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Artes visuais

Assuntos Relacionados: Art

Informações de fundo

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Van Gogh : A igreja em Auvers (1890)

As artes visuais são as formas de arte que criam trabalhos que são primeiramente visuais na natureza, tal como cerâmica, desenho , pintura , escultura , gravura , desenho, artesanato, e muitas vezes artes visuais modernas ( fotografia , vídeo, e cinema) e arquitetura . Essas definições não deve ser levado muito estritamente como muitas disciplinas artísticas ( artes de palco, arte conceitual, artes têxteis) envolvem aspectos das artes visuais assim como de outros tipos de artes. Também incluído no campo das artes visuais são o artes aplicadas, tais como desenho industrial, design gráfico, design de moda, design de interiores e arte decorativa.

Como indicado acima, o uso atual do termo "artes visuais" inclui obras de arte , bem como a aplicada, artes decorativas e ofícios, mas isso não foi sempre o caso. Antes de Movimento Arts and Crafts na Grã-Bretanha e em outros lugares na virada do século 20, o artista termo foi muitas vezes restrito a uma pessoa que trabalha nas artes plásticas (tais como pintura , escultura ou gravura ) e não a artesanato, ofício, ou a mídia arte aplicada. A distinção foi enfatizada por artistas da Movimento Arts and Crafts que valorizavam as formas de arte vernáculas, tanto quanto as formas de altura. Escolas de arte feita uma distinção entre as artes plásticas ea artesanato sustentando que um artesão não poderia ser considerado um praticante da arte.

A tendência crescente para a pintura privilégio, e uma escultura em menor grau, acima de outras artes tem sido uma característica de Arte ocidental, bem como Arte do Leste Asiático. Em ambas as regiões pintura tem sido visto como confiando ao mais alto grau na imaginação do artista, eo mais afastadas do trabalho manual - em Pintura chinesa os estilos mais valorizadas foram as de "erudito-pintura", pelo menos em teoria praticada por amadores cavalheiro. O Ocidental hierarquia de gêneros refletido atitudes semelhantes.

Educação e formação

Formação nas artes visuais tem sido geralmente através de variações do aprendiz e sistema de workshop. Na Europa, o Renaissance movimento para aumentar o prestígio do artista levou à sistema de academia de formação para os artistas, e hoje a maioria de trem em escolas de arte a nível terciário. Artes visuais tornaram-se agora uma disciplina eletiva, na maioria dos sistemas de ensino. (Veja também arte-educação.)

Desenho

Desenho é um meio de fazer um imagem, usando qualquer um de uma ampla variedade de ferramentas e técnicas. É geralmente envolve fazer marcas numa superfície por aplicação de pressão a partir de uma ferramenta, ou movendo-se de uma ferramenta através de uma superfície utilizando meios secas, tais como grafite lápis, pena e tinta, tintadas escovas , cera lápis de cor, lápis de cor, carvões, pastéis, e marcadores. As ferramentas digitais que simulam os efeitos destes são também utilizados. As principais técnicas utilizadas no desenho são: desenho de linha, eclosão, hachurar, choque aleatório, rabiscando, stippling, e mistura. Um artista que se destaca em desenho é referido como um relator ou relatora ".

História antiga

Desenho de volta vai, pelo menos, 16 mil anos para Representações rupestres paleolíticas de animais, como os que estão em Lascaux na França e Altamira, na Espanha. Em Egito Antigo, desenhos a tinta sobre papiro, muitas vezes retratando pessoas, foram utilizados como modelos para pintura ou escultura. Desenhos sobre Vasos gregos, inicialmente geométrico, mais tarde desenvolvido para a forma humana com preto-figura cerâmica durante o século 7 aC.

Renascença

Com o papel cada vez mais comum na Europa por volta do século 15, o desenho foi adotado por mestres como Sandro Botticelli, Raphael , Michelangelo e Leonardo da Vinci , que às vezes tratado desenho como uma arte em seu próprio direito, em vez de uma fase preparatória para a pintura ou escultura.

Pintura

Mosaico de batalha de Issus
Nefertari com Isis

Pintura tomado literalmente é a prática de aplicar o pigmento suspenso num transportador (ou meio) e um agente de ligação (um cola) para uma superfície (suporte), como papel, tela ou uma parede. No entanto, quando usadas num sentido artístico que significa a utilização desta actividade em combinação com o desenho , composição e outras considerações estéticas, a fim de manifestar a intenção expressivo e conceptual do médico. Pintura também é usado para expressar motivos e ideias espirituais; sites deste tipo da pintura variam dos trabalhos artísticos que descrevem figuras mitológicas na cerâmica às A Capela Sistina para o corpo humano em si.

Origens e história inicial

Como o desenho, a pintura tem suas origens nas cavernas e nas paredes rochosas. Os melhores exemplos, considerado por alguns a ser 32 mil anos de idade, estão na Chauvet e Cavernas de Lascaux no sul da França. Em tons de vermelho, marrom, amarelo e preto, as pinturas nas paredes e tetos são de bisonte, gado, cavalos e veados.

Raphael: Transfiguração (1520)

Pinturas de figuras humanas podem ser encontrados nas tumbas do antigo Egito. No grande templo de Ramsés II , Nefertari, sua rainha, é retratado sendo conduzido por Isis . Os gregos contribuíram para o desenvolvimento da pintura, mas muito do seu trabalho foi perdido. Uma das melhores representações restantes é o mosaico da Batalha de Issus encontrada em Pompéia , que provavelmente foi baseado em uma pintura grega. Arte grega e romana contribuiu para Arte bizantina no século 4 aC que iniciou uma tradição na pintura de ícones.

A Renascença

Para além do manuscritos produzidos por monges iluminados durante os Idade Média , a próxima contribuição significativa para a arte européia era de Pintores renascentistas da Itália. A partir de Giotto no século 13 para Leonardo da Vinci e Raphael no início do século 16, este foi o período mais rico Arte italiana como a técnica do claro-escuro foi usada para criar a ilusão de espaço 3-D.

Rembrandt: The Night Watch

Pintores do norte da Europa também foram influenciados pela escola italiana. Jan van Eyck da Bélgica, Pieter Bruegel a pessoa idosa dos Países Baixos e Hans Holbein o mais novo da Alemanha estão entre os pintores mais bem sucedidos dos tempos. Eles usaram o vitrificação técnica com óleos para atingir a profundidade e luminosidade.

Claude Monet: Déjeuner sur l'herbe (1866)

Mestres holandeses

O século 17 viu o surgimento dos grandes mestres holandeses, como o versátil Rembrandt que é especialmente lembrado por seus retratos e cenas da Bíblia, e Vermeer que se especializou em cenas interiores da vida holandesa.

Impressionismo

Impressionismo começou em França no século 19 com uma associação fraca dos artistas incluindo Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir e Paul Cézanne que trouxe um novo estilo livremente escovado para pintura, muitas vezes escolhendo a pintar cenas realistas da vida moderna fora em vez de no estúdio. Eles conseguiram vibração intensa cor usando cores puras, não misturadas e pinceladas curtas.

Paul Gauguin: A visão após o sermão (1888)
Edvard Munch: O Grito (1893)

Pós-impressionismo

Perto do final do século 19, vários jovens pintores levou impressionismo uma nova fase, usando formas geométricas e cores não naturais para descrever emoções, enquanto se esforça para simbolismo mais profundo. Destacam-se Paul Gauguin, que foi fortemente influenciado por arte Asiático, Africano e japonês, Vincent van Gogh , um holandês que se mudou para a França, onde ele desenhou no sol forte do sul, e Toulouse-Lautrec, lembrado por suas pinturas vívidas de vida noturna no distrito de Paris Montmartre.

Simbolismo, expressionismo e cubismo

Edvard Munch, um artista norueguês, desenvolveu a sua abordagem symbolistic no final do século 19, inspirado pelo impressionista francês Manet . O Grito (1893), sua obra mais famosa, é amplamente interpretada como representando a ansiedade universal do homem moderno. Em parte como resultado da influência de Munch, o alemão expressionista movimento teve origem na Alemanha no início do século 20 como artistas como Ernst Kirschner e Erich Heckel começou a distorcer a realidade de um efeito emocional. Em paralelo, o estilo conhecido como cubismo desenvolvido na França como artistas focado no volume e espaço de estruturas afiadas dentro de uma composição. Pablo Picasso e Georges Braque foram os principais defensores do movimento. Os objetos são divididos, analisados e re-montado em uma forma abstrata. Por volta de 1920, o estilo se desenvolveu em surrealismo com Dali e Magritte.

Gravura

O Chinês Sutra do Diamante, a mais antiga do mundo livro impresso (868 dC)
Antiga gravura chinesa de instrumentistas do sexo feminino

Gravura está criando para fins artísticos uma imagem numa matriz, que é então transferido para uma superfície bidimensional (plano) por meio de tinta (ou outra forma de pigmentação). Excepto no caso de um monótipo, a mesma matriz pode ser usada para produzir muitos exemplos de impressão. Historicamente, as principais técnicas (também chamados de mídia) envolvidos são xilogravura, linha gravura, gravura, litografia, serigrafia e (serigrafia, serigrafia), mas há muitos outros, incluindo técnicas digitais modernas. Normalmente, a superfície sobre a qual a impressão é impresso está papel, mas há exceções, de pano e vitela para materiais modernos. Prints na tradição ocidental produzidos antes 1830 são conhecidos como gravuras de antigos mestres. Há outras grandes tradições de gravura, especialmente a do Japão ( ukiyo-e).

Origens chinesas

Albrecht Dürer: Melancholia I (1541)

Na China , a arte da gravura desenvolveu cerca de 1.100 anos atrás como ilustrações ao lado de texto cortadas em blocos de madeira para impressão em papel. Inicialmente imagens eram principalmente religiosa, mas na Dinastia Song , os artistas começaram a cortar paisagens. Durante a Ming (1368-1644) e Qing (1616-1911) dinastias, a técnica foi aperfeiçoada para ambas as gravuras religiosas e artísticas.

História da Europa

Na Europa, a partir de cerca de 1400 dC gravura, foi utilizado para impressões mestre em papel, utilizando técnicas para a impressão em tecido que havia sido desenvolvido nos mundos bizantino e islâmicos. Michael Wolgemut melhorou xilogravura alemã de cerca de 1475, e Erhard Reuwich, um holandês, foi o primeiro a usar cross-incubação. No final do século Albrecht Dürer trouxe a xilogravura ocidental a um nível que nunca foi superada, aumentando o status da xilogravura de folha simples.

Fotografia

Fotografia é o processo de tomada de imagens por meio da acção da luz. Luz padrões reflectida ou emitida a partir de objectos são gravados num chip de forma sensível de armazenamento ou através de um temporizada exposição. O processo é feito através mecânico, ou química dispositivos digitais conhecidas como câmeras.

A palavra vem do Palavras gregas φως phos ("luz"), e γραφις graphis ("stylus", "pincel") ou graphe γραφη, junto significando "desenhar com luz" ou "representação por meio de linhas" ou "desenho". Tradicionalmente, o produto da fotografia tem sido chamado de fotografia. A foto termo é uma abreviação; muitas pessoas também chamá-los de fotos. Na fotografia digital, a imagem prazo começou a substituir fotografia. (O termo imagem é tradicional na geométricas óptica .)

Filmmaking

A realização é o processo de fazer um filme, a partir de uma concepção inicial e de pesquisa, através de roteiro, filmagem e gravação, animação ou outros efeitos especiais, edição, som e música de trabalho e, finalmente, para um público de distribuição; refere-se amplamente para a criação de todos os tipos de filmes, abraçando documentário, cepas de teatro e literatura no cinema e práticas poéticas ou experimentais, e é muitas vezes usado para se referir a processos baseados em vídeo também.

Arte de computador

Imagem produzida por Drawing Machine 2

Artistas visuais já não estão limitados a mídia tradicional arte. Os computadores foram usados como uma ferramenta cada vez mais comum na arte visual, desde a década de 1960. Usa para computadores nas artes visuais incluem o captura ou criação de imagens e formas, a edição dessas imagens e formas (incluindo a exploração múltipla composições) e depois a final prestação e / ou de impressão (incluindo Impressão 3D).

Arte de computador é qualquer arte em que computadores desempenhado um papel na produção ou exibição da obra de arte. Essa técnica pode ser uma imagem, som, animação, vídeo, CD-ROM, DVD , vídeo game , website, algoritmo , desempenho ou instalação galeria. Muitas disciplinas tradicionais estão agora integrando tecnologias digitais e, como resultado, as linhas entre obras de arte tradicionais e novas obras de mídia criado usando computadores se confundiram. Por exemplo, um artista pode combinar tradicional pintura com arte algorítmica e outras técnicas digitais. Como resultado, a definição da arte computador pelo seu produto final pode, portanto, ser difícil. No entanto, este tipo de arte está começando a aparecer em exposições de museus de arte, embora ainda tem que provar sua legitimidade como uma forma em si mesmo e esta tecnologia é amplamente visto na arte contemporânea mais como uma ferramenta em vez de um formulário como com a pintura.

Uso do computador borrou as distinções entre ilustradores, fotógrafos, editores de fotografia, Modeladores 3D e artistas de artesanato. Renderização sofisticada e software de edição levou a desenvolvedores imagem multi-qualificados. Fotógrafos podem tornar-se artistas digitais. Ilustradores pode tornar animadores. Artesanato pode ser auxiliado por computador ou a utilização imagens geradas por computador como um modelo. Computador uso de clip art também tem feito a distinção clara entre artes visuais e layout de página menos óbvia devido ao fácil acesso e edição de clip art no processo de paginar um documento, especialmente para o observador inexperiente.

Escultura

O que se segue é uma cópia do resumo introdutório na página de Escultura

A Dying Gaul, uma cópia de mármore romano de um Trabalho helenístico do terceiro século atrasado BCE Museus Capitolinos, Roma
Assírio Lammasu portão guardião de Khorsabad, c. 721-705 aC
Michelangelo 's Moisés, (c. 1513-1515), abrigado na igreja de San Pietro in Vincoli em Roma . A escultura foi encomendada em 1505 por Papa Júlio II para a sua tumba.
Netsuke de tigresa com dois filhotes, meados do século 19 o Japão, marfim com incrustações de shell
O Anjo do Norte por Antony Gormley, 1998

Escultura é o ramo das artes visuais que opera em três dimensões, e um dos artes plásticas. Processos esculturais duráveis originalmente usado carving (a remoção de material) e modelagem (a adição de material, como argila), em pedra , de metal , cerâmica, madeira e outros materiais, mas, desde modernismo, mudanças no processo escultural levou a uma liberdade quase completa de materiais e processos. Uma grande variedade de materiais podem ser trabalhados pela remoção tal como a cinzeladura, montado por soldadura ou modelagem, ou moldado, ou fundido.

Escultura em pedra sobrevive muito melhor do que obras de arte em materiais perecíveis, e muitas vezes representa a maioria dos sobreviventes obras (excepto cerâmica) a partir de culturas antigas, embora, inversamente tradições de escultura em madeira podem ter desaparecido quase por completo. No entanto, a maioria escultura antiga foi pintados em cores vivas, e este foi perdida.

Escultura tem sido central na devoção religiosa em muitas culturas, e até séculos recentes grandes esculturas, demasiado caros para os indivíduos privados para criar, eram geralmente uma expressão de religião ou política. Essas culturas cujas esculturas sobreviveram em quantidades incluem as culturas do Mediterrâneo antigo, ?ndia e China, bem como muitos na América do Sul e ?frica.

O Tradição ocidental da escultura começou na Grécia Antiga , Grécia e é amplamente visto como produzir grandes obras-primas no período clássico. Durante a Idade Média, Escultura gótica representava as agonias e paixões da fé cristã. O renascimento de modelos clássicos na Renascença produziu esculturas famosos, como Michelangelo 's David. Escultura moderna se afastou de processos tradicionais e a ênfase na representação do corpo humano, com a realização de escultura construída, ea apresentação de encontrados objetos como obras de arte acabados.

Tipos de escultura

A escultura distinção básica é entre a escultura na rodada, free-standing, tais como estatuetas, não associadas (excepto possivelmente na base) de qualquer outra superfície, e os vários tipos de relevo, os quais são, pelo menos parcialmente ligado a uma superfície de fundo. Socorro é freqüentemente classificada pelo grau de projeção da parede para baixo ou baixo-relevo, alto relevo, e às vezes um intermediário meados de alívio. -Relevo afundado é uma técnica restrita ao antigo Egito. Socorro é a forma escultural usual para grupos grandes figuras e temas narrativos, que são difíceis de realizar na rodada, e é a técnica típica usada tanto para escultura arquitetônica, que é anexado aos edifícios, e para a escultura pequena escala decorar outros objetos, como em grande parte cerâmica , metais e jóias . Relevos também pode decorar estelas, placas verticais, geralmente de pedra, que contêm escultura ou às vezes apenas inscrições.

Outra distinção básica é entre as técnicas de subtração de escultura, que removem material de um bloco ou nódulo existente, por exemplo, de pedra, e as técnicas de modelagem que forma ou edificar o trabalho a partir do material. Técnicas como a fundição, estampagem e moldagem usar uma matriz intermediário contendo o projeto para produzir o trabalho; muitos destes permitem a produção de várias cópias.

Escultura é muitas vezes usado principalmente para descrever grandes obras, que às vezes são chamados escultura monumental, significado um ou ambos de escultura que é grande, ou que está ligado a um edifício. Mas o termo abrange adequadamente vários tipos de pequenas obras em três dimensões usando as mesmas técnicas, incluindo moedas e medalhas, carvings hardstone, um termo para pequenas esculturas em pedra que pode tomar trabalho detalhado.

A estátua muito grande ou "colossal" teve um apelo duradouro desde antiguidade; o maior já registrado em 128 m (420 pés) é o 2002 Chinese Primavera Templo do Buda. Outra grande forma de escultura retrato é o estátua equestre de um cavaleiro no cavalo, que se tornou rara nas últimas décadas. Os menores formas de escultura retrato em tamanho natural são a "cabeça", que mostra exatamente isso, ou o busto, uma representação de uma pessoa do peito para cima. Pequenas formas de escultura incluir o estatueta, normalmente uma estátua que não é mais do que dizer 18 polegadas de altura, e para os relevos plaquette, medalha ou moeda.

Arte moderna e contemporânea têm adicionado um número de formas não tradicionais de escultura, incluindo: Escultura sonora, Escultura de luz, Arte ambiental, Escultura ambiental, Escultura cinética, envolvendo aspectos de movimento físico , Land art e Arte site-specific. Escultura é uma importante forma de arte pública. Uma coleção da escultura em um ajuste do jardim pode ser chamado de jardim de esculturas.

Propósitos e assuntos

Moai da Ilha de Páscoa , onde a concentração de recursos em grande escultura pode ter tido efeitos políticos sérios.

Um dos efeitos mais comuns da escultura é em alguma forma de associação com a religião. Imagens de culto são comuns em muitas culturas, embora muitas vezes não são as estátuas colossais da divindade que caracterizou Arte grega antiga, como a Estátua de Zeus em Olímpia ; as imagens de culto reais nos santuários mais íntimos de Templos egípcios, dos quais nenhuma sobreviveu, eram evidentemente bastante pequeno, mesmo nos maiores templos, eo mesmo é verdade em muitas vezes o hinduísmo , onde a forma muito simples e antiga da lingam é o mais comum. Budismo trouxe a escultura de figuras religiosas para a ?sia Oriental, onde não parece ter havido nenhuma tradição equivalente anterior, apesar de formas novamente simples, como o e bi cong provavelmente tinha um significado religioso.

Pequenas esculturas como bens pessoais voltar para a arte pré-histórica mais antiga, eo uso de muito grande escultura como arte pública, especialmente para impressionar o espectador com o poder de um governante, remonta pelo menos ao Grande Esfinge de cerca de 4.500 anos atrás. Em arqueologia e história da arte da aparência, e às vezes desaparecimento, de escultura monumental grande ou em uma cultura é considerada de grande importância, embora traçando o aparecimento é muitas vezes complicada pela existência presumida de escultura em madeira e outros materiais perecíveis de que há registro permanece; o totem é um exemplo de uma tradição de escultura monumental em madeira que não deixam vestígios de arqueologia. A capacidade de convocar os recursos para criar a escultura monumental, transportando normalmente materiais muito pesados e organizar para o pagamento do que são geralmente considerados como escultores de tempo integral, é considerada uma marca de uma cultura relativamente avançada em termos de organização social. Recentes descobertas inesperadas de porcelana chinesa antiga da idade do bronze figuras na Sanxingdui, algumas muitas idéias mais do que o dobro do tamanho humano, tenham perturbado realizadas sobre cedo civilização chinesa, uma vez que só muito bronzes menores foram previamente conhecido. Algumas culturas, sem dúvida avançado, como a civilização do Vale do Indo , parecem ter tido nenhuma escultura monumental em tudo, embora a produção figurinhas muito sofisticadas e focas. O Cultura Mississippian parece ter vindo a progredir no sentido da sua utilização, com pequenas figuras de pedra, quando ele entrou em colapso. Outras culturas, como o Egito Antigo e do Cultura da Ilha de Páscoa, parecem ter dedicado enormes recursos à escultura monumental em escala muito grande a partir de uma fase muito precoce.

Medalha de João VIII Paleólogo, c. 1435, pela Pisanello, a primeira medalha de retrato, um meio essencialmente feitas para a coleta.

A coleta de escultura, incluindo a de períodos anteriores, remonta a cerca de 2.000 anos na Grécia, China e Mesoamérica, e muitas coleções estavam disponíveis em exposição semi-público muito antes do moderno museu foi inventado. A partir do século 20, o intervalo relativamente restrito de indivíduos encontrados em grande escultura expandido enormemente, com temas abstratos e à utilização ou representação de qualquer tipo de assunto agora comum. Hoje grande escultura é feita para exibição intermitente em galerias e museus, ea capacidade de transportar e armazenar os cada vez maiores obras é um fator na sua construção. Pequeno decorativo estatuetas, na maioria das vezes em cerâmica, são hoje tão popular (embora estranhamente negligenciado por moderno e A arte contemporânea), como eles estavam no rococó , ou na Grécia Antiga, quando Estatuetas Tanagra foram uma grande indústria, ou no Leste Asiático e Arte pré-colombiana. Pequenos acessórios para móveis esculpidos e outros objetos vão bem na antiguidade, como no Marfins Nimrud, Marfins Begram e encontra do túmulo de Tutankhamun.

Escultura Retrato começou no Egito, onde a Narmer Palette mostra um governante do século AEC 32, e Mespotamia , onde temos 27 sobrevivo estátuas de Gudea, que governaram Lagash c. 2144 - 2124 aC. Na Grécia e Roma antigas a ereção de uma estátua do retrato em um lugar público era quase o mais alto galardão, ea ambição da elite, que também pode ser descrito em uma moeda, Em outras culturas, como o Egito eo público Próximo Oriente estátuas eram quase exclusivamente o de preservar o governante, com outras pessoas ricas única a ser retratados em suas tumbas. Governantes são normalmente as únicas pessoas que receberam retratos em culturas pré-colombianas, que começam com a Cabeças colossais olmecas de cerca de 3.000 anos atrás. Escultura retrato do Leste Asiático foi inteiramente religiosa, com os principais clérigos sendo comemorado com estátuas, especialmente os fundadores da mosteiros, mas não governantes, ou antepassados. A tradição mediterrânica reviveu, inicialmente apenas para efígies túmulo e moedas, na Idade Média, mas expandiu grandemente na Renascença, que inventou novas formas, como o retrato pessoal medalha.

Os animais são, com a figura humana, a mais antiga assunto para a escultura, e sempre foram populares, por vezes, realista, mas muitas vezes monstros imaginários; na China animais e monstros são quase os únicos temas tradicionais de escultura em pedra túmulos e templos fora. O reino das plantas é importante apenas em jóias e relevos decorativos, mas estes forma quase toda a grande escultura de Arte bizantina e Arte islâmica, e são muito importantes na maioria das tradições da Eurásia, onde motivos, tais como a palmette e rolagem videira passaram a leste e oeste por mais de dois milênios.

Uma forma de escultura encontrado em muitas culturas pré-históricas ao redor do mundo é versões de ferramentas comuns, armas ou navios criados em materiais preciosos impraticáveis, ou para alguma forma de uso cerimonial ou exibição ou como oferendas especialmente alargada. Jade ou outros tipos de greenstone foram utilizados na China, Olmeca do México, e Neolítico Europa, e em grandes formatos da cerâmica primeiros Mesopotâmia foram produzidos em pedra. Bronze foi utilizado na Europa e na China para os grandes eixos e lâminas, como a Oxborough Dirk.

Os materiais e técnicas

Sumeriana adorador masculino, Alabaster com escudo olhos, 2750-2600 BC

Os materiais utilizados na escultura são diversos, mudando ao longo da história. Os materiais clássicos, com excelente durabilidade, são de metal, especialmente bronze, pedra e cerâmica, com madeira, osso e chifre opções menos duráveis, mas mais baratos. Materiais preciosos, como ouro , prata , jade e marfim são muitas vezes utilizados para pequenas obras de luxo, e às vezes em outros maiores, como em estátuas criselefantina. Materiais mais comuns e menos caros foram usadas para a escultura para o consumo mais amplo, incluindo folhosas (como carvalho , / caixa de buxo, e cal / linden); terracota e outros cerâmica, cera (um material muito comum para os modelos para fundição, e receber as impressões de focas e gemas gravadas do cilindro), e metais como o elenco estanho e zinco (spelter). Mas um grande número de outros materiais têm sido usados como parte de esculturas, em trabalhos etnográficos e antigos, tanto quanto as modernas.

Esculturas são muitas vezes pintado, mas comumente perdem a sua pintura em tempos, ou restauradores. Muitas técnicas de pintura diferentes têm sido utilizados no fabrico de escultura, incluindo tempera, pintura a óleo , douramento, pintura de casa, aerossol, esmalte e jateamento.

Muitos escultores buscar novas formas e materiais para fazer arte. Uma das Pablo Picasso esculturas mais famosas 's incluída bicicletas peças. Alexander Calder e outros modernistas fizeram uso espetacular de pintado aço . Desde os anos 1960, acrílicos e outros plásticos foram usados também. Andy Goldsworthy faz suas esculturas extraordinariamente efêmeras a partir de materiais naturais quase inteiramente em ambientes naturais. Alguns escultura, tais como escultura de gelo, escultura em areia , e escultura de gás, é deliberadamente curta duração. Escultores recentes têm utilizado vitrais , ferramentas, peças de máquinas, hardware e embalagens de consumo para moldar suas obras. Escultores usam às vezes objetos encontrados, e chinês rochas 'estudiosos têm sido apreciado por muitos séculos.

Pedra

Reconstrução moderna um pouco especulativo da aparência pintados original de uma figura grega arcaica tarde mármore do Templo de Aphaea, c. 500 BCE

Escultura em pedra é uma atividade antiga onde pedaços de naturais áspera pedra são moldadas pela remoção controlada de pedra. Devido à permanência do material, evidências podem ser encontradas que mesmo as primeiras sociedades espectáculo de alguma forma de trabalhar a pedra, embora nem todas as áreas do mundo têm tanta abundância de boa pedra para esculpir como Egito, Grécia, ?ndia e grande parte da Europa. Petroglifos (também chamados de gravuras rupestres) são talvez a mais antiga forma: imagens criadas através da remoção de parte de uma superfície da rocha que permanece in situ, por incisão, picotagem, escultura e abrasão. Escultura monumental cobre grandes obras e escultura arquitetônica, que é anexado aos edifícios. Hardstone escultura é a escultura para fins artísticos de pedras semi-preciosas, como jade, ágata, ônix, cristal de rocha , sard ou cornalina, e um termo geral para um objeto feito desta forma. Alabaster ou mineral gesso é um mineral suave que é fácil de esculpir para obras menores e ainda relativamente durável. Gemas gravadas são pequenas jóias esculpidas, incluindo cameos, usado originalmente como anéis de vedação.

A cópia de uma estátua original em pedra, que foi muito importante para estátuas gregas antigas, que são quase todos conhecidos a partir de cópias, tem sido alcançada por " apontando ", junto com métodos mais à mão livre. Apontando envolveu a criação de uma grade de quadrados de corda em uma moldura de madeira em torno do original, e em seguida medir a posição no grid ea distância entre grade e estátua de uma série de pontos individuais, e, em seguida, utilizar estas informações para esculpir no bloco a partir do qual a cópia é feita.

Metal

Bronze e afins ligas de cobre são os mais antigos e ainda os metais mais populares para fundido de metal esculturas ; Um elenco escultura de bronze é muitas vezes chamado simplesmente de "bronze". Ligas de bronze comuns têm a propriedade incomum e desejável de expandir um pouco antes que eles definido, preenchendo assim os mais finos detalhes de um molde. A sua falta de resistência e fragilidade (ductilidade) é uma vantagem quando está a ser criada figuras em acção, especialmente quando comparado com várias materiais cerâmicos ou de pedra (ver . escultura para vários exemplos de mármore) de ouro é o metal mais macio e mais precioso, e muito importante em jóias; com prata é suave o suficiente para ser trabalhado com martelos e outras ferramentas, bem como elenco; repuxado e perseguição estão entre as técnicas utilizadas em ouro e ourivesaria.

A carcaça é um grupo de processos de fabrico em que um material líquido (bronze, cobre, vidro, alumínio, ferro) é (geralmente) vertida para um molde, que contém uma cavidade com a forma desejada, e depois deixou-se solidificar. A peça moldada sólida é então ejectado ou quebrado para fora para completar o processo, apesar de uma fase final de "trabalho a frio" podem seguir no molde acabado. De moldagem pode ser utilizado para formar metais líquidos quentes ou vários materiais que estabelecem a frio após a mistura dos componentes (tais como epóxis, concreto, gesso e argila ). Fundição é mais frequentemente usado para fazer formas complexas que seriam de outra forma difícil ou antieconômico para fazer por outros métodos. A mais antiga fundição de cobre sobrevivente é um sapo da Mesopotâmia a partir de 3200 aC. As técnicas específicas incluem fundição de cera perdida, gesso molde de fundição e fundição em areia.

Vidro

Dale Chihuly, 2006, ( Vidro soprado)

De vidro pode ser utilizado para a escultura através de uma vasta gama de técnicas de trabalho, embora o uso do mesmo para grandes obras é um desenvolvimento recente. Ele pode ser esculpido, com considerável dificuldade; o romano Licurgo Cup é tudo, mas único. Fundição quente pode ser feito por ladling vidro derretido em moldes que foram criadas pressionando formas em areia, esculpidas grafite ou moldes detalhados gesso / sílica. Kiln fundição de vidro envolve pedaços de vidro de aquecimento em um forno até que eles são líquidos e fluem em um molde esperando abaixo dela no forno. O vidro também pode ser fundido e / ou quente esculpido com ferramentas manuais, quer como uma massa sólida ou como parte de um objecto soprado.

A madeira entalhada Bodhisattva da Dinastia Song 960-1279, Museu de Xangai

Cerâmica

A cerâmica é um dos materiais mais antigos para a escultura, bem como argila sendo o meio em que muitas esculturas vazadas no metal são originalmente modelado para fundição. Escultores costumam construir pequenas obras preliminares chamados maquetes de materiais efêmeros como gesso, cera, barro cru, ou plasticina. Muitas culturas têm produzido cerâmica que combina uma função como um vaso com uma forma escultural, e pequeno estatuetas têm sido muitas vezes tão popular como eles são na cultura ocidental moderna. Selos e moldes foram utilizados pela maioria das civilizações antigas, desde Roma antiga e da Mesopotâmia para a China.

Talha

Talha foi extremamente amplamente praticada, mas sobrevive muito menos bem do que os outros materiais principais, sendo vulnerável à decadência, danos causados por insetos, e fogo. É, portanto, constitui um elemento escondido importante na história da arte de muitas culturas. Escultura de madeira ao ar livre não dura muito tempo em muitas partes do mundo, de modo que temos pouca idéia de como o totem tradição desenvolvida. Muitas das esculturas mais importantes da China e do Japão, em particular, são em madeira, ea grande maioria dos Africano escultura e de Oceania e outras regiões. A madeira é leve, tão adequado para máscaras e outros escultura destinada a ser transportada, e pode levar detalhe muito bem. É também muito mais fácil de trabalhar do que a pedra.

História da escultura

Períodos pré-históricos

Venus de Willendorf.

Muito sobrevivo arte pré-histórica é pequenas esculturas portáteis, com um pequeno grupo de mulheres Estatuetas de Vênus, como o Venus de Willendorf (24,000-22,000 BC) encontrado em toda a Europa central; os 30 cm de altura Homem Leão da Hohlenstein Stadel de cerca de 30.000 aC quase não tem peças que podem ser relacionados a ela. O Natação rena de cerca de 11.000 aC é um dos melhores de uma série de Carvings Magdalenian em osso ou chifre de animais no arte do Paleolítico Superior, embora eles estão em desvantagem por peças gravadas, que são por vezes classificados como escultura. Com o início do Mesolítico na escultura figurativa Europa muito reduzida, e manteve-se um elemento menos comum na arte de decoração de alívio de objetos práticos até o período romano, apesar de algumas obras como a Gundestrup caldeirão da Idade do Ferro Europeia e da Idade do Bronze Trundholm carruagem solar.

Antigo Médio Oriente

O Período Protoliterate na Mesopotâmia , dominado por Uruk, viu a produção de trabalhos sofisticados como o Warka Vaso e selos cilíndricos. O Guennol Lioness é um excelente pequeno figura de calcário Elam de cerca de 3000-2800 aC, parte homem e parte leão. Um pouco mais tarde, há uma série de figuras de sacerdotes de olhos grandes e adoradores, a maioria em alabastro e até um pé de altura, que assistiram templo imagens de culto da divindade, mas muito poucos deles sobreviveram. Esculturas da suméria e acadiana período geralmente tinha grande, olhos arregalados, e longas barbas nos homens. Muitas obras de arte também foram encontrados no Royal Cemetery at Ur (c. 2650 aC), incluindo as duas figuras de um Ram em um matagal, o Copper Bull ea cabeça de um touro em uma das Lyres de Ur.

Dos muitos períodos subsequentes antes da ascendência da Neo-Império Assírio no século 10 aC arte mesopotâmica sobrevive em uma série de formas: selos cilíndricos, relativamente pequenas figuras na rodada, e relevos de vários tamanhos, incluindo placas de cerâmica moldada baratos para a casa, alguns religiosos e alguns aparentemente não . O Burney Socorro é uma elaborada e relativamente grande (20 x 15 polegadas) incomum de placas de terracota de uma deusa alada nua com os pés de uma ave de rapina e corujas atendente e leões. . Ela vem do 18o ou 19o séculos aC, e também pode ser moldado Pedra estelas, oferendas votivas, ou aqueles que comemoram vitórias e provavelmente mostrando festas, também são encontrados a partir de templos, que ao contrário dos mais oficiais carecem de inscrições que explicariam-los; o fragmentário Stele da Vultures é um dos primeiros exemplos do tipo de inscritos, e os assírios Obelisco Negro de Shalmaneser III uma grande e sólida uma tarde.

A conquista de toda a Mesopotâmia e do território circundante muito pelos assírios criou um estado maior e mais rica do que a região tinha conhecido antes, e arte muito grandioso em palácios e locais públicos, sem dúvida, em parte, a intenção de coincidir com o esplendor da arte do vizinho império egípcio. Os assírios desenvolveu um estilo de extremamente grandes esquemas narrativos de baixos relevos muito finamente detalhados em pedra para palácios, com cenas de guerra ou caça; o Museu Britânico tem uma excelente coleção. Eles produziram muito pouco escultura na rodada, com exceção de figuras da guarda colossais, muitas vezes o humano-dirigiu o lamassu, que são esculpidas em alto relevo em dois lados de um bloco retangular, com os chefes de forma eficaz na rodada (e também cinco pernas, por isso, que ambas as visões parecem completa). Mesmo antes de dominar a região tivessem continuado o selo tradição cilindro com projetos que muitas vezes são excepcionalmente enérgico e refinado.

Antigo Egito

Tutmés, Busto de Nefertiti, 1345 aC,Museu Egípcio de Berlim

O escultura monumental do Egito antigo é mundialmente famosa, mas refinadas e delicadas pequenas obras existem em número muito maior. Os egípcios usavam a técnica distinta de alívio afundado, o que é bem adequado para muito brilhante luz solar. As principais figuras em relevos aderir à mesma convenção figura como na pintura, com pernas separadas (onde não sentadas) e cabeça mostradas do lado, mas o torso de frente, e um conjunto padrão de proporções tornando-se a figura, usando 18 "punhos" para ir a partir do solo até a linha do cabelo na testa. Isso parece tão cedo quanto o Narmer Palette da dinastia de I, mas não como em outros lugares a convenção não é usado para figuras menores mostrados envolvido em alguma atividade, como os prisioneiros e cadáveres. Outras convenções fazer estátuas de homens mais escuros do que as fêmeas. Muito estátuas retrato conventionalized aparecer a partir tão cedo quanto Dynasty II, antes de 2780 aC, e com excepção da arte do período Amarna de Ahkenaten , e alguns outros períodos, como Dinastia XII, as características idealizadas de governantes, como outras convenções artísticas egípcias , pouco mudou até depois da conquista grega.

Egípcio faraós foram sempre considerados como deuses, mas outras divindades são muito menos comuns em grandes estátuas, exceto quando eles representam o faraó como outra divindade; no entanto, as outras divindades são freqüentemente mostrado em pinturas e relevos. A famosa linha de quatro estátuas colossais fora do templo principal em Abu Simbel cada show Ramsés II , um esquema típico, embora aqui excepcionalmente grande. Pequenas figuras de divindades, ou suas personificações dos animais, são muito comuns, e encontrado em materiais populares, tais como cerâmica. A maioria sobrevive maior escultura de templos egípcios ou túmulos; por Dinastia IV (2680-2565 aC), o mais tardar a idéia da estátua Ka foi firmemente estabelecida. Estes foram colocados em tumbas como um lugar de descanso para o ka parte da alma, e por isso temos um bom número de estátuas menos convencionalizados de bem-off administradores e suas esposas, muitos em madeira como o Egito é um dos poucos lugares no mundo onde o clima permite madeira para sobreviver ao longo de milênios. A chamada cabeças de reserva, cabeças calvas de deslizamento, são especialmente naturalista. Tumbas também continham pequenas primeiros modelos dos escravos, animais, edifícios e objetos como barcos necessários para o falecido para continuar seu estilo de vida no outro mundo, e mais tarde Ushabti figuras.

Grécia Antiga

Charioteer de Delphi, antiga estátua de bronze grego, quinto século aC, close-up detalhe cabeça

O primeiro estilo distintivo da escultura grega antiga desenvolvido no início da Idade do Bronze período das Cíclades (3º milênio aC), onde figuras de mármore, geralmente do sexo feminino e pequenas, são representados em um estilo geométrico elegantemente simplificado. O mais típico é uma pose de pé com os braços cruzados na frente, mas outras figuras são mostradas em diferentes poses, incluindo uma figura complicada de um harpista sentado em uma cadeira.

A subsequente minóica e micênica culturas desenvolveram escultura ainda mais, sob a influência da Síria e em outros lugares, mas é no final do período arcaico de cerca de 650 aC que os kouros desenvolvido. Estes são grandes estátuas em pé de jovens nuas, encontrados em templos e túmulos, com a kore como o equivalente feminino vestida, com o cabelo elaboradamente vestida; ambos têm o " sorriso arcaico ". Eles parecem ter servido uma série de funções, talvez, por vezes, representando divindades e às vezes a pessoa enterrado em uma sepultura, como com o Kroisos Kouros. Eles são claramente influenciados por estilos egípcios e sírios, mas os artistas gregos eram muito mais pronto para experimentar dentro do estilo.

Durante o século 6 escultura grega desenvolveu-se rapidamente, tornando-se mais naturalista, e com muito mais figura ativa e variada coloca em cenas narrativas, embora ainda dentro convenções idealizadas. Esculpidos frontões foram adicionados a templos, incluindo o Partenon , em Atenas, onde os restos do frontão de cerca de 520 usando figuras da rodada foram felizmente usado como enchimento para novos edifícios após o saque persa em 480 aC, e se recuperou da década de 1880 em em condição unweathered fresco. Outros restos significativos de escultura arquitetônica vêm de Paestum em Itália, Corfu, Delphi e do Templo de Aphaea em Egina (muito agora em Munique ).

Clássico

Alto alto relevo clássico do Mármores de Elgin, que originalmente decorado o Parthenon , c. 447-433 aC

Temos menos restos originais da primeira fase do período clássico, muitas vezes chamado de estilo grave; estátuas free-standing foram, na sua maioria feitas em bronze, que sempre teve valor como sucata. O estilo severo durou de cerca de 500 em relevos, e logo depois 480 em estátuas, a cerca de 450. As poses relativamente rígidas de figuras relaxado, e posições de rotação assimétricas e oblíquas tornou-se comum, e procurou deliberadamente. Este foi combinado com uma melhor compreensão da anatomia e da estrutura harmoniosa de figuras esculpidas, ea busca da representação naturalista como um objectivo, que não estavam presentes antes. As escavações no Templo de Zeus, Olympia desde 1829 revelaram o maior grupo de restos, de cerca de 460, dos quais muitos são na Louvre.

O "High clássico" período durou apenas algumas décadas a partir de cerca de 450 a 400, mas teve uma influência importante sobre a arte, e mantém um prestígio especial, apesar de um número muito restrito de sobreviventes originais. As obras mais conhecidas são a mármores do Parthenon, tradicionalmente (desde Plutarco) executado por uma equipe liderada pelo mais famoso escultor grego antigo Fídias, ativa de cerca de 465-425, que estava em seu próprio dia mais famoso por sua colossal chryselephantine Estátua de Zeus em Olímpia (c 432), uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo, seu Parthenos Athena a imagem culto do (438), Parthenon , e Athena Promachos , uma figura de bronze colossal que ficava ao lado do Parthenon; todos estes são perdidos, mas são conhecidos a partir de muitas representações. Ele também é creditado como o criador de algumas estátuas de bronze em tamanho natural conhecido apenas a partir de cópias posteriores cuja identificação é controversa, incluindo o Ludovisi Hermes .

O estilo clássico alta continuou a desenvolver o realismo e sofisticação na figura humana, e melhorou a representação de cortina (roupas), usando-a para adicionar ao impacto das poses ativas. As expressões faciais eram geralmente muito contido, mesmo em cenas de combate. A composição dos grupos de figuras em relevo e em frontões complexidade e harmonia combinados de uma forma que teve uma influência permanente sobre a arte ocidental. Alívio pode ser muito alta, tal como na ilustração Parthenon abaixo, onde a maior parte da perna do guerreiro é completamente destacado do fundo, assim como as partes em falta; Este alto relevo feitas esculturas mais sujeito a danos. O estilo clássico tardio desenvolveu a estátua nua free-standing do sexo feminino, supostamente uma inovação de Praxiteles, e cada vez mais desenvolvido poses complexas e sutis que eram interessantes quando visto a partir de uma série de ângulos, bem como rostos mais expressivos; ambas as tendências estavam a ser tomadas muito mais longe no período helenístico.

O estilo Pergamene do período helenístico, a partir doAltar de Pérgamo, início do século segundo.

Helenístico

O Período helenístico é convencionalmente datada a partir da morte de Alexandre, o Grande , em 323 aC, e terminando, quer com a conquista definitiva dos redutos gregos por Roma em 146 aC ou com a derrota na final da última Estado sucessor restante para o império de Alexandre após a Batalha de Actium em 31 BC, que também marca o fim da Roma republicana. É, portanto, muito mais do que os períodos anteriores, e inclui pelo menos duas fases principais: um estilo "Pérgamo" de experimentação, exuberância e algum sentimentalismo e vulgaridade, e no século 2 aC um retorno classicising a uma simplicidade mais austera e elegância; além de tais generalizações namoro é tipicamente muito incertas, especialmente quando só mais tarde cópias são conhecidos, como é geralmente o caso. O estilo inicial de Pérgamo não era especialmente associada com Pergamon, de onde tira o seu nome, mas os reis muito ricas daquele estado estavam entre os primeiros a recolher e também copiar escultura clássica, e também encomendou muito novo trabalho, incluindo o famoso Altar de Pérgamo cuja escultura é agora principalmente em Berlim e que exemplifica o novo estilo, assim como o Mausoléu de Halicarnasso (outra das Sete Maravilhas), o famoso Grupo de Laocoonte no Museus do Vaticano, um exemplo de atraso, eo original de bronze de The Dying Gália (ilustrado na parte superior), que sabemos que fazia parte de um grupo, na verdade encomendada para Pergamon em cerca de 228 aC, a partir do qual o Ludovisi Gaul era também uma cópia. O grupo chamado o Touro Farnese, possivelmente um segundo original é de mármore do século, é ainda maior e mais complexa,

Escultura helenística expandiu consideravelmente a gama de assuntos representados, em parte como resultado de uma maior prosperidade geral, eo surgimento de uma classe muito rica que tinham grandes casas decoradas com esculturas, embora saibamos que alguns exemplos de temas que parecem mais adequados para a casa , tais como crianças com animais, foram de fato colocado em templos ou em outros lugares públicos. Para um mercado de decoração de casa muito mais popular havia estatuetas de Tanagra, e aqueles de outros centros onde as pequenas figuras de cerâmica foram produzidos em escala industrial, algumas senhoras religiosas, mas outros que mostram animais e elegantemente vestidos. Escultores tornou-se mais tecnicamente qualificados em representar as expressões faciais de transporte uma grande variedade de emoções eo retrato de indivíduos, bem representando diferentes idades e raças. Os relevos do Mausoléu são bastante atípico no que diz respeito; a maioria dos trabalhos foi free-standing, e composições do grupo com várias figuras de ser visto na rodada, como o Laocoonte eo grupo Pergamon comemorando a vitória sobre os gauleses se tornou popular, tendo sido raro antes. O Fauno Barberini, mostrando um sátiro deitado dormindo, presumivelmente depois de beber, é um exemplo do relaxamento moral do período e da sua disponibilidade para criar esculturas grandes e caras de indivíduos que ficam aquém do heróico.

Após as conquistas de Alexandre cultura helenística foi dominante nos tribunais de a maior parte do Oriente Médio, e alguns da Ásia Central, e cada vez mais sendo adotados por elites europeias, especialmente na Itália, onde colônias gregas inicialmente controlados na maior parte do Sul. Arte helenística, e artistas, espalhou muito amplamente, e foi especialmente influente na expansão República Romana e quando ele encontrou o budismo nas extensões mais orientais da área helenístico. O maciço chamado Alexander Sarcófago encontrado em Sidon em moderno Líbano , provavelmente foi feito lá no início do período por artistas gregos expatriados para um governador persa Hellenized. A riqueza do período levou a um grande aumento da produção de formas de luxo de pequena escultura, incluindo pedras preciosas esculpidas e as participações especiais, jóias e ouro e talheres.

Europa após os gregos

Escultura romana

Secção deColuna de Trajano, CE 113, com cenas dasguerras de Dacian

Arte romana cedo foi influenciado pela arte da Grécia ea dos vizinhos etruscos,-se grandemente influenciado por seus parceiros comerciais gregas. Uma especialidade etrusco estava perto efígies túmulo de tamanho de vida em terracota, geralmente deitado em cima de uma tampa do sarcófago apoiado em um cotovelo na pose de um diner nesse período. Como a expansão da República Romana começou a conquistar território grego, à primeira no sul da Itália e, em seguida, todo o mundo helênico, exceto para o Parto extremo oriente, oficial e escultura tornou-se, em grande parte patrícia uma extensão do estilo helenístico, a partir do qual os elementos especificamente romanas são difíceis de desembaraçar, especialmente porque tanto escultura grega sobrevive apenas em cópias do período romano. Até o século 2 aC, "a maioria dos escultores que trabalham em Roma" eram gregos, frequentemente escravizados em conquistas como a de Corinto (146 aC), e escultores continuou a ser principalmente gregos, muitas vezes escravos, cujos nomes são muito raramente gravado. Um vasto número de estátuas gregas foram importados para a Roma, seja como saque ou o resultado de extorsão ou comércio, e templos foram muitas vezes decoradas com reutilizados obras gregas.

Um estilo italiano nativo pode ser visto nos monumentos túmulo, que muitas vezes caracterizados bustos, de prósperos de classe média romanos, e retratista é sem dúvida a principal força da escultura romana. Não há sobreviventes da tradição das máscaras de ancestrais que foram usadas em procissões nos funerais das grandes famílias e de outra forma indicadas na casa, mas muitos dos bustos que sobrevivem devem representar figuras ancestrais, talvez a partir dos grandes túmulos familiares, como o Túmulo dos Cipiões ou o mausoléus mais tarde fora da cidade. A famosa cabeça de bronze, supostamente de Lucius Junius Brutus é muito diversamente datada, mas tomado como uma sobrevivência muito rara de estilo itálico sob a República, a médio preferido de bronze. Da mesma forma cabeças duras e contundentes são vistos em moedas da República tarde, e nas moedas período imperial, bem como bustos enviados ao redor do Império para ser colocado nas basílicas de cidades provinciais foram a principal forma visual de propaganda imperial; mesmo Londinium teve um perto -colossal estátua de Nero, embora muito menor do que os 30 metros de altura Colosso de Nero em Roma, agora perdido.

Augustoestado estilo greco-romano sobre oAra Pacis, 13 aC

Os romanos não geralmente tentam competir com free-standing obras gregas de façanhas heróicas da história ou mitologia, mas desde cedo obras históricas produzidas em relevo, que culminou com as grandes colunas triunfais romanos com relevos narrativos contínuas enrolamento em torno deles, dos quais os comemorando Trajano (CE 113) e Marcus Aurelius (por 193) sobreviver em Roma, onde o Ara Pacis ("Altar da Paz", 13 aC) representa o estilo greco-romano oficial no seu mais clássico e refinado. Entre outros exemplos importantes são os relevos anteriores reutilizados no Arco de Constantino e da base da Coluna de Antonino Pio (161), relevos Campana eram versões mais baratas de cerâmica relevos de mármore eo sabor para o alívio da era do período imperial expandido para o sarcófago. Todas as formas de luxo pequena escultura continuou a ser apadrinhado, ea qualidade pode ser extremamente alto, como na prata Warren Cup, vidro Licurgo Cup, e grandes participações especiais como a Gemma Augustea, Gonzaga Cameo eo " Grande Cameo da França ". Para uma parte muito maior da população, decoração em relevo moldado de vasos de cerâmica e pequenas estatuetas foram produzidos em grande quantidade e qualidade, muitas vezes considerável.

Após mover-se através de uma 2ª fase final do século "barroca", no século 3 arte romana em grande parte abandonado, ou simplesmente tornou-se incapaz de produzir, escultura na tradição clássica, uma mudança cujas causas permanecem muito discutido. Mesmo os monumentos imperiais mais importantes agora mostrou, figuras de olhos grandes stumpy em um estilo frontal dura, em composições simples poder enfatizando à custa de graça. O contraste é famosa ilustrado no Arco de Constantino de 315 em Roma, que combina seções no novo estilo com rodelas no estilo greco-romano anterior completo tomadas a partir de outros lugares, e os Quatro Tetrarchs (c. 305) a partir da nova capital Constantinopla , agora em Veneza. Ernst Kitzinger encontrado em ambos os monumentos os mesmos "proporções atarracadas, movimentos angulares, uma ordenação de partes através da simetria e da repetição e uma prestação de recursos e cortinas dobras através de incisões em vez de modelagem ... A principal característica do estilo onde quer que aparece consiste em uma dureza enfático, peso e angularidade - em suma, uma rejeição quase total da tradição clássica ".

Esta revolução no estilo pouco precedeu o período em que o cristianismo foi adoptado pelo Estado romano ea grande maioria das pessoas, que conduz ao fim da grande escultura religiosa, com grandes estátuas agora só utilizados para imperadores. No entanto cristãos ricos continuaram a comissão relevos de sarcófagos, como no sarcófago de Junius Bassus, e muito pequena escultura, especialmente em marfim, foi continuada pelos cristãos, com base no estilo do díptico consular.

No início medieval e bizantina

Monstro de prata em um chape, escocês ou anglo-saxão, de São Ninian Ilha Treasure, c. 800?
O Gero Cruz, c. 965-970, Colônia, Alemanha

O Os primeiros cristãos se opuseram a monumental escultura religiosa, embora continuando as tradições romanas em bustos e relevos sarcófago, bem como objetos menores, como o díptico consular. Tais objetos, muitas vezes em materiais valiosos, também foram os principais tradições esculturais (tanto quanto se sabe) das civilizações bárbaras do período de migração, como visto nos objetos encontrados na sexta tesouro enterro século em Sutton Hoo , e as jóias de arte e cita os cristãos e híbridos produções do estilo de animais de Arte Insular. Seguindo a tradição bizantina de continuar, arte carolíngia reviveu marfim escultura, muitas vezes em painéis para as ligações de tesouro de grandes manuscritos iluminados, bem como cabeças Crozier e outros acessórios pequenos.

Arte bizantina, embora produzindo relevos marfim soberbas e escultura decorativa arquitectónica, nunca mais voltou para a escultura monumental, ou mesmo muito pequena escultura na rodada. No entanto, no Ocidente durante os Carolíngio e períodos Otonianos houve o início de uma produção de estátuas monumentais, em tribunais e as principais igrejas. Isto gradualmente se espalhou; no final do século 10 e 11 há registros de várias aparentemente esculturas em tamanho real em igrejas anglo-saxões, provavelmente, de metais preciosos em torno de uma moldura de madeira, como o dourado Madonna de Essen. No exemplo anglo-saxão sobreviveu, e sobrevivências de grande escultura não-arquitetônico de antes de 1000 são excepcionalmente raros. Muito o melhor é a Cruz Gero, de 965-70, que é um crucifixo, que foi, evidentemente, o tipo mais comum de escultura; Charlemagne tinha configurar uma na Capela Palatina de Aachen em torno de 800. Estes continuaram a crescer em popularidade, especialmente em Alemanha e Itália. O runa pedras do mundo Nordic, as pedras pictos da Escócia e, possivelmente, os altos relevos transversais de Christian Grã-Bretanha, foram tradições esculturais do norte ponte que o período de cristianização.

Romanesco

A partir de cerca de 1000 houve um renascimento geral da produção artística em toda a Europa, liderada pelo crescimento econômico geral na produção e comércio, eo novo estilo de arte românica foi o primeiro estilo medieval para ser usado em toda a Europa Ocidental. As novas catedrais e igrejas de peregrinos estavam cada vez mais decoradas com relevos em pedra de arquitectura, e novos enfoques para a escultura desenvolvidos, como o tímpano sobre portas da igreja no século 12, eo habitada capital, com figuras e cenas narrativas muitas vezes. Igrejas da abadia pendentes com escultura incluir na França Vézelay e Moissac e na Espanha Silos.

Arte românica foi caracterizado por um estilo muito vigoroso em ambos escultura e pintura. Os capitéis das colunas nunca foi mais emocionante do que neste período, quando foram muitas vezes esculpidos com cenas completas com diversas figuras. A grande madeira crucifixo era um direito inovação alemão no início do período, como eram estátuas free-standing do entronizado Madonna, mas o alto relevo foi, sobretudo, o modo escultural do período. As composições geralmente tinham pouca profundidade, e precisava de ser flexível para espremer-se nas formas de capitais, e typanums da igreja; a tensão entre um quadro bem juntando, a partir do qual a composição às vezes escapa, é um tema recorrente na arte românica. Figuras ainda muitas vezes variavam de tamanho em relação ao seu retratista importância quase não existia.

Objetos em materiais preciosos como o marfim e do metal teve um status muito elevado no período, muito mais do que a escultura monumental - sabemos os nomes de mais fabricantes destes do que pintores, arquitetos-iluminadores ou pedreiros. Trabalho de Metal, incluindo decoração em esmalte, se tornou muito sofisticada, e muitos santuários espetaculares feita para prender relíquias sobreviveram, dos quais o mais conhecido é o Santuário dos Três Reis na Catedral de Colónia por Nicholas de Verdun. O bronze candlestick Gloucester ea fonte de bronze de 1108-1117 agora em Liège são exemplos excelentes, muito diferentes em estilo, de fundição de metal, o ex-altamente complexa e cheia de energia, com base em pintura manuscrito, enquanto a fonte mostra o estilo Mosan no seu mais clássico e majestoso. As portas de bronze, uma coluna triunfal e outros acessórios na Catedral de Hildesheim, os Doors Gniezno, e as portas da Basílica de San Zeno em Verona são outros sobreviventes substanciais. O Aquamanile, um recipiente para água para lavar com, parece ter sido introduzido para Europa no século 11, e muitas vezes levou fantásticas formas zoomórficas; exemplos sobreviventes são na sua maioria em latão. Muitas impressões de cera de selos impressionantes sobreviver em cartas e documentos, embora moedas românicas geralmente não são de grande interesse estético.

O Cloisters Cruz é um invulgarmente grande marfim crucifixo, com carving complexo, incluindo muitas figuras de profetas e outros, o que tem sido atribuído a um dos relativamente poucos artistas cujo nome é conhecido, Mestre Hugo, que também iluminados manuscritos. Como muitas peças que foi originalmente parte colorida. O peças de xadrez Lewis são exemplos de pequenas marfins, dos quais muitos pedaços ou framents se mantêm desde bem preservada croziers, placas, cruzes peitorais e objetos semelhantes.

Gótico

Marfim Francês Virgin ea criança, fim do século 13, a 25 cm de altura, curvando-se para ajustar a forma da presa de marfim

O período gótico seja essencialmente definido pelo arquitectura gótica, e não inteiramente se encaixam com o desenvolvimento do estilo na escultura em ambos o seu início ou fim. As fachadas de grandes igrejas, especialmente em torno das portas, continuou a ter grandes typanums, mas também linhas de figuras esculpidas espalhando ao redor deles. As estátuas na ocidental (Royal) Portal na catedral de Chartres (c. 1145) mostram um elegante mas exagerada alongamento colunar, mas aqueles no sul portal transepto, 1215-1220, mostrar um estilo mais naturalista e crescente afastamento da parede atrás e alguma consciência da tradição clássica. Essas tendências foram continuados no portal ocidental em Reims Catedral de alguns anos mais tarde, onde os números são quase na rodada, como se tornou habitual, como propagação gótico em toda a Europa.

Em Itália Nicola Pisano (1258-1278) e seu filho Giovanni desenvolveu um estilo que é muitas vezes chamado Proto-Renascimento, com influência inconfundível de sarcófagos romanos e composições sofisticadas e lotados, incluindo um tratamento simpático de nudez, em painéis de alívio em seu púlpito da catedral de Siena (1265-1268), a Fontana Maggiore, em Perugia, e de Giovanni púlpito em Pistoia de 1301. Outra renascimento do estilo clássico é visto no trabalho gótico internacional de Claus Sluter e seus seguidores em Borgonha e Flandres por volta de 1400. escultura gótica tardia continuou em o Norte, com uma moda para grandes retábulos esculpidos em madeira com escultura cada vez mais virtuoso e um grande número agitados números expressivos; a maioria dos exemplares sobreviventes estão na Alemanha, depois de muita iconoclastia em outros lugares. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss e outros continuaram o estilo até o século 16, absorvendo gradualmente influências do Renascimento italiano.

Efígies túmulo de tamanho natural em pedra ou alabastro tornou-se popular para os ricos e grandes túmulos de vários níveis evoluiu, com os túmulos de Scaliger Verona tão grande que teve de ser transferidas para fora da igreja. Por volta do século 15 havia uma indústria exportadora Nottingham relevos alabastro altar em grupos de painéis sobre grande parte da Europa para as paróquias econômicos que não podiam pagar retábulos de pedra. Pequenas esculturas, para um mercado principalmente leigos e muitas vezes do sexo feminino, tornou-se uma indústria considerável em Paris e alguns outros centros. Tipos de marfins incluídos pequenos devocionais polípticos, figuras individuais, especialmente da Virgem, espelho-casos, pentes, e caixões elaborados com cenas de Romances, usados ​​como presentes de noivado. Os muito ricos recolheu jóias extravagantemente elaborado e metais esmaltados, tanto secular e religioso, como a do duque de Berry Santo Thorn Relicário, até que ficou sem dinheiro, quando foram derretidos novamente por dinheiro.

Renascença

Michelangelo , " Pietà ", 1499.
Michelangelo , O túmulo do papa Julius II, c. 1545, com estátuas de Rachel e Leah à esquerda e à direita de suas Moisés.

Escultura renascentista adequada é muitas vezes tomadas para começar a famosa competição para as portas do Batistério de Florença, em 1403, a partir do qual os modelos experimentais apresentado pelo vencedor, Lorenzo Ghiberti, e Filippo Brunelleschi sobreviver. Portas de Ghiberti ainda estão no local, mas foram, sem dúvida, exclipsed por seu segundo par para a outra entrada, o chamado "Gates of Paradise", que o levou 1425-1452, e são deslumbrantemente composições classicizantes confiantes com profundidades variadas de alívio permitindo fundos extensa. Os anos que se seguiram tinha visto assistente inicial de Ghiberti Donatello desenvolver com estátuas seminais incluindo sua Davids em mármore (1408-1409) e bronze (1440), e sua estátua equestre de Gattamelata, bem como relevos. A figura de liderança no período posterior foi Andrea del Verrocchio, mais conhecido por sua estátua equestre de Bartolomeo Colleoni em Veneza; seu aluno Leonardo Da Vinci projetou uma escultura eqüino em 1482 o cavalo para Milão única -mas conseguiu fazer um modelo de argila de 24 pés (7,3 m), que foi destruída por arqueiros franceses em 1499, e seus outros planos ambiciosos esculturais não foram concluídas.

O período foi marcado por um grande aumento no patrocínio de escultura de estado para a arte pública e pelos ricos para suas casas; especialmente na Itália, escultura pública continua a ser um elemento crucial para o aparecimento de centros históricos. Escultura Igreja mudou-se principalmente no interior, assim como monumentos públicos fora tornou-se comum. Escultura Retrato, geralmente em bustos, tornou-se popular na Itália por volta de 1450, com o napolitano Francesco Laurana especializado em jovens mulheres em poses de meditação, enquanto Antonio Rossellino e outros mais freqüentemente representado homens knobbly-enfrentados de coisas, mas também as crianças pequenas. O retrato medalha inventado por Pisanello também representado frequentemente as mulheres.

Michelangelo foi um escultor ativa de cerca de 1500 a 1520, e as suas grandes obras-primas, incluindo seus David, Pietà , de Moisés , e peças para o túmulo do Papa Júlio II e Capela Medici não podia ser ignorado por escultores subsequentes. Sua icônico David (1504) tem um contrapposto pose, emprestado de escultura clássica. Ela difere de representações anteriores do assunto em que Davi é representado antes de sua batalha com Golias e não após a derrota do gigante. Em vez de ser mostrado vitorioso, como Donatello e Verocchio tinha feito, David parece tenso e pronto batalha.

Maneirista

Adriaen de Vries,Mercúrio e Psique do Norte maneirista tamanho real bronze, feita em 1593 porRudolf II, imperador do Sacro Império Romano

Como na pintura, no início italiano escultura maneirista foi em grande parte uma tentativa de encontrar um estilo original, que estaria no topo da conquista do Alto Renascimento, que na escultura essencialmente significava Michelangelo, e grande parte da luta para conseguir isso foi jogado fora em comissões para preencher outros locais na Piazza della Signoria, em Florença, ao lado de Michelangelo David . Baccio Bandinelli assumiu o projeto de Hércules e Caco do próprio mestre, mas foi pouco mais popular, então do que é agora, e maliciosamente comparados por Benvenuto Cellini para " um saco de melões ", embora tivesse um efeito de longa duração em aparentemente a introdução de painéis de alívio no pedestal das estátuas. Como outras obras de suas e de outros maneiristas ele remove muito mais do bloco original de Michelangelo teria feito. Bronze de Cellini Perseus com a cabeça da Medusa é certamente uma obra-prima, projetado com oito ângulos de visão, outra característica maneirista, mas é realmente educado em comparação com o David de Michelangelo s e Donatello. Originalmente um ourives, seu famoso ouro e esmalte Saleiro (1543) foi a sua primeira escultura, e mostra seu talento no seu melhor. Como mostram esses exemplos, o período alargado o leque de temas seculares para grandes obras para além retratos, com figuras mitológicas especialmente favorecidas; anteriormente estes na sua maioria tinham sido encontrados em pequenas obras.

Figuras de bronze pequenos para colecionador armários, muitas vezes temas mitológicos com nus, eram uma forma popular Renaissance em que Giambologna, originalmente Flamengo, mas com base em Florença, se destacou na parte posterior do século, criando também esculturas em tamanho natural, dos quais dois se juntou ao coleção na Piazza della Signoria. Ele e seus seguidores concebido elegantes exemplos alongadas do serpentinata figura , muitas vezes de duas figuras entrelaçadas, que eram interessantes de todos os ângulos.

Barroco e rococó

Na escultura barroca, grupos de figuras assumiu uma nova importância, e não havia um movimento dinâmico e energia do ser humano forms- eles espiral em torno de um vórtice central de vazio ou chegou fora no espaço circundante. Escultura barroca muitas vezes tinham ideal múltiplos ângulos de visão, e refletiu uma continuação geral do Renaissance afastar-se do alívio escultura criada na rodada, e concebido para ser colocado no meio de um grande espaço - fontes elaboradas, como de Bernini Fontana dei Quattro Fiumi (Roma, 1651), ou aqueles nos Jardins de Versalhes eram uma especialidade barroco. O barroco estilo era perfeitamente adequado à escultura, com Gian Lorenzo Bernini a figura dominante da época em obras como O Êxtase de Santa Teresa (1647-1652). a escultura ea arquitetura Muito escultura barroca adicionou elementos extra-escultóricos, por exemplo, iluminação escondida, ou fontes de água, ou fundidos para criar um experiência transformadora para o espectador. Artistas se viam como na tradição clássica, mas admirava helenística e romana escultura mais tarde, em vez do que a dos mais períodos "clássicos" como eles são vistos hoje.

O Reforma Protestante trouxe uma paragem quase total a escultura religiosa em grande parte do norte da Europa, e apesar de escultura secular, especialmente para bustos e monumentos túmulo, continuou, a Idade de Ouro Holandesa não tem nenhum componente escultórica significativa fora ourivesaria. Em parte como reação direta, escultura era tão proeminente no catolicismo como no final da Idade Média. Estátuas de governantes e da nobreza se tornou cada vez mais popular. No século 18 muito escultura continuou em linhas barrocas - a Fonte de Trevi só foi concluída em 1762. Rococo estilo era mais adequado para trabalhos menores, e sem dúvida encontrou a sua forma escultural ideal em porcelana europeia cedo, e esquemas decorativos interiores em madeira ou gesso, tais como aqueles em interiores domésticos franceses e igrejas de peregrinação austríacos e bávaros.

Neo-Clássica

Antonio Canova: psique Revived pelo beijo do Amor, 1787

O estilo neoclássico que chegou no final do século 18 deu grande ênfase à escultura. Jean-Antoine Houdon exemplifica a escultura retrato penetrante o estilo poderia produzir, e Antonio Canova do nudes o aspecto idealista do movimento. O período neoclássico foi um dos grandes épocas da escultura pública, apesar de seus protótipos "clássicos" eram mais propensos a ser cópias romanas de esculturas helenísticas. Na escultura, os representantes mais conhecidos são o italiano Antonio Canova, o inglês John Flaxman eo dinamarquês Bertel Thorvaldsen. A maneira neoclássico Europeia também tomou conta nos Estados Unidos, onde o seu auge ocorreu um pouco mais tarde e é exemplificado nas esculturas de Hiram Powers.

?sia

Escultura greco-budistas e Ásia

Uma das primeiras representações doBuda, primeiro-segundo século EC, Gandhara

Arte greco-budista é a manifestação artística de Greco-budismo , a cultural sincretismo entre o grego clássico cultura e Budismo , que se desenvolveu ao longo de um período de perto de 1.000 anos em Ásia Central, entre as conquistas de Alexandre, o Grande, no século 4 aC, e os islâmicos conquistas do século 7 dC. Arte greco-budista é caracterizada pela forte realismo idealista da arte helenística e as primeiras representações do Buda em forma humana, que ajudaram a definir o artístico (e particularmente, escultural) canon para a arte budista em todo o continente asiático até o presente. Embora namoro é incerto, parece que fortemente estilos helenísticas permaneceu no Oriente há vários séculos depois de terem diminuído em torno do Mediterrâneo, tão tarde quanto o século 5 dC. Foram adotados alguns aspectos da arte grega, enquanto outros não se espalhou para além da área Greco-Budista o; em particular a figura de pé, muitas vezes com uma pose relaxed e uma perna flexionada, e os cupidos ou vitórias, que se tornou popular em toda a Ásia como voam apsaras. Grego folhagem decration também foi influente, com versões indianas do capitel coríntio aparecendo.

As origens da arte greco-budista podem ser encontrados no helenístico Greco-bactriano reino (250 aC - 130 aC), localizado no atualAfeganistão, a partir do qual a cultura helenística irradiada para osubcontinente indiano com a criação da pequena Indo-Grego reino (180 aC-10 aC). Debaixo de Indo-gregos e, em seguida, o Kushans, a interação da cultura grega e budista floresceu na área de Gandhara, no norte de hojeo Paquistão, antes de se espalhar ainda mais na Índia, influenciando a arte de Mathura, e, em seguida, o Hindu arte do Império Gupta, que era estender para o resto do Sudeste Asiático. A influência da arte greco-budista também se espalhou para o norte em direção a ?sia Central, afetando fortemente a arte do Bacia Tarim eo Dunhuang Caves e, finalmente, a figura esculpida na China, Coréia e Japão.

China

A Dinastia Liao policromada madeira esculpida- estátua de Guan Yin, Província de Shanxi, China, (907-1125 dC)

Bronzes rituais chineses do Shang e Zhou dinastias ocidentais vêm de um período de mais de mil anos de c. 1500, e exerceram uma influência contínua sobre arte chinesa. Eles são expressos com complexo modelado e zoomórficas decoração, mas evitar a figura humana, ao contrário das grandes figuras só recentemente descobertos em Sanxingdui. O espectacular Exército de Terracota foi montado para o túmulo de Qin Shi Huang , o primeiro imperador de uma China unificada 221-210 aC , como uma versão grandiosa imperial das figuras longo colocados em túmulos para permitir que o falecido para desfrutar do mesmo estilo de vida em vida após a morte como quando vivo, substituindo sacrifícios reais de períodos muito adiantados. Figuras menores em cerâmica ou madeira foram colocados em tumbas durante muitos séculos depois, atingindo um pico de qualidade na Dinastia Tang .

Religiões chinesas nativas não costumam usar imagens de culto de divindades, ou mesmo representá-los, e grande escultura religiosa é quase todo budista, datando principalmente a partir do quarto para o século 14 e, inicialmente, por meio de modelos greco-budistas que chegam através da Rota da Seda . O budismo é também o contexto de toda a grande escultura de retrato; no total contraste com algumas outras áreas em imagens pintadas China ainda medievais do imperador foram considerados como privado. Túmulos imperiais têm avenidas espetaculares de abordagem alinhada com animais reais e mitológicas em uma escala de harmonização Egito, e versões menores decorar templos e palácios. Figuras budistas pequenas e grupos foram produzidos para a alta qualidade em uma variedade de mídias, como era a decoração alívio de todos os tipos de objetos, especialmente no trabalho de metal e jade. escultores de todos os tipos eram considerados como artesãos e muito poucos nomes estão registrados.

Japão

O Grande Buda de Kamakura, c. 1252, Japão

Para o fim do longo Neolítico período de Jomon, alguns vasos de cerâmica foram "chama de aros" com extensões extravagantes para a borda que só pode ser chamado escultórica e cerâmica muito estilizados figuras Dogu foram produzidos, muitos com os característicos "snow-goggle" olhos . Durante o período Kofun do 3º ao 6º século CE, figuras de terracota haniwa de humanos e animais em um estilo simplista foram erguidos fora túmulos importantes. A chegada do budismo no século 6 trouxe consigo tradições sofisticadas em escultura, estilos chineses mediadas via Coréia. O século 7 H?ryū-ji e seu conteúdo ter sobrevivido mais intacto do que qualquer templo budista do leste asiático de sua data, com obras que incluem um Shaka Trindade de 623 em bronze, mostrando o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas e também o Guardião dos Reis quatro direções.

A imagem de madeira (9o século) de Shakyamuni, o "histórico" Buda, consagrado num edifício secundário no Muro-ji, é típica do início Escultura Heian, com seu corpo pesado, coberto por dobras de cortinas grossas esculpidas na hompa-shiki (-ondas de rolamento) estilo, e sua austera, expressão facial retirada. A escola Kei de escultores, particularmente Unkei, criou um novo estilo, mais realista da escultura.

Quase todos os subseqüentes grande escultura significativa no Japão era budista, com algumas xintoístas equivalentes, e depois declinou budismo no Japão no século 15, tornou-se em grande parte a escultura monumental decoração arquitetônica e menos significativo. No entanto trabalho escultural nas artes decorativas foi desenvolvido para um nível notável de realização técnica e requinte em pequenos objetos, como inro e netsuke em muitos materiais, e de metal tosogu ou montagens espada japonesa. No século 19 havia indústrias de exportação de pequenas esculturas em bronze de extrema virtuosidade, marfim e porcelana estatuetas e outros tipos de pequena escultura, cada vez mais enfatizando realização técnica.

?ndia

Hindu Guptarelevo em terracota, do século 5 dC, deKrishna Matar o demônio cavalo Keshi

O primeiro conhecido escultura no subcontinente indiano é da civilização do Vale do Indo (3300-1700 BC), encontrado em sites em Mohenjo-daro e Harappa na atual Paquistão . Estes incluem o famoso dançarino pequeno bronze feminino. No entanto, essas figuras em bronze e pedra são raros e muito ultrapassados ​​por estatuetas de cerâmica e selos de pedra, muitas vezes de animais ou divindades muito finamente retratado. Após o colapso da civilização do Vale do Indo há pouco registro de escultura até a era budista, além de uma horda de figuras de cobre (um tanto controversa) c. 1500 BCE a partir Daimabad. Assim, a grande tradição da escultura monumental em pedra indiana parece começar relativamente tarde, com o reinado de Asoka 270-232 aC, e os Pilares da Ashoka ele ergueu em torno da Índia, carregando seus éditos e encimada por esculturas famosas de animais, principalmente os leões , dos quais seis sobreviver. Grandes quantidades de escultura figurativa, na maior parte em relevo, sobrevivem de stupas adiantados peregrinação budista, acima de tudo Sanchi; estes provavelmente se desenvolveu a partir de uma tradição o uso de madeira que também abraçou o hinduísmo .

O arenito rosa Hindu, Jain e budistas esculturas de Mathura do primeiro ao terceiro séculos EC refletido ambas as tradições indígenas e as influências ocidentais recebidos através da arte greco-budista de Gandhara e, efetivamente, estabeleceu a base para posterior escultura religiosa indiana. O estilo foi desenvolvido e difundido através da maior parte da Índia sob o Império Gupta (c. 320-550), que continua a ser um período de "clássica" para a escultura indiana, cobrindo as anteriores Grutas de Ellora, embora as Caves Elefanta são, provavelmente, um pouco mais tarde. Mais tarde escultura em grande escala continua a ser quase exclusivamente religioso, e, geralmente, bastante conservadora, muitas vezes revertendo a simples posição frontal posa para divindades, embora os espíritos assistentes, como apsaras e Yakshi poses frequentemente sensualmente curvar. Carving é muitas vezes altamente detalhado, com um apoio intrincada por trás da figura principal em alto relevo. Os bronzes célebres do Chola dinastia (c. 850-1250) de sul da Índia, muitas concebido para ser transportado nas procissões, incluem a forma icônica de Shiva como Nataraja, com as enormes esculturas de granito de Mahabalipuram datam do anterior Dinastia Pallava.

Sudeste Asiático

9o século Khmerlintel

A escultura da região tende a ser caracterizado por um elevado grau de ornamento, como visto nas grandes monumentos de hindus e budistas Khmer escultura (9 a 13os séculos) em Ankor Wat e em outros lugares, o enorme complexo budista do século 9 em Borobudur em Java e os monumentos de hindus Bali. Ambos incluem muitos relevos, bem como figuras na rodada; Borobudur tem 2.672 painéis em relevo, 504 estátuas de Buda, muitos semi-escondida em céu aberto grandes figuras stupas, e muitos guarda. Em Tailândia e Laos , a escultura foi principalmente de imagens de Buda, muitas vezes dourados, grandes para templos e mosteiros, e pequenas estatuetas para casas particulares. Escultura tradicional em Myanmar surgiu antes do período de Bagan. Como em outras partes da região, a maioria das esculturas de madeira dos períodos Bagan e Ava foram perdidos. Em períodos posteriores a influência chinesa predominou no Vietnã , Laos e Camboja , e escultura de madeira sobrevive mais de toda a região.

Islão

Marfim com vestígios de tinta, 11o-12o século, o Egipto

Islam é famosa aniconic, por isso a grande maioria da escultura é decoração arabesco no alívio ou a céu aberto, com base em motivos vegetais, mas tendendo a formas abstratas geométricas. Nos primeiros Mshatta Fachada (740S), agora principalmente em Berlim , há animais dentro dos arabescos densos em alto relevo, e figuras de animais e homens em sua maioria baixo relevo são encontrados em conjunto com decoração em muitas peças posteriores em vários materiais, incluindo metais, marfim e cerâmica.

Figuras de animais na rodada eram frequentemente aceitável para obras utilizadas em contextos particulares, se o objeto foi claramente prático, de modo a arte islâmica medieval contém muitos animais de metal que são aquamaniles, queimadores de incenso ou apoiantes para fontes artificiais, como nos leões de pedra que apoiam o famoso no Alhambra, culminando com a maior figura animal islâmica medieval conhecido, o Pisa Griffin. Da mesma forma, luxo esculturas hardstone como empunhaduras punhal e copos pode ser formado como animais, especialmente em arte Mughal. O grau de aceitabilidade desses relaxamentos de regras islâmicas estritas varia entre períodos e regiões, com a Espanha islâmica, Pérsia e Índia, muitas vezes levando relaxamento, e é normalmente mais elevada em contextos corteses.

?frica

Máscara doGabão
Dois Chiwara c. final dos anos 19 início do século 20, Art Institute of Chicago. Feminino (esquerda) e do sexo masculino estilos verticais

Historicamente, com a exceção de alguns monumental escultura egípcia, a maioria Africano escultura foi criado em madeira e outros materiais orgânicos que não sobreviveram a partir mais cedo do que alguns séculos atrás; figuras de cerâmica mais antigos são encontrados a partir de uma série de áreas. As máscaras são elementos importantes na arte de muitos povos, junto com figuras humanas, muitas vezes altamente estilizado. Existe uma vasta variedade de estilos, muitas vezes varia dentro do mesmo contexto de origem de acordo com a utilização do objecto, mas de largura tendências regionais são evidentes; escultura é mais comum entre os "grupos de cultivadores se instalaram nas áreas drenadas pelos Níger e os rios Congo "na África Ocidental . Imagens diretas de divindades são relativamente pouco frequentes, mas as máscaras em particular, são ou foram feitos frequentemente para cerimónias religiosas; hoje muitos são feitos para turistas como "arte aeroporto". Máscaras africanas foram uma influência sobre Europeia de Arte Moderna, que foi inspirado por sua falta de preocupação com a representação naturalista.

O Núbio Reino de Kush na moderna Sudão estava em contato próximo e muitas vezes hostil com o Egito, e produzido escultura monumental principalmente derivado de estilos para o norte. Na África Ocidental, as primeiras esculturas conhecidas são da cultura Nok que prosperaram entre 500 aC e 500 dC na moderna Nigéria , com figuras de barro tipicamente com corpos alongados e formas angulares. Mais tarde culturas africanas Ocidente desenvolvido bronze casting para relevos para decorar palácios como os famosos bronzes de Benin, e muito finas cabeças reais naturalistas de todo o Yoruba cidade de Ife em terracota e metal das 12 a 14 séculos. goldweights Akan são uma forma de metal pequeno esculturas produzidas ao longo do período 1400-1900, alguns aparentemente representando provérbios e assim com um elemento narrativo raro na escultura Africano, e regalia real incluía elementos esculpidos impressionante de ouro.

Muitas figuras do Oeste Africano são usados ​​em rituais religiosos e muitas vezes são revestidos com materiais colocadas sobre eles para oferendas cerimoniais. O povos de língua mande de uma mesma região fazem pedaços de madeira com amplas superfícies planas, e os braços e pernas são em forma de cilindros. Na ?frica Central, no entanto, as principais características distintivas incluem rostos em forma de coração que são curvadas para dentro e padrões de círculos e pontos de exibição.

Os africanos orientais não são conhecidos por sua escultura, mas um estilo da região é pólo, esculturas esculpidas em formas humanas e decorados com formas geométricas, enquanto os topos são esculpidas com figuras de animais, pessoas e vários objetos. Estes postes são, então, colocados ao lado de sepulturas e estão associados com a morte e o mundo ancestral. A cultura conhecida de Grande Zimbabwe deixou edifícios mais impressionantes do que a escultura, mas os oito pedra-sabão Zimbábue pássaros parecem ter tido um significado especial e foram montados em monólitos. Modernos do Zimbabué escultores em pedra-sabão atingiram assinalável sucesso internacional. Mais antiga conhecida argila figuras data da África do Sul 400-600 AD e têm cabeças cilíndricas com uma mistura de características humanas e animais.

As Américas

Escultura no que é hoje a América Latina desenvolveu em duas áreas separadas e distintas, Mesoamérica no norte e no Peru , no sul. Em ambas as áreas, a escultura era inicialmente de pedra, e mais tarde de terracota e metal como as civilizações nestas áreas tornou-se tecnologicamente mais proficientes. O Região mesoamericana produzido escultura mais monumental, a partir das obras maciças tipo bloco doolmecae Culturas toltecas, à soberba baixo relevos que caracterizam os maias e astecas culturas. Na região andina, esculturas eram tipicamente pequeno, mas muitas vezes mostram habilidade excelente.

Pre-Columbian

Movendo em direção a arte moderna

América do Norte

Na América do Norte, a madeira foi esculpida para Totens, máscaras, utensílios, Canoas de guerra e uma variedade de outros usos, com variação distinta entre as diferentes culturas e regiões. As cores mais desenvolvidos são aqueles da Pacific Northwest Coast, onde um grupo de estilos formais elaboradas e altamente estilizados desenvolvido formando a base de uma tradição que continua até hoje. Além dos famosos totens, pintadas e esculpidas Casa frentes foram complementadas por mensagens esculpidas dentro e por fora, bem como figuras funerárias e outros itens. Entre o Inuit do extremo norte, estilos tradicionais de escultura em marfim e pedra-sabão são ainda continuou.

St. James painel, a partirreredos em Cristo Rey Church,Santa Fe, New Mexico, c. 1760

A chegada da cultura católica europeia facilmente adaptado competências locais para a prevalecente Barroco estilo, produzindo enormemente elaborado retábulos e outros principalmente esculturas de igreja em uma variedade de estilos híbridos. O mais famoso desses exemplos no Canadá é a área do altar do Basílica de Notre Dame, em Montreal, Quebec, que foi esculpida pelo camponês habitant trabalhadores.Mais tarde, artistas formados na tradição acadêmica ocidental seguido estilos europeus até que no final do século 19, eles começaram a desenhar novamente em influências indígenas, nomeadamente no estilo barroco mexicano grotesco conhecido como Churrigueresque. Aborígenes também adaptado escultura igreja em variações sobre Carpenter gótico; Um exemplo famoso é a Igreja da Santa Cruz em Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.

A história da escultura nos Estados Unidos depois da chegada dos europeus reflete fundação do século 18 do país emromanosvalores cívicos republicanas e Cristianismo protestante. Em comparação com áreas colonizadas pelos espanhóis, a escultura tem um início extremamente lento nas colónias britânicas, com quase nenhum lugar em igrejas, e só foi dado impulso pela necessidade de afirmar a nacionalidade após a independência. Escultura americana de meados para o final do século 19 foi muitas vezes clássica, muitas vezes românticos, mas mostrou uma inclinação para uma dramática, narrativa, realismo quase jornalística. Edifícios públicos durante o último trimestre do século 19 ea primeira metade do século 20, muitas vezes fornecido um cenário arquitetônico para a escultura, especialmente em relevo.por os anos 1930 oestilo internacional de arquitetura e design eart deco caracteriza-se pela obra dePaul Manship eLee Lawrie e outros se tornaram populares. Na década de 1950, a educação tradicional escultura seria quase ser completamente substituída por um Bauhaus influenciado preocupação para abstrato design. Escultura minimalista substituiu a figura em locais públicos e arquitetos quase completamente parado de usar escultura em ou em seus projetos. Escultores modernos (do século 21) usam ambos os projetos inspirados clássicos e abstratas. Começando na década de 1980, houve um movimento para trás em direção a escultura pública figurativa; em 2000, muitas das novas peças públicas nos Estados Unidos foram figurativa em design.

Século 19, e continuando realismo

Auguste Rodin, O Pensador, de 1902,Musée Rodin, Paris

Classicismo moderno contrastou em muitas maneiras com a escultura clássica do século 19 que foi caracterizado por compromissos com o naturalismo (Antoine-Louis Barye) -os melodramáticos ( François rude) sentimentalismo ( Jean Baptiste Carpeaux) - ou uma espécie de grandiosidade majestosa ( Lord Leighton).várias direções diferentes na tradição clássica foram tomadas como o século virou, mas o estudo da modelo vivo ea tradição pós-renascentista que foi fundamental para eles.Auguste Rodinera o escultor europeu mais renomado do início do século 20. Ele é muitas vezes considerado um esculturalimpressionista, assim como seus alunos, incluindoCamille Claudel, e Hugo Rheinhold, tentando modelar de um momento fugaz da vida comum.classicismo moderno mostrou uma menor interesse no naturalismo e um maior interesse na estilização formal. Maior atenção foi dada aos ritmos de volumes e espaços-bem como uma maior atenção para as qualidades contrastantes de superfície (aberta, fechada, planar, etc. quebrado), enquanto menos atenção foi pago a narração de histórias e detalhes convincentes de anatomia ou traje. Foi dada maior atenção ao efeito psicológico do que ao realismo físico, e foram usados ​​influências de estilos anteriores em todo o mundo.

Primeiros mestres do classicismo moderno incluído: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuşi. À medida que o século avançava, classicismo moderno foi adotado como o estilo nacional dos dois grandes impérios totalitários europeus: Alemanha nazista e da Rússia Soviética , que co-optou o trabalho de artistas anteriores como Kolbe e Wilhelm Lehmbruck na Alemanha e na Rússia Matveyev. mais de 70 anos da URSS, as novas gerações de escultores foram treinados e escolhidos dentro de seu sistema, e um estilo distinto, realismo socialista, desenvolvido, que voltou a ênfase do século 19 no melodrama e naturalismo.

Formação clássica foi erradicado da educação artística na Europa Ocidental (e das Américas) em 1970 e as variantes clássicas do século 20 foram marginalizados na história do modernismo. Mas classicismo continuou como a fundação de arte-educação nas academias soviéticas até 1990, fornecendo uma base para a arte figurativa expressivo em toda a Europa oriental e partes do Oriente Médio.Até o ano de 2000, a tradição clássica europeia mantém um grande apelo ao público, mas aguarda uma tradição educativa para reviver seu desenvolvimento contemporâneo.

Alguns dos moderna clássica tornou-se tanto mais decorativo / art deco ( Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) ou mais abstrata estilizado ou mais expressiva (e gótico) ( Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) -ou se virou mais para o Renascimento ( Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) ou permaneceu o mesmo ( Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modernismo

Gaston Lachaise, Figura de flutuação 1927, bronze, não. 5 a partir de uma edição de 7, National Gallery of Australia

Movimentos escultura modernistas incluemcubismo, Abstração geométrica, De Stijl,suprematismo,o construtivismo,dadaísmo,surrealismo,futurismo,FormalismoO expressionismo abstrato,pop art, Minimalismo, arte terra, earte de instalação, entre outros.

Henry Moore,Reclining Figure,1951, Museu Fitzwilliam, em Cambridge
David Smith,CUBI VI,(1963),Museu de Israel,Jerusalém.

Nos primeiros dias do século 20, Pablo Picasso revolucionou a arte da escultura, quando ele começou a criar suas construções formado pela combinação de objetos e materiais díspares em uma peça construída de escultura; o equivalente escultural da colagem em dois arte dimensional. O advento de surrealismo levou a coisas ocasionalmente sendo descritas como "escultura" que não teria sido tão anteriormente, como "escultura involuntário" em vários sentidos, inclusive coulage. Nos anos posteriores, Picasso tornou-se um prolífico oleiro , levando, com interesse em cerâmica histórico de todo o mundo, a um renascimento da arte cerâmica, com figuras como George E. Ohr e, posteriormente, Peter Voulkos, Kenneth Price, e Robert Arneson. Marcel Duchamp originado do uso do " objeto encontrado "(em francês: objet trouvé) ou readymade com peças como Fountain (1917).

Da mesma forma, o trabalho de Constantin Brâncuşi no início do século abriu o caminho para a escultura abstrata mais tarde. Na revolta contra o naturalismo de Rodin e seus contemporâneos do século 19-tarde, Brâncuşi destilada temas para baixo para suas essências como ilustrado pelas formas elegantemente refinados de sua Pássaro no espaço série (1924).

Impacto de Brancusi, com seu vocabulário de redução e abstração, é visto ao longo dos anos 1930 e 1940, e exemplificado por artistas comoGaston Lachaise,Sir Jacob Epstein,Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González,Pablo Serrano,Jacques Lipchitz e por década de 1940 escultura abstrata era impactados e expandida porAlexander Calder,Len Lye,Jean Tinguely, eFrederick Kiesler que eram pioneiros daarte cinética.

Escultores modernistas perdeu em grande parte fora do crescimento enorme na arte pública resultante da procura de memoriais de guerra para as duas guerras mundiais, mas a partir da década de 1950 as entidades públicas e comissionamento tornou-se mais confortáveis ​​com modernistas escultura e grandes encomendas públicas tanto abstrata e figurativa tornou-se comum . Picasso foi contratado para fazer uma maquete de um enorme 50 pés (15 m) -Alta escultura pública, o chamado Chicago Picasso (1967). Seu projeto era ambígua e um tanto controversa, e que a figura representa não é clara; ele poderia ser um pássaro, um cavalo, uma mulher ou uma forma totalmente abstrata.

Durante o final dos anos 1950 e os anos 1960 escultores abstractos começou a experimentar com uma grande variedade de novos materiais e abordagens diferentes para a criação de seu trabalho. Imaginário surrealista, abstração antropomórfica, novos materiais e combinações de novas fontes de energia e superfícies variadas e objetos tornou-se característica de muito nova escultura modernista. Projetos de colaboração com paisagistas, arquitetos e paisagistas expandiu o local ao ar livre e de integração contextual. Artistas como Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, e Louise Nevelson veio a caracterizar a aparência do moderno escultura.

Na década de 1960 expressionismo abstrato, Abstração geométrica e Minimalismo, o que reduz a escultura de suas características mais essenciais e fundamentais, predominaram. Algumas obras do período são: o Cubi obras de David Smith, e as obras de aço soldados de Sir Anthony Caro, o trabalho em grande escala de John Chamberlain, e escala de instalação ambiental funciona por Mark di Suvero. Outros minimalistas incluem Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, e John Safer que acrescentou movimento e monumentalidade ao tema da pureza da linha.

Durante os anos 1960 e 1970 escultura figurativa por artistas modernistas em formas estilizadas foi feita por artistas comoLeonard Baskin,Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar,Paul Thek,Robert Graham em um estilo articulado clássico, eFernando Botero trazendo de sua pintura "figuras de grandes dimensões 'em esculturas monumentais.

Movimentos contemporâneos

Spiral JettyporRobert Smithson do alto Rozel Point, em meados de abril 2005
Christo e Jeanne-Claude,Umbrellas1991, o Japão
Guardas Tempo / Madonna,escultura de luz porManfred Kielnhofer naLuz Art Biennale Áustria 2010

Site específicos e arte ambiental trabalhos são representados por artistas: Andy Goldsworthy, Walter De Maria, Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, e Christo e Jeanne-Claude levou escultura abstrata contemporânea em novas direções. Artistas criado escultura ambiental em locais expansivos na " arte da terra no oeste americano "grupo de projetos. Estes land art ou "arte de terra 'obras de escultura escala ambiental exemplificados por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell ( Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, e Bruce Nauman, entre outros foram pioneiros da escultura Postminimalist.

Também durante os anos 1960 e 1970 artistas tão diversos como Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz,Nam June Paik,Wolf Vostell,Duane Hanson eJohn DeAndrea explorado abstração, imagens e figuração através devídeo-arte, meio ambiente, escultura de luz, earte de instalação de novas maneiras.

Arte conceitual é arte em que o conceito (s) ou idéia (s) envolvida no trabalho têm precedência sobre tradicionais preocupações estéticas e materiais.As obras incluemOne and Three Chairs, 1965, é porJoseph Kosuth, euma árvore de carvalho porMichael Craig-Martin, e os deJoseph Beuys eJames Turrell.

Minimalismo

Postminimalism

O Spire de Dublin Pós modernista e escultura mais alto do mundo

Gêneros contemporâneos

Algumas formas de escultura modernas agora são praticadas ao ar livre, como arte ambiental e escultura ambiental, muitas vezes, à vista dos espectadores. escultura de luz e arte site-specific também muitas vezes fazem uso do ambiente. Escultura de gelo é uma forma de escultura efêmera que usa gelo como a matéria-prima. É popular na China, Japão, Canadá, Suécia e Rússia. Esculturas de gelo apresentam decorativamente em algumas cozinhas, especialmente na Ásia. esculturas cinéticas são esculturas que são projetados para se mover, que incluem celulares. esculturas de neve são geralmente esculpida em um único bloco de neve cerca de 6 a 15 pés (4,6 m) de cada lado e pesando cerca de 20-30 toneladas. A neve é densamente embalado em uma forma, depois de ter sido produzido por meios artificiais ou coletados no chão depois de uma queda de neve. esculturas sonoras assumir a forma de instalações sonoras interiores, instalações ao ar livre, tais como harpas eólicas, autômatos, ou ser mais ou menos perto convencional instrumentos musicais. Escultura sonora muitas vezes é específica do local. brinquedos de arte tornaram-se um outro formato para artistas contemporâneos desde a década de 1990, como os produzidos por Takashi Murakami e Kid Robot, desenhado por Michael Lau, ou por feitos à mão Michael Leavitt (artista).

Estatuto social dos escultores

Nuremberg escultorAdam Kraft, auto-retrato deIgreja St Lorenz, 1490.

Em todo o mundo, escultores têm sido geralmente comerciantes, cujo trabalho é não assinado; em algumas tradições, por exemplo a China, onde a escultura não compartilhar o prestígio da pintura letrada, isso afetou o status da própria escultura. Mesmo na Grécia antiga , onde escultores como Phidias se tornou famoso, eles parecem ter retido muito o mesmo status social que os outros artesãos, e talvez não muito maiores recompensas financeiras, embora alguns assinado suas obras. Nos Idade Média artistas tais como o século 12 Gislebertus às vezes assinados seu trabalho, e foram procurados por diferentes cidades, especialmente a partir do Trecento em diante na Itália, com figuras como Arnolfo di Cambio, e Nicola Pisano e seu filho Giovanni. Ourivesarias e joalheiros, lidando com materiais preciosos e muitas vezes dobrando como banqueiros, pertenciam a poderosas alianças e tinha um estatuto considerável, muitas vezes segurando escritório cívica. Muitos escultores também praticado em outras artes; Andrea del Verrocchio pintou também, e Giovanni Pisano, Michelangelo, e Jacopo Sansovino eram arquitetos . Alguns escultores mantida grandes oficinas. Mesmo no Renascimento a natureza física do trabalho foi percebida por Leonardo da Vinci e outros como puxando para baixo o estado da escultura nas artes, apesar de a reputação de Michelangelo talvez colocar essa idéia de longa data para descansar.

Do Artistas elevados do Renascimento, como Michelangelo, Leone Leoni e Giambologna poderia tornar-se rico, e enobrecido, e entrar no círculo dos príncipes, após um período de argumento afiado sobre o status relativo de escultura e pintura. Escultura decorativa muito em edifícios permaneceu um comércio, mas escultores que produzem peças individuais foram reconhecidos em um nível com pintores. A partir do século 18 ou escultura mais cedo também atraiu estudantes de classe média, embora tenha sido mais lento para fazer isso do que a pintura. Escultores mulheres levaram mais tempo para aparecer do que mulheres pintores, e eram menos proeminentes até o século 20.

Danos visíveis devido àchuva ácidaem uma escultura

Conservação

Esculturas são sensíveis às condições ambientais, tais como temperatura , humidade e exposição à luz e luz ultravioleta . A chuva ácida , também pode causar danos a certos materiais de construção e monumentos. Isto resulta quando o ácido sulfúrico na chuva reage quimicamente com os compostos de cálcio nas pedras (calcário, grés, mármore e granito) para criar o gesso , que então flocos de fora.

A qualquer momento muitas esculturas contemporâneas têm sido geralmente em exposição em locais públicos; o roubo não foi um problema como peças foram imediatamente reconhecível. No início do século XXI o valor do metal aumentou a tal ponto que o roubo do maciço escultura de bronze para o valor do metal tornou-se um problema; escultura no valor de milhões que estão sendo roubados e derretidos para o valor relativamente baixo do metal, uma pequena fração do valor da obra de arte.

Movimentos anti-escultura

Aniconismo permaneceu restrito ao judaísmo , que não aceitou escultura figurativa até o século 19, as religiões zoroastristas e alguns outros, antes de expandir para o budismo precoce eo início do cristianismo, nem de que aceitou inicialmente grandes esculturas. Em ambos cristianismo eo budismo essas primeiras exibições foram posteriormente revertidas, e escultura tornou-se muito significativa, especialmente no budismo. Christian Ortodoxia Oriental nunca aceitou escultura monumental, e Islam tem sistematicamente rejeitado quase todas escultura figurativa. Muitas formas de protestantismo também não aprovam escultura religiosa. Tem havido muita iconoclastia de escultura de motivos religiosos, desde os primeiros cristãos, o Beeldenstorm da Reforma Protestante para a destruição dos 2001 Budas de Bamyan pelo Taliban.

As artes plásticas

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Artes plásticas é um termo, agora em grande parte redundantes dentro uso Inglês, abrangendo especificamente as formas de arte que envolvem a manipulação física de um meio plástico por moldagem ou modelagem, tais como a escultura ou cerâmica. O termo também tem sido ambígua aplicada a todos os visuais (não-literária, não musicais) artes .

Materiais que podem ser entalhadas ou em forma, tal como pedra ou madeira, de betão ou de aço, também foram incluídos na definição mais estreita, uma vez que, com ferramentas apropriadas, tais materiais também são capazes de modulação. Este uso do termo "plástica" nas artes não deve ser confundido com o uso de Piet Mondrian, nem com o movimento que ele chamou, em Francês e Inglês, " neoplasticismo. "

Assim, mesmo a definição mais restrita poderia incluirArquitetura,Cerâmica,colagem,arte conceitual,desenho,arte de vidro,arte terra,metal mecânica,mosaico,pintura,arte de papel, o uso deplásticosdentro dasartes ou como uma forma de arte em si,Gravura,Escultura,arte têxtil,Soldadura,Carpintaria,Filme,Fotografia Filme,New media art.

Definição de direitos autorais de arte visual

Nos Estados Unidos, a lei que protege os direitos autorais sobre um pedaço de arte visual dá uma definição mais restritiva de "arte visual". A citação seguinte é da Lei de Direitos Autorais dos Estados Unidos de América-Capítulo 1:

A "obra de arte visual" é -
(1) uma pintura, desenho, gravura ou escultura, que existe num único exemplar, em uma edição limitada de 200 cópias ou menos que sejam assinados e numerados consecutivamente pelo autor, ou, no caso de uma escultura, de molde múltiplo, esculpido, ou esculturas de 200 ou menos, que são numeradas consecutivamente pelo autor e conter a assinatura ou outra marca de identificação do autor fabricado; ou
(2) uma imagem estática fotográfico produzido apenas para fins de exposição, existente num único exemplar, que é assinada pelo autor, ou em uma edição limitada de 200 cópias ou menos que sejam assinados e numerados consecutivamente pelo autor.

Uma obra de arte visual não inclui -
(A) (i) qualquer cartaz, mapa, globo, gráfico, desenho técnico, diagrama, modelo, arte aplicada, cinematográfica ou outra obra audiovisual, livro, revista, jornal, revista, base de dados, serviço de informação electrónica, a publicação eletrônica ou publicação similar;
(ii) qualquer de merchandising item ou publicidade, descritivo, abrangendo, ou material de embalagem promocional ou recipiente;
(iii) qualquer parte ou parte de qualquer item descrito na cláusula (i) ou (ii);
(B) qualquer trabalho contratado; ou
(C) qualquer trabalho não sujeita a proteção de direitos autorais sob este título.

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