Orquestra
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Uma orquestra é uma grande conjunto instrumental que contém seções de instrumentos de cordas, bronze, sopros, e de percussão. O termo deriva da orquestra grega ορχήστρα, o nome para a área na frente de uma estágio grego antigo reservado para o Coro grego. A orquestra cresceu acreção ao longo dos séculos 18 e 19, mas mudou muito pouco na composição durante o curso do século 20.
Uma orquestra de menor porte para este período de tempo (de cerca de cinquenta músicos ou menos) é chamado uma orquestra de câmara. Uma orquestra de tamanho completo (cerca de 100 músicos) pode às vezes ser chamado de uma "orquestra sinfônica" ou "orquestra filarmônica"; Estes modificadores não indicam necessariamente qualquer diferença estrita tanto no instrumental constituição ou papel da orquestra, mas pode ser útil para distinguir diferentes conjuntos baseados na mesma cidade (por exemplo, o Orquestra Sinfónica de Londres ea London Philharmonic Orchestra). Uma orquestra sinfônica geralmente têm mais de oitenta músicos em sua lista, em alguns casos, mais de uma centena, mas o número real de músicos empregados em uma performance especial pode variar de acordo com o trabalho que está sendo jogado eo tamanho do local. A orquestra líder câmara pode empregar até cinquenta músicos; alguns são muito menores do que isso. Orquestras também pode ser encontrado em escolas. A orquestra concerto termo pode às vezes ser utilizado (por exemplo, BBC Concert Orchestra; RTÉ Concert Orchestra) -no distinção é feita no tamanho da orquestra pelo uso deste termo, embora a sua utilização é geralmente distinguido como para o concerto ao vivo. Como tal, são comumente orquestras de câmara.
Instrumentação
A orquestra sinfônica típica consiste em quatro grupos proporcionais de semelhantes instrumentos musicais chamados a sopros, bronze , percussão, e strings. Outros instrumentos, como o de piano e celesta pode, por vezes, ser agrupadas em uma quinta secção como um seção teclado ou pode ficar sozinho, como pode o concerto de harpa e instrumentos elétricos e eletrônicos. A orquestra, dependendo do tamanho, contém quase todos os instrumentos padrão em cada grupo. Na história da orquestra, sua instrumentação foi expandido ao longo do tempo, muitas vezes, concordou em ter sido padronizada pelo período clássico e influência de Beethoven no modelo clássico.
A influência de Beethoven
O chamado "complemento padrão" de ventos duplos e bronze na orquestra da primeira metade do século 19 é geralmente atribuída às forças exigidas pela Ludwig van Beethoven . As exceções são o seu Symphony No. 4, Concerto para Violino e Piano Concerto No. 4, que cada especificar uma única flauta . O instrumentação do compositor quase sempre incluído flautas, oboés emparelhados, clarinetes, fagotes, trompas e trompetes. Beethoven cuidadosamente calculado a expansão deste especial "paleta" timbral em Sinfonias 3, 5, 6 e 9, para um efeito inovador. O terceiro chifre na "Eroica" Symphony chega para proporcionar não só uma certa flexibilidade harmônica, mas também o efeito de bronze "coral" no Trio. Piccolo, contrabassoon, trombones e adicionar ao final de sua triunfal Symphony No. 5. A piccolo e um par de trombones ajudar a entregar tempestade e sol na Sexta . A Nona pede um segundo par de chifres, por razões semelhantes ao "Eroica" (quatro chifres desde então se tornou padrão); Uso de Beethoven de flautim, contrabassoon, trombones, percussão e desafinado-plus coro e solistas vocais em seu final, são sua primeira sugestão de que o limites de timbre de "sinfonia" pode ser expandido para o bem. Mas há várias décadas depois de sua partida, sinfónico instrumentação foi fiel ao modelo bem estabelecido de Beethoven, com poucas exceções.
Instrumentação Expandido
Para além do complemento orquestral core, vários outros instrumentos são chamados para ocasionalmente. Estes incluem o guitarra clássica, heckelphone, flugelhorn, cornet , cravo e órgão . saxofones , por exemplo, aparece em uma gama limitada de escores 19 e 20 do século. Enquanto aparecendo apenas como destaque instrumentos de solo em algumas obras, por exemplo Orquestração de Maurice Ravel de Modest Mussorgsky Quadros de uma Exposição e Sergei Rachmaninoff de Symphonic Dances, o saxofone está incluído em outros trabalhos, como Ravel de Boléro, Prokofiev Romeu e Julieta Suites 1 e 2, Vaughan Williams Symphony No. 6 e Symphony No.9 e William Walton Festa de Belsazar, e muitos outros trabalhos como membro do conjunto orquestral. O euphonium é destaque em alguns tarde Romântico e Obras do século 20, geralmente jogando peças marcadas "tuba tenor", incluindo Gustav Holst 's The Planets , e Richard Strauss 's Ein Heldenleben. O Wagner tuba, um membro modificada do chifre família, aparece no Richard Wagner ciclo 's Der Ring des Nibelungen e várias outras obras de Richard Strauss , Béla Bartók, e outros; ele tem um papel de destaque na Anton Bruckner de Symphony No. 7 em Mi Maior. Cornetas aparecer em Pyotr Ilyich Tchaikovsky ballet 's Swan Lake, Claude Debussy La Mer, e várias obras orquestrais por Hector Berlioz. A menos que estes instrumentos são tocados por membros de duplicação em outro instrumento (por exemplo, um jogador de trombone mudando para euphonium para uma determinada passagem), orquestras usará músicos freelance para aumentar suas listas regulares.
A orquestra do século 20 era muito mais flexível do que seus antecessores. Durante compositores Beethoven e Felix Mendelssohn tempo 's, a orquestra era composta por um núcleo relativamente padrão de instrumentos que foi muito raramente modificado. Conforme o tempo avançava, e como o período romântico viu mudanças na modificação aceita com compositores como Berlioz, seguido por Johannes Brahms e, eventualmente, Gustav Mahler, o século 20 viu que a instrumentação praticamente podia ser escolhidos a dedo pelo compositor. Hoje, no entanto, a orquestra moderna tem sido geralmente considerado normalizada com a instrumentação moderna listados abaixo.
Com esta história em mente, a orquestra pode ser visto a ter uma evolução geral como descrito abaixo. O primeiro é uma típica orquestra clássica (ou seja, Beethoven / Haydn ), o segundo é típico de um início / meio-romântico (ou seja, Brahms / Dvořák / Tchaikovsky ), romântico tardio / início do século 20 (ou seja, Wagner / Mahler / Stravinsky ), com o complemento comum de um presente dia orquestras modernas (ou seja, Adams / Barbeiro / Copland / Glass).
Orquestra clássica
| Orquestra romântica início
| Orquestra romântica atrasada
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Orquestra moderna
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Organização
Entre os grupos de instrumentos e dentro de cada grupo de instrumentos, existe uma hierarquia geralmente aceite. Cada grupo instrumental (ou seção) tem um diretor que é geralmente responsável por liderar o grupo e tocando solos de orquestra. Os violinos são divididos em dois grupos, primeiro violino e segundo violino, cada um com o seu principal. O principal primeiro violino é chamado de concertino (ou "líder" no Reino Unido) e é considerado o líder não apenas a seção de cordas, mas de toda a orquestra, subordinado apenas ao condutor.
O principal trombone é considerado o líder da seção baixo bronze, enquanto o trompete principal é geralmente considerado o líder da seção de metais inteiro. Da mesma forma, o oboé principal é considerado o líder da secção de sopros, e é o jogador a quem todos os outros melodia. O chifre , embora tecnicamente um instrumento de bronze, muitas vezes age no papel de ambos sopros e latão. A maioria das seções também têm um assistente principal (ou co-principal ou principal associado), ou, no caso dos primeiros violinos, um assistente de concertino, que muitas vezes desempenha um parte tutti além de substituir o principal em sua ausência.
Um jogador de cordas seção execuções uníssono com o resto da seção, exceto no caso de repartidas (divisi) partes, onde partes superior e inferior na música são muitas vezes atribuídos a jogadores "fora" (mais perto do público) e "dentro" sentado. Sempre que uma parte do solo é chamado para em uma seção de cordas, o líder de seção invariavelmente joga essa parte. Jogadores sopro e de metal Tutti geralmente desempenham um papel único, mas não solitário. Seção percussionistas jogar partes que lhes forem atribuídas pelo percussionista diretor.
Nos tempos modernos, os músicos são geralmente dirigidas por um condutor, embora início orquestras não tiver um, dando a este papel, em vez de o concertino ou o cravista jogar o continuo. Algumas orquestras modernas também fazer sem condutores, orquestras em particular das pequenas e aqueles especializados em historicamente exato (o chamado "período") performances de música barroca e anteriores.
O mais freqüentemente realizada por um repertório orquestra sinfônica é ocidental música clássica ou ópera . No entanto, são utilizados por vezes orquestra em música popular, extensivamente em música de cinema, e cada vez mais frequentemente em video game music. O termo "orquestra" também pode ser aplicado a um conjunto de jazz, por exemplo, no desempenho de música big band.
História da orquestra
História antiga
A orquestra moderna tem suas raízes históricas no Egito Antigo . As primeiras orquestras eram compostas por pequenos grupos de músicos que se reuniram para festas, férias ou funerais. Não foi até o século 11 que as famílias de instrumentos começaram a aparecer com diferenças de tons e oitavas. Orquestras modernas verdadeiros começou no final do século 16, quando os compositores começaram a escrever músicas para grupos instrumentais. Nos séculos 15 e 16 na Itália as famílias de nobres tinham músicos para fornecer a música para dançar ea tribunal, no entanto, com o surgimento do teatro, especialmente ópera, no início do século 17, a música foi escrita para cada vez mais grupos de jogadores em combinação, que é a origem do jogo orquestral. Opera origem na Itália, Alemanha e seguiu ansiosamente. Dresden, Munique e Hamburgo construída sucessivamente casas de ópera. No final da ópera do século 17 floresceu na Inglaterra sob Henry Purcell , e em França ao abrigo Lully, que com a colaboração de Molière também elevou grandemente o status dos entretenimentos conhecidos como bailados , intercaladas com música instrumental e vocal.
No século 17 e início do século 18, grupos instrumentais foram retirados de todo o talento disponível. Um compositor, como Johann Sebastian Bach tinha controle sobre quase todos os recursos musicais de uma cidade, enquanto Handel iria contratar os melhores músicos disponível. Isso colocou um prêmio em ser capaz de reescrever a música para qualquer cantores ou músicos eram os mais adequados para um desempenho de Handel produziram diferentes versões para o Messias oratório quase todos os anos.
Como nobreza começou a construir retiros longe das cidades, eles começaram a contratar músicos para formar conjuntos permanentes. Compositores como o jovem Joseph Haydn teria, então, um corpo fixo de instrumentistas de trabalhar. Ao mesmo tempo, viajando artistas virtuoso tais como o jovem Wolfgang Amadeus Mozart iria escrever concertos que mostraram as suas habilidades, e que iria viajar de cidade em cidade, organizando concertos ao longo do caminho. As orquestras aristocráticas trabalharam juntos durante longos períodos, tornando possível para ensemble jogando a melhorar com a prática.
Escola Mannheim
Esta mudança, de fazer música cívica onde o compositor tinha algum grau de tempo ou controle, a menor produção de música tribunal e one-off desempenho, colocado um prêmio sobre a música que era fácil de aprender, muitas vezes com pouco ou nenhum ensaio. Os resultados foram mudanças no estilo musical e ênfase em novas técnicas. Mannheim tinha uma das mais famosas orquestras da época, onde anotado dinâmica e fraseado, anteriormente bastante raro, tornou-se padrão (veja Escola Mannheim). Ele também participou de uma mudança no estilo musical do complexo contraponto do barroco período, a ênfase na clara melodia, texturas homophonic, frases curtas e freqüentes cadências: um estilo que viria a ser definido como clássica.
Durante todo o final dos compositores do século 18 continuaria a ter de reunir músicos para uma performance, muitas vezes chamado de "Academy", o que, naturalmente, têm as suas próprias composições. Em 1781, contudo, o Orquestra Gewandhaus de Leipzig foi organizada da sociedade comerciantes concerto, e começou uma tendência para a formação de orquestras cívicas que acelerariam no século 19. Em 1815, Boston de Handel e Haydn Society foi fundada, em 1842, o New York Philharmonic ea Filarmônica de Viena foram formados, e em 1858, o Hallé Orchestra foi formado em Manchester. Não havia muito tempo corpos de músicos em todo óperas de pé, mas não para o concerto da música: esta situação mudou no início do século 19 como parte da ênfase crescente na composição do sinfonias e outras formas puramente instrumentais. Este foi incentivado pelos críticos como compositor ETA Hoffmann, que declarou que a música instrumental foi a "forma mais pura" da música. A criação de orquestras em pé também resultou em um quadro profissional onde os músicos poderiam ensaiar e realizar as mesmas obras repetidamente, levando ao conceito de um repertório de música instrumental.
Os padrões de desempenho
Na década de 1830, o maestro François Antoine Habeneck, começou a ensaiar um grupo seleto de músicos, a fim de executar as sinfonias de Beethoven, que não tinha sido ouvido na sua totalidade, em Paris. Ele desenvolveu técnicas de ensaiar as cordas separadamente, notating especificidades de desempenho e outras técnicas de entradas Cuing que foram espalhados pela Europa. Sua rival e amigo Hector Berlioz adotaria muitas dessas inovações em sua turnê da Europa.
Artesanato Instrumental
A invenção do pistão e válvula rotativa por Heinrich Stölzel e Friedrich Blühmel, tanto Silesianos, em 1815, foi o primeiro de uma série de inovações, incluindo o desenvolvimento de keywork moderno para a flauta por Theobald Boehm e as inovações de Adolphe Sax nos sopros. Esses avanços levariam Hector Berlioz para escrever um livro de referência sobre instrumentação, que foi o primeiro tratado sistemático sobre a utilização de som instrumental como um elemento expressivo de música.
O efeito da invenção de válvulas para o bronze foi sentida quase que imediatamente: instrumento decisores em toda a Europa brigaram entre si para promover a utilização destes instrumentos recém-refinados e continuando sua perfeição; ea orquestra foi pouco tempo enriquecida por uma nova família de instrumentos valvulados, conhecida também como tubas , ou euphoniums e bombardons , com uma escala cromática e um tom sonoro cheio de grande beleza e imenso volume, formando um magnífico baixo. Essa possível uma reprodução mais uniforme também feita de notas ou entonação, o que levaria a um som orquestral mais e mais "suave", que atingiria o pico na década de 1950 com Eugene Ormandy ea Orquestra de Filadélfia e a realização de Herbert von Karajan com o Filarmônica de Berlim.
Durante este período de transição, que diminuíram gradualmente o desempenho dos mais exigentes "natural" escrita latão, muitos compositores (nomeadamente Wagner e Berlioz) ainda simbolizada peças de latão para os instrumentos mais velhos "naturais". Esta prática tornou possível para os jogadores que ainda usam chifres naturais, por exemplo, para executar a partir das mesmas peças que estes instrumentos jogando agora valvulados. No entanto, ao longo do tempo, a utilização dos instrumentos valvulados se tornou padrão, de fato universal, até o renascimento dos instrumentos mais antigos no movimento contemporâneo em direção desempenho autêntico (às vezes conhecido como "performance historicamente informada").
No momento da invenção do bronze com válvulas, o fosso da orquestra da maioria dos compositores opereta parece ter sido modesto. Um exemplo é Sullivan uso 's de duas flautas, um oboé, dois clarinetes, um fagote, dois chifres, duas cornetas (a pistão), dois trombones, bateria e cordas.
Durante este tempo de invenção, ventos e bronze foram ampliadas, e tinha um tempo cada vez mais fácil jogar em sintonia uns com os outros: em particular a capacidade para compositores de marcar para grandes massas de vento e de bronze que tinham sido previamente impraticável. Obras como a Requiem de Hector Berlioz teria sido impossível realizar apenas algumas décadas antes, com o seu exigente escrevendo por vinte instrumentos de sopro, bem como quatro conjuntos de bronze gigantes cada, incluindo cerca de quatro trompetes, trombones, quatro e duas tubas.
A influência de Wagner
A próxima grande expansão da prática sinfônica veio de Richard Wagner 's Bayreuth orquestra, fundada para acompanhar os seus dramas musicais. Obras de Wagner para o estágio foram marcados com escopo e complexidade sem precedentes: de fato, sua pontuação para Das Rheingold chama para seis harpas. Assim, Wagner imaginou um papel cada vez mais exigentes para o maestro da orquestra do teatro, como ele elaborou em seu trabalho influente sobre a condução. Isto provocou uma revolução na orquestral composição, e definir o estilo de desempenho orquestral para os próximos 80 anos. Teorias de Wagner reexaminou a importância de andamento, dinâmica, curvando-se de instrumentos de corda eo papel dos diretores na orquestra. Condutores que estudaram seus métodos iria passar a ser influente se.
Orquestra do século 20
Como o início do século 20 despontou, orquestras sinfônicas eram maiores, melhor financiados e mais bem treinados do que nunca; consequentemente, os compositores poderiam compor obras maiores e mais ambiciosos. A influência de Gustav Mahler foi particularmente innovational; em suas sinfonias posteriores, como o mamute Symphony No. 8, Mahler empurra os limites mais distantes do tamanho de orquestra, empregando grandes forças. Pelos anos de pico de Shostakovich, orquestras poderia apoiar os mais enormes formas de expressão sinfônica. Com o início da era da gravação, o padrão de desempenho chegou a um auge. Nas gravações, pequenos erros em um desempenho poderia ser "fixo", mas muitos condutores mais velhos e compositores conseguia se lembrar de uma época em que simplesmente "ficar através de" a música da melhor forma possível era o padrão. Combinado com o público mais amplo possível graças a gravação, isso levou a um foco renovado sobre determinados condutores e em um alto padrão de execução orquestral. Como som foi adicionado ao cinema mudo, a orquestra virtuoso tornou-se um componente-chave da criação de filmes como entretenimento para o mercado de massa.
A contra-revolução
Em 1920 e 1930, as considerações económicas, bem como artísticas, levou à formação de sociedades de concertos menores, particularmente aqueles dedicados à interpretação da música do avant-garde, incluindo Igor Stravinsky e Arnold Schoenberg. Esta tendência para iniciar festival orquestras ou grupos dedicados também seria perseguido na criação de festivais de verão musicais e orquestras para a execução de obras menores. Entre os mais influente deles foi o Academy of St Martin in the Fields sob a batuta de Sir Neville Marriner.
Com o advento do movimento de música antiga, orquestras menores onde os jogadores trabalharam na execução de obras em estilos derivados do estudo de tratados mais velhos sobre a reprodução tornou-se comum. Estes incluem o Orquestra do Século das Luzes, a Londres Classical Players sob a direção de Sir Roger Norrington eo Academia de Música Antiga sob Christopher Hogwood, entre outros.
As tendências recentes nos Estados Unidos
Nos Estados Unidos, no final do século 20 viu uma crise de financiamento e apoio para orquestras. O tamanho eo custo de uma orquestra sinfônica, em comparação com o tamanho da base de aliados, se tornou um problema que atingiu o cerne da instituição. Poucas orquestras poderia encher auditórios, eo sistema temporada de assinatura consagrada pelo tempo tornou-se cada vez mais anacrônico, como mais e mais ouvintes iria comprar bilhetes numa base ad hoc para eventos individuais. Dotes orquestrais e mais central para a operação diária de doadores americanos orquestras-orquestrais ter visto carteiras de investimento encolher ou produzir rendimentos mais baixos, reduzindo a capacidade dos doadores para contribuir; Além disso, tem havido uma tendência para os doadores encontrar outras causas sociais mais atraente. Além disso, enquanto o financiamento do governo é menos central para americanos do que orquestras europeias, os cortes nos esse financiamento ainda são significativas para conjuntos americanos. Finalmente, a drástica queda-off de receitas de gravação, amarrado a nenhum pequeno grau de mudanças na própria indústria fonográfica, começou um período de mudança que ainda não chegou a sua conclusão.
Orquestras norte-americanas que entraram em bancarrota do capítulo 11 inclui a Orquestra de Filadélfia (em abril de 2011), ea Orquestra de Louisville, em dezembro de 2010; orquestras que têm ido para o capítulo 7 falência e de cessadas as actividades incluem a Orquestra de Câmara do Noroeste em 2006, o Orquestra de Honolulu em Março de 2011, o New Mexico Symphony em abril de 2011, ea Syracuse Symphony em junho de 2011. O Festival de Orquestras em Orlando, Florida encerrou suas operações no final de março de 2011.
Críticos como Norman Lebrecht foram vocal em seu diagnóstico do problema como o "maestro jet set" (cujos salários foram, presumivelmente, sangrando as orquestras seco); e vários condutores de alto perfil tomaram cortes salariais nos últimos anos; mas os montantes das receitas são pequenos demais para dar conta da crise. Administradores de música tais como Michael Tilson Thomas e Esa-Pekka Salonen argumentou que a música nova, novos meios de apresentá-lo, e uma relação renovada com a comunidade poderia revitalizar a orquestra sinfônica. O influente crítico Greg Sandow argumentou em detalhe que deve orquestras rever a sua abordagem à música, performance, a experiência de concerto, marketing, relações públicas, envolvimento da comunidade, e apresentação de trazê-los em linha com as expectativas do público do século 21 imerso na cultura popular.
Não é incomum para os compositores contemporâneos a usar instrumentos não convencionais, incluindo vários sintetizadores, para alcançar efeitos desejados. Muitos, no entanto, encontrar a configuração de orquestra mais convencional para oferecer melhores possibilidades de cor e profundidade. Compositores como John Adams muitas vezes empregam orquestras de tamanho Romântico, como na ópera de Adams Nixon na China; Philip Glass e outros podem ser mais livre, mas ainda identificar size-fronteiras. Vidro em particular, tem recentemente virou-se para orquestras convencionais em obras como a Concerto para Violoncelo e Orquestra eo Violin Concerto No. 2.
Orquestras sem maestro
O pós-revolucionária orquestra sinfônica Persimfans foi formado na União Soviética em 1922. O aspecto incomum da orquestra foi que, acreditando que no ideal marxista do Estado todas as pessoas são iguais, seus membros sentiram que não havia necessidade de ser liderada pela batuta ditatorial de um condutor; em vez disso eles foram conduzidos por um comissão. Embora tenha sido um sucesso parcial, a principal dificuldade com o conceito era na mudança ritmo. A orquestra sobreviveu por 10 anos antes de Stalin política cultural efetivamente forçou em dissolução por esvaindo seu financiamento.
Alguns conjuntos, tais como o Orpheus Chamber Orchestra, com sede em Nova York, tiveram mais sucesso, embora as decisões são susceptíveis de ser adiada para algum senso de liderança dentro do conjunto (por exemplo, o vento principal e músicos de cordas).
Outros voltaram a tradição de um jogador principal, geralmente um violinista, sendo o diretor artístico e funcionando ensaios (como o Australian Chamber Orchestra, Amsterdam_Sinfonietta & Candida Thompson eo New Century Chamber Orchestra).
Vários condutores
As técnicas de polystylism e música polytempo recentemente levou alguns compositores a escrever música onde várias orquestras realizar simultaneamente. Estas tendências têm provocado o fenômeno da música polyconductor, em sub-condutores separados conduzir cada grupo de músicos. Normalmente, um maestro principal conduz os sub-condutores, moldando assim o desempenho geral. Algumas peças são extremamente complexa, a este respeito, tal como Do Evgeni Kostitsyn Terceira Sinfonia, que apela para nove condutores.
Charles Ives usado frequentemente dois condutores, um por exemplo, para simular uma banda que vem através de sua peça. Realizações para Banda Sinfônica inclui um exemplo de Ives. Benjamin Britten 's Guerra Requiem é também um exemplo importante de um repertório para mais de um condutor.
Um dos melhores exemplos na música orquestral do século atrasado é Karlheinz Stockhausen de Gruppen, para três orquestras colocados ao redor da platéia. Desta forma, as massas sonoras poderia ser spacialized, como em uma obra eletroacústica. Gruppen foi estreada em Colônia, em 1958, conduzido por Stockhausen, De Bruno Maderna e Pierre Boulez. Recentemente, foi realizado por Simon Rattle , John e Carewe Daniel Harding.
Outros significados de orquestra
Na Grécia Antiga , a orquestra era o espaço entre o auditório e do proscênio (ou fase ), na qual estavam estacionados a coro ea instrumentistas. A palavra orquestra literalmente significa "um lugar dancing".
Em alguns teatros, a orquestra é a área de assentos diretamente em frente do palco (chamado Primafila ou platea); o termo se aplica mais adequadamente para o local em um teatro, ou sala de concertos reservada para os músicos.
