johann Strauss II, um admirador do idioma francês operetas composta por Jacques Offenbach, compôs várias operetas de língua alemã, o mais famoso dos quais foi Die Fledermaus, que ainda é realizada regularmente hoje. No entanto, ao invés de copiar o estilo de Offenbach, as operetas de Strauss II tinha distintamente vienense sabor a eles, que cimentou o lugar de a Strauss II como um dos compositores mais renomados opereta de todos os tempos.

Ópera francesa

Um desempenho de ópera de Lully Armide no Palais-Royal em 1761

Em rivalidade com produções importadas ópera italiana, uma tradição francesa separada foi fundada pelo italiano Jean-Baptiste Lully na corte do rei Luís XIV . Apesar de sua origem estrangeira, Lully estabeleceu um Academia de Música e monopolizado ópera francesa de 1672. Começando com Cadmus et Hermione, Lully e seu libretista Quinault criado tragédie en musique, uma forma em que a música de dança e escrita coral foram particularmente proeminente. Óperas de Lully também mostram uma preocupação com expressiva recitativo que combinava com os contornos da língua francesa. No século 18, o mais importante foi o sucessor de Lully Jean-Philippe Rameau, que compôs cinco Tragédies en musique, bem como inúmeras obras em outros gêneros, como opéra-ballet, todos notáveis por sua rica orquestração e ousadia harmônica. Apesar da popularidade do italiano ópera séria em toda grande parte da Europa durante o período barroco, ópera italiana nunca ganhou tanto de um ponto de apoio na França, onde a sua própria tradição operística nacional era mais popular em seu lugar. Após a morte de Rameau, o alemão Gluck foi persuadido a produzir seis óperas para o estágio em Paris na década de 1770. Eles mostram a influência de Rameau, mas simplificada e com maior foco no drama. Ao mesmo tempo, por meio do século 18 um outro gênero foi ganhando popularidade na França: ópera cômica. Este era o equivalente da alemã singspiel, onde árias alternados com diálogos falados. Exemplos notáveis neste estilo foram produzidos por Monsigny, Philidor e, acima de tudo, Grétry. Durante o Revolucionário período, compositores, tais como Méhul e Cherubini, que eram seguidores de Gluck, trouxe uma nova seriedade para o gênero, que nunca tinha sido totalmente "comic" em qualquer caso. Outro fenômeno deste período foi a 'ópera propaganda' comemorando sucessos revolucionários, por exemplo, De Gossec Le Triomphe de la République (1793).

Na década de 1820, a influência Gluckian na França havia dado lugar a um gosto para italiano bel canto, especialmente após a chegada de Rossini em Paris. Rossini Guillaume Tell ajudou a fundar o novo gênero de Grand Opera, uma forma cujo expoente mais famoso foi outro estrangeiro, Giacomo Meyerbeer. Os trabalhos de Meyerbeer, tais como Les Huguenotes enfatizou virtuoso cantar e efeitos extraordinários de palco. Isqueiro ópera cômica também teve enorme sucesso nas mãos de Boïeldieu, Auber, Hérold e Adolphe Adam. Neste clima, as óperas do compositor francês-nascido Hector Berlioz lutou para ganhar uma audiência. Obra-prima épica de Berlioz Les Troyens, o ponto culminante da tradição Gluckian, não foi dado um desempenho completo para quase cem anos.

Na segunda metade do século 19, Jacques Offenbach criado opereta com obras espirituosos e cínicos tais como Enfers Orphée aux, bem como a ópera Les Contes d'Hoffmann; Charles Gounod teve um enorme sucesso com Faust; e Bizet composto Carmen, que, uma vez que o público aprendeu a aceitar sua mistura de romantismo e realismo, se tornou o mais popular de todos os comiques ópera. Jules Massenet, Camille Saint-Saëns e Léo Delibes todas as obras compostas que ainda fazem parte do repertório padrão, sendo exemplos de Massenet Manon, Saint-Saëns ' Samson et Dalila e Delibes ' Lakmé. Ao mesmo tempo, a influência de Richard Wagner foi sentida como um desafio para a tradição francesa. Muitos críticos franceses irritadamente rejeitou dramas musicais de Wagner, enquanto muitos compositores franceses imitaram-los de perto com sucesso variável. Talvez a resposta mais interessante veio Claude Debussy. Como em obras de Wagner, a orquestra desempenha um papel de liderança na ópera original de Debussy Pelléas et Mélisande (1902) e não há árias real, Só recitativo. Mas o drama é discreto, enigmático e completamente unWagnerian.

Outros nomes notáveis do século 20 incluem Ravel, Dukas, Roussel e Milhaud. Francis Poulenc é um dos poucos compositores do pós-guerra, de qualquer nacionalidade cuja óperas (que incluem Dialogues des Carmelitas) ganharam uma posição no repertório internacional. Demorado o drama sagrado de Olivier Messiaen Saint François d'Assise (1983) também atraiu atenção generalizada.

Ópera em língua Inglês

Na Inglaterra, antecedente da ópera foi o gabarito do século 17. Este foi um afterpiece que ocorreu no fim de um jogo. Era freqüentemente calunioso e escandaloso e consistiu no principal do diálogo com música organizadas a partir de músicas populares. A este respeito, gabaritos antecipar as óperas balada do século 18. Ao mesmo tempo, o Francês masque foi ganhando um firme na Corte Inglês, com ainda mais esplendor exuberante e paisagens altamente realistas do que tinha sido visto antes. Inigo Jones se tornou o designer de excelência dessas produções, e este estilo foi a dominar o palco Inglês por três séculos. Estas máscaras continha canções e danças. Em Ben Jonson 's amantes Feito Men (1617), "todo o masque foi cantada à maneira italiana, stilo recitativo". A abordagem do Inglês Commonwealth fechado teatros e parou todos os desenvolvimentos que podem ter levado à criação da ópera Inglês. No entanto, em 1656, o dramaturgo Sir William Davenant produziu O cerco de Rodes. Desde seu teatro não foi licenciada para produzir drama, ele pediu a vários dos principais compositores (Lawes, Cooke, Locke, Coleman e Hudson) para definir seções de que a música. Este foi seguido por sucesso A crueldade dos espanhóis no Peru (1658) e A História de Sir Francis Drake (1659). Estas peças foram incentivados por Oliver Cromwell , porque eles eram críticos da Espanha. Com o Inglês Restauração, (especialmente francesas) músicos estrangeiros foram recebidos de volta. Em 1673, Thomas Shadwell de Psique, modelado no 1671 'comédia-balé' do mesmo nome produzido por Molière e Jean-Baptiste Lully. William Davenant produziu The Tempest, no mesmo ano, que foi a primeira adaptação musical de um Shakespeare jogar (composto por Locke e Johnson). Sobre 1683, John Golpe composto Venus e Adonis, muitas vezes considerado como a primeira verdadeira ópera em língua Inglês.

Sucessor imediato do golpe era o mais conhecido Henry Purcell . Apesar do sucesso de sua obra-prima Dido e Aeneas (1689), em que a ação é promovida pelo uso de recitativo de estilo italiano, muito do melhor trabalho de Purcell não estava envolvido na composição de ópera típica, mas ao invés disso ele trabalhou normalmente dentro do constrangimentos do formato semi-ópera, onde as cenas isoladas e máscaras estão contidos dentro da estrutura de uma peça de teatro falado, tais como Shakespeare em Purcell de The Fairy-Queen (1692) e Beaumont e Fletcher em O Profetisa (1690) e Bonduca (1696). Os principais personagens do jogo tendem a não se envolver nas cenas musicais, o que significa que Purcell raramente era capaz de desenvolver seus personagens através da música. Apesar destes obstáculos, o seu objectivo (e de seu colaborador John Dryden) foi estabelecer ópera séria na Inglaterra, mas essas esperanças terminou com a morte prematura de Purcell com a idade de 36.

Thomas Arne

Seguindo Purcell, a popularidade da ópera na Inglaterra diminuiu durante várias décadas. Um interesse renovado na ópera ocorreu na década de 1730, que é em grande parte atribuída a Thomas Arne, tanto para suas próprias composições e para alertar Handel para as possibilidades comerciais de obras de grande escala em Inglês. Arne foi o primeiro compositor Inglês para experimentar com estilo italiano todo-sung ópera cômica, com seu maior sucesso sendo Thomas e Sally em 1760. Sua ópera Artaxerxes (1762) foi a primeira tentativa de definir um full-blown ópera séria em Inglês e foi um enorme sucesso, segurando o palco até a década de 1830. Embora Arne imitado muitos elementos da ópera italiana, ele foi talvez o único compositor Inglês naquela época, que era capaz de se mover além das influências italianas e criar sua própria voz única e distintamente Inglês. Sua ópera balada modernizado, o amor em um Village (1762), começou uma moda para a ópera pastiche que durou até o século 19. Charles Burney escreveu que Arne introduziu "uma luz, arejado, original, e melodia agradável, totalmente diferente da de Purcell ou Handel, a quem todos os compositores ingleses tinham ou pilhados ou imitada".

O Mikado (litografia)

Além Arne, a outra força dominante na ópera Inglês neste momento era George Frideric Handel , cujo serias ópera encheu os estádios de ópera de Londres há décadas, e influenciou a maioria dos compositores home-grown, como John Frederick Lampe, que escreveu usando modelos italianos. Esta situação continuou durante os séculos 18 e 19, incluindo no trabalho de Michael William Balfe, e as óperas de grandes compositores italianos, bem como as de Mozart, Beethoven e Meyerbeer, continuou a dominar o palco musical na Inglaterra.

As únicas exceções foram óperas balada, como John Gay de Opera do mendigo (1728), musical burlesques, Europeu operetas e tarde Era vitoriana operetas, nomeadamente a Savoy Óperas de WS Gilbert e Arthur Sullivan , todos os tipos de entretenimentos musicais frequentemente falsificado convenções operísticas. Sullivan escreveu apenas uma grande ópera, Ivanhoe (seguindo os esforços de um número de jovens compositores ingleses começam cerca de 1876), mas ele alegou que mesmo suas óperas luz constituído parte de uma escola de "Inglês" ópera, destinada a suplantar as operetas francesas (normalmente realizada em traduções ruins) que tinha dominado o estágio de Londres a partir de meados do século 19 para a década de 1870. Londres de Daily Telegraph concordou, descrevendo O Yeomen do protetor como "uma verdadeira ópera Inglês, precursor de muitos outros, esperemos, e possivelmente significativo de um avanço em direção a uma fase lírica nacional".

No século 20, a ópera Inglês começou a afirmar mais independência, com obras de Ralph Vaughan Williams e, em particular, Benjamin Britten , que, em uma série de obras que permanecem no repertório padrão de hoje, revelou um excelente talento para a musicalidade dramática e excelente. Compositores contemporâneos como Thomas Adès continuar a exportar ópera Inglês no exterior. Mais recentemente Sir Harrison Birtwistle emergiu como um dos compositores contemporâneos mais importantes da Grã-Bretanha a partir de sua primeira ópera Punch and Judy para o seu mais recente sucesso de crítica em O Minotauro. Na primeira década do século 21, o autor do libreto de uma ópera cedo Birtwistle, Michael Nyman, tem vindo a apostar em óperas que compõem, incluindo Enfrentando Goya, Man and Boy: Dada, e Counts amor.

Também no século 20, compositores americanos como Leonard Bernstein, George Gershwin, Gian Carlo Menotti, Douglas Moore, e Carlisle Floyd começou a contribuir óperas do idioma Inglês infundidos com toques de estilos musicais populares. Eles foram seguidos por compositores como Philip Glass, Mark Adamo, John Corigliano, Robert Moran, John Coolidge Adams, André Previn e Jake Heggie.

Ópera russa

Feodor Chaliapin como Ivan Susanin em Glinka de Uma Vida para o Czar

Opera foi trazida para a Rússia na década de 1730 pelo Operístico italiano trupes e logo tornou-se uma parte importante de entretenimento para a Corte Imperial Russa e aristocracia. Muitos compositores estrangeiros, como Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti, e Domenico Cimarosa (assim como vários outros) foram convidados para a Rússia para compor novas óperas, principalmente na língua italiana . Simultaneamente, alguns músicos nacionais como Maksym Berezovsky e Dmitry Bortniansky foram enviados ao exterior para aprender a escrever óperas. A primeira ópera escrita em russo foi Tsefal i Prokris pelo compositor italiano Francesco Araja (1755). O desenvolvimento da ópera em língua russa foi apoiada pelos compositores russos Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin e Alexey Verstovsky.

No entanto, o verdadeiro nascimento de Ópera russa veio com Mikhail Glinka e seus dois grandes óperas Uma Vida para o Czar (1836) e Ruslan e Lyudmila (1842). Depois dele no século 19 na Rússia não foram escritos tais obras-primas operísticas como Rusalka e The Stone Guest por Alexander Dargomyzhsky, Boris Godunov e Khovanshchina por Modest Mussorgsky, Príncipe Igor por Alexander Borodin, Eugene Onegin e A Dama de Espadas por Pyotr Tchaikovsky , e A donzela da neve e Sadko por Nikolai Rimsky-Korsakov . Estes desenvolvimentos espelhado o crescimento do russo nacionalismo em todo o espectro artístico, como parte do mais geral Eslavofilismo movimento.

No século 20 o tradições de ópera russa foram desenvolvidos por muitos compositores, incluindo Sergei Rachmaninoff em suas obras O Cavaleiro Avarento e Francesca da Rimini, Igor Stravinsky em Le Rossignol, Mavra, Oedipus Rex, e Progresso do ancinho, Sergei Prokofiev em O Jogador, O Amor das Três Laranjas, O Fiery Angel, Noivado em um monastério, e Guerra e Paz; bem como Dmitri Shostakovich em O nariz e Lady Macbeth do Distrito Mtsensk, Edison Denisov em L'écume des jours, e Alfred Schnittke em A vida com um idiota e Historia von D. Johann Fausten.

Outras óperas nacionais

A Espanha também produziu sua própria forma distinta de ópera, conhecido como zarzuela, que tinha duas floradas distintas: uma a partir de meados do século 17 até meados do século 18, e outra início por volta de 1850. No final do século 18 até até meados do século 19, a ópera italiana foi imensamente popular na Espanha, suplantando a forma nativa.

Compositores checos também desenvolveu um movimento de ópera nacional de prosperidade de sua própria no século 19, começando com Bedřich Smetana, que escreveu oito óperas, incluindo o popular internacionalmente A Noiva Vendida. Antonín Dvořák, o mais famoso para Rusalka, escreveu 13 óperas; e Leos Janacek ganhou reconhecimento internacional no século 20 por seus trabalhos inovadores, incluindo Jenufa, A Astúcia Pouco Vixen, e Kata Kabanová.

A figura-chave da ópera nacional húngaro no século 19 foi Ferenc Erkel, cujas obras principalmente abordados temas históricos. Entre suas óperas mais freqüentemente realizados são Hunyadi László e Bánk proibição. A mais famosa ópera húngaro moderno é Béla Bartók de Castelo do Duque Barba Azul.

A ópera de Stanisław Moniuszko Straszny Dwór (em Inglês The Haunted Manor) (1861-4) representa um pico século XIX de Ópera nacional polonês. No século 20, outras óperas criadas por compositores poloneses incluído Rei Roger por Karol Szymanowski e Ubu Rex por Krzysztof Penderecki.

Óperas precoce do Região do Cáucaso incluem Leyli e Majnun (1908) e Koroglu (1937) pelo Azerbaijão compositor Uzeyir Hajibeyov eAbsalão e Eteri(1913-1919) pelogeorgiano Zakaria Paliashvili.

O primeiro Quirguistão ópera, Ai-Churek , estreou em Moscou, no Teatro Bolshoi em 26 de Maio de 1939, durante a Década do Quirguistão Art. Foi composto por Vladimir Vlasov, Abdylas Maldybaev e Vladimir Fere. O libreto foi escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov, e Kybanychbek Malikov. A ópera é baseada no Quirguistão épico heróico Manas .

Contemporânea, recentes e tendências modernistas

Modernismo

Talvez a manifestação mais óbvia estilística do modernismo na ópera é o desenvolvimento de atonalidade . O afastamento da tonalidade tradicional na ópera começou com Richard Wagner , e em particular o acorde Tristão. Compositores como Richard Strauss , Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith, Benjamin Britten e Hans Pfitzner empurrou harmonia wagneriano ainda mais com um uso mais extremo do cromatismo e uma maior utilização de dissonância.

Arnold Schoenberg em 1917.
Retrato por Egon Schiele.

Modernismo operístico verdadeiramente começou nas óperas de dois compositores vienenses, Arnold Schoenberg e sua aluna de Alban Berg, ambos compositores e defensores da atonalidade e seu desenvolvimento posterior (como elaborado por Schoenberg), dodecafonismo. Obras de Schoenberg primeiros musico-teatral, Erwartung (1909, estreada em 1924) e Die glückliche Mão pesada exibição uso de harmonia cromática e dissonância em geral. Schoenberg também usado ocasionalmente Sprechstimme.

As duas óperas de aluno de Schoenberg Alban Berg, Wozzeck (1925) e Lulu (incompleto em sua morte em 1935) compartilham muitas das mesmas características, como descrito acima, embora Berg combinou sua interpretação muito pessoal do dodecafonismo de Schoenberg com passagens melódicas de uma natureza mais tradicional tonal (bastante mahleriana em caráter), que talvez parcialmente explica por que suas óperas ter permanecido no repertório padrão, apesar de sua música controversa e parcelas. As teorias de Schoenberg ter influenciado (direta ou indiretamente) um número significativo de compositores de ópera desde então, mesmo que eles próprios não compor usando suas técnicas.

Stravinsky em 1921.

Compositores, assim, influenciado incluem o inglêsBenjamin Britten, o alemãoHans Werner Henze, eo russo Dmitri Shostakovich. ( Philip Glass também faz uso de atonalidade, embora seu estilo é geralmente descrito comominimalista, geralmente considerado como um outro desenvolvimento do século 20).

Entretanto, o uso do modernismo operístico de atonalidade também provocou uma reação na forma de neoclassicismo. Um dos primeiros líderes desse movimento foi Ferruccio Busoni, que em 1913 escreveu o libreto para sua neoclássico número ópera Arlecchino (estreada em 1917). Também entre a vanguarda foi o russo Igor Stravinsky . Depois de compor música para o balé Diaghilev produzidos Petrushka (1911) e A Sagração da Primavera (1913), Stravinsky virou-se para o neoclassicismo, um desenvolvimento que culminou com sua ópera-oratório Édipo Rei (1927). Bem depois de sua Rimsky-Korsakov de inspiração funciona The Nightingale (1914), e Mavra (1922), Stravinsky continuou a ignorar técnica serialista e, eventualmente, escreveu um 18-estilo do século de pleno direito diatônica número ópera Progresso do ancinho (1951). Sua resistência ao serialismo (uma atitude que ele inverteu após a morte de Schoenberg) provou ser uma inspiração para muitos outros compositores.

Outras tendências

Uma tendência comum ao longo do século 20, tanto na ópera e repertório orquestral geral, é o uso de orquestras menores como uma medida de redução de custos; as grandes orquestras da era romântica com enormes seções de cordas, múltiplos harpas, chifres extras e instrumentos de percussão exóticos já não eram viáveis. Enquanto o governo e patronato privado das artes diminuiu ao longo do século 20, novas obras foram muitas vezes encomendado e executado com orçamentos menores, muitas vezes resultando em obras de câmara porte e curtas, óperas de um ato. Muitos de Benjamin Britten óperas 's são marcados para tão poucos como 13 instrumentistas; de Mark Adamo em dois atos realização de Little Women é pontuada por 18 instrumentistas.

Outra característica de final de ópera do século 20 é o surgimento de óperas históricos contemporâneos, em contraste com a tradição de basear óperas sobre a história mais distante, o re-narração de histórias ficcionais contemporâneas ou peças de teatro, ou em mito ou lenda. A morte de Klinghoffer, Nixon na Chinae Doctor AtomicporJohn Adams, Dead Man WalkingporJake Heggie, e Anna NicoleporMark-Anthony Turnage exemplificar a dramatização no palco de eventos em recente memória viva, onde os personagens retratados na ópera estavam vivos no momento da desempenho estréia.

O Metropolitan Opera de os EUA informa que a média de idade de seu público é agora 60. Muitas companhias de ópera têm experimentado uma tendência semelhante, e Web site da companhia de ópera estão repletos de tentativas para atrair um público mais jovem. Esta tendência é parte da tendência maior de grisalho público para a música clássica desde as últimas décadas do século 20. Em um esforço para atrair o público mais jovem, o Metropolitan Opera oferece um desconto de estudante em compras de ingressos. Grandes companhias de ópera têm sido mais capaz de resistir os cortes de financiamento, porque eles podem dar ao luxo de contratar cantores estrela que atraem o público substanciais.

As empresas menores em os EUA têm uma existência mais frágil, e eles geralmente dependem de uma "colcha de retalhos" de apoio dos governos estaduais e municipais, as empresas locais, e angariadores de fundos. No entanto, algumas empresas de menor porte têm encontrado maneiras de desenhar novos públicos. Opera Carolina oferecer descontos e eventos de happy hour para a 21 a 40 anos de idade demográfica. Além de transmissões de rádio e televisão de espectáculos de ópera, que têm tido algum sucesso na obtenção de novos públicos, as transmissões de shows ao vivo em HD para salas de cinema têm mostrado o potencial de atingir novos públicos. Desde 2006, o Met tem transmissão performances ao vivo para várias centenas de telas de cinema de todo o mundo.

De musicais de volta para ópera

No final dos anos 1930, alguns musicais começou a ser escrita com uma estrutura mais operística. Estas obras incluem conjuntos polifônicos complexos e reflectir os desenvolvimentos musicais de sua época. Porgy and Bess (1935), influenciado por estilos de jazz, e Cândido (1956), com as suas deslumbrantes, passagens líricas e paródias burlescas de ópera, tanto aberto em Broadway, mas tornou-se aceito como parte do repertório de ópera. Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Evita , A Luz na Piazza , O Fantasma da Ópera e outros contam histórias dramáticas através da música complexa e agora são vistos às vezes em casas de ópera. A maioria feliz Fella (1952) é quase operístico e foi revivida pelos New York City Opera. Alguns musicais, tais como Tommy (1969) e Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Aluguel (1996) e Spring Awakening (2006) , empregam diferentes convenções de ópera, como através da composição, recitativo ao invés do diálogo, e leitmotifs.

Reforço acústico na ópera

Um tipo sutil de reforço eletrônico som chamado reforço acústico é usado em algumas salas de concerto e teatros modernos, onde as óperas são realizadas. Embora nenhuma das principais casas de ópera "... usar, no estilo da Broadway reforço de som tradicional, em que a maioria, se não todos os cantores estão equipados com microfones de rádio misturado a uma série de alto-falantes sem graça espalhados por todo o teatro", muitos usam um reforço de som sistema de reforço acústico, e para impulsionar sutil de vozes nos bastidores, cantores criança, o diálogo no palco e efeitos sonoros (por exemplo, sinos de igreja em Tosca ou trovão efeitos em óperas de Wagner).

Vozes operísticas

Técnica vocal operático evoluiu, em um tempo antes de amplificação eletrônica, para permitir cantores para produzir um volume suficiente para ser ouvido sobre uma orquestra, sem os instrumentistas que têm a comprometer substancialmente o seu volume.

Classificações vocais

Cantores e os papéis que desempenham são classificados por tipo de voz, com base na tessitura, agilidade, força e timbre de suas vozes. Cantores masculinos podem ser classificados pelo alcance vocal como baixo, baixo-barítono, barítono, tenor e contratenor, e cantoras como contralto, mezzo-soprano e soprano. (Homens às vezes cantar nas "femininos" faixas vocais, caso em que eles são denominados sopranist ou contratenor. O contratenor é comumente encontrado em ópera, peças escritas para às vezes cantando castrati - homens castrados em tenra idade especificamente para dar-lhes uma gama canto superior .) Singers são, então, classificadas por tamanho - por exemplo, um soprano pode ser descrito como uma soprano lírica, coloratura, soubrette, spinto, ou soprano dramático. Estes termos, embora não totalmente descrevendo uma voz, associar a voz do cantor com os papéis mais adequados às características vocais do cantor.

No entanto, outro sub-classificação pode ser feita de acordo com as competências ou requisitos de agir, por exemplo, a Basso Buffo , que muitas vezes tem de ser um especialista em patter, bem como um ator cômico. Isto é realizado em detalhe no Fach sistema de países de língua alemã, onde historicamente ópera e falado teatro eram frequentemente colocadas pela mesma companhia de repertório.

A voz de um cantor em particular pode mudar drasticamente ao longo do seu tempo de vida, raramente atingindo a maturidade vocal até a terceira década, e às vezes não até a meia-idade. Dois tipos de voz francês, Dugazon estréia e deuxieme Dugazon , foram nomeados após sucessivos estágios na carreira de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Outros termos originários do sistema de fundição estrela dos teatros parisienses são baryton-martin e falcão .

Uso histórico de partes de voz

A voz de soprano tem sido tipicamente usada como a voz de escolha para o protagonista feminina da ópera desde a segunda metade do século 18. Anteriormente, era comum para que peça a ser cantada por qualquer voz feminina, ou mesmo um castrato. A ênfase atual sobre uma vasta gama vocal foi principalmente uma invenção do Período clássico. Antes disso, o virtuosismo vocal, não intervalo, era a prioridade, com peças soprano raramente se estende acima de um elevado A ( Handel , por exemplo, só escreveu um papel que se estende a um alta C), embora o castrato Farinelli foi acusado de possuir um topo D (sua gama mais baixa também foi extraordinário, estendendo-se até tenor C). A-mezzo soprano, um termo de comparativamente origem recente, também tem um grande repertório, que vão desde a liderança feminina no de Purcell Dido e Aeneas a tais papéis pesados ​​como Brangane em de Wagner Tristan und Isolde (estes são os dois papéis, às vezes cantadas por sopranos, não é bastante um monte de movimento entre esses dois tipos de voz). Para o verdadeiro contralto, a gama de peças é mais limitado, o que deu origem à brincadeira insider que contraltos só canto "bruxas, cadelas, e calças "papéis. Nos últimos anos, muitos dos "papéis das calças" a partir do período barroco, originalmente escrito para as mulheres, e aqueles originalmente cantada por castrati, foram realocados para contratenores.

A voz de tenor, da era clássica em diante, tem sido tradicionalmente atribuído o papel de protagonista masculino. Muitos dos papéis de tenor mais desafiadores do repertório foram escritas durante o bel canto era, como seqüência de Donizetti, de 9 Cs acima meio C durante La fille du Regiment . Com Wagner veio ênfase em peso vocal por seus papéis protagonista, com esta categoria vocal descrito como Heldentenor ; esta voz heróica teve o seu homólogo italiano mais em papéis como Calaf em de Puccini Turandot . Baixos têm uma longa história na ópera, depois de ter sido utilizado em ópera séria em papéis coadjuvantes, e às vezes para alívio cômico (bem como proporcionar um contraste com a preponderância de vozes altas neste gênero). O repertório baixo é ampla e variada, que se estende desde a comédia de Leporello em Don Giovanni para a nobreza de Wotan na de Wagner ciclo do anel . Entre o baixo eo tenor é o barítono, que também varia em peso de dizer, Guglielmo de Mozart em Così fan tutte para Posa em de Verdi Don Carlos ; o actual designação "barítono" não era padrão até meados do século 19.

Cantores famosos

O castratoSenesino, c. 1720

Primeiros performances de ópera eram muito pouco frequente para cantores para fazer uma vida exclusivamente a partir do estilo, mas com o nascimento da ópera comercial no século de mid-17th, artistas profissionais começaram a surgir. O papel do herói masculino era geralmente confiada a um castrato, e por volta do século 18, quando a ópera italiana foi realizada em toda a Europa, castrati líderes que possuíam virtuosismo vocal extraordinária, como Senesino e Farinelli, se tornaram estrelas internacionais. A carreira do primeiro grande estrela feminina (ou prima donna), Anna Renzi, data do século de mid-17th. No século 18, um número de sopranos italianos ganhou renome internacional e muitas vezes envolvidos em feroz rivalidade, como foi o caso com Faustina Bordoni e Francesca Cuzzoni, que começou uma briga com o outro durante uma performance de uma ópera de Handel. Os castrati odiados franceses, preferindo seus heróis do sexo masculino para ser cantada por um haute-contre (um alto tenor), dos quais Joseph Legros era um exemplo de liderança.

Embora patrocínio ópera diminuiu no século passado em favor de outras artes e mídia (como musicais, cinema, rádio, televisão e gravações), meios de comunicação eo advento de gravação apoiaram a popularidade de muitos cantores famosos, incluindo Maria Callas, Enrico Caruso, Kirsten Flagstad,Mario Del Monaco,ascensão Stevens,Alfredo Kraus,Franco Corelli, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Nellie Melba,Rosa Ponselle, Beniamino Gigli, Jussi Björling,Feodor Chaliapin, e "Os Três Tenores "(Luciano Pavarotti,Plácido Domingo eJosé Carreras).

Financiamento de ópera

Fora os EUA, e especialmente na Europa, a maioria das casas de ópera receber subsídios públicos dos contribuintes.

Por exemplo, em Milão, Itália, 60% do orçamento anual do La Scala de € 115.000.000 é de vendas e doações privadas, com os restantes 40% provenientes de fundos públicos. Em 2005, La Scala recebeu 25% do subsídio estatal total da Itália de € 464.000.000 para as artes do espectáculo.

Cinema e internet

Grandes companhias de ópera a apresentar os seus desempenhos em cinemas locais em todo os Estados Unidos e muitos outros países. O Metropolitan Opera começou uma série de ao vivo transmissões de vídeo de alta definição para cinemas ao redor do mundo em 2006. Em 2007, performances Met foram mostradas em mais de 424 teatros em 350 cidades dos EUA. La bohème saiu para 671 telas em todo o mundo. San Francisco Opera começou transmissões de vídeo pré-gravado em março de 2008. Em junho de 2008, cerca de 125 teatros em 117 cidades dos EUA carregam as apresentações. As transmissões de vídeo HD de ópera são apresentados através dos mesmos HD projetores de cinema digital usado para grandes filmes de Hollywood. Teatros de ópera europeus e festivais, incluindo a Royal Opera em Londres, La Scala, em Milão, o Festival de Salzburgo, La Fenice, em Veneza, e do Maggio Musicale em Florença também transmitiram suas produções para os cinemas em cidades ao redor do mundo desde 2006, incluindo 90 cidades em os EUA

O surgimento da Internet também está afetando a maneira em que o público consumir ópera. Em uma primeira vez para o gênero, em 2009, os britânicos empresa Festival de Glyndebourne Opera oferecido um download de vídeo digital on-line de sua completa produção de 2007 de Wagner Tristan und Isolde.

Em julho de 2012 estreou a primeira ópera comunidade no Festival de Ópera de Savonlinna. Livre Arbítrio foi escrito, composto e visualizados por grupo de voluntários na Internet chamado Opera por Você. Solistas profissionais, um coro de ópera de 80 membros, uma orquestra sinfônica e uma platéia ao vivo de 2700 fizeram parte deste evento histórico, quando o Livre Arbítrio foi apresentado no castelo medieval de Olavinlinna.

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