Música clásica europea

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El término música clásica es un amplio, a veces impreciso término que se refiere a la música producida, o enraizada en las tradición del arte europeo u occidental, eclesiástico y la música de concierto, abarcando un amplio período que va desde aproximadamente el año 1000 hasta el presente. La norma central de esta tradición, de acuerdo a una escuela de pensamiento, se desarrolló entre 1550 y 1825, centrándose en lo que se conoce como el período de la práctica común.

Este término no apareció hasta inicios del siglo XIX, en un intento por "canonizar" el periodo histórico entre J. S. Bach y Beethoven como una era musical, paralela a la Edad de Oro de la escultura, la arquitectura y el arte de la antigüedad clásica (de la que, por supuesto, ninguna obra musical ha sobrevivido). La referencia más antigua a la "música clásica" registrada en el "Oxford English Dictionary" es de 1836. Desde esa fecha el término se ha transformado hasta convertirse, en el habla cotidiana, como lo opuesto a la música popular.

Música académica, música artística, música de arte, música de concierto, música clásica occidental, música docta, música erudita, música orquestal y música seria son términos a veces usados como sinónimos de música clásica.

[editar] Períodos

De acuerdo a una escuela de pensamiento, las obras musicales son mejor comprendidas dentro del contexto que ocupa en la historia de la música; para los que se adhieren a esta perspectiva, esto es esencial para disfrutar plenamente estas obras. Existe un sistema de división de la historia de la composición de la música clásica en distintos periodos que es ampliamente aceptado. De acuerdo a este sistema, las principales divisiones son:

• Música antigua: La música anterior al año 476, aproximadamente la época de la caída del Imperio Romano. A ella pertenecen la música de la Antigua Grecia y la música de la Antigua Roma. Con el ascenso de la Iglesia Católica como religión oficial, la música religiosa toma un papel protagónico (canto gregoriano).

• Música medieval: Anterior a 1450. El canto monofónico, también llamado canto llano o canto gregoriano predominó hasta el año 1100. Música polifónica (a varias voces) se desarrolló a partir del canto monofónico desde finales de la Edad Media y hasta el Renacimiento.

• Música renacentista: Entre 1450 y 1600, se caracteriza por un mayor uso de instrumentos, incluye múltiples líneas melódicas y el uso de los primeros instrumentos graves o bajos.

• Música barroca: Entre 1600 y 1750. Caracterizada por el uso de tonalidades más complejas, en lugar de la modalidad, el contrapunto, además la creciente popularización de los instrumentos de teclado (el clavicémbalo y el órgano).

• Música clásica: Entre 1730 y 1820, fue una era importante que estableció varias de las normas de composición, presentación y estilo. El período clásico también está marcado por la desaparición del clavicémbalo y el clavicordio en favor del nuevo piano, que a partir de ese momento se convirtió en el instrumento predominante para la interpretación en teclado y la composición.

• Música romántica: Entre 1815 y 1910. Período en que se codificó la práctica, se expandió el rol de la música en la vida cultural y se crearon instituciones para la enseñanza, ejecución y conservación de las obras musicales.

• Música moderna: Entre 1905 y 1985. Período que representó una crisis en los valores de la música clásica y su rol dentro de la vida intelectual, y la extensión de la teoría y la técnica. Algunos teóricos, como Arnold Schoenberg en su ensayo Brahms, el progresivo, insiste en que el Modernismo representa una progresión lógica de las tendencias en la composición del siglo XIX. Otros sostienen un punto de vista opuesto que indica que el modernismo representa el rechazo o la negación del método de composición clásica.

• Música del siglo XX: Usado normalmente para describir la amplia variedad de estilos posteriores al romanticismo empleados hasta el año 2000, incluyendo a los estilos post-romántico, moderno y post-moderno.

• Música contemporánea: El término es utilizado a veces para describir la música compuesta en los últimos años del siglo XX hasta el presente. Concretamente significa la música del tiempo presente.

• El prefijo neo es utilizado usualmente para describir a una composición del siglo XX o contemporánea escrita en un estilo perteneciente a un periodo anterior, como el clásico, romántico o moderno, pero con un lenguaje moderno. Por ejemplo, la Sinfonía Clásica de Prokofiev - que acude a los modelos de la sinfonía del clasicismo de Haydn - es considerada una composición neo-clásica.

Las fechas son generalizaciones, ya que los períodos se sobreponen unos a otros. Algunas voces autorizadas subdividen los periodos por la fecha o por el estilo. Sin embargo, debe notarse que estas categorías son arbitrarias; por ejemplo, el uso del contrapunto y la fuga, que es considerada una característica del barroco, fue continuado por Mozart, a quien se considera un compositor clásico, y por Beethoven a quien normalmente se le describe como en medio del periodo clásico y romántico; y también por Brahms, quién es clasificado como romántico.

Este gráfico muestra una selección de los más famosos compositores clásicos:

[editar] Música Clásica como "música del período clásico"

En la Historia de la Música, ocasionalmente es usado un significado distinto del término música clásica: Se refiere a la música de un período que abarca aproximadamente desde Carl Philipp Emanuel Bach hasta Beethoven, aproximadamente entre 1730 y 1820. Cuando es usada en este sentido, la C inicial de música Clásica es normalmente remarcada para evitar la confusión.

[editar] La naturaleza de la música clásica

La música clásica es primordialmente un tradición musical escrita, preservada a través de la notación musical, en oposición a la transmitida oralmente, (by rote) o por grabaciones. Si bien hay algunas diferencias entre las ejecuciones particulares de una obra clásica, una obra de música clásica generalmente busca trascender cualquier interpretación de ella. El uso de la notación musical es un método efectivo para transmitir la música clásica, dado que la música escrita contiene las indicaciones técnicas para interpretar la obra. Sin embargo, la partitura usualmente no contiene instrucciones explícitas sobre cómo interpretar la obra, aparte de las direcciones de dinámica y tempo; esto queda a la discreción de los ejecutantes, quienes están guiados por su experiencia personal y su educación musical, su conocimiento del lenguaje de la obra, y el cuerpo acumulado de práctica de ejecución histórica.

La música clásica esta hecha para ser disfrutada por sí misma, a diferencia de otras músicas que funcionan como adjuntas a otras formas de entretenimiento (si bien la música de cine es tratada ocasionalmente como música clásica). Los conciertos de música clásica normalmente tienen lugar en una atmósfera relativamente solemne, esperándose que el público se mantenga en silencio para evitar distraer la concentración de los demás. Los intérpretes normalmente visten formalmente, una práctica que es normalmente interpretada como un gesto de respeto para la música y el público, y los músicos tampoco interactúan directamente o bromean con el público. Lecturas privadas de música de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas más informales.

Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas, ha llevado a la expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo que realizará en detalle las intenciones originales del compositor. Por lo tanto, las desviaciones de las instrucciones del compositor a veces son condenadas como fallas completas éticas. Durante el siglo XIX los detalles que los compositores colocaban en sus partituras fue incrementándose. Así vemos un opuesto rechazo-admiración por los ejecutantes que ofrecen nuevas "interpretaciones" de la obra de un compositor, y no es desconocido que un compositor le pida al intérprete una mejor realización de sus intenciones originales que la que él mismo pudo lograr. De este modo, los ejecutantes de música clásica alcanzan a menudo reputaciones muy altas por su musicalidad, aunque ellos mismos no compongan.

Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de una relación muy compleja entre su contenido afectivo (emocional), y los medios intelectuales con las que lo logra. Muchos de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea o motivo musical es repetido en distintos contextos, o en alterados, de tal manera que la mente del oyente conscientemente o no compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de la forma sonata y la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. (Ver también Historia de la forma sonata).

Otra consecuencia de la primacía de la partitura escrita del compositor es que la improvisación juegue un menor papel dentro de la música clásica, en marcado contraste con otras tradiciones como el jazz, en donde la improvisación es básica. La improvisación en la música clásica era mucho más frecuente en el barroco que en el siglo XIX y XX, y recientemente la interpretación de aquella música por músicos clásicos modernos ha sido enriquecida por el resurgimiento de antiguas prácticas improvisatorias. Durante el periodo clásico, Mozart y Beethoven improvisaban a veces improvisaron las cadenzas de sus conciertos para piano (y animaban a otros a hacer lo mismo), pero también tendían a dar cadenzas escritas para que otros solistas pudiesen usarlas.

[editar] Complejidad

Generalmente las obras de música clásica muestran una gran complejidad musical gracias al uso que hace el compositor del desarrollo, modulación (cambios de tonalidad), variación antes que la exacta repetición, frases musicales que no siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía y una armonía sofisticada.

Además, muchas obras clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son construidas a partir de jerarquías de unidades más pequeñas: llamadas frases, periodos, secciones y movimientos. El Análisis Schenkeriano es una rama de la música que intenta distinguir entre esos niveles estructurales.

[editar] Contenido emocional

Como en muchas formas de las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de emociones, que expresan algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo "sublime" en el arte. Muchos ejemplos pueden ser citadas para demostrar esto, por ejemplo la musicalización del poema de Friedrich Schiller Oda a la Alegría en su Novena Sinfonía, que a menudo es tocado en ocasiones de independencia nacional o celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein para marcar el colapso del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo.

Sin embargo, otros compositores, como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que por lo tanto la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo supremo.

[editar] Instrumentos

La música clásica y la música popular también se distinguen por los instrumentos que utilizan. Los instrumentos utilizados en la práctica común de la música clásica fueron inventados antes de la mitad del siglo XIX (la mayoría mucho antes), y codificados en los siglo XVIII y y XIX. Consisten en los instrumentos que encontramos en la orquesta sinfónica, junto a otros pocos instrumentos solistas (como el piano, el clavicémbalo y el órgano). Los instrumentos electrónicos como la guitarra eléctrica y el violín eléctrico juegan un rol predominante en la música popular, pero de hecho no tienen ninguno en la música clásica antes del siglo XX, y sólo aparecen ocasionalmente en la música clásica del siglo XX y XXI. Tanto los músicos populares como los clásicos han experimentado en las últimas décadas con instrumentos eléctricos como el sintetizador, con técnicas electrónicas y digitales como el uso de sonidos sampleados o generados por computador, y el sonido de instrumentos otras culturas, como el gamelan.

Es importante notar que todos los instrumentos bajos no existían antes del Renacimiento. En la música medieval, los instrumentos estaban divididos en dos categorías: instrumentos fuertes para usar en exteriores o en la Iglesia, y instrumentos más suaves para uso en interiores.

Muchos de los instrumentos que son asociados hoy con la música popular tuvieron un rol importante en la música clásica antigua, tales como el bagpipes, la vilhuela, el hurdy-gurdys y otros instrumentos de viento. Por otro lado, la guitarra acústica, asociada a la música popular, ha empezado a ganar preponderancia en la música clásica a lo largo de los siglos XIX y XX.

Mientras que el temperamento igual ha sido gradualmente aceptado como el sistema de afinación en el siglo 19, otros tipos de temperamento, de origen histórico, son frecuentemente utilizados en la música de períodos anteriores al barroco tardío; El clave bien temperado de Johann Sebastian Bach es utilizado como referencia temporal para indicar el comienzo de ese cambio de temperamento. Por ejemplo, la música del Renacimiento inglés se acostumbra a ejecutar con el temperamento medio.

[editar] Las voces

La voz humana es también un instrumento musical privilegiado de la música clásica. Diversos géneros utilizan las voces, solas o bien con acompañamiento instrumental: la ópera, la música coral y el lied.

[editar] Permanencia

Uno de los criterios que podría distinguir a las obras del canon de la música clásica es su perdurabilidad o vigencia cultural. Sin embargo, esto no es una marca distintiva de toda la música clásica: las obras de Johann Sebastian Bach (1685-1750) continúan siendo ampliamente interpretadas y alabadas, mientras que la música de muchos de los contemporáneos de Bach, que son indudablemente "clásicas", son consideradas mediocres, y raramente tocadas. Podría discutirse que ésta es una profecía auto-impuesta, exacerbada por el hecho que la música clásica es estudiada y preservada a niveles mucho más elevados que otro tipo de música.

[editar] Influencias entre música clásica y música popular

La música clásica siempre ha sido influida por, o ha tomado material, de la música popular. Los ejemplos incluyen música ocasional como el uso por Brahms de canciones estudiantiles para la bebida en su Obertura para un Festival Académico, géneros ejemplificados por la Ópera de los tres centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz en la música de compositores de inicios y mediados del siglo XX como Maurice Ravel. Ciertos compositores clásicos posmodernos y postminimalistas reconocen su deuda con la música popular.

También hay muchos ejemplos de influencia en el otro sentido, incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el uso que se hizo del Canon de Pachelbel desde los años 1970, el fenómeno del musical crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran éxito en el terreno de la música popular (un notable ejemplo es las series de grabaciones "Hooked on Classics" hechas por la Orquestal Filarmónica Real a inicios de los años 1980). De hecho, puede argumentarse que el género completo de la música de cine puede ser considerada parte de esta influencia como, dado que brinda a la música orquestal a vastos públicos de cinemeros que de otra manera no escucharían semejante música (no obstante la mayoría la escuchan inconscientemente).

[editar] La música clásica y la música folclórica

Compositores de música clásica han hecho uso de la música folclórica (música creado por músicos autodidactas, la mayoría de una pura tradición oral). Algunos lo han hecho con una ideología nacionalista explícita, otros simplemente la han explotado como parte de su material temático. Véase: Música clásica y la música folclórica.

[editar] Música clásica "europea"

Música clásica "europea" no alude a una exclusividad, sino que se refiere a que su naturaleza y sus particulares características nacieron en la tradición de la cultura occidental, que como sabemos, comienza en Europa. La música surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la música de la Antigua Grecia y la música de la Antigua Roma (sobre todo por sus contribuciones teóricas), la música de la Iglesia católica (principalmente el canto gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin embargo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, y el posterior desarrollo de la armonía, la revolución musical conocida como el Ars nova y la evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical.

Por lo tanto, con la era de los descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes, y sufrió en ellos un proceso de síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios. Es así que encontramos expresiones de la música clásica en Estados Unidos (ej. Charles Ives), Latinoamérica (ej. Alberto Ginastera, Heitor Villa-Lobos), Asia (ej. Toru Takemitsu, Tan Dun), África y Oceanía, pero que están conectadas a la música clásica "europea".

[editar] Usos comerciales de la música clásica

Algunas fragmentos de música clásica son frecuentemente usados comercialmente (es decir, en la publicidad o como parte de las bandas sonoras de películas de entretenimiento). En la publicidad televisiva, algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se han convertido en clichés, partiularmente el inicio "O Fortuna" de Carmina Burana de Carl Orff (para efectos terroríficos). Otros ejemplos del mismo estilo el "Dies Irae" del Réquiem de Verdi y selecciones Rodeo de Aaron Copland.

Similarmente, en las películas a menudo se recurre a pasajes clichés de música clásica para representar el refinamiento o la opulencia: probablemente la obras más escuchada en esta categoría es Eine Kleine Nachtmusik de Mozart.

[editar] La música clásica en la educación

A lo largo de la historia, los padres se aseguraban de que sus hijos fuesen instruidos en la música clásica desde muy temprana edad. Un experiencia musical temprana daba las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de la auto-disciplina; las lecciones parecen mostrar también un incremento en el desempeño académico. Algunos consideran que un nivel de conocimiento de las obras de la música clásica es parte de una buena cultura general.

La década de 1990 marcó el surgimiento en Estados Unidos de muchas investigaciones y libros de divulgación basados en el famoso "Efecto Mozart": una pequeña y temporal elevación de los puntajes de ciertos tests como consecuencia de escuchar música de Mozart. La versión popular de la controvertida teoría fue expresada sucintamente por un columnista musical del New York Times: "Investigadores han determinado que oír a Mozart te hace más inteligente". Los promotores que venden CDs dicen que induce ese efecto. Florida dio una ley que exige que en las escuelas estatales se escuche música clásica a diario, y en 1998 el gobernador de Georgia dio un presupuesto de $105,000 anuales para que cada niño que naciese en su estado tuviese un caset o un CD de música clásica. Uno de los investigadores del proyecto original comentó: "No creo que haga daño. Yo apoyo que los niños sean expuestos a experiencias culturales maravillosas. Pero creo que el dinero podría ser mejor invertido en los programas de educación musical".

Véase también:

• Efecto Mozart
• Orff Schulwerk
• Método Suzuki

[editar] Géneros relacionados

• Música de cine
• Música electrónica artística
• Música clásica hindú
• Música de juegos de computadora y vídeo

[editar] Términos de música clásica

Para los términos relacionados específicamente a la ejecución de la música clásica, ver Terminología musical.