Orchestre
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Un orchestre est un grand ensemble instrumental qui contient des sections d'instruments cordes, cuivres, bois, et de percussion. Le terme provient de l'orchestre grec ορχήστρα, le nom de la zone en face d'un ancienne scène à la grecque réservée à la Chœur grec. L'orchestre a grandi par accrétion tout au long des 18e et 19e siècles, mais a très peu changé dans la composition au cours du 20e siècle.
Un orchestre de plus petite taille pour cette période de temps (d'une cinquantaine de musiciens ou moins) est appelé un orchestre de chambre. Un orchestre pleine grandeur (environ 100 musiciens) peut parfois être appelé un «orchestre symphonique» ou «orchestre philharmonique"; ces modificateurs ne indiquent pas nécessairement une différence stricte soit dans le instrumentale constitution ou le rôle de l'orchestre, mais peuvent être utiles pour distinguer les différents ensembles basés dans la même ville (par exemple, le London Symphony Orchestra et le London Philharmonic Orchestra). Un orchestre symphonique aura habituellement plus de quatre-vingts musiciens sur sa liste, dans certains cas, plus d'une centaine, mais le nombre réel de musiciens employés dans une performance qui peut varier en fonction du travail en cours de lecture et de la taille de la salle. Un premier orchestre de chambre pourrait employer jusqu'à cinquante musiciens; certains sont beaucoup plus petits que cela. Orchestres peuvent également être trouvés dans les écoles. L'orchestre de concert terme peut parfois être utilisée (par exemple, BBC Concert Orchestra; RTÉ Concert Orchestra) -no distinction ne est faite de la taille de l'orchestre par l'utilisation de ce terme, bien que leur utilisation est généralement distingué comme pour concert en direct. Comme tels, ils sont souvent des orchestres de chambre.
Instrumentation
L'orchestre symphonique typique se compose de quatre groupes proportionnées de semblables instruments de musique appelé le bois, laiton , percussion, et cordes. Autres instruments tels que le piano, et célesta peut parfois être regroupées en une cinquième section comme un section de clavier ou peuvent rester seul, de même que le concert harpe et les instruments électriques et électroniques. L'orchestre, en fonction de la taille, contient la quasi-totalité des instruments standard dans chaque groupe. Dans l'histoire de l'orchestre, son instrumentation a été élargi au fil du temps, souvent convenu avoir été normalisé par la période classique et l'influence de Beethoven sur le modèle classique.
L'influence de Beethoven
Le soi-disant «complément standard" des vents doubles et cuivres de l'orchestre de la première moitié du 19ème siècle est généralement attribuée à des forces appelées par Ludwig van Beethoven . Les exceptions à cette règle sont sa Symphonie n ° 4, Concerto pour violon et Concerto pour piano n ° 4, qui spécifient chacun une seule flûte . Le L'instrumentation du compositeur presque toujours inclus appariés flûtes, hautbois, clarinettes, bassons, cors et trompettes. Beethoven calculé attentivement l'expansion de ce timbre "palette" notamment dans Symphonies 3, 5, 6, et 9 pour un effet innovant. La troisième corne dans le Symphonie «Héroïque» arrive à fournir non seulement une certaine souplesse harmonique, mais aussi l'effet de la "chorale" laiton dans le Trio. Piccolo, contrebasson, et trombones ajouter à la finale triomphale de son Symphonie n ° 5. Un piccolo et une paire de trombones contribuent à une tempête et soleil dans le sixième . Le neuvième demande une seconde paire de cornes, pour des raisons similaires à la «Héroïque» (quatre cornes est depuis devenu standard); L'utilisation de Beethoven piccolo, contrebasson, trombones et percussions désaccordées-plus chorus et vocales solistes-dans sa finale, sont sa première suggestion que le limites de timbre de «symphonie» pourraient être développées pour de bon. Mais depuis plusieurs décennies après son départ, symphonique l'instrumentation a été fidèle au modèle bien établi de Beethoven, à quelques exceptions près.
Instrumentation élargi
Outre le complément d'orchestre coeur, divers autres instruments sont appelés pour l'occasion. Ceux-ci comprennent le guitare classique, heckelphone, bugle, cornet , clavecin et orgue . Saxophones , par exemple, apparaissent dans une gamme limitée de scores 19e et 20e siècle. Bien que ne apparaissant que comme vedette instruments solistes dans certains travaux, par exemple L'orchestration de Maurice Ravel Modest Moussorgski Tableaux d'une exposition et Sergei Rachmaninov Symphonic Dances, le saxophone est inclus dans d'autres œuvres, comme Ravel Boléro, Prokofiev Roméo et Juliette Suites 1 et 2, Vaughan Williams Symphony No.6 et Symphonie n ° 9 et William Walton Le Festin de Balthazar, et bien d'autres œuvres en tant que membre de l'ensemble orchestral. Le euphonium est aussi dans quelques-uns fin Romantique et Œuvres du 20e siècle, les pièces jouent habituellement marqués "tuba ténor", y compris Gustav Holst 's The Planets , et Richard Strauss 's Une vie de héros. Le Tuba wagnérien, un membre modifiée de la corne de la famille, apparaît dans Richard Wagner cycle de l ' Der Ring des Nibelungen et plusieurs autres œuvres de Richard Strauss , Béla Bartók, et d'autres; elle a un rôle de premier plan dans Anton Bruckner Symphonie n ° 7 en mi majeur. Cornets apparaissent dans Pyotr Ilyich Tchaikovsky ballet ' Lac Des Cygnes, Claude Debussy La Mer, et plusieurs œuvres orchestrales de Hector Berlioz. À moins que ces instruments sont joués par les membres de doublement sur un autre instrument (par exemple, un joueur de trombone passage à l'euphonium pour un certain passage), orchestres utilisera musiciens indépendants pour augmenter leurs listes régulières.
Le 20ème siècle fut orchestre beaucoup plus souple que ses prédécesseurs. Pendant compositeurs Beethoven et Mendelssohn l 'époque, l'orchestre était composé d'un noyau assez standard des instruments qui a été très rarement modifié. Au fil du temps, et que la période romantique a vu des changements dans la modification acceptée avec des compositeurs comme Berlioz, suivie par Johannes Brahms et finalement Gustav Mahler, le 20ème siècle a vu que l'instrumentation pouvait pratiquement être cueillies à la main par le compositeur. Aujourd'hui, cependant, l'orchestre moderne est généralement considérée comme normalisée avec l'instrumentation moderne énumérés ci-dessous.
Avec cette histoire à l'esprit, l'orchestre peut être considéré comme ayant une évolution générale comme indiqué ci-dessous. Le premier est un orchestre classique typique (ce est à dire Beethoven / Haydn ), le second est typique d'un début / mi-romantique (c.-à- Brahms / Dvořák / Tchaïkovski ), fin romantique / début du 20ème siècle (c.-à- Wagner / Mahler / Stravinsky ), commune au complément d'un jour présente orchestres modernes (c.-à- Adams / Salon de coiffure / Copland / Glass).
Orchestre classique
| Early orchestre romantique
| Orchestre romantique tardif
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Orchestre moderne
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Organisation
Parmi les groupes de l'instrument et à l'intérieur de chaque groupe d'instruments, il existe une hiérarchie généralement acceptée. Chaque groupe instrumental (ou section) a un principal qui est généralement chargé de diriger le groupe et jouer des solos pour orchestre. Les violons sont divisés en deux groupes, le premier violon et second violon, chacun avec son mandant. Le principal premier violon est appelé violon (ou «leader» au Royaume-Uni) et est considéré comme le chef de file non seulement de la section des cordes, mais de l'ensemble de l'orchestre, soumis qu'à la conducteur.
Le trombone solo est considéré comme le chef de la section bas en laiton, tandis que la trompette est généralement considéré comme le chef de la section de cuivres entier. De même, le hautbois est considéré comme le leader de la section des bois, et est le joueur à qui tout autres mélodie. La corne , tandis que techniquement un instrument de cuivre, agit souvent dans le rôle à la fois de bois et cuivres. La plupart des sections ont aussi un directeur adjoint (ou co-principal ou associé principal), ou dans le cas des premiers violons, un assistant violon, qui joue souvent un tutti partie en plus de remplacer le directeur en son absence.
A la section cordes joueur joue unisson avec le reste de la section, sauf dans le cas des divisées (divisi) parties, où des parties supérieures et inférieures dans la musique sont souvent attribuées aux joueurs «en dehors» (plus proche du public) et "l'intérieur" assis. Si une partie solo est demandé dans une section de cordes, le chef de section joue toujours cette partie. Tutti vents et les cuivres jouent généralement un rôle unique, mais non-solo. Section percussionnistes jouent des rôles qui leur sont assignés par le percussionniste.
Dans les temps modernes, les musiciens sont généralement dirigées par un conducteur, même si les premiers orchestres ne ont pas, de donner ce rôle à la place violon ou de la claveciniste jouer le continuo. Certains orchestres modernes font aussi sans conducteurs, en particulier les petits orchestres et ceux spécialisés dans historiquement exact (dite «période») représentations de la musique baroque et plus tôt.
Le plus souvent effectuée pour un répertoire orchestre symphonique est l'Ouest la musique classique ou l'opéra . Cependant, les orchestres sont utilisés parfois en musique populaire, largement dans musique de film, et de plus en plus souvent dans des la musique de jeu vidéo. Le terme «orchestre» peut également être appliquée à un ensemble de jazz, par exemple dans l'exercice de musique de big band.
Histoire de l'orchestre
Première histoire
L'orchestre moderne a ses racines historiques dans l'Egypte ancienne . Les premiers orchestres étaient constitués de petits groupes de musiciens qui se sont réunis pour les festivals, les vacances ou les funérailles. Ce ne était pas jusqu'à ce que le 11ème siècle que les familles d'instruments ont commencé à apparaître avec des différences de tons et les octaves. Orchestres modernes véritables commencé à la fin du 16ème siècle où les compositeurs ont commencé à écrire de la musique pour les groupes instrumentaux. Dans les 15e et 16e siècles en Italie des ménages de nobles avaient musiciens pour fournir la musique pour la danse et de la cour, mais avec l'émergence du théâtre, en particulier l'opéra, au début du 17e siècle, la musique a été de plus en plus écrit pour des groupes de joueurs en combinaison, ce qui est l'origine du jeu d'orchestre. Opera est né en Italie, et en Allemagne avec impatience suivi. Dresde, Munich et Hambourg construits successivement maisons d'opéra. A la fin du 17ème siècle, l'opéra de prospéré en Angleterre sous Henry Purcell , et en France sous Lully, qui, avec la collaboration de Molière aussi grandement élevé le statut des divertissements connus comme des ballets , entrecoupées de musique instrumentale et vocale.
Dans le 17ème siècle et début du 18ème siècle, des groupes instrumentaux ont été prélevés tous les talents disponibles. Un compositeur comme Johann Sebastian Bach avait le contrôle de la quasi-totalité des ressources musicales de la ville, alors que Handel serait embaucher les meilleurs musiciens disponibles. Cela a placé une prime sur la possibilité de réécrire la musique pour ne importe quel chanteurs ou musiciens étaient les mieux adaptés pour une performance-Haendel produit différentes versions de la Messie oratorio presque chaque année.
Comme la noblesse a commencé à construire des retraites loin des villes, ils ont commencé à engager des musiciens pour former des ensembles permanents. Des compositeurs tels que le jeune Joseph Haydn aurait alors un corps fixe d'instrumentistes à travailler avec. Dans le même temps, les voyages virtuoses tels que le jeune Wolfgang Amadeus Mozart écrira concertos qui ont montré leurs talents, et ils voyager de ville en ville, en organisant des concerts le long du chemin. Les orchestres aristocratiques ont travaillé ensemble sur de longues périodes, ce qui rend possible pour ensemble à jouer pour améliorer la pratique.
L'école de Mannheim
Ce changement, de faire de la musique civique où le compositeur avait un certain degré de temps ou son contrôle, petit terrain faire de la musique et ponctuel performances, placé une prime sur la musique qui était facile à apprendre, souvent avec peu ou pas de répétition. Les résultats ont été les changements dans le style musical et l'accent sur les nouvelles techniques. Mannheim avait l'un des plus célèbres orchestres de l'époque, où notée dynamique et phrasé, déjà assez rare, est devenu la norme (voir L'école de Mannheim). Il a également assisté à un changement de style musical du complexe contrepoint du baroque période, à mettre l'accent sur des règles claires mélodie, textures homophones, des phrases courtes et fréquentes cadences: un style qui allait plus tard être défini comme classique.
Tout au long de la fin des compositeurs du 18ème siècle continueraient d'avoir à assembler des musiciens pour une performance, souvent appelé «Académie», ce qui, naturellement, disposent de leur propre compositions. En 1781 cependant, le Leipzig Gewandhaus Orchestra a été organisée de la société marchands de concert, et il a commencé une tendance vers la formation d'orchestres civiques qui permettraient d'accélérer dans le 19ème siècle. En 1815, de Boston Handel and Haydn Society a été fondée, en 1842, le New York Philharmonic et le Orchestre philharmonique de Vienne ont été formés, et en 1858, la Hallé Orchestra a été formé à Manchester. Il était depuis longtemps organismes de musiciens autour opéras debout, mais pas pour la musique de concert: Cette situation a changé au début du 19e siècle dans le cadre de l'importance croissante dans la composition de symphonies et d'autres formes purement instrumentaux. Cela a été encouragé par les critiques de compositeurs tels que ETA Hoffmann qui a déclaré que la musique instrumentale était la "forme la plus pure» de la musique. La création d'orchestres permanents a également abouti à un cadre professionnel où les musiciens peuvent répéter et effectuer les mêmes travaux à plusieurs reprises, conduisant à la notion d'un répertoire dans la musique instrumentale.
Les normes de rendement
Dans les années 1830, chef d'orchestre François Antoine Habeneck, a commencé à répéter un groupe choisi de musiciens afin d'effectuer les symphonies de Beethoven, qui ne avait pas été entendu de dans leur intégralité dans Paris. Il a développé des techniques de répéter les chaînes séparément, notation de détails de la performance, et d'autres techniques d'entrées Cuing qui ont été répartis à travers l'Europe. Son rival et ami Hector Berlioz adopterait nombre de ces innovations dans sa tournée de l'Europe.
Artisanat Instrumental
L'invention du piston et soupape rotative par Heinrich Stölzel et Friedrich Blühmel, à la fois Silésiens, en 1815, était le premier d'une série d'innovations, y compris le développement de keywork moderne pour la flûte par Theobald Boehm et les innovations de Adolphe Sax dans les bois. Ces avancées conduiraient Hector Berlioz d'écrire un livre de référence sur instrumentation, qui était le premier traité systématique sur l'utilisation de son instrumental comme un élément expressif de la musique.
L'effet de l'invention des valves pour le laiton a été ressenti presque immédiatement: luthiers de toute l'Europe se sont efforcés ensemble pour favoriser l'utilisation de ces nouveaux instruments raffinés et en continuant leur perfection; et l'orchestre a été avant longtemps enrichi par une nouvelle famille d'instruments à valve, diversement connu comme tubas , ou euphonium et bombardons , ayant une gamme chromatique et une tonalité sonore complète d'une grande beauté et de volume immense, formant un magnifique basse. Cette possible un jeu plus uniforme également fait de notes ou intonation, ce qui conduirait à un son orchestral de plus en plus «lisse» qui culminer dans les années 1950 avec Eugene Ormandy et le Orchestre de Philadelphie et la réalisation d' Herbert von Karajan avec le Orchestre philharmonique de Berlin.
Pendant cette période de transition, qui assoupli progressivement la performance de plus exigeant écrit «naturel» de laiton, de nombreux compositeurs (notamment Wagner et Berlioz) encore notées pièces en laiton pour les anciens instruments «naturels». Cette pratique a permis aux joueurs qui utilisent encore cors naturels, par exemple, d'effectuer des mêmes pièces que ces instruments joue maintenant à valve. Cependant, au fil du temps, l'utilisation des instruments à valve est devenu la norme, voire universelle, jusqu'à la renaissance des instruments anciens dans le mouvement contemporain vers la performance authentique (parfois connu comme "la performance historiquement informée").
Au moment de l'invention du laiton à soupape, la fosse d'orchestre de la plupart des compositeurs opérette semble avoir été modeste. Un exemple est Sullivan l 'utilisation de deux flûtes, hautbois une, deux clarinettes, basson une, deux cors, deux cornets (un piston), deux trombones, batterie et cordes.
Pendant ce temps, de l'invention, les vents et les cuivres ont été élargi, et a eu un temps de plus en plus facile de jouer en harmonie avec l'autre: en particulier la capacité pour les compositeurs de marquer pour les grandes masses de vent et cuivres qui étaient auparavant impossible. Des œuvres telles que la Requiem Hector Berlioz aurait été impossible d'effectuer quelques décennies plus tôt, avec son écriture exigeante pendant vingt bois, ainsi que quatre ensembles gigantesques en laiton comprenant chacun environ quatre trompettes, quatre trombones, deux tubas et.
L'influence de Wagner
La prochaine expansion majeure de la pratique symphonique venu de Richard Wagner de l ' Bayreuth orchestre, fondée pour accompagner ses drames musicaux. Les œuvres de Wagner pour la scène ont été marqués avec une ampleur sans précédent et de la complexité: en effet, son score Das Rheingold appelle à six harpes. Ainsi, Wagner envisage un rôle toujours plus exigeant pour le conducteur de l'orchestre de théâtre, il a élaboré dans son travail influent sur la conduite. Ceci a provoqué une révolution dans orchestrale composition et définir le style de la performance orchestrale pour les prochaines 80 années. Les théories de Wagner réexaminé l'importance de tempo, dynamique, se inclinant d'instruments à cordes et le rôle des directeurs de l'orchestre. Conducteurs qui ont étudié ses méthodes irait à être influente eux-mêmes.
Orchestre du 20e siècle
Comme le début du 20e siècle parut, orchestres symphoniques étaient plus grandes, mieux financé et mieux formés que jamais; par conséquent, les compositeurs pourraient composer des œuvres plus grands et plus ambitieux. L'influence de Gustav Mahler était particulièrement innovational; dans ses symphonies plus tard, comme le mammouth Symphonie n ° 8, Mahler repousse les limites les plus éloignées de taille orchestrale, employant d'énormes forces. Par les années de pointe Chostakovitch, orchestres pourrait soutenir les plus énormes formes d'expression symphonique. Avec le début de l'ère de l'enregistrement, le niveau de performance atteint un sommet. Dans les enregistrements, de petites erreurs dans une performance pourraient être "fixés", mais de nombreux conducteurs âgés et les compositeurs pourraient rappeler un moment où tout simplement "passer à travers" la musique du mieux que possible était la norme. Combiné avec le plus large public possible grâce à l'enregistrement, ce qui a conduit à un regain d'intérêt sur les conducteurs particuliers et sur un niveau élevé de l'exécution orchestrale. Comme son a été ajouté au cinéma muet, l'orchestre virtuose est devenu un élément clé de la création de films que divertissement de masse-marché.
Contre-révolution
Dans les années 1920 et 1930, les considérations économiques ainsi que artistiques ont conduit à la formation de plus petites sociétés de concerts, en particulier ceux dédiés à la performance de la musique d'avant-garde, y compris Igor Stravinsky et Arnold Schoenberg. Cette tendance à commencer orchestres du festival ou des groupes dédiés serait également poursuivi dans la création de festivals de musique d'été, et des orchestres à l'exécution de petits travaux. Parmi les plus influents de ces était le Académie de St Martin in the Fields, sous la baguette de Sir Neville Marriner.
Avec l'avènement du mouvement de la musique ancienne, petits orchestres où les joueurs ont travaillé sur l'exécution des travaux dans des styles issus de l'étude des traités anciens sur la lecture est devenu commun. Ceux-ci comprennent le Orchestre de l'Age des Lumières, le London Classical Players sous la direction de Sir Roger Norrington et le Academy of Ancient Music sous Christopher Hogwood, entre autres.
Les tendances récentes aux États-Unis
Aux États-Unis, la fin du 20e siècle a vu une crise de financement et de soutien pour les orchestres. La taille et le coût d'un orchestre symphonique, par rapport à la taille de la base de partisans, sont devenus un problème qui a frappé au cœur de l'institution. Quelques orchestres pourraient remplir auditoriums, et le système saison abonnement séculaire est devenu de plus en plus anachronique, car de plus en plus d'auditeurs se acheter des billets sur une base ad hoc pour les épreuves individuelles. Dotations orchestre et-plus central à l'exploitation quotidienne des donateurs américains orchestres et orchestre ont vu portefeuilles d'investissement rétrécissent ou produisent des rendements plus faibles, ce qui réduit la capacité des donateurs à contribuer; en outre, il ya eu une tendance vers donateurs trouver d'autres causes sociales plus convaincante. En outre, alors que le financement du gouvernement est moins central américain que orchestres européens, les coupures dans un tel financement sont encore importants pour les ensembles américains. Enfin, la baisse drastique des recettes-off de l'enregistrement, liée à une mesure non négligeable à l'évolution de l'industrie du disque lui-même, a commencé une période de changement qui n'a pas encore atteint sa conclusion.
Orchestres américains qui sont allés dans le chapitre 11 de la faillite comprend le Philadelphia Orchestra (en Avril 2011), et de la Louisville Orchestra, en Décembre 2010; orchestres qui sont allés dans le chapitre 7 de faillite et d'exploitation ont cessé comprennent la Northwest Chamber Orchestra en 2006, le Honolulu orchestre en Mars 2011, le Symphonie Nouveau-Mexique en Avril 2011, et de la Syracuse Symphonie en Juin 2011. Le Festival des orchestres à Orlando, en Floride, a cessé ses activités à la fin de Mars 2011.
Des critiques comme Norman Lebrecht étaient vocale dans leur diagnostic du problème que le "jet set conducteur" (dont les salaires ont été sans doute les saignements orchestres sec); et plusieurs conducteurs de grande envergure ont eu des réductions de salaire au cours des dernières années; mais les montants de recettes visées sont trop petits pour tenir compte de la crise. administrateurs de musique tels que Michael Tilson Thomas et Esa-Pekka Salonen a fait valoir que la musique nouvelle, de nouveaux moyens de présenter, et une relation renouvelée avec la communauté pourrait revitaliser l'orchestre symphonique. La critique influent Greg Sandow a soutenu en détail que les orchestres doivent revoir leur approche de la musique, la performance, l'expérience du concert, le marketing, les relations publiques, la participation communautaire, et la présentation de les mettre en conformité avec les attentes des publics du 21e siècle immergés dans la culture populaire.
Il ne est pas rare pour les compositeurs contemporains d'utiliser des instruments non conventionnels, y compris divers synthétiseurs, pour obtenir des effets souhaités. Beaucoup, cependant, trouver configuration orchestrale plus conventionnel pour fournir de meilleures possibilités pour la couleur et la profondeur. Des compositeurs comme John Adams emploient souvent des orchestres romantique de taille, comme dans l'opéra d'Adams Nixon en Chine; Philip Glass et d'autres peuvent être plus libre, mais encore d'identifier taille-frontières. Verre en particulier, a récemment tourné aux orchestres classiques dans des œuvres comme la Concerto pour violoncelle et orchestre et de la Concerto pour violon n ° 2.
Orchestres sans chef
L'orchestre symphonique post-révolutionnaire Persimfans a été formé dans le Union soviétique en 1922. L'aspect inhabituel de l'orchestre, ce est que, en croyant que, dans l'idéal marxiste état tous les hommes sont égaux, ses membres ont estimé qu'il n'y avait pas besoin d'être dirigé par la direction dictatoriale d'un conducteur; Au contraire, ils ont été dirigés par un comité. Bien qu'il ait été un succès partiel, la principale difficulté avec le concept était à changer tempo. L'orchestre a survécu pendant dix ans avant de Staline politique culturelle efficace forcés en dissolution par drainer son financement.
Certains ensembles, tels que la Orpheus Chamber Orchestra, basé à New York, ont eu plus de succès, bien que les décisions sont susceptibles d'être reporté à un certain sens de leadership au sein de l'ensemble (par exemple, le vent principal et les joueurs à cordes).
D'autres sont retournés à la tradition de l'acteur principal, généralement un violoniste, étant le directeur artistique et le fonctionnement répétitions (comme le Australian Chamber Orchestra, Amsterdam_Sinfonietta & Candida Thompson et le New Century Chamber Orchestra).
Conducteurs multiples
Les techniques de polystylisme et la musique de polytempo ont récemment conduit quelques compositeurs à écrire de la musique où plusieurs orchestres exécutent simultanément. Ces tendances ont entraîné le phénomène de la musique polyconductor, dans laquelle les sous-conducteurs séparés mènent chaque groupe de musiciens. Habituellement, une chef d'orchestre principal dirige les sous-conducteurs, façonnage ainsi la performance globale. Certaines pièces sont extrêmement complexes à cet égard, telles que Evgeni Kostitsyn Troisième Symphonie, qui appelle à neuf conducteurs.
Charles Ives souvent utilisé deux conducteurs, une par exemple pour simuler une fanfare à venir à travers sa pièce. Réalisations pour Symphonic Band comprend un exemple de Ives. Benjamin Britten s ' War Requiem est également un exemple important du répertoire pour plus d'un conducteur.
Un des meilleurs exemples de la musique orchestrale fin de siècle est Karlheinz Stockhausen Gruppen, pour trois orchestres placés autour du public. De cette façon, les masses sonores pourrait être spacialized, comme dans une œuvre électroacoustique. Gruppen a été créée à Cologne, en 1958, menée par Stockhausen, Bruno Maderna et Pierre Boulez. Récemment, il a été réalisé par Simon Rattle , John et Carewe Daniel Harding.
Autres significations de l'orchestre
Dans la Grèce antique , l'orchestre était l'espace entre le auditorium et le avant-scène (ou étape ), où étaient stationnés le chœur et la instrumentistes. Le mot orchestre signifie littéralement "un lieu de danse".
Dans certains théâtres, l'orchestre est le domaine des sièges directement en face de la scène (appelé Primafila ou platea); le terme se applique plus correctement à la place dans un théâtre, ou salle de concert réservé aux musiciens.
