Música renascentista

Música renascentista é Música européia escrito durante o Renascimento , cerca de 1400-1600. Definindo o início da era é difícil, dada a falta de mudanças abruptas no pensamento musical durante o século 15. O processo pelo qual adquiriu características de música "renascimento" foi uma gradual e musicólogos têm colocado o seu início já a partir de 1300 até tão tarde quanto os 1470s. Além disso, o movimento humanista italiano, redescobrindo e reinterpretando a estética da antiga Grécia e Roma, influenciaram o desenvolvimento do estilo musical durante o período.

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Estilo e tendências

Renascença
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A crescente dependência do intervalo do terceiro como uma consonância é uma das características mais pronunciadas do início da música arte do Renascimento Europeu (nos Idade Média , terços tinham sido considerados dissonâncias: ver intervalo). Polyphony, em uso desde o século 12, tornou-se cada vez mais elaborada, com vozes independentes altamente durante todo o século 14: o início do século 15 mostrou simplificação, com as vozes muitas vezes se esforçando para a lisura. Isto foi possível devido a uma muito maior alcance vocal na música - na Idade Média, a estreita faixa tornou necessária passagem frequente de peças, exigindo assim um contraste maior entre eles.

O modal (em oposição a tonais) características da música renascentista começou a quebrar no final do período com o aumento do uso de movimentos de raiz de quintos. Isto mais tarde evoluiu para uma das características que definem a tonalidade.

Gêneros

Formas litúrgicas principais que suportaram durante todo o período da Renascença eram massas e motetos, com alguns outros desenvolvimentos no final, especialmente como compositores de música sacra começaram a adotar formas seculares (como o madrigal) para os seus próprios desenhos.

Gêneros sagrados comuns foram a massa, o motet, o spirituale madrigale, eo laude.

Durante o período, a música secular teve uma distribuição cada vez mais ampla, com uma grande variedade de formas, mas é preciso ser prudente quanto a assumir uma explosão na variedade: desde impressão feito música mais amplamente disponível, muito mais tem sobrevivido a partir desta época do que na época medieval anterior, e provavelmente uma loja rica da música popular do final da Idade Média está irremediavelmente perdido. Música secular incluía canções para um ou muitas vozes, formas, tais como a frottola, chanson e madrigal.

Gêneros vocais seculares incluiu a madrigal, a frottola, o caccia, o chanson em várias formas ( Rondeau, virelai, Bergerette, balada, musique mesurée), o Canzonetta, o villancico, o villanella, o Villotta, eo música de alaúde. Formas mistas, tais como o motete-chanson eo motete secular também apareceu.

Puramente música instrumental incluído música consorte de gravador ou viola e outros instrumentos e danças para vários conjuntos. Gêneros comuns foram a tocata, o prelúdio, o ricercar, o canzona, e intabulation (intavolatura, intabulierung). Conjuntos instrumentais de danças pode desempenhar um basse danse (ou bassedanza), um pavane, uma galliard, uma allemande, ou um courante.

Para o fim do período, os precursores dramáticas iniciais de ópera, como monody, o comédia madrigal, ea intermedio são vistos.

Teoria e notação

De acordo com Margaret Bent (1998), "notação Renaissance está sob prescritiva para os nossos padrões, quando traduzido em forma moderna adquire um peso prescritivo que overspecifies e distorce sua abertura original".

Ockeghem, Kyrie "au travail suis", trecho

Composições renascentistas foram notados apenas nas partes individuais; pontuações eram extremamente raros, e barlines não foram usadas. Valores das notas eram geralmente maiores que estão em uso hoje; a unidade primária de batida foi o semibreve, ou nota inteira. Como tinha sido o caso desde o Ars Nova (ver música Medieval ), poderia haver dois ou três destes para cada breve (a nota dupla inteiro), que pode ser visto como equivalente ao moderno "medida", embora fosse em si um valor de nota e uma medida não é. A situação pode ser considerada desta forma: é o mesmo que a regra pela qual na música moderna de um quarto de nota pode ser igual a qualquer uma das duas oitava notas ou três, o que seria escrito como um "triplete". Pelo mesmo acerto de contas, poderia haver dois ou três do próximo menor nota, o "mínima", (equivalente à moderna "meia nota") para cada semibreve. Estas permutações diferentes foram chamados "tempus perfeito / imperfeito" ao nível da relação breve-semibreve, "prolation perfeito / imperfeito" ao nível da semibreve-mínima, e existiam em todas as possíveis combinações uns com os outros. Três-para-um foi chamado "perfeita", e dois-para-um "imperfeita." Regras existia também em que notas individuais poderia ser reduzido para metade ou dobraram de valor ("imperfected" ou "alterado", respectivamente), quando precedido ou seguido por outros certas notas. Regista com noteheads preto (como semínimas) ocorreram com menos frequência. Este desenvolvimento de notação mensural branco pode ser um resultado do aumento da utilização de papel (em vez de vitela), como o papel mais fraco foi menos capaz de resistir a arranhões necessária para preencher noteheads sólidos; notação de vezes anteriores, escrita em pergaminho, tinha sido preto. Outras cores, e mais tarde, preenchido notas, foram utilizadas rotineiramente, bem como, principalmente para fazer cumprir as imperfeições acima mencionadas ou alterações e para chamar para outras alterações rítmicas temporárias.

Acidentes nem sempre foram especificados, um pouco como em certas notações de dedilhado ( tablatures) hoje. No entanto, os músicos do renascimento teria sido altamente treinados em dyadic contraponto e, portanto, possuía esta e outras informações necessárias para ler uma nota, "o que notação moderna requer [acidentes] teria, então, sido perfeitamente aparente sem notação para um cantor versado em contraponto." Ver musica ficta. A cantora iria interpretar a sua parte por descobrir fórmulas cadenciais com outras partes em mente, e quando cantar juntos músicos evitaria oitavas e quintas paralelas ou alterar suas partes cadenciais à luz das decisões dos outros músicos (Bent, 1998).

É através de tablaturas para vários instrumentos contemporâneos depenados que nós ganhamos muita informação sobre o que acidentes foram realizados pelos profissionais originais.

Para obter informações sobre os teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius, e Pietro Cerone.

Compositores do Renascimento

Música Renascença (1400 - 1467)

Este grupo gradualmente caiu dispositivos complexos do período medieval de isoritmia e extrema síncope, resultando em um estilo mais límpido e fluente. O que sua música "perdido" em complexidade rítmica, no entanto, que ganhou em vitalidade rítmica, como um "carro para a cadência" tornou-se uma característica proeminente em torno de meados do século.

Música renascentista Oriente (1467 - 1534)

No início dos anos 1470s, a música começa a ser impresso usando um A impressão da imprensa. Impressão musical teve um efeito importante sobre a forma como a música se espalhou para não só uma peça impressa de música atingir um público maior do que qualquer manuscrito jamais poderia, ele fez isso muito mais barato também. Também durante este século, uma tradição de fabricantes famosos começou para muitos instrumentos. Estes fabricantes eram mestres de seu ofício. Alguns exemplos são Stradivarius para violinos ou Meuschel para trombetas.

Perto do final do século 15, a música sacra polifónica (como exemplificado nas massas de Johannes Ockeghem e Jacob Obrecht) mais uma vez se tornam mais complexas, de uma maneira que pode, talvez, ser visto como correlacionando ao detalhe impressionante na pintura da época. Ockeghem, particularmente, gostava de cânone, tanto contrapontística e mensural. Compôs uma massa na qual todas as partes são derivados a partir de uma linha canonicamente musical.

Foi nas décadas do século seguinte que a música me senti em um tactus abertura (pense na assinatura de tempo moderno) de dois semibreves-para-um-breve começou a ser tão comum como que com três semibreves-para-um-breve, como tinha prevalecido antes desse tempo.

No início do século 16, há uma outra tendência no sentido da simplificação, como pode ser visto em algum grau no trabalho de Josquin des Prez e seus contemporâneos no Franco-Flemish School, em seguida, mais tarde, em que de GP Palestrina, que foi parcialmente reagindo às críticas do Concílio de Trento, que desencorajava polifonia excessivamente complexa como inibir a compreensão do texto. No início do século 16 franco-flamengos afastado dos sistemas complexos de jogo mensural canônicas e outro da geração de Ockeghem, tendendo para pontos de imitação e seções dueto ou trio dentro de uma textura geral que cresceu para cinco e seis vozes. Eles também começaram, mesmo antes das reformas tridentinas, para inserir passagens sempre crescente de homofonia, para sublinhar o texto importante ou pontos de articulação. Palestrina, por outro lado, passou a cultivar um estilo fluir livremente do contraponto em uma textura espessa, rica dentro do qual consonância seguido dissonância em uma base quase bater-by-beat, e suspensões governou o dia (ver contraponto). Até agora, tactus foi geralmente dois semibreves por breve com três por breve utilizado para efeitos especiais e seções climáticas; esta foi uma inversão quase exata da técnica prevalecente de um século antes.

Tarde música renascentista (1534 - 1600)

Em Veneza, de cerca de 1534 até por volta de 1600, um estilo polychoral impressionante desenvolvido, o que deu à Europa alguns dos mais grandiosos música, mais sonora composta até aquele momento, com vários coros de cantores, latão e cordas em diferentes localizações espaciais na Basílica San Marco di Venezia (ver Escola de Veneza). Estas múltiplas revoluções espalhou pela Europa nas próximas décadas, começando na Alemanha e, em seguida, movendo-se para a Espanha, França e Inglaterra um pouco mais tarde, demarcando o início do que hoje conhecemos como o Era musical barroco.

O Escola Romana foi um grupo de compositores de música de igreja predominantemente, em Roma, que mede o final da Renascença em Barroco iniciais. Muitos dos compositores tinham uma conexão direta com o Vaticano ea capela papal, embora eles trabalharam em várias igrejas; estilisticamente são muitas vezes em contraste com a Escola Venetian de compositores, um movimento simultâneo que era muito mais progressiva. De longe o mais famoso compositor da escola romana é Giovanni Pierluigi da Palestrina, cujo nome tem sido associado por quatrocentos anos com lisa, clara perfeição, polifônica.

A breve mas intensa floração do madrigal musical na Inglaterra, principalmente 1588-1627, juntamente com os compositores que os produziram, é conhecido como o Inglês Madrigal School. Os madrigais ingleses estavam a cappella, predominantemente luz em grande estilo, e, geralmente, começou como quer cópias ou traduções diretas de modelos italianos. A maioria era de três a seis vozes.

Musica reservata é ou um estilo ou uma prática desempenho em acappella música vocal desta última, principalmente na Itália e no sul da Alemanha, envolvendo requinte, exclusividade, e expressão emocional intensa do texto cantado.

Além disso, muitos compositores observada uma divisão em suas próprias obras entre uma prima pratica (música no estilo polifónico renascentista) e um seconda pratica (música no novo estilo) durante a primeira parte do século 17.

Maneirismo

No final do século 16, como a época do Renascimento fecha, um estilo extremamente manneristic desenvolve. Na música secular, especialmente no madrigal, houve uma tendência para a complexidade e até mesmo extremo cromatismo (como exemplificado no madrigais de Luzzaschi, Marenzio, e Gesualdo). O termo "maneirismo" deriva da história da arte.

A transição para o barroco

A partir de Florence, houve uma tentativa de reviver as formas dramáticas e musicais da Grécia Antiga, através dos meios de monody, uma forma de música declamado durante um acompanhamento simples; um contraste mais extremo com o estilo polifônico anterior seria difícil encontrar; este também foi, pelo menos no início, uma tendência secular. Esses músicos eram conhecidos como os Florentine Camerata.

Já notamos alguns dos desenvolvimentos musicais que ajudou a inaugurar a Barroco, mas para mais explicações sobre esta transição, ver antífona, concertato, monody, madrigal, e de ópera , bem como as obras apresentadas em "Fontes e leitura adicional."

Para uma discussão mais aprofundada da transição para o barroco referentes especificamente ao instrumento música, ver Transição do Renascimento ao Barroco na música instrumental.

Instrumentos da Renascença

Muitos instrumentos originados durante o Renascimento; outros eram variações de, ou melhorias em cima, instrumentos que existiam anteriormente. Alguns sobreviveram até os dias de hoje; outros desapareceram, apenas para ser recriada, a fim de executar a música do período em actos autênticos. Como nos dias de hoje, os instrumentos podem ser classificados como de bronze, cordas, percussão e sopros.

Instrumentos de bronze de bronze na Renascença eram tradicionalmente desempenhado pelos profissionais. Alguns dos instrumentos de sopro mais comuns que foram jogados:

• Deslize trombeta: Semelhante ao trombone de hoje, excepto que em vez de uma secção do corpo deslizante, apenas uma pequena parte do corpo perto do bocal e do próprio bocal é estacionária. Além disso, o corpo era uma forma de S por isso foi um pouco pesado, mas era adequado para a música de dança lento foi mais comumente utilizado para.

• Cornetto: Feito de madeira e foi jogado como o gravador (será mencionado mais longamente mais tarde), mas soprado como uma trombeta. Ele era comumente feito em vários tamanhos, o maior foi chamado a serpente. A serpente se tornou praticamente o único cornetto usado no início do século XVII, enquanto outras gamas foram substituídos pelo violino. Foi dito ser o instrumento mais próximo da voz humana com a capacidade de usar dinâmica e expressão.

• Trumpet : Primeiros trombetas não tinham válvulas, e foram limitadas aos tons presentes no série subtexto. Eles também foram feitos em tamanhos diferentes. Embora comumente retratado sendo usado por anjos, seu uso em igrejas era limitado, uma exceção proeminente sendo a música do Escola Venetian. Eles foram mais comumente usado nas forças armadas e para o anúncio da realeza. Período trombetas foram encontrados para ter dois anéis soldadas a eles, um perto do bocal e outro perto do sino.

• Sackbut: Um nome diferente para o trombone, que substituiu o trompete de slides até o final do século XV.

Cadeias como uma família cordas foram usados em muitas circunstâncias, tanto sagradas e profanas. Alguns membros desta família incluem:

Realejo

Alaúde

• Viol: Esse instrumento, criado em 1400, comumente tem seis cordas. Foi geralmente tocado com um arco. Ele tem qualidades estruturais semelhantes ao espanhol vihuela; sua principal característica de separação é o seu tamanho maior. Isto mudou a postura do músico, de modo a colocá-la contra o chão ou entre as pernas de um modo semelhante ao violoncelo. Suas semelhanças com a vihuela eram cintura cortes drásticos, fricções semelhantes, uma parte traseira plana, costelas magras e afinação idênticos.

• Lyre: Sua construção é semelhante a uma pequena harpa, embora em vez de ser arrancado, é dedilhada com uma palheta. As cordas variar em quantidade de quatro, sete, dez e, dependendo da época. Foi jogado com a mão direita, enquanto a esquerda silenciado as notas que não foram desejadas. Liras mais recentes foram modificados para ser tocado com um arco.

• Violino : A palavra violino vem da palavra latina meio vitula que significa "instrumento de cordas". As características distintivas do violino são a sua "ampulheta" forma, eo arqueamento da sua parte superior e na parte traseira. A sua produção é de som dependente da sua forma, o tipo de madeira, a espessura e tipo de verniz. A forma mais comum de tocar um violino é com um arco. Ele tem quatro cordas, e é o menor e mais alta-frequência membro da família do violino (que inclui a viola e violoncelo).

• Irish Harp: Também chamado de clarsach em gaélico escocês, ou o Cláirseach em irlandês, durante a Idade Média era o instrumento mais popular da Irlanda e Escócia. Devido a sua importância na história da Irlanda é vista até mesmo no Guinness rótulo, e é símbolo nacional da Irlanda até hoje. Para ser jogado geralmente é arrancado. Seu tamanho pode variar muito de uma harpa que pode ser jogado em uma de colo para uma harpa em tamanho real que é colocado no chão

• Hurdy gurdy: (também conhecido como o violino de roda), no qual as cordas são tocadas por uma roda que as cordas passam sobre. A sua funcionalidade pode ser comparada com a de um violino mecânica, em que a sua curva (roda) é ligado por uma manivela. Seu som característico é principalmente por causa de suas "cordas" drones que proporcionam um passo constante semelhante em seu som ao de gaitas de foles.

• Ver artigo principal: Cittern.

• Ver artigo principal: Lute.

• Ver artigo principal: Cravo.

• Ver artigo principal: Virginal.

Percussão Alguns instrumentos de percussão Renascença incluem o triângulo, os judeus harp, o pandeiro, os sinos, o estrondo-pot, e vários tipos de tambores.

• Tambourine: Nos primeiros tempos o pandeiro era originalmente um tambor de quadro sem os jingles anexados para o lado. Este instrumento logo evoluiu e assumiu o nome do tamborim durante as cruzadas medievais, altura em que adquiriram os jingles. O pandeiro foi encontrado frequentemente com uma única pele, uma vez que tornou fácil para um dançarino de jogar. A pele que circunda quadro é chamado de velino, e produz a batida por atingir a superfície com o dedos, mãos, ou a mão. Também poderia ser jogado por agitação do instrumento, permitindo jingles do pandeiro para "Clank" e "jingles".

• Harpa do judeu : Um instrumento frequentemente conhecida por sua finalidade histórica para os homens "serenata" suas namoradas, Ele mesmo chegou ao ponto de ser banido várias vezes por sua "colocação em perigo em virtude do sexo feminino", acredita-se também que ele foi proibido por causa de sua construção de prata, e devido à grande demanda de prata no século 19 na Áustria este foi outro motivo para a sua proibição. Um instrumento de aço que produz um som usando formas da boca e tentar pronunciar vogais diferentes com aqueles boca. O laço na extremidade dobrada da lingueta do instrumento é arrancado em diferentes escalas de vibração a criação de diferentes tons.

Madeira (aérophones) Os instrumentos de sopro (aérophones) utilizar uma coluna de ar oscilante dentro de um tubo que tem pequenos furos ao longo dela para gerar vibração com o fluxo de ar através do tubo e controlar o comprimento das ondas sonoras produzidas pelo ar vibratório. Um jogador poderia criar esta coluna de ar usando alguns métodos diferentes. O primeiro está soprando através de um buraco boca (como seria feito com flautas). O segundo está soprando em um bocal com uma palheta simples (como seria encontrado com o clarinete ou saxofone) ou uma cana de casal (que é usado com oboés e fagotes).

Os instrumentos de sopro da Idade Média não são o mesmo que instrumentos de sopro modernos. Eles foram mais excêntrico e exótico. Por exemplo, você teria que encontrar sopros modernos caber a posição natural da mão. Madeira na Renascença utilizado furos simples perfurados no instrumento.

• Shawm: Um shawm oriental típico é keyless e é de cerca de um pé de comprimento, com sete buracos de dedo e um buraco do polegar. Os tubos foram também mais comumente feito de madeira e muitos deles tinham esculturas e decorações sobre eles. Ele foi o mais popular instrumento do junco dobro do período de renascimento era comumente usado nas ruas com tambores e trombetas por causa de sua brilhante, penetrante, e muitas vezes som ensurdecedor. Para reproduzir o shawm uma pessoa coloca toda a cana em sua boca, sopra para fora suas bochechas, e sopra para dentro do tubo, enquanto a respiração através de seu nariz.

• Reed tubo: Feita a partir de um único comprimento curto de cana com um bocal, quatro ou cinco buracos para os dedos, e cana formado a partir dele. A cana é feita por cortar uma pequena língua, mas deixando a base instalada. É o antecessor do saxofone e clarinete.

• Hornpipe: Igual ao flauta de cana, mas com um sino no final.

• Bagpipe / Bladderpipe: Acredite ter sido inventado por pastores que pensavam usar um saco feito de ovelha ou de cabra pele e proporcionaria a pressão do ar de modo que quando o seu jogador toma uma respiração, o jogador só precisa apertar o saco enfiado debaixo do braço para continuar o tom. O tubo de boca tem uma peça redonda simples de couro dependia até o fim bolsa do tubo e age como uma válvula anti-retorno.

• Panpipe: Projetado para ter dezesseis tubos de madeira com uma rolha em uma extremidade e aberto na outra. Cada tubo é de um tamanho diferente de um tom diferente para dar uma gama de uma oitava e uma meia. O jogador pode então colocar seus lábios contra o tubo desejado e soprar através dele.

• Flauta transversal: A flauta transversal é semelhante à flauta moderna, com um buraco boca perto do fim e do dedo buracos tapados ao longo do corpo. Ele usa os mesmos princípios básicos como o Panpipes.

• Recorder : O gravador é o instrumento comum que é usado ainda hoje (muitas vezes ensinada às crianças nas escolas primárias). Ao invés de uma cana ele usa um pedaço boca assobiador, que é um bico em forma de peça para a boca, como sua principal fonte de produção de som. Geralmente é feita com sete buracos de dedo e um buraco do polegar.