Film muet
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Un film muet est un film de sans enregistrée synchronisé son , en particulier parlé dialogue. L'idée de combiner des images animées avec des enregistrements sonore est presque aussi vieux que le film lui-même, mais en raison des défis techniques impliqués, le dialogue synchronisé a été rendue possible à la fin des années 1920 avec l'introduction de la système Vitaphone. Après The Jazz Singer en 1927, «parlant» est devenu de plus en plus courante et dix ans plus tard films muets essentiellement disparu. L'ère du cinéma muet est parfois appelé «l'âge de la Silver Screen".
Histoire
Le premier film a été réalisé par Louis Le Prince en 1888. Ce était deux deuxième film de gens qui se promènent à Oakwood Grange jardin, intitulé Roundhay Garden Scene.
L'art de films a grandi dans la pleine maturité dans le "muet" avant les films muets ont été remplacés par " cinéma parlant "à la fin des années 1920. Beaucoup de spécialistes du cinéma et les mordus affirment que la qualité esthétique du cinéma a diminué pendant plusieurs années jusqu'à réalisateurs, acteurs et le personnel de production adaptés à la nouvelle« talkies ».
La qualité visuelle des films muets - en particulier ceux qui sont produits dans les années 1920 - était souvent extrêmement élevé. Cependant, il ya une idée fausse largement répandue que ces films étaient primitifs et à peine regardable selon les normes modernes. Cette idée fausse est due à des erreurs techniques (tels que les films en cours de lecture à une vitesse incorrecte) et en raison de l'état de détérioration de nombreux films muets (de nombreux films muets ne existent que dans la deuxième ou même une troisième copies génération qui ont souvent été copiés à partir déjà endommagées et négligées pellicule).
Intertitres
Parce que les films muets ne avaient pas son synchronisé pour le dialogue, l'écran intertitres ont été utilisés pour raconter points d'histoire, le dialogue clé actuelle et parfois même des commentaires sur l'action pour la public cinéma. Le titre est devenu un professionnel écrivain clé dans le film muet et était souvent séparé de la cinéaste qui a créé l'histoire. Intertitres (ou des titres comme ils ont généralement été appelés à l'époque) sont souvent devenus des éléments graphiques eux-mêmes, avec des illustrations ou des décorations abstraites qui ont commenté l'action.
Musique live et son
Projections de films muets presque toujours en vedette la musique en direct, à commencer par le pianiste à la première projection publique des films par le Frères Lumière sur 28 décembre, 1895 à Paris . Dès le début, la musique a été reconnue comme essentielle, contribuant à l'atmosphère et en donnant au public les signaux émotionnels vitaux (musiciens jouaient parfois sur les plateaux de cinéma pendant le tournage pour des raisons similaires). Ville et du cinéma de quartier des théâtres petits ont généralement un pianiste. Depuis le milieu des adolescents en avant, les grands théâtres de la ville ont tendance à avoir organistes ou entières orchestres . Organes théâtrales massives comme le célèbre «puissant Wurlitzer "pourrait simuler certains sons orchestraux avec un certain nombre de effets sonores.
Les scores pour silents étaient souvent plus ou moins improvisé tôt dans l'histoire du médium. Une fois les caractéristiques complètes sont devenus monnaie courante, cependant, la musique a été compilé à partir de photoplay la musique par le pianiste, organiste, chef d'orchestre ou de la studio de cinéma lui-même, qui enverrait une feuille de repère avec le film. En commençant par la plupart d'origine musique composée par Joseph Carl Breil pour L'épopée révolutionnaire de DW Griffith Naissance d'une nation (USA, 1915), il est devenu relativement courant pour les films pour arriver au théâtre présentant des originaux, partitions composées spécialement.
Par la hauteur de l'époque du muet, films étaient la principale source d'emploi pour les musiciens instrumentaux (au moins en Amérique). Mais l'introduction de walkies, qui a eu lieu simultanément avec le début de la Grande Dépression , a été dévastateur pour de nombreux musiciens.
Certains pays ont conçu d'autres moyens d'apporter son pour des films muets. Le début cinéma du Brésil sélectionnée Fitas cantates: filmé opérettes avec des chanteurs de la scène derrière l'écran. En Japon, films avaient non seulement la musique live mais aussi la benshi, un narrateur en direct qui ont fourni des commentaires et des caractères voix. Le benshi est devenu un élément central sous forme de film japonais, ainsi que de fournir des traductions pour les films étrangers (surtout américains). Leur popularité était une des raisons pourquoi silents persisté jusque dans les années 1930 au Japon.
Peu de musiques de films ont survécu intact de cette période, et les musicologues sont encore confrontés à des questions dans une tentative de reconstruction précise de ceux qui restent. Les scores peuvent être distingués que des reconstitutions complètes de partitions composées, nouvellement composées pour l'occasion, assemblés à partir de bibliothèques de musique déjà existants, ou même improvisés.
Critique dans le développement de la note est le silence organe de théâtre conçu pour combler une lacune entre un soliste de piano simple et un grand orchestre. organes de théâtre avaient un large éventail d'effets spéciaux, et utilisés réelle percussions.
L'intérêt pour la notation des films muets est tombé peu à la mode pendant les années 1960 et 1970. Il y avait un courant de croyance dans de nombreux programmes de films d'université et des cinémas de répertoire que le public devrait connaître film muet comme un support visuel pur, distraits par la musique. Cette croyance peut avoir été encouragé par la mauvaise qualité des pistes de musique trouvés dans de nombreuses réimpressions de films muets de l'époque. Plus récemment, il ya eu un regain d'intérêt dans la présentation de films muets avec des scores musicales de qualité, soit remaniements de partitions d'époque ou des feuilles de repère, ou composition de musiques originales appropriées. Un tournant dans ce contexte était 1980 la restauration de Francis Ford Coppola Napoléon d'Abel Gance (1927) avec une partition d'orchestre en direct composée par son père Carmine Coppola.
Spécialistes actuels notables dans l'art de l'organisation et l'exécution des musiques de films muets comprennent Steven Ball (du Michigan Theater de Ann Arbor); Rosa Rio (organiste à la Brooklyn Fox au temps du muet et maintenant au Théâtre Tampa), Ben Modèle, Neil Brand, Phillip C. Carli, Jon Mirsalis, Dennis James et Donald Sosin. Carl Davis a créé entièrement nouveaux scores pour Silent ère classiques. Robert Israel a écrit de nouvelles partitions pour les comédies de Buster Keaton et Harold Lloyd. En plus de composer des musiques de films originaux Timothy Brock a restauré un grand nombre de Charlie Chaplin scores s '. Certains groupes ont ensemble spécialisé dans accompagnant les films muets, y compris Silencieux Orchestra, Orchestre alliage et le Mont Alto Mouvement Orchestre Image.
Agissant techniques
Acteurs du cinéma muet souligné le langage du corps et l'expression du visage afin que le public puisse mieux comprendre ce qu'est un acteur ressentait et dépeindre sur l'écran.
Beaucoup films action silencieuse est susceptible de frapper les auditoires modernes aussi simpliste ou kitsch. Pour cette raison, le silence comédies ont tendance à être plus populaire dans l'ère moderne que du drame, en partie parce overacting est plus naturel dans la comédie.
Le style de jeu était mélodramatique dans certains cas une habitude acteurs transférés de leur expérience de l'ancien stade. L'omniprésence des acteurs de la scène dans le film était la cause de cette explosion du réalisateur Marshall Neilan en 1917: "Le plus tôt les gens de scène qui sont venus en images sortir, le mieux pour les photos." Dans d'autres cas, des réalisateurs comme John Griffith Wray tenus de livrer leurs acteurs expressions plus grands que la vie pour l'emphase. Dès 1914, les téléspectateurs américains avaient commencé à faire connaître leur préférence pour plus de naturel à l'écran. En tout cas, la taille d'image grande et l'intimité sans précédent l'acteur apprécié avec le public ont commencé à affecter le style de agissant, ce qui pour plus de subtilité d'expression. Actrices tels que Mary Pickford dans tous ses films, Eleanora Duse dans le film italien Cenere (1916), Janet Gaynor dans Lever du soleil, Priscilla Dean dans La Femme et Dice Lillian Gish dans la plupart de ses performances a fait preuve de retenue et le naturalisme facile à agir une vertu. Administration comme Albert Capellani (une importation française qui a dirigé plusieurs Alla Nazimova films) et Maurice Tourneur insisté sur le naturalisme dans leurs films; Tourneur avait été un tel minimaliste dans ses productions théâtrales antérieures. Beaucoup milieu des 20s films muets américains ont été tout à fait réfléchie agi, mais aussi tard que 1927 films tels que manifestement overacted Metropolis ont été encore libérés. Certains téléspectateurs ont aimé le jeu flamboyant pour sa valeur d'échappement, et certains pays ont été plus tard que les États-Unis en embrassant naturel dans leurs films. Tout comme aujourd'hui, le succès d'un film dépend du réglage, l'humeur, le script, les compétences du directeur et le talent d'ensemble de la distribution.
vitesse de projection
Jusqu'à ce que la normalisation de la vitesse de projection de 24 images par seconde (fps) pour les films sonores en 1926, les films muets ont été abattus à des vitesses variables (ou «taux de rafraîchissement»), généralement entre 16 à 23 images par seconde ou plus, en fonction de l'année et le studio. Sauf indication attentivement à leur vitesse d'origine, ils peuvent apparaître saccadée anormalement rapide et, ce qui renforce leur apparence étrangère aux téléspectateurs modernes. Dans le même temps, certaines scènes ont été intentionnellement undercranked pendant la prise de vue afin d'accélérer l'action, en particulier dans le cas de comédies burlesques. Le taux de trame destinée d'un film muet peut être ambigu et comme ils étaient généralement à manivelle, il peut même y avoir des variations au sein d'un film. La vitesse du film est souvent une question controversée parmi les chercheurs et les cinéphiles à la présentation de films muets aujourd'hui, surtout quand il se agit de sorties DVD de films "rétablies"; la restauration de 2002 Metropolis (Allemagne, 1927) peut être l'exemple le plus farouchement débattue.
Projectionnistes couru fréquemment films muets à des vitesses qui étaient légèrement plus rapide que la vitesse à laquelle ils ont été abattus. La plupart des films semblent avoir été montré à 18 fps ou plus - certains encore plus vite que ce qui allait devenir la vitesse de film sonore (24 fps ou 90 pieds par minute). Même si le tir à 16 fps (souvent cité comme «vitesse silencieuse»), la projection d'un nitrate de cellulose de film de base à une telle vitesse lente réalisé un risque considérable d'incendie. Souvent projectionnistes recevraient des instructions très générales des distributeurs quant à la façon des bobines ou des scènes particulières rapides devraient être projetées sur la feuille de repère du directeur musical. Dans de rares cas, généralement pour les grandes productions, feuilles de repère détaillés spécifiquement pour le projectionniste porteraient un guide détaillé sur la façon de présenter le film. Théâtres aussi parfois varier leur vitesse de projection en fonction de l'heure du jour ou de la popularité d'un film afin de maximiser les profits.
Teinture
Avec l'absence de traitement de couleur naturelle disponibles, les films de l'époque du muet ont souvent été trempés dans des colorants et des diverses nuances et des teintes colorées afin de signaler une humeur ou représenter un moment précis de la journée. Bleu représenté des scènes de nuit, jaunes ou ambre destinés jour. Rouge et vert représenté feu représentait une ambiance mystérieuse.
De même, la tonification du film (tels que la généralisation du cinéma muet commun de sépia tonification) avec des solutions spéciales remplacé les particules d'argent dans le stock de film avec des sels ou des colorants de différentes couleurs. Une combinaison de teintes et de tonification pourrait être utilisé comme un effet qui pourrait être très frappante.
Extrapolation Haut films muets
Voici les films qui ont réalisé le revenu brut le plus élevé jamais dans l'histoire du film, selon Magazine Variety en 1932. Les montants ne sont pas corrigés de l'inflation, et les valeurs ont été calculées en 1932.
- Naissance d'une nation (1915) - $ 10,000,000
- The Big Parade (1925) - $ 6,400,000
- Ben-Hur (1925) - $ 5,500,000
- Way Down East (1920) - $ 5,000,000
- La ruée vers l'or (1925) - $ 4,250,000
- Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse (1921) - $ 4,000,000
- Le cirque (1928) - $ 3,800,000
- La Roulotte (1923) - $ 3,800,000
- Notre-Dame de Paris (1923) - $ 3,500,000
- Les Dix Commandements (1923) - $ 3,400,000
- Orphelins de la tempête (1921) - $ 3,000,000
- Pour l'amour du ciel (1926) - $ 2,600,000
- Seventh Heaven (1926) - $ 2,400,000
- Irish Rose de Abie (1928) - $ 1,500,000
Films muets à l'époque son
Silencieux cède la place à paraître
Bien que des tentatives pour créer synchronisation sonore des images animées remontent au laboratoire Edison en 1896, la technologie se est bien développée que dans les années 1920. Les prochaines années ont vu une course de concevoir, mettre en œuvre, et le marché plusieurs rival Son sur disque et son-sur-films formats sonores. Bien que La libération de s The Jazz Singer en 1927 a marqué le premier film de son succès commercial, films muets ont formé la majorité des longs métrages produits à la fois 1927 et 1928. Ainsi, l'ère moderne de film sonore peut être considéré comme venant d'une position dominante à partir de 1929.
Films muets à l'époque son début
Pour obtenir une liste de films muet notables, voir liste des années dans le cinéma pour les années entre le début du film et 1928. La liste suivante ne comprend que les films produits dans l'ère du son avec l'intention artistique spécifique d'être silencieux.
- Les Docks de New York, Josef von Sternberg, 1929
- Le Journal d'une fille perdue, GW Pabst, 1929
- La boîte de Pandore, GW Pabst, 1929
- L'Homme à la caméra, Dziga Vertov, 1929
- Fille De La Ville, FW Murnau, 1930
- Terre, Aleksandr Dovjenko, 1930
- Love Is Force, Mikio Naruse, 1930
- City Lights, Charlie Chaplin , 1931
- Tabu, FW Murnau, Robert Flaherty, 1931
- Je suis né, mais ..., Yasujiro Ozu, 1932
- Histoire d'herbes flottantes, Yasujiro Ozu, 1934
- Modern Times, Charlie Chaplin , 1936
Plus tard hommages
Plusieurs cinéastes ont rendu hommage aux comédies de l'époque du muet, y compris Jacques Tati avec son Les Vacances de Monsieur Hulot (1953) et Mel Brooks avec Silent Movie (1976). Réalisateur taïwanais Drame acclamé de Hou Hsiao-Hsien Three Times (2005) est le silence pendant son tiers médian, avec intertitres; Stanley Tucci de Les imposteurs a une séquence silencieuse ouverture dans le style des comédies silencieuses début. Scénariste / réalisateur Michael Pleckaitis met sa propre torsion sur le genre Silent (2007). Rappelant Pleasantville (1998), ce est fait dans la veine d'un film muet depuis les premiers jours du cinéma.
Le film allemand 1999 Tuvalu est surtout le silence; la petite quantité de dialogue est un étrange mélange des langues européennes, de plus en plus l'universalité du film. Guy Maddin a remporté des prix pour son hommage à ère soviétique films muets avec son court Le Cœur du Monde après quoi il a fait un long métrage silencieux, Des trous dans la tête (2006), intégrant en direct Foley artistes, la narration et orchestre à certains indices. Shadow of the Vampire (2000) est une représentation très romancée du tournage de Classique muet de Friedrich Wilhelm Murnau vampire film Nosferatu (1922). Werner Herzog a honoré le même film dans sa propre version, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979). Certains films dessinent un contraste direct entre l'ère du cinéma muet et l'ère des walkies. Sunset Boulevard montre la déconnexion entre les deux époques dans le caractère de Norma Desmond, joué par la star du cinéma muet Gloria Swanson.
En 1999, le célèbre finlandais cinéaste Aki Kaurismäki produit Juha qui capture le style d'un film muet, en utilisant intertitres en place des dialogues parlés.
En Inde, le film de 1988 Pushpak, mettant en vedette Kamal Hassan, était une comédie noire entièrement dépourvu de dialogue.
Au moins deux pièces de théâtre ont tiré sur les styles et les sources de films muets. Acteur / écrivains Billy Van Zandt et Jane Milmore ont organisé leur Off-Broadway comédie burlesque rire silencieux comme une action hommage direct à l'ère de cinéma muet. Geoff Sobelle et Trey Lyford créés et a joué dans tous les quilleurs Porter (2004) qui a commencé comme un hommage à Laurel et Hardy ont ensuite évolué pour intégrer film muet séquences de Sobelle et Lyford grandeur nature qui sautent et-vient entre l'action en direct et l'écran d'argent.
Préservation et perdus films
Beaucoup de premiers films sont perdus parce que le film de nitrate utilisé à cette époque était extrêmement instable et inflammable. En outre, de nombreux films, comme la série de films Pinochle garçons, ont été délibérément détruits parce qu'ils avaient peu de valeur à l'époque avant que la vidéo domestique. Il a souvent été affirmé que près de 75% des films muets ont été perdus, si ces estimations peuvent être inexacts en raison d'un manque de données numériques. Films muets principaux présumés perdus comprennent Saved from the Titanic (1912); L'apôtre, le premier au monde film d'animation (1917); Cléopâtre (1917); Arirang (1926); Gentlemen Prefer Blondes (1927); The Great Gatsby (1926); et London After Midnight (1927). Bien que la plupart des films muets perdus ne seront jamais récupérés, certains ont été découverts dans les archives de films ou de collections privées.
En 1978, dans Dawson City, Yukon canadien, un bulldozer découvert enterrés bobines de pellicule de nitrate lors de la fouille d'un site d'enfouissement. Dawson City était la fin de la ligne de distribution pour de nombreux films, et les titres ont été conservés à la bibliothèque locale jusqu'en 1929 lorsque le nitrate inflammable a été utilisé comme site d'enfouissement dans une piscine condamné. Stocké pendant 50 ans sous le pergélisol du Yukon, les films se est avéré être très bien conservé. Inclus dans ce trésor étaient des films par Pearl White, Harold Lloyd, Douglas Fairbanks, et Lon Chaney, Sr .. Ces films sont maintenant logé à la Bibliothèque du Congrès.
La dégradation de la vieille pellicule peut être ralentie grâce à l'archivage approprié ou la numérisation peut préserver films. Silencieux la préservation du film a été une priorité élevée parmi les historiens de cinéma.
