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Rococó

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Um estilo de arte francesa do século 18 e design de interiores, quartos em estilo Rococó foram concebidos como obras de arte total, com mobiliário elegante e ornamentado, pequenas esculturas, espelhos decorativos, tapeçaria e arquitetura complementação, relevos e pinturas murais. Ele foi largamente suplantado pelo neoclássico estilo.

Lado norte da Catherine Palace em Tsarskoye Selo - pátio transporte: todos os detalhes de estuque brilharam com o ouro até 1773, quando Catarina II tinha substituído douramento com tinta verde-oliva monótono.
O salão de baile do Catherine Palace em Tsarskoye Selo
O Rococo Basílica em Ottobeuren (Bavaria): espaços arquitetônicos fluir juntos e enxame com a vida

A palavra Rococo é visto como uma combinação do rocaille francês, ou shell, eo barocco italiano, ou barroco estilo. Devido ao amor Rococo de curvas em forma de concha e foco em artes decorativas, alguns críticos usou o termo para sugerir pejorativamente que o estilo era frívola ou meramente moda; Curiosamente, quando o termo foi usado pela primeira vez em Inglês em cerca de 1836, foi um significado coloquialismo "old-fashioned". No entanto, desde meados do século 19, o termo foi aceito pela os historiadores de arte. Embora ainda haja algum debate sobre o significado histórico do estilo à arte em geral, rococó é agora amplamente reconhecida como um importante período no desenvolvimento da arte européia.

Desenvolvimento histórico

Rococo desenvolvido primeiramente nas artes decorativas e design de interiores. Sucessão de Luís XV trouxe uma mudança nos artistas da corte e da forma artística em geral. Até o final do reinado do velho rei, ricos desenhos barrocos foram dando lugar a elementos mais leves com mais curvas e padrões naturais. Estes elementos são evidentes nos projetos arquitetônicos de Nicolas Pineau. Durante o Régence, a vida da corte afastou-se Versailles e essa mudança artística tornou-se bem estabelecida, primeiro no palácio real e, em seguida, toda a sociedade alta francesa. A delicadeza ea jovialidade de modelos Rococó é muitas vezes visto como perfeitamente em sintonia com os excessos de Regime de Luís XV.

Década de 1730 representou o auge do desenvolvimento Rococo na França. O estilo se espalhou além da arquitetura e mobiliário à pintura e à escultura, exemplificado pelas obras Antoine Watteau e François Boucher. Rococo ainda manteve o gosto barroco para formulários complexos e intrincados padrões, mas por este ponto, ele tinha começado a integrar uma variedade de características diversas, incluindo o gosto pelo design oriental e composições assimétricas.

O estilo rococó espalhar com artistas franceses e publicações gravadas. Foi prontamente recebidas nas áreas católicas da Alemanha , Bohemia e ?ustria , onde foi fundida com as animadas tradições barroco alemão. Alemão rococó foi aplicado com entusiasmo para igrejas e palácios, particularmente no sul, enquanto Frederician rococó desenvolvido no Reino da Prússia. Arquitetos muitas vezes envolto seus interiores em nuvens de estuque branco macio. Em Itália , os estilos barroco tardio de Borromini e Guarini definir o tom para Rococo em Turim, Veneza, Nápoles e Sicília, enquanto as artes na Toscana e Roma permaneceu mais apegada ao barroco.

Le Dejeuner por François Boucher, demonstra elementos de rococó. (1739, Louvre)

Rococó na Inglaterra sempre foi pensado como o "gosto francês". Os stylings arquitetônicas nunca pegou, apesar da ourivesaria, porcelanas, e sedas foram fortemente influenciados pelo estilo continental. Thomas Chippendale transformado Inglês design de móveis através de sua adaptação e refinamento do estilo. William Hogarth ajudou a desenvolver uma base teórica para Rococo beleza. Embora não intencionalmente fazendo referência ao movimento, ele argumentou em seu Análise da beleza (1753) que as linhas onduladas e curvas S proeminentes em Rococo foram a base para a graça e beleza na arte ou na natureza (ao contrário da linha recta ou no círculo de Classicismo). O desenvolvimento de rococó na Inglaterra é considerada ter sido ligada com a ressurgimento do interesse em Arquitetura gótica no início do século 18.

O começo do fim para Rococo veio no início dos anos 1760 como figuras como Voltaire e Jacques-François Blondel começou a exprimir a sua crítica à superficialidade e à degeneração da arte. Blondel lamentou a "confusão ridícula de escudos, dragões, juncos, de palmas e plantas" em interiores contemporâneos . Por 1785, Rococo tinha passado fora de moda na França, passa a ter a ordem e seriedade de artistas neoclássicos como Jacques Louis David. Na Alemanha, final do século 18 rococó foi riduculed como Zopf und Perücke ("pigtail e periwig"), e esta fase é muitas vezes referida como Zopfstil. Rococo-se popular nas províncias e na Itália, até a segunda fase do neoclassicismo, " Estilo império ", chegou com os governos de Napoleão e varreu Rococo distância.

Houve um interesse renovado em estilo rococó entre 1820 e 1870. O Inglês foram os primeiros a reviver o "estilo de Louis XIV", como era chamado erroneamente num primeiro momento, e paga preços inflacionados para segunda mão Rococó bens de luxo que poderiam ser mal vendidos em Paris. Mas os artistas de destaque, como Delacroix e patronos como Imperatriz Eugénie também redescobriu o valor da graça e diversão em arte e design.

Rococo em diferentes modos artísticos

Móveis e objetos decorativos

Os temas alegres e intrincados desenhos de cheiro Rococo apresentaram-se melhor em uma escala menor do que a arquitetura barroca imponente e escultura. Não é de estranhar, então, que a arte rococó francês estava em casa dentro de casa. Trabalho de Metal, figuras de porcelana, babados e especialmente móveis subiu para nova preeminência como as classes superiores franceses procurou equipar suas casas no estilo agora na moda.

Estilo rococó teve o prazer de assimetria, um gosto que era novo para o estilo europeu. Esta prática de deixar elementos desequilibrada para o efeito é chamado de contraste.

Em um design full-blown Rococo, como a Table d'appartement (cerca de 1730), pelo designer alemão JA Meissonnier, trabalhando em Paris (ilustração abaixo), qualquer referência à forma tectônica está desaparecido: até mesmo o top laje de mármore é dado forma . Avental, pernas, maca foram todos perfeitamente integrados em um fluxo de oposição c-pergaminhos e "rocaille". O nó (noeud) da maca mostra o "contraste" assimétrica que foi uma inovação rococó.

Projeto para uma mesa por Juste-Aurèle Meissonnier, Paris ca 1730

Para as pequenas figuras de plástico de gesso , argila , biscuit, porcelana ( Sèvres, Meissen), Rococo não é inadequado; em madeira, ferro, metal e real, ele criou algumas valiosas obras. No entanto, confessionários, púlpitos, altares, e até fachadas levar cada vez mais em território do arquitetônica, o que não é fácil combinar com as curvas do rococó, a luz eo mesquinho, com formulários cujos onde e por que pergunta defletor.

Dinastias de ebanistas parisiense, alguns deles nascido na Alemanha, desenvolveu um estilo de superfícies curvas em três dimensões (bombe), onde combinaram folheados ( marchetaria temporariamente estar em eclipse) ou vernis martin envernizamento foi facilmente complementado por porca-bronze () monta "ormolu": Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, François Oeben, Bernard II van Risenbergh são os nomes pendentes.

Designers franceses como François de Cuvilliés, Nicholas Pineau e Bartolomeo Rastrelli exportados estilos parisienses em pessoa para Munique e São Petersburgo , enquanto o alemão Juste-Aurèle Meissonier teve sua carreira em Paris. Os espíritos orientadores do rococó parisiense eram um pequeno grupo de marchands-merciers, os precursores dos modernos decoradores, liderados por Simon-Philippenis Poirier.

Em França, o estilo permaneceu um pouco mais reservado, uma vez que os ornamentos eram em sua maioria de madeira, ou, depois da moda de madeira de escultura, menos robusta e naturalista e menos exuberante na mistura de natural com formas artificiais de todos os tipos (por exemplo, motivos de plantas, representações stalactitic, grotescos, máscaras, instrumentos de várias profissões, crachás, pinturas, pedras preciosas).

Inglês Rococo tendiam a ser mais contido. Mobiliário desenhos de Thomas Chippendale manteve as curvas e sentir, mas não chegou a alturas francesas de irrisório. O expoente mais bem sucedido de Inglês rococó foi, provavelmente, Thomas Johnson, um escultor e designer de móveis talentoso trabalhando em Londres, em meados dos anos 1700.

Design de Interiores

Um interior Rococo em Gatchina.

Palácio da Solidão em Stuttgart e Palácio chinês em Oranienbaum, o Igreja bávara de Wies e Sanssouci em Potsdam são exemplos de como Rococo fez o seu caminho em arquitectura europeia.

Nesses contextos Continental onde Rococo está totalmente no controle, esportiva, fantástico, e formas esculpidas são expressos com ornamento abstrato usando flamejante, frondoso ou texturas shell-like em varreduras e floreios assimétricos e curvas quebrados; Rococó interiores íntimos suprimir divisões arquitectónicas de arquitrave, friso e cornija para o pitoresco, o curioso, e lunático, expressa em materiais plásticos como madeira esculpida e acima de tudo estuque (como no trabalho do Wessobrunner Escola). Paredes, teto, mobiliário e obras de metal e porcelana apresentar um conjunto unificado. A paleta de Rococo é mais suave e mais pálido do que os ricos cores primárias e tonalidades escuras favorecidas no gosto barroco.

Algumas sugestões anti-arquitectónicos rapidamente evoluiu para full-blown Rococo no final da década de 1720 e começou a afetar interiores e artes decorativas em toda a Europa. As formas mais ricas de alemão Rococo estão em Católica Alemanha (ilustração acima).

Movimento rococó anima a fachada da Catedral, Cádiz

Gesso rococó por imigrantes artistas italiano-suíças como Bagutti e Artari é uma característica das casas por James Gibbs, eo Franchini irmãos que trabalham na Irlanda igualou tudo o que foi tentado na Inglaterra.

Inaugurado em alguns quartos em Versalhes, ela se desenrola a sua magnificência em vários edifícios parisienses (especialmente o Hôtel Soubise). Na Alemanha, francês e artistas alemães ( Cuvilliés, Neumann, Knobelsdorff, etc.) efetuado o equipamento digna do Amalienburg perto de Munique , e os castelos de Würzburg, Potsdam, Charlottenburg, Brühl, Bruchsal, Solitude ( Estugarda ), e Schönbrunn.

Na Inglaterra, um dos Hogarth conjunto de pinturas que formam um conto moral melodramática intitulado Marriage à la Mode, gravado em 1745 's, mostra os quartos parada de uma elegante casa de Londres, em que a única rococó está em gesso do teto do salão. Palladian arquitetura está no controle. Aqui, no Mantel Kentiana, a multidão de vasos e mandarins chineses estão satiricamente processado como monstruosidades pequenos hediondos, eo relógio de parede rococó é um emaranhado de ramos frondosos.

Pintura

Peregrinação a Cythera por Jean-Antoine Watteau, capta a frivolidade ea sensualidade da pintura rococó. (1721, Louvre)

Embora Rococo originado nas artes puramente decorativas, o estilo mostrou claramente na pintura. Esses pintores usado cores delicadas e formas curvas, decoração de suas telas com querubins e mitos de amor. Retratista também foi popular entre os pintores Rococó. Alguns trabalhos mostram uma espécie de malícia ou impureza no comportamento de seus temas, mostrando a tendência histórica de partida longe de orientação Igreja / Estado do barroco. Paisagens eram pastoral e muitas vezes representado os passeios de lazer de casais aristocráticas.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) é geralmente considerado o primeiro grande pintor rococó. Ele teve uma grande influência em pintores posteriores, incluindo François Boucher (1703-1770) e Jean-Honouré Fragonard (1732-1806), dois mestres do período tardio. Mesmo Thomas Gainsborough 's (1727-1788) toque delicado e sensibilidade são um reflexo do espírito rococó.

Escultura

Escultura foi outra área que os artistas Rococo ramificou-se em. Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) é considerado um dos melhores representantes do rococó francês. Em geral, este estilo foi melhor expressa através da escultura de porcelana delicada em vez de impor estátuas de mármore. Falconet mesmo era diretor de uma fábrica de porcelana famoso em Sèvres. Os temas de amor e alegria foram refletidos na escultura, assim como elementos da natureza, linhas e assimetria curvar.

O escultor Bouchardon representado Cupido envolvido em carving seus dardos de amor do clube de Hercules; isso serve como um excelente símbolo da Rococo style-o semideus é transformado no filho suave, o clube osso torna-se estilhaçando as setas do coração-mordaz, assim como mármore é substituído tão livremente por estuque. A este respeito, os escultores franceses, Robert le Lorrain, Michel Clodion, e Pigalle pode ser mencionado de passagem.

Música

O Galante Estilo era o equivalente a Rococo em história da música, também, entre o barroco e clássico, e não é fácil de definir em palavras. O estilo de música rococó próprio desenvolveu a partir da música barroca, particularmente na França. Ele pode ser caracterizado como música íntima com formas decoração extremamente refinados. Exemplares incluem Jean Philippe Rameau e Louis-Claude Daquin.

A pintura de Boucher (acima) fornece um vislumbre da sociedade que Rococo refletida. "Cortês" seria pretensioso neste círculo burguesa superior, mas o gesto do homem é galante. O interior elegante, mas aconchegante, a intimidade decoroso informal dos costumes das pessoas, os detalhes curiosos e deliciosos em toda parte um vira um olho, o luxo de tomar chocolate: todos são "galante".

Rococo "mundanidade" ea Igreja Católica Romana

Uma visão crítica da natureza inadequada Rococo em contextos eclesiásticos foi retomado pela Enciclopédia Católica:

Dicas de estilo rococó pode ser discernido nas igrejas pelo mestre Português-brasileiro Aleijadinho.
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Para a igreja estilo rococó pode ser, de um modo geral, em comparação com a música da igreja mundana. Sua falta de simplicidade, sinceridade, e repouso é evidente, enquanto a sua artificialidade intrusivos, artificialidade, e trivialidade ter um efeito perturbador. Sua suavidade e beleza também não se tornar a casa de Deus. No entanto, despojada de suas conseqüências mais graves, pode ter sido menos distração durante sua época adequada, uma vez que, em seguida, harmonizado com o espírito da época.

Como um desenvolvimento do barroco, ela será encontrada uma decoração congruous para igrejas barrocas.

Em geral, faz uma grande diferença se o estilo é usado com moderação na forma mais fina e mais engenhoso dos mestres franceses, ou é levada a extremos com a consistência de o alemão. Os artistas franceses parecem nunca ter considerado a beleza de toda a composição como o principal objeto, enquanto o alemão colocou mais pressão sobre o vigor corajoso das linhas; assim, a falta de simetria não foi tão exagerada nas obras da antiga.

Na igreja Rococo por vezes poderá ter o charme de beleza, agradando pela sua engenhosa técnica, desde os objetos ser pequeno e subordinado: a mesa credibilidade com galhetas e placa, um vaso, uma secretária coro, lâmpadas, canetas, chave e fechadura, grades ou balaustrada, não muito corajosamente desafiar o olho, e cumprir todos os requisitos da mera beleza da forma.

Rococo é de fato realmente vazia, apenas um jogo agradável da fantasia. Na sacristia (para impressoras etc.) e câmaras ante é mais adequado do que na própria igreja, pelo menos até agora como o seu emprego em locais bem visíveis está em causa.

Os acordos de estilo rococó muito doentes com o escritório solene da ostensório, o tabernáculo, eo altar, e até mesmo do púlpito. O naturalismo de certas belgas púlpitos, apesar ou talvez por conta de seu caráter artístico, tem o mesmo efeito que têm criações Rococó francos.

O objectivo da confessional ea batistério também parece exigir formas mais fervorosos.

No caso dos objetos maiores, a escultura de formas Rococó ou parece bastante, ou, se esta lindeza ser evitado, se assemelha barroco. As fantasias deste estilo concorda mal com as paredes altas e largas da igreja. No entanto, tudo deve ser decidido de acordo com o objeto e circunstâncias; as bancas na catedral de Mainz provocar não só a nossa aprovação, mas também a nossa admiração, enquanto o altar privilegiado célebre de Vierzehnheiligen nós dois repele por suas formas e sua decoração de plástico.

Há certos cálices Rococó (como que no mosteiro de Einsiedeln), que são, por assim dizer, decorado em festivo leque de escolha; há outros, que são mais ou menos deformada devido às suas curvas salientes ou figuras. Lustres e luminárias também podem ser desfigurado por shellwork intrusivos ou quer de toda a simetria, ou pode em meio a grande decorativeness ser mantida dentro de limites razoáveis.

O material e técnica também são de conseqüência em rococó. Materiais tecidos, esculturas em madeira, e trabalha em gesso de Paris são, evidentemente, menos intrusivos do que obras em outros materiais, quando empregam o sportive Rococo. Ferro (especialmente em trilhos) e bronze perdem a sua frieza e dureza, quando animado pelo estilo rococó; no caso deste último, douração podem ser utilizados com vantagem. Gilding e pintura pertence aos meios regulares através do qual este estilo, em determinadas circunstâncias, encanta os olhos e fantasia. Todas as coisas consideradas, podemos dizer do estilo rococó, como não tem sido dito injustificadamente do Barroco e do Renascimento-que é muito susceptível de introduzir um espírito mundano na Igreja, mesmo se nós negligenciamos os acessórios figurativas, que são frequentemente em nada propício para sentimentos de devoção, e são incompatíveis com a sobriedade ea grandeza da arquitetura e com a seriedade das funções sagradas.

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