A Sagração da Primavera

A Sagração da Primavera, título francês Le Sacre du printemps ( russo : «Весна священная», Vesna svyashchennaya) é um balé e trabalho concerto orquestral do compositor russo Igor Stravinsky . Foi escrito para a temporada 1913 de Paris de Sergei Diaghilev do Ballets Russes empresa, com coreografia de Vaslav Nijinsky e cenografia e figurinos de Nicholas Roerich. Quando o ballet foi realizada pela primeira vez, no Théâtre des Champs-Élysées em 29 de Maio de 1913, o avant-garde natureza da música e coreografia causou um quase motim na platéia. Embora concebido como uma obra para o palco, com passagens específicas que acompanha personagens e ação, a música alcançou sucesso crescente como uma peça de concerto e mais tarde tornou-se reconhecida como uma das obras musicais mais influentes do século 20. É amplamente realizada na sala de concertos, e é freqüentemente revividos no palco.

Stravinsky era um jovem, compositor praticamente desconhecido quando Diaghilev recrutou-o para criar obras para os Ballets Russes. O Rito foi o terceiro projeto como este, após o aclamado O Firebird (1910) e Petrushka (1911). O conceito por trás de The Rite, desenvolvido pela Roerich de idéia esboço de Stravinsky, é sugerido por sua legenda, "Imagens de Pagan Rússia em duas partes"; no cenário, depois de vários rituais primitivos que comemoram a chegada da primavera, uma jovem garota é escolhida como vítima sacrificial e dança até a morte. Depois de uma recepção crítica mista para seu funcionamento original e uma pequena turnê de Londres, o balé era unperformed até a década de 1920, quando uma versão coreografada por Léonide Massine substituído original de Nijinsky. Massine de foi o precursor de muitas produções inovadoras dirigidas pelos principais mestres de ballet do mundo, que ganhou a aceitação mundial do trabalho. Na década de 1980, coreografia original de Nijinsky, acreditado por muito tempo perdida, foi reconstruída pelo Joffrey Ballet em Los Angeles.

Pontuação de Stravinsky contém muitos recursos que estavam romance para o seu tempo, incluindo experimentos em tonalidade, metro, ritmo, estresse e dissonância. Os analistas têm notado na pontuação uma base significativa na música popular russa, uma relação que Stravinsky tendiam a negar. A música tem influenciado muitos dos principais compositores do século 20 e é uma das obras mais gravadas do repertório clássico.

Fundo

Stravinsky, esboçado por Picasso

Igor Stravinsky era o filho de Fyodor Stravinsky, o principal baixo no Imperial Opera, St Petersburg , e Anna, née Kholodovskaya, um cantor amador competente e pianista de um velho-estabelecido família russa. A associação de Fyodor com muitas das principais figuras música russa, incluindo Rimsky-Korsakov , Borodin e Mussorgsky, significava que Igor cresceu em uma casa intensamente musical. Em 1901 Stravinsky começou a estudar Direito na St Petersburg University, tendo aulas particulares de harmonia e contraponto. Tendo impressionado Rimsky-Korsakov com alguns de seus esforços iniciais de composição, Stravinsky trabalhou sob a orientação do compositor mais velho. Na época da morte de seu mentor em 1908 Stravinsky tinha produzido vários trabalhos, entre eles um Sonata para Piano em Fá sustenido menor (1903-1904), um Sinfonia em Mi bemol maior (1907), que ele catalogou como "Opus 1", e em 1908 uma peça orquestral curto, Fogo de artifício ("Fogos de artifício").

Em 1909 fogo de artifício foi realizada em um concerto em São Petersburgo. Entre aqueles na platéia foi o empresário Sergei Diaghilev, que na época estava planejando introduzir a música do russo e arte a audiências ocidentais. Como Stravinsky, Diaghilev tinha inicialmente estudou Direito, mas tinha gravitado via jornalismo no mundo teatral. Em 1907, ele começou sua carreira teatral, apresentando cinco concertos em Paris; no ano seguinte ele apresentou a ópera de Mussorgsky Boris Godunov. Em 1909, ainda em Paris, ele lançou o Ballets Russes, inicialmente com Borodin de Danças de Polovtsian Príncipe Igor e Rimsky-Korsakov de Scheherazade. Para apresentar essas obras Diaghilev recrutou o coreógrafo Michel Fokine, o designer Léon Bakst ea dançarina Vaslav Nijinsky. A intenção de Diaghilev, no entanto, era produzir novos trabalhos em um estilo distintamente do século 20, e ele estava olhando para o talento de composição fresco. Tendo ouvido Feu d'artifice ele se aproximou de Stravinsky, inicialmente com um pedido de ajuda para orquestrar músicas de Chopin para criar o balé Les Sylphides. Stravinsky trabalhou na abertura "Nocturne" eo encerramento "Valse Brillante"; sua recompensa era uma comissão muito maior, para escrever a música para um novo balé, O Firebird (L'oiseau de feu) para a temporada 1910.

Stravinsky trabalhou durante o inverno de 1909-1910, em estreita associação com Fokine que estava coreografando O Firebird. Durante este período, Stravinsky fez o conhecimento de Nijinsky, que, apesar de não dançar no balé, era um observador atento do seu desenvolvimento. Stravinsky foi uncomplimentary ao gravar suas primeiras impressões sobre a dançarina, observando que ele parecia imatura e gauche para sua idade (tinha 21 anos). Por outro lado Stravinsky encontrado Diaghilev uma inspiração, "a própria essência de uma grande personalidade". O Firebird foi estreada em 25 de Junho de 1910, com Tamara Karsavina no papel principal, e foi um grande sucesso de público. Isso garantiu que a colaboração Diaghilev-Stravinsky continuaria, em primeira instância, com Petrushka (1911) e, em seguida, A Sagração da Primavera.

Sinopse e estrutura

Stravinsky descreveu A Sagração da Primavera como "uma obra musical-coreográficos, [que representa] pagão Rússia ... unificada por uma única idéia: o mistério e grande surto do poder criativo da Primavera". O trabalho não tem trama ou narrativa específico, mas deve ser considerado como uma sucessão de episódios coreografia.

Os títulos franceses de peças e movimentos são dadas na forma estabelecida em 1913. Houve inúmeras variantes das traduções para o inglês; aqueles mostrados são da edição 1967 da partitura.

Criação

Concepção

Sergei Diaghilev, diretor do Ballets Russes 1909-1929, como pintado por Léon Bakst

Stravinsky deu relatos contraditórios sobre a gênese do The Rite. Em um artigo de 1920, ele tinha sublinhado que as idéias musicais tinha chegado em primeiro lugar, que a definição de pagão havia sido sugerido pela música, em vez de o contrário. No entanto, em sua autobiografia 1936, ele descreveu a origem da obra assim: "Um dia [em 1910], quando eu estava terminando as últimas páginas do L'Oiseau de Feu em São Petersburgo, eu tive uma visão fugaz ... Eu vi na minha imaginação um rito pagão solene:.. anciãos sábio, sentados em círculo, observando uma jovem dançar até a morte Estavam sacrificando sua propiciar o deus da Primavera Tal foi o tema do Sacre du Printemps ". Em 1969 Stravinsky produziu uma outra conta da evolução da The Rite, no qual ele reconheceu seu anterior "falha de memória". Em 1907 e 1908 Stravinsky com música por dois poemas Gorodetsky. Um terceiro poema na mesma antologia em causa a escolha de uma donzela por um velho bruxo para ser sacrificado para Yarila, deus da Primavera.

Em qualquer caso, por maio 1910 Stravinsky estava discutindo a idéia com Nicholas Roerich, o especialista russo mais importante na arte popular e rituais antigos. Roerich tinha uma reputação como artista e místico, e tinha fornecido os Cenografia para 1909 a produção de Diaghilev das Danças Polovtsian. O par rapidamente a acordo sobre um título de trabalho, "O Grande Sacrifício" (em russo: Velikaia zhertva); Diaghilev deu a sua bênção para o trabalho, embora a colaboração foi colocado em espera por um ano, enquanto Stravinsky foi ocupada com a sua segunda maior comissão para Diaghilev, o balé Petrushka.

Em julho 1911 Stravinsky visitou Talashkino, perto Smolensk, onde Roerich estava hospedado com a Princesa Maria Tenisheva, um patrono das artes observou e um patrocinador da revista de Diaghilev World of Art. Aqui, ao longo de vários dias, Stravinsky e Roerich finalizou a estrutura do ballet. Thomas F. Kelly, em sua história da estréia Rite, sugere que o cenário pagão de duas partes que emergiu foi elaborado principalmente por Roerich. Stravinsky mais tarde explicou Nikolai Findeyzen, o editor da Gazeta Musical Russa, que a primeira parte do trabalho seria chamado de "O Beijo da Terra", e consistiria de jogos e danças rituais interrompidos por uma procissão de sábios, culminando em uma dança frenética como as pessoas abraçaram a primavera. A segunda parte, "O Sacrifício", terá um aspecto mais escuro; jogos noturnos secretos de donzelas, levando à escolha de um para o sacrifício e sua eventual dança até a morte diante dos sábios. O título do trabalho original foi alterado para "Santo Primavera" (em russo: Vesna sviashchennaia), mas o trabalho tornou-se geralmente conhecido pela prestação francês Le Sacre du Printemps, com o subtítulo "Tableaux de la Russie païenne en deux partes", ou o seu Inglês equivalente A Sagração da Primavera, com o subtítulo "Fotos de Pagan Rússia em duas partes".

Composição

Clarens, na Suíça (fotografia moderna), onde a maioria de A Sagração da Primavera foi composta

Sketchbooks de Stravinsky mostram que depois de voltar para sua casa em Ustilug na Ucrânia, em setembro de 1911, ele trabalhou em dois movimentos, os "augura de Primavera" e da "Primavera rounds". Em outubro, ele deixou para Ustilug Clarens, na Suíça, onde em uma pequena e escassamente mobiliada sala de oito pé quadrado, com apenas um piano, uma mesa e duas cadeiras, ele trabalhou durante todo o inverno 1911-1912 na pontuação. Em março de 1912, de acordo com a cronologia sketchbook, Stravinsky tinha completado Parte I e tinha redigido tanto da parte II. Ele também preparou uma versão para piano a duas mãos, posteriormente perdido, o que ele pode ter usado para demonstrar o trabalho de Diaghilev eo condutor Russes Ballet Pierre Monteux em abril de 1912. Ele também fez um arranjo para piano a quatro mãos, que se tornou a primeira versão publicada de A Sagração; ele eo compositor Claude Debussy jogou o primeiro semestre deste juntos, em junho 1912.

Na sequência da decisão de Diaghilev para atrasar a estreia até 1913, Stravinsky colocá O Rito de lado durante o verão de 1912. Ele gostava da temporada Paris, e acompanhada Diaghilev ao Festival de Bayreuth para assistir a uma performance de Parsifal. Stravinsky retomou o trabalho em The Rite, no Outono; os cadernos indicam que ele tinha terminado o contorno da dança final sacrificial em 17 de novembro de 1912. Durante os restantes meses do inverno, ele trabalhou na partitura orquestral completa, que ele assinado e datado como "concluída em Clarens, 08 de março de 1913". Colaborador em Clarens no momento com Maurice Ravel em uma adaptação de Mussorgsky Khovanshchina, ele mostrou o manuscrito de Ravel, que estava muito entusiasmado com ele e previu, em uma carta a um amigo que o primeiro desempenho do Sacre seria tão importante como a estréia de Debussy Pelléas et Mélisande. Após os ensaios de orquestra começou no final de março, Monteux chamou a atenção do compositor de várias passagens que estavam causando problemas: chifres inaudíveis, um solo de flauta afogado por metais e cordas, e vários problemas com o equilíbrio entre os instrumentos na seção de bronze durante episódios fortíssimo. Stravinsky alterado estas passagens, e tão tarde quanto abril ainda estava revisando e reescrevendo as barras finais do "Dance sacrificial". Revisão da pontuação não terminou com a versão preparada para a estréia 1913; em vez disso, Stravinsky continuou a fazer mudanças para os próximos 30 anos ou mais. De acordo com Van den Toorn, "[n] o outro trabalho de Stravinsky passou por uma série de tais revisões pós-estréia".

Stravinsky reconheceu que fagote abertura melodia do trabalho foi derivado de uma antologia de canções folclóricas lituanas, mas sustentou que este era o seu único empréstimo de tais fontes; se outros elementos soou como música popular aborígene, disse ele, foi devido a "alguns inconsciente memória 'folk'". No entanto, o estudioso Stravinsky Lawrence Morton identificou vários mais melodias na Parte I como tendo a sua origem na coleção lituana. Mais recentemente Richard Taruskin descobriu a transposição para o trabalho de um dos "Cem russos Canções Nacionais" de Rimsky-Korsakov. Taruskin observa o paradoxo de The Rite, geralmente reconhecido a mais revolucionária das primeiras obras do compositor, é de fato enraizado nas tradições da música russa.

Realização

Nijinsky em 1911, representado por John Singer Sargent no traje por seu papel em Ballet de Nikolai Tcherepnin Le Pavillion d'Armide.

Taruskin listou uma série de fontes que Roerich consultados ao criar seus projetos. Entre estes são O Chronicle Primária, um compêndio de costumes pagãos início do século 12, e O estudo de Alexander Afanasyev do folclore camponês e pré-história pagã. Coleção de figurinos de The Princess Tenisheva foi uma fonte de inspiração cedo. Quando os projetos estavam completos, Stravinsky expressou o prazer e os declarou "um verdadeiro milagre".

O relacionamento de Stravinsky com seu outro colaborador principal, Nijinsky, foi mais complicado. Diaghilev decidiu que o gênio de Nijinsky como dançarina iria traduzir para o papel de ballet-mestre; ele não foi dissuadido quando a primeira tentativa de Nijinsky na coreografia, Debussy L'après-midi d'un faune, causou polêmica e quase escândalo por causa de novos movimentos estilizados do bailarino e seu gesto abertamente sexual no fim do trabalho. Resulta da correspondência contemporânea que, pelo menos inicialmente, Stravinsky viram talentos de Nijinsky como coreógrafo com a aprovação; uma carta que enviou ao Findeyzen elogia "zelo apaixonado e abnegação completa" do dançarino. No entanto, em suas memórias 1936 Stravinsky escreve que a decisão de empregar Nijinsky neste papel encheu-o de apreensão; embora ele admirava Nijinsky como dançarina ele não tinha confiança nele como coreógrafo: "... o pobre rapaz não sabia nada de música que ele poderia nem ler nem tocar qualquer instrumento.". Mais tarde ainda, Stravinsky seria ridicularizar donzelas dança de Nijinsky como "knock-kneed e longo trançado Lolitas". Stephen Walsh, um dos principais analistas Stravinsky, sugeriu que a recusa tardia da coreografia de Nijinsky, juntamente com a negação de influências de música folclórica, fazia parte de uma tentativa do compositor, então no exílio, para minimizar raízes e influências russas da música.

Relato autobiográfico de Stravinsky refere-se a muitos "incidentes dolorosos" entre o ballet-mestre e os dançarinos durante o período de ensaio. No início de 1913, quando Nijinsky era mal atrasada, Stravinsky foi advertido por Diaghilev que "a menos que você vir aqui imediatamente ... a Sacre não terá lugar". Os problemas foram superados lentamente, e quando os ensaios finais foram realizadas maio 1913 os dançarinos parecem ter dominado as dificuldades do trabalho. Mesmo encenador cética de Ballets Russes, Serge Grigoriev, estava cheio de elogios para a originalidade e dinamismo da coreografia de Nijinsky.

O maestro Pierre Monteux tinha trabalhado com Diaghilev desde 1911, e tinha sido encarregado da orquestra na estréia de Petrushka. A primeira reação de Monteux para The Rite, depois de ouvir Stravinsky jogar uma versão piano, era para sair da sala e encontrar um canto sossegado. Embora ele iria exercer as suas funções com profissionalismo consciente, ele nunca chegou a desfrutar do trabalho; quase 50 anos após a estréia ele disse inquiridores que ele detestava. Em 30 de março Monteux informado Stravinsky de modificações que ele achava que eram necessárias, e talvez só recebeu a pontuação final concluída no final de abril de 1913. A orquestra, elaborada principalmente a partir da Concerts Colonne em Paris, continha 99 jogadores. A primeira parte do ballet recebeu dois ensaios de orquestra completa em março, antes de Monteux ea empresa partiu para executar em Monte Carlo. Os ensaios retomado quando eles voltaram, Stravinsky única de chegar em Paris em 13 de Maio, de modo que o número invulgarmente elevado de ensaios, apenas dezessete anos de orquestra e cinco com os dançarinos, teve que ser montado na quinzena antes da abertura, enquanto performances e ensaios de outra música continuou.

A música continha tantas combinações de notas incomuns que Monteux tiveram que pedir aos músicos para parar de interromper quando eles pensaram que tinham encontrado erros na pontuação, dizendo que ele iria dizer-lhes se algo foi jogado de forma incorreta. "Os músicos pensei que absolutamente louco" ;. Em um ponto, um bronze clímax fortíssimo, a orquestra se separou em risadas nervosas ao ouvir o som, fazendo com que Stravinsky para intervir com raiva.

O papel da vítima sacrificial era para ter sido dançado pela irmã de Nijinsky, Bronislava Nijinska; quando ficou grávida durante os ensaios, ela foi substituído pelo então relativamente desconhecido Maria Piltz.

O historial de performance e recepção

Premiere

O New York Times informa que a estréia sensacional Rite, nove dias após o evento

Paris de Théâtre des Champs-Élysées foi uma nova estrutura, que havia aberto em 02 de abril de 1913 com um programa celebrando as obras de muitos dos principais compositores do dia. O gerente do teatro, Gabriel Astruc, estava determinado a abrigar a temporada 1913 Ballets Russes, e pagou Diaghilev a grande soma de 25.000 francos por desempenho, o dobro do que ele havia pago no ano anterior. As vendas de ingressos para a noite, os preços dos bilhetes sendo duplicada para uma estréia, ascendeu a 35.000 francos. O programa para 29 de maio de 1913 também incluiu Les Sylphides, Weber Le Spectre de la Rosa e Polovtsian Danças de Borodin.

Na época, um público de balé em Paris normalmente consistiu de dois grupos diferentes: o conjunto rico e elegante, que estaria à espera de ver um desempenho tradicional com música bonita, e uma Grupo "Bohemian" quem, o poeta-filósofo Jean Cocteau afirmou, seria "aclamação, certo ou errado, tudo o que é novo por causa de seu ódio das caixas". Ensaios finais foram realizadas no dia antes da estréia, na presença de membros da imprensa e diversos convidados. De acordo com Stravinsky tudo correu pacificamente. No entanto, o crítico de L'Écho de Paris, Adolphe Boschot, previu possíveis problemas; ele se perguntava como o público iria receber o trabalho, e sugeriu que eles podem reagir mal se eles achavam que estavam sendo ridicularizado.

Na noite do 29 de maio o teatro estava lotado: Gustav Linor relatou: "Nunca ... tem o salão foi tão completo, tão ou resplandecente, as escadas e os corredores estavam cheios de espectadores ansiosos para ver e ouvir". A noite começou com Les Sylphides, em que Nijinsky e Karsavina dançaram os papéis principais The Rite seguido.; há um consenso geral entre testemunhas e comentaristas que os distúrbios na platéia começou durante a Introdução, e cresceu em um crescendo quando a cortina subiu sobre os bailarinos carimbar em "Augurs de Primavera". Marie Rambert, que estava trabalhando como assistente de Nijinsky, recordou mais tarde que foi logo impossível ouvir a música no palco. Em seu relato autobiográfico, Stravinsky escreve que o riso zombeteiro que cumprimentou os primeiros compassos da Introdução nojo dele, e que ele deixou o auditório para assistir o resto do desempenho das asas do estágio ("Eu nunca mais foi que com raiva") . As manifestações, diz ele, se transformou em "um tumulto terrível", que, juntamente com os ruídos no palco, abafou a voz de Nijinsky, que gritava os números dos passos para os dançarinos. O jornalista e fotógrafo Carl Van Vechten registrou que a pessoa por trás dele me empolguei com entusiasmo, e "começou a bater ritmicamente em cima da minha cabeça", apesar de Van Vechten não percebeu isso em primeiro lugar, a sua própria emoção de ser tão grande.

Dançarinos em trajes originais de Nicholas Roerich. A partir da esquerda, Julitska, Marie Rambert, Jejerska, Boni, Boniecka, Fiel

Monteux acreditava que o problema começou quando as duas facções na platéia começaram a atacar uns aos outros, mas sua raiva mútua logo foi desviada para a orquestra: "Tudo foi disponíveis jogou em nossa direção, mas continuou a jogar on". Cerca de quarenta dos piores criminosos foram expulsos, quer pela polícia ou pela administração. Através de todos os distúrbios do desempenho continuou sem interrupção. Coisas cresceu visivelmente mais silencioso durante a Parte II, e por algumas contas prestação do final "Dança sacrificial" de Maria Piltz foi assistido em silêncio razoável. No final houve várias chamadas ao palco para os dançarinos, para Monteux ea orquestra, e por Stravinsky e Nijinsky antes de o programa da noite continuou.

Entre os mais hostis revistas de imprensa foi a de Crítico de Le Figaro, Henri Quittard, que chamou o trabalho de "uma barbaridade trabalhoso e pueril" e acrescentou: "Lamentamos para ver um artista como M. Stravinsky envolver-se nesta aventura desconcertante". Por outro lado Gustav Linor, escrevendo na principal revista teatral Comoedia, pensei que o desempenho foi excelente, especialmente a de Maria Piltz; os distúrbios, enquanto deplorável, eram apenas "um debate turbulento" entre duas facções mal-educado. Emile Raudin, de Les Marges, que mal tinha ouvido a música, escreveu: "Nós não poderíamos pedir M. Astruc ... para anular um desempenho para os espectadores bem-intencionados ... Nós poderíamos, pelo menos, propor para expulsar o? elemento feminino ". O compositor Alfredo Casella pensei que as manifestações foram destinadas a coreografia de Nijinsky, em vez de na música, uma opinião partilhada pelo crítico Michel-Dimitri Calvocoressi, que escreveu: "A idéia foi excelente, mas não foi realizada com sucesso". Calvocoressi não respeitou qualquer hostilidade direta ao contrário compositor, ele disse, a estréia de Debussy Pelléas e Mélisande em 1902. Dos relatórios posteriores que o compositor veterano Camille Saint-Saëns tinha saiu da premiere, Stravinsky observou que isso era impossível; Saint-Saëns não compareceu. Stravinsky também rejeitou a história de Cocteau que, após a apresentação, Stravinsky, Nijinsky, Diaghilev eo próprio Cocteau tomou um táxi para o Bois de Boulogne, onde um Diaghilev chorosa recitou poemas de Pushkin . Stravinsky meramente lembrou um jantar comemorativo com Diaghilev e Nijinsky, em que o empresário manifestou toda a sua satisfação com o resultado. Para Maximilien Steinberg, ex-companheiro-aluno sob Rimsky-Korsakov, Stravinsky escreveu que a coreografia de Nijinsky tinha sido "incomparável: com exceção de alguns locais, tudo foi como eu queria".

Corrida inicial e Joffrey renascimento

Depois da estréia, havia cinco novas performances de The Rite, em Paris, a última em 13 de junho. Embora essas ocasiões foram relativamente pacífica, algo do estado de espírito da primeira noite permaneceu; o compositor Puccini, que participou da segunda apresentação em 2 de junho, descreveu a coreografia tão ridículo eo cacophonous- música "o trabalho de um louco O público assobiou, riu -. E aplaudiram". Stravinsky, confinado em sua cama por febre tifóide, não se juntou à empresa quando ela foi para Londres para quatro apresentações no Teatro Drury Lane . Revendo a produção de Londres, O crítico do Times foi impressionado como diferentes elementos do trabalho se reuniram para formar um todo coerente, mas foi menos entusiasmado com a música em si, opinando que Stravinsky tinha inteiramente sacrificado melodia e harmonia para o ritmo: "Se M. Stravinsky tinha desejado para ser realmente primitivo, ele teria sido sábio para marcar seu ballet ... para nada, mas tambores ". O historiador ballet Cyril Beaumont comentou sobre os "movimentos lentos e grosseiros" dos dançarinos, encontrar estes "em completa oposição às tradições do balé clássico".

Depois dos espectáculos de Londres e Paris, eventos conspirou para evitar novas encenações. A coreografia de Nijinsky, que Kelly descreve como "tão impressionante, tão escandaloso, tão frágil quanto à sua preservação", não aparece novamente até que foram feitas tentativas para reconstruí-lo na década de 1980. Em 19 de setembro de 1913 casou-se com Nijinsky Romola de Pulszky enquanto o Ballets Russes estava em turnê sem Diaghilev na América do Sul. Quando Diaghilev descobriu que ele estava perturbado e furioso que seu amante tinha se casado, e negou provimento Nijinsky. Diaghilev foi então obrigado a re-contratação de Fokine, que se demitiu em 1912 porque Nijinsky tinha sido convidado para coreografar Faune. Fokine, como condição de sua re-emprego que nenhum dos coreografia de Nijinsky seria realizada. Em uma carta ao crítico de arte e historiador Alexandre Benois, Stravinsky escreveu: "[O] possibilidade passou por algum tempo de ver qualquer coisa valiosa no campo da dança e, ainda mais importante, novamente vendo essa prole da mina".

A eclosão da Primeira Guerra Mundial em agosto de 1914 interrompeu o circuito turnê estabelecido, que incluiu países agora em lados opostos, e causou uma série de bailarinos, incluindo Fokine, para retornar a seus próprios países. Diaghilev se reconciliou com re-engajar Nijinsky tanto como bailarino e coreógrafo, mas Nijinsky tinha sido colocado sob prisão domiciliar na Hungria como um cidadão russo inimigo. Sua libertação foi obtida por Diaghilev em uma troca de prisioneiros com os Estados Unidos em 1916, para um passeio lá, mas sua saúde mental diminuiu de forma constante e ele tomou nenhuma outra parte no bailado profissional depois de 1917. Em 1920, quando Diaghilev decidiu reviver The Rite , ele descobriu que ninguém se lembrava agora a coreografia.

Em 30 de setembro de 1987, o Joffrey Ballet em Los Angeles realizada The Rite com base em uma reconstrução de 1913 a coreografia de Nijinsky, até então pensamento perdido para além recall. O desempenho resultou de anos de pesquisa, principalmente por Millicent Hodson, que perde definitivamente a coreografia juntos dos livros originais prontas, esboços e fotografias contemporâneas, e as lembranças de Marie Rambert e outros sobreviventes. A versão de Hodson já foi realizada pela Kirov Ballet, no Mariinsky Theatre em 2003 e mais tarde nesse ano no Covent Garden. O Joffrey Ballet está planejando uma performance comemorativa em março de 2013, em Austin, Texas, para marcar o centenário da obra.

The Rite com outras coreografias

Léonide Massine, que coreografou o renascimento 1920

Stravinsky passou a maior parte dos anos de guerra na Suíça, e tornou-se um exílio permanente de sua terra natal depois de 1917 Revolução Russa . Quando a guerra terminou, ele retomou a parceria com Diaghilev. Em dezembro de 1920 Ernest Ansermet realizada uma nova produção em Paris, coreografado por Léonide Massine, com a Nicholas Roerich projetos retidos; o bailarino principal era Lydia Sokolova. Em suas memórias, Stravinsky é equívoca sobre a produção Massine; o jovem ballet-mestre, ele escreve, mostrou "talento inquestionável", mas havia algo "forçado e artificial" em sua coreografia, que faltava a relação orgânica necessária com a música. Sokolova, em sua conta mais tarde, recordou algumas das tensões que cercam a produção, com Stravinsky, "usando uma expressão que teria assustado cem Escolhido Virgins, pranc [ing] para cima e para baixo o corredor central", enquanto Ansermet ensaiou a orquestra.

O ballet foi exibido pela primeira vez nos Estados Unidos em 11 de abril de 1930, quando a versão de Massine 1920 foi realizada pelo Orquestra de Filadélfia em Filadélfia, sob Leopold Stokowski, com Martha Graham dançar o papel do Escolhido. A produção mudou-se para Nova York, onde Massine ficou aliviado ao encontrar o público receptivo, um sinal, pensou ele, que os nova-iorquinos foram finalmente começando a tomar ballet sério. A primeira produção de concepção americana, em 1937, foi a do Dança expoente moderno Lester Horton, cuja versão substituiu o cenário russo pagão original com um Oeste selvagem fundo e a utilização de Danças nativas americanas.

O Teatro Bolshoi, em Moscou, onde a produção de The Rite 1965 foi descrito por um crítico como "propaganda soviética no seu melhor"

Em 1944 Massine começou uma nova colaboração com Roerich, que antes de sua morte em 1947 completou uma série de esboços para uma nova produção que Massine trouxe à fruição em La Scala, de Milão em 1948. Esta anunciou uma série de produções europeias do pós-guerra significativos. Mary Wigman, em Berlim (1957), seguido Horton em destacar os aspectos eróticos de sacrifício virgem, como o fez Maurice Béjart, em Bruxelas (1959). Representação Béjart 's substituiu o sacrifício culminando com uma descrição do que o crítico Robert Johnson descreve como "coito cerimonial". O Produção do Royal Ballet de 1962, coreografado por Kenneth MacMillan e desenhado por Sidney Nolan, foi realizada pela primeira vez em 3 de Maio e foi um triunfo crítico. Manteve-se no repertório da empresa há mais de 50 anos; após seu renascimento maio 2011 o Crítico Daily Telegraph 'Mark Monahan chamou de uma das maiores conquistas do Royal Ballet. Moscou viu pela primeira vez The Rite em 1965, em uma versão coreografada para o Ballet Bolshoi por Natalia Kasatkina e Vladimir Vasiliev. Esta produção foi mostrado em Leningrado quatro anos mais tarde, no Maly Opera Theatre, e apresentou um enredo que desde o Escolhido com um amante que semeiam a vingança sobre os anciãos após o sacrifício. Johnson descreve a produção como "um produto de ateísmo de Estado ... propaganda soviética no seu melhor".

Em 1975 Pina Bausch, que havia assumido o Wuppertal companhia de balé, causou um rebuliço no mundo do balé com sua representação austero, jogado fora em um palco coberto de terra, em que o escolhido é sacrificado para satisfazer a misoginia dos homens cercam. No final, de acordo com o 'The Guardian Luke Jennings, "o elenco é manchado de suor, imundo e audivelmente ofegante". Nos Estados Unidos, em 1980, Paul Taylor usou versão para piano a quatro mãos de Stravinsky da pontuação como o fundo para um cenário baseado em assassinatos de crianças e de filmes de gangster imagens.Em fevereiro de 1984 Martha Graham, em seu ano 90, retomou a sua associação comThe Ritepor coreografar uma nova produção em Nova YorkState Theatre. O New York Timescrítico declarado o desempenho "um triunfo ... totalmente elementar, como primordial na expressão de emoção básica como qualquer cerimônia tribal, como assustadoramente encenada em sua frieza deliberada, pois é rica em implicações ".

Os editores de música Boosey e Hawkes estimam que desde sua estréia, o balé tem sido objecto de pelo menos 150 produções, muitas das quais se tornaram clássicos e foram realizados em todo o mundo. Entre as interpretações mais radicais é a versão de Glen Tetley 1974, em que o Escolhido é um jovem macho. Mais recentemente tem havido uma versão solo de dança concebido por Javier de Frutos, uma interpretação punk rock de Michael Clark, e Rites (2008), por The Australian Ballet em conjunto com Bangarra Dance Theatre, que representa as percepções dos aborígenes elementos da terra, ar, fogo e água.

Concertos

Os comentadores têm largamente consensual que, na sequência recepções entusiásticas de concertos em Moscou, Paris, Londres e Filadélfia, o trabalho tem tido um impacto maior na sala de concertos do que no palco. Muitas das revisões de Stravinsky para a música ter sido com a sala de concertos, em vez de o teatro em mente.

Em 18 de fevereiro de 1914 The Rite recebeu o seu primeiro concerto (música sem o ballet), em São Petersburgo sob Serge Koussevitzky. Em 5 de abril daquele ano, Stravinsky experimentado por si mesmo o sucesso popular de O Rito como uma obra concerto, no Casino de Paris. Após a apresentação, novamente sob Monteux, o compositor foi carregado em triunfo do hall sobre os ombros de seus admiradores. O Rito teve seu primeiro concerto britânico em 7 de Junho de 1921, no Salão da rainha em Londres sob Eugene Goossens. Sua estréia americana ocorreu em 3 de março de 1922, quando Leopold Stokowski incluiu em um programa Orquestra de Filadélfia. Goossens também foi responsável pela introdução O Rito para a Austrália em 1946, como maestro convidado da Orquestra Sinfônica de Sydney.

Stravinsky primeiro realizado o trabalho em 1926, num concerto dado pela Orquestra do Concertgebouw em Amesterdão; dois anos depois, ele trouxe-a para o Salle Pleyel em Paris para duas apresentações, sob a sua batuta. Dessas ocasiões mais tarde ele escreveu que "graças à experiência que eu tinha ganhado com todos os tipos de orquestras ... Eu tinha chegado a um ponto onde eu poderia obter exatamente o que eu queria, como eu queria". O trabalho se tornou um grampo nos repertórios de todas as principais orquestras, e tem sido citado por Leonard Bernstein como "a peça mais importante da música do século 20".

(88, em seguida, com idades) em 1963, 50 anos após a estréia, Monteux concordou em realizar uma performance comemorativa em Londres Royal Albert Hall. Conforme Isaiah Berlin, um amigo próximo do compositor, Stravinsky informou que ele não tinha intenção de ouvir a sua música a ser "assassinado por que açougueiro assustadora ". Em vez disso, ele arranjou bilhetes para o desempenho daquela noite especial de Mozart ópera 's As Bodas de Fígaro , pelo Covent Garden. Sob a pressão de seus amigos, Stravinsky foi convencido a deixar a ópera depois de o primeiro ato. Ele chegou no Albert Hall, assim como o desempenho do The Rite estava terminando; compositor e maestro compartilhado um caloroso abraço em frente ao inconsciente, o público aplaudindo loucamente. O biógrafo de Monteux John Canarina fornece uma inclinação diferente nesta ocasião, a gravação que até o final da noite Stravinsky tinha afirmado que "Monteux, quase sozinho entre os condutores, não banalizado Rite ou olhou para sua própria glória nele, e ele continuou a jogar toda a sua vida com a maior fidelidade ".

Música

Caráter geral e instrumentação

Capa do 1913 a quatro mãos redução para piano deA Sagração da Primavera, a primeira versão publicada do trabalho

Os comentadores têm muitas vezes descrita The Rite ' s música em termos vívidos; Paul Rosenfeld, em 1920, escreveu sobre ele "libra [ndo] com o ritmo de motores, giros e espirais como parafusos e voam-rodas, grinds e gritos como trabalhando de metal". Em uma análise mais recente, The New York Times crítico Donal Henahan refere-se a "grande trituração, rosnando acordes do bronze e trovejando bate do tímpano". O compositor Julius Harrison reconheceu a singularidade do trabalho de forma negativa: é demonstrado "repúdio de tudo, de Stravinsky para que a música tem resistido estes muitos séculos ... todos os esforços humanos e do progresso estão sendo deixadas de lado para dar lugar a sons horríveis ... "

Em O Pássaro de Fogo , Stravinsky tinha começado a experimentar com bitonalidade (o uso de duas chaves diferentes simultaneamente). Ele tomou essa técnica ainda em Petrushka , mas reservou a sua plena eficácia para A Sagração onde, como o analista EW Branco explica, ele "empurrado [ele] à sua conclusão lógica". White também observa caráter métrico complexo da música, com combinações de duple e tempo triplo em que uma forte batida irregular é enfatizada pela poderosa percussão. O crítico de música Alex Ross descreveu o processo pelo qual irregular Stravinsky adaptado e material absorvido popular tradicional do russo no placar. Ele "passou a pulverizar-los em pedaços motívicas, empilhá-los em camadas, e remontá-las em colagens cubistas e montagens".

A duração do trabalho é cerca de 35 minutos. A pontuação pede um piccolo , três flautas (duplicação terceiro Piccolo), segundo uma flauta contralto, quatro oboés (quarta duplicação segundo chifre Inglês), Inglês chifre, três clarinetes em B ♭ e A (terceira duplicação segundo clarinete baixo), clarinete piccolo E em ♭ e D, um clarinete baixo, quatro fagotes (quarta duplicação segunda contrabassoon), um contrabassoon; oito chifres (sétimo e oitavo duplicação tenor Wagner tubas), quatro trompetes em C, pequeno trompete em D, trompete baixo em Mi ♭, três trombones , dois graves tubas ; uma seção de percussão com 5 tímpanos (que requer dois jogadores), drum bass, gong, triângulo, pandeiro, pratos , címbalos de antiguidades em A ♭ e B ♭, guiro; e strings. Apesar da grande orquestra, grande parte da pontuação está escrito câmara de moda, com instrumentos individuais e pequenos grupos com funções distintas.

Parte I: A Adoração da Terra

A melodia de abertura é jogado por um fagote solo em um registo muito elevado, o que torna o instrumento quase não identificável; gradualmente outros instrumentos de sopro são soou e, eventualmente, são unidas por cordas. O som se acumula antes de parar de repente, Hill diz que, "assim como está explodindo em êxtase na flor". Há então uma reiteração da abertura de solo do fagote, agora desempenhado um semitom abaixo.

A primeira dança ", Augurs de Primavera", é caracterizada por uma corda stamping repetitivo nas trompas e cordas, com base em Mi bemol sobreposto a uma tríade de E, G-afiada e B. White sugere que esta combinação bitonal, que Stravinsky considerado o ponto focal de toda a obra, foi concebido no piano, uma vez que os acordes constituintes são ajustes confortáveis ​​para as mãos em um teclado. O ritmo do stamping é perturbado pela mudança constante de Stravinsky do sotaque, dentro e fora da batida, antes do baile termina em um colapso, como se de exaustão. O "Ritual de Abduction", que segue é descrito por Hill como "o mais terrível de caças musicais". Conclui-se em uma série de trinados de flautas que inaugurar a "Rodadas de Primavera", em que um tema lento e trabalhoso se eleva gradualmente até um dissonante fortissimo, uma "caricatura medonho" de sintonia principal do episódio.

Metais e percussão predominam como o "Ritual das tribos rivais" começa. Uma melodia emerge no tenor e baixo tubas, levando depois de muita repetição para a entrada da procissão da Sage. A música, em seguida, vem a uma parada virtual, "branca isenta de cor" (Hill), como o Sábio abençoa a terra. O "Dance of the Earth", em seguida, começa, trazendo Parte I ao fim de uma série de frases de o maior vigor que são abruptamente terminadas em que monte descreve como um "sem corte, amputação brutal".

Parte II: The Sacrifice

Esboços de Maria Piltz executam a dança sacrificial

Parte II tem uma coesão maior do que seu antecessor. Colina descreve a música como seguindo um arco que se estende desde o início da Introdução à conclusão da dança final. Woodwind e trombetas silenciado são proeminentes em toda a Introdução, que termina com uma série de crescentes cadências em cordas e flautas. A transição para os "Círculos mística" é quase imperceptível; o principal tema da seção foi prefigurada na introdução. Um acorde repetido alto, o que Berger compara a uma chamada à ordem, anuncia o momento para a escolha da vítima sacrificial. O "glorificação do Chosen One" é breve e violento; no "Evocação dos Ancestrais", que se segue, frases curtas são intercaladas com tambores. A "Ação Ritual dos Ancestrais" começa calmamente, mas lentamente constrói a uma série de clímax antes de diminuir de repente nas frases tranquilos que começou o episódio.

A transição final introduz o "sacrifício Dance". Isto é escrito como um ritual mais disciplinado do que a dança extravagante que terminou Parte I, embora contenha alguns momentos selvagens, com a seção de percussão grande da orquestra dada voz cheia. Stravinsky teve dificuldades com esta seção, especialmente com as barras finais que concluem o trabalho. O final abrupto desagradou vários críticos, um dos quais escreveu que a música "de repente cai para o lado". O próprio Stravinsky referido o acorde final depreciativamente como "um barulho", mas em suas várias tentativas de alterar ou reescrever a seção, foi incapaz de produzir uma solução mais aceitável.

Influência e adaptações

As três peças escritas para Diaghilev a ser realizada como ballets, A Sagração da Primavera , Petrushka e O Pássaro de Fogo , se tornaram mais populares como peças de concerto do que qualquer das obras de Stravinsky destina-se a ser música desacompanhadas. O Rito tem sido descrito como "o mais famoso composição do início do século XX "; o acadêmico e crítico Jan Smaczny, ecoando Bernstein, chama-se uma das composições mais influentes do século 20, proporcionando "estimulação interminável para os artistas e ouvintes". De acordo com Kelly a estréia 1913 pode ser considerado "o momento mais importante na história da música do século 20", e suas repercussões continuam a reverberar no século 21. Ross descreveu The Rite como uma obra profética, pressagiando o "segundo avant-garde" era clássica na composição de música do corpo, em vez de da mente, em que "[m] elodies iria seguir os padrões de fala; ritmos combinaria a energia da dança ... sonoridades teria a dureza da vida como ela é realmente vivida ".

Entre compositores do século 20 mais influenciados por The Rite é Stravinsky quase contemporâneo, Edgard Varèse, que assistiu à estréia 1913. Varèse, de acordo com Ross, foi especialmente desenhado para as "harmonias cruéis e estimulando ritmos" de The Rite , que ele empregou para o pleno efeito em seu trabalho concerto Amériques (1921), marcou para uma orquestra maciça com efeitos sonoros adicionais, incluindo o rugido de um leão e uma sirene lamentando. Aaron Copland, a quem Stravinsky foi uma inspiração especial em tempos de estudante da primeira, considerada The Rite uma obra-prima que havia criado "a década do acento deslocados ea corda polytonal". Copland adotada a técnica de compor em pequenos troços que ele então embaralhados e rearranjados, em vez de trabalhar através do começo ao fim, de Stravinsky. Ross cita a música de balé de Copland Billy the Kid como vinda diretamente da seção "Primavera Rondas" de The Rite . Para Olivier Messiaen O Rito foi de especial importância; ele constantemente analisados ​​e expôs sobre o trabalho, que lhe deu um modelo duradouro para a movimentação rítmica e montagem de material.

Depois da estréia do escritor Leon Vallas opinou que Stravinsky tinha escrito a música 30 anos à frente de seu tempo, adequado para ser ouvido em 1940. Coincidentemente, foi nesse ano que Walt Disney lançado Fantasia , um filme de animação baseado na música de The Rite e outras composições clássicas. O Rito segmento do filme retratava a pré-história da Terra, levando à extinção dos dinossauros. Entre aqueles impressionado com o filme foi Gunther Schuller, mais tarde, um compositor, maestro e erudito jazz. A Sagração da Primavera seqüência, diz ele, o subjugou e determinou o seu futuro carreira na música: "Espero que [Stravinsky] apreciado que centenas, talvez milhares, de músicos estavam voltados para A Sagração da Primavera ... através Fantasia, músicos que pode caso contrário nunca ouviram o trabalho, ou pelo menos não até que muitos anos mais tarde ". Mais tarde na vida Stravinsky afirmou desgosto para a adaptação, embora, como observações de Ross, ele não disse nada crítico no momento; de acordo com Ross, o compositor Paul Hindemith observou que "Igor parece amá-lo".

Gravações

Antes das primeiras gravações de discos de gramofone de The Rite foram emitidos em 1929, Stravinsky tinha ajudado a produzir uma versão pianola do trabalho para o Aeolian Company. Ele também criou um arranjo muito mais abrangente para os franceses empresa pianista Pleyel, com quem assinou um contrato em 1923 sob o qual muitos de seus primeiros trabalhos foram reproduzidos neste meio. A versão Pleyel de A Sagração da Primavera foi emitido em 1921; o pianolist britânico Rex Lawson gravado o trabalho nesta forma em 1990

Em 1929, Stravinsky e Monteux competiam entre si para conduzir a primeira gravação de gramofone de The Rite . Enquanto Stravinsky levou L'Orchestre des Concertos Straram em uma gravação para a etiqueta Columbia, ao mesmo tempo Monteux estava gravando para o rótulo HMV. A versão de Stokowski seguido em 1930. Stravinsky fez mais duas gravações, em 1940 e 1960. De acordo com o crítico Edward Greenfield, Stravinsky não era tecnicamente um grande maestro, mas, diz Greenfield, na gravação 1960 com a Orquestra Sinfônica de Columbia o compositor inspirou um desempenho com "impulso extraordinário ea resiliência". Em conversas com Robert Craft, Stravinsky revisto várias gravações de The Rite feitas na década de 1960. De Herbert von Karajan 1963 gravação de 's com a Filarmônica de Berlim, Stravinsky, comentou: "A gravação é geralmente bom, o desempenho é ... demasiado polido, um selvagem animal de estimação em vez de um real". Pierre Boulez, com a Orchestre National de França (1963), foi "menos bom do que eu esperava ... muito ruim tempi e algumas alterações de mau gosto". Uma gravação pela Orquestra Sinfônica do Estado de Moscou, em 1962, foi elogiado em fazer a música soar russo ", que é apenas para a direita", mas o julgamento final de Stravinsky é que nenhum desses três performances vale a pena preservar.

A partir de 2012 há bem mais de 100 gravações diferentes de The Rite disponível comercialmente, e muitos mais, realizada em arquivos sonoros biblioteca. Ele tornou-se um dos mais gravados de todas as obras musicais do século 20.

Edições

A pontuação 1913 autógrafo, utilizado na estréia e outras performances iniciais, nunca foi publicado. A pontuação foi publicado pela primeira vez o piano arranjo a quatro mãos (Edição Russe de Musique, RV196), datado de 1913. Publicação da partitura orquestral completa foi impedido pela eclosão da guerra em agosto de 1914. Após o renascimento do trabalho em 1920, Stravinsky, que não tinha ouvido a música durante sete anos, fez várias revisões da pontuação, que foi finalmente publicado em 1921 (Edição Russe de Musique, RV 197 contagens / 197b. grandes e de bolso).

Em 1922 Ansermet, que estava se preparando para realizar o trabalho em Berlim, enviado para Stravinsky uma lista de erros que ele havia encontrado na pontuação publicado. Em 1926, como parte de sua preparação para o desempenho daquele ano com o Concertgebouw Orchestra, Stravinsky reescreveu o "Evocação dos Ancestrais" seção e fez mudanças substanciais para o "sacrifício Dance". A extensão destas revisões, juntamente com as recomendações do Ansermet, convencido de Stravinsky que uma nova edição era necessário, e este apareceu em forma grande e bolso em 1929. Ele não fez, no entanto, incorporar todas as alterações do Ansermet e, confusamente, trazia a data e código RV da edição de 1921, tornando a nova edição difíceis de identificar.

Stravinsky continuou a rever o trabalho, e em 1943 reescreveu o "sacrifício Dance". Em 1948 Boosey e Hawkes emitiu uma versão corrigida da pontuação de 1929 (B & H 16333); 1.943 alteração da "Dança sacrificial" de Stravinsky não foi incorporada na nova versão e permaneceu unperformed, para decepção do compositor. Ele considerou "muito mais fácil jogar ... e superior em equilíbrio e sonoridade" para as versões anteriores.

A pontuação 1929 constitui a base da maior parte das performances de The Rite . Boosey e Hawkes reeditado sua edição 1948, em 1965, e produziu uma edição recentemente gravado (B & H 19441) em 1967. A empresa também emitiu uma reimpressão não modificada da redução 1913 de piano em 1952 (B & H 17271) e uma versão para piano revisado, incorporando a 1929 revisões, em 1967.