Historietas
Acerca de este escuelas selección Wikipedia
SOS Children, una organización benéfica educación , organizó esta selección. Madres SOS cada aspecto después de un una familia de niños apadrinados .
Comics (a través de América, del griego "Κωμικ-ός", kōmikos, de o perteneciente a "comedia", de Komos "Revel".) es un gráfico medio en el cual y palabras imágenes se utilizan con el fin de transmitir una narrativa. Comics pueden contener poco o nada de palabras, y consisten en una o más imágenes, que puede o bien ilustrar o contrapunto el texto a afectar más a fondo.
Aunque históricamente la forma tratada humorística materia, su alcance se ha ampliado para abarcar toda la gama de obras literarias géneros.
Comics suelen ser vistos como una bajo arte, habiendo establecido como una forma a fines del 19 y principios del siglo 20. Mientras que las obras anteriores se ven como compartir ciertas técnicas, sobre todo el transporte de una narrativa a través de imágenes, la mayoría de los comentaristas están de acuerdo en que la forma se estableció en las viñetas humorísticas y tiras cómicas encuentra en periódicos y revistas de finales de los 19 y principios del siglo 20, y fue impulsado por el auge de la publicación de la tecnología. Los primeros precursores incluyen Columna y la de Trajano Bayeaux Tapestry, así como obras de William Hogarth , Rodolphe Töpffer, Wilhelm Busch y George Cruikshank. La discusión de la forma es aún más reciente, sobre todo en los Estados Unidos ; Aunque los primeros la crítica se remonta a la década de 1920, sólo en la segunda mitad del siglo 20 que se inició un examen serio de la forma. Las definiciones de la forma son bastante flojo en su enfoque; algunos afirman que su formato impreso es crucial, algunos enfatizan la interdependencia de la imagen y el texto, y otros la naturaleza secuencial de las imágenes.
Diferentes convenciones se desarrollaron en todo el mundo, desde el Manhua de China a la manga de Japón, libros de historietas de los Estados Unidos y las revistas de cómic antología con una variedad de bandas en Europa, inicialmente establecidos por el Aliado Sloper papel cómico. La tira cómica se estableció en las páginas de los periódicos a través del éxito de Callejón de Hogan de Outcalt y Yellow Kid, y pronto fue adoptado en otras partes.
Aunque los profesionales pueden evitar las restricciones formales, a menudo utilizan formas y convenciones particulares para transmitir la narración y el habla, o para evocar respuestas emocionales o sensuales. Dispositivos tales como globos y cajas de voz se utilizan para indicar el diálogo y difundir el establecimiento de información, mientras paneles, diseño, canalones y cintas zip pueden ayudar indican el flujo de la historia. Comics utilizan de texto , ambigüedad, simbolismo, diseño, iconografía, técnica literaria, técnica mixta y elementos estilísticos del arte ayudan a construir un subtexto de significados. Del mismo modo, la asociación de palabras e imágenes se puede crear un sinergia de expresión a través de la forma de su combinación que se puede mejorar o subvertir el significado de la contribución individual de cada socio.
Las formas más comunes de los cómics impresos son tiras cómicas (más comúnmente cuatro paneles largas) en periódicos y revistas y más largas historias cómicas en historietas, novelas gráficas y álbumes de historietas. En las dos primeras formas de los cómics son materiales secundarios generalmente limitado a las secciones de entretenimiento, mientras que los segundos consisten ya sea entera o fundamentalmente de los cómics.
Los primeros relatos en el arte
Comics como una forma de arte se estableció a fines del 19 y principios del siglo 20, junto a las formas similares de cine y animación . Las tres formas comparten ciertas convenciones, más notablemente la mezcla de palabras e imágenes, y los tres deben partes de sus convenciones a los avances tecnológicos realizados a través de la revolución industrial . Aunque se estableció la forma cómics y popularizó en las páginas de los periódicos y revistas de finales de 1890, ilustración narrativa ha existido durante muchos siglos.
Roma 's Columna de Trajano, dedicada en 113 dC, es uno de los ejemplos más antiguos que sobreviven de una narración contada a través de la utilización de imágenes secuenciales, mientras Egipcio jeroglíficos, Griego frisos, tapices medievales, como el Bayeaux Tapiz e ilustrado manuscritos también demuestran el uso de imágenes y palabras combinadas para transmitir una narrativa. Sin embargo, estas obras carecen de la capacidad de viajar al lector; que necesitaba la invención de modernas técnicas de impresión para permitir que la forma de captar a un público amplio y convertirse en un medio de masas .
Los siglos 15ta-18va y avances de impresión
La invención de la prensa de impresión, lo que permite tipos móviles, estableció una separación entre imágenes y palabras, los dos que requieren diferentes métodos con el fin de reproducirse. El material concentrado en impresos antiguos temas religiosos , pero a través de los siglos 17 y 18 comenzaron a abordar los aspectos de la política y la vida social , y también comenzó a satirizar y caricatura. Fue también durante este período que el burbuja de diálogo se desarrolló como medio de atribuir el diálogo.
William Hogarth se identifica a menudo en las historias de la forma cómics. Su trabajo, El progreso de un rastrillo, se compone de una serie de lienzos, cada reproducida como impresión, y los ocho grabados juntos crearon una narrativa. Como técnicas de impresión desarrollados, debido a los avances tecnológicos de la revolución industrial , se establecieron las revistas y periódicos. Estas publicaciones ilustraciones utilizadas como medio para comentar sobre temas políticos y sociales, tales ilustraciones que se conocía como los dibujos animados en la década de 1840. Pronto, los artistas estaban experimentando con el establecimiento de una secuencia de imágenes para crear una narrativa.
Mientras sobrevivir obras de estos períodos como Francis Barlow A True Narrativa de la Parcela horrible Hellish papista (c.1682), así como los castigos de Lemuel Gulliver y progreso de un rastrillo de William Hogarth , (1726) se puede ver a establecer un relato sobre una serie de imágenes, no era 't hasta el siglo 19 que los elementos de dichas obras comenzaron a cristalizar en la tira cómica.
El globo de diálogo también se desarrolló durante este período, de los orígenes medievales de la phylacter, una etiqueta, por lo general en forma de un pergamino, que identificó un personaje ya sea a través de nombrarlos o mediante un texto breve para explicar su propósito. Artistas como George Cruikshank ayudó a codificar phylacters tales como globos en lugar de como pergaminos, aunque en este momento aún estaban denominan etiquetas. A pesar de que ahora se utilizan para representar el diálogo, este diálogo se sigue utilizando para fines de identificación en lugar de crear un diálogo dentro de la obra, y pronto los artistas descartado a favor de ejecutar el diálogo debajo de los paneles. Los globos de diálogo no fueron reintroducidos en el formulario hasta Richard F. Outcault los utilizó como medio de establecer un diálogo dentro de sus obras.
El siglo 19: una forma establecida
Rodolphe Töpffer, un artista suizo francófono, es visto como la figura clave de la primera parte del siglo 19. Aunque los globos de discurso habían caído en desgracia durante la parte media del siglo 19, en secuencia de Töpffer ilustrado historias, con el texto compartimentada debajo de las imágenes, se reimprimió en toda Europa y el Estados Unidos . La falta de las leyes de derechos de autor en este momento permite tales ediciones piratas, y estas versiones traducidas crearon un mercado en ambos continentes para obras similares.
En 1845 Töpffer formalizó sus pensamientos sobre la historia gráfica en su Ensayo sobre la fisonomía: "Para construir un relato fotográfico no significa que debe establecerse como un maestro artesano, para extraer todo el potencial de su material - a menudo hasta las heces ! Esto no quiere decir que acaba de idear caricaturas con un lápiz naturalmente frívolo. Tampoco es simplemente para dramatizar un proverbio o ilustrar un juego de palabras. En realidad se debe inventar una especie de juego, donde las partes están dispuestas según el plan y formar un todo satisfactorio. Usted no sólo la pluma de una broma o pone un estribillo en pareados. Usted hace un libro: bueno o malo, sobrio o tonto, loco o el sonido en sentido ".
En 1843 el dibujos satíricos que habían sido regularmente aparecen en periódicos y revistas ganaron un nombre: dibujos animados. La revista británica Punch, lanzado en 1841, se refirió a sus 'pencilings buen humor "como los dibujos animados en una referencia satírica al Parlamento y al cabo, quien a su vez la organización de una exposición de caricaturas o dibujos preparatorios, en el momento. Este uso se convirtió en el lenguaje común, que dura hasta nuestros días. Revistas similares que contienen caricaturas en continental Europa incluidos Fliegende Blatter y Le Charivari, mientras que en los EE.UU. Juez y Puck fueron populares.
1865 vio la publicación de Max y Moritz por Wilhelm Busch por un diario alemán. Busch perfeccionó las convenciones del arte secuencial, y su trabajo era una influencia clave dentro de la forma, Rudolph Dirks inspirado en la tira para crear Los Katzenjammer Kids en 1897.
Es en esta época que Manhua, el chino forma de cómic, comenzó a formalizar, un proceso que duró hasta 1927. La introducción de métodos de impresión litográficas derivados de la West fue un paso fundamental en la expansión de la forma dentro de China a principios del siglo 20 . Al igual que Europa y Estados Unidos, dibujos satíricos fueron apareciendo en los periódicos y revistas, basado inicialmente en las obras de esos países. Una de las primeras revistas de historietas satíricas se basó en el Reino Unido sacador "s, snappily rebautizado como" The China Punch ". La primera pieza elaborada por una persona de nacionalidad china fue "La situación en el Lejano Oriente" de Tse Tsan-Tai, impreso 1899 en Japón . Por la década de 1920 se estableció un mercado de tamaño de la palma de imagen libros como Lianhuanhua.
En 1884, De Ally Sloper La mitad de vacaciones se publicó, una revista cuyo punto de venta era una tira con el personaje principal, y ampliamente considerada como la primera revista de historietas que cuentan con un personaje recurrente. En 1890 otros dos revistas de cómic debutó al público británico, Recortes cómicos y Fichas Illustrated, el establecimiento de la tradición de la Cómico británico como periódica antología que contiene tiras cómicas.
En el Estados Unidos , El trabajo de RF Outcault en la combinación de globos de texto e imágenes en Callejón de Hogan y The Yellow Kid se ha acreditado como el establecimiento de la forma y de los convenios de la tira cómica. Aunque este punto de vista está siendo revisado por los académicos actuales, que están descubriendo muchas otras obras que combinan globos de texto y una narrativa de imágenes múltiples, la popularidad de Outcalt y la posición de la banda en un periódico se acredita como siendo el motor de la forma.
El siglo 20 y el medio de comunicación
Los años 1920 y 1930 vieron a otros booms dentro de la industria. En China se estableció un mercado de tamaño de la palma de imagen libros como Lianhuanhua, mientras que el mercado de las antologías cómicas en Gran Bretaña se había vuelto a dirigida a los niños a través del humor juvenil, con El Dandy y el bingo lanzó. En Bélgica , Hergé creó el Tintín tira de periódico para un suplemento de historietas; esto se recogió con éxito en un álbum encuadernado y creó un mercado para nuevas tales obras. El mismo período en los Estados Unidos había visto tiras de periódico ampliar su tema más allá de humor, con tiras de acción, aventura y misterio lanzados. La colección de este tipo de material también comenzó, con The Funnies, una colección reimpresión de tiras de periódico, publicado en tamaño tabloide en 1929.
Un mercado para este tipo de cómics pronto siguieron, y en 1938 los editores estaban imprimiendo material original en el formato. Fue en este punto que Action Comics # 1 puso en marcha, con Superman como la característica cubierta. La popularidad del personaje rápidamente consagró el superhéroe como el género de la definición de los cómics americanos, y aunque el género cayó en desgracia en la década de 1950, la década de 1960 vio restablecer su dominio en el formulario hasta finales del siglo 20.
En Japón, un país con una larga tradición de ilustración y cuyo lenguaje evolucionado a partir de imágenes, cómics eran muy populares. Conocida como manga, la forma japonesa se estableció después de la Segunda Guerra Mundial por Osamu Tezuka, que amplió el número de páginas de un trabajo de varios cientos, y que desarrolló un estilo fílmico, muy influido por las animaciones de Disney de la época. El mercado japonés ha ampliado su gama para cubrir obras en muchos géneros, desde la fantasía juvenil a través de romanticismo a las fantasías de adultos. Manga japonés se publica normalmente en grandes antologías, que contiene varios cientos de páginas, y las historias contadas han sido utilizados como fuentes para la adaptación en cine de animación. En Japón tales películas se conocen como anime, y muchos creadores trabajarán en ambas formas simultáneamente, dando lugar a una unión intrínseca de las dos formas.
Durante la segunda mitad de los cómics del siglo 20 se han convertido en una muy popular artículo para coleccionistas y desde la década de 1970 cómics editores estadounidenses han alentado activamente la recopilación y desplazado una gran parte de los cómics de publicación y producción de apelar directamente a la comunidad del colector.
Escribiendo en 1972, Sir Ernst Gombrich duda se sentía Töpffer haber evolucionado un nuevo lenguaje pictórico, la de un estilo de arte abreviado, que trabajó al permitir a la audiencia a llenar los vacíos con su propia imaginación.
El moderno doble uso del término cómico, como un adjetivo que describe un género, y un sustantivo que designa un medio de todo, ha sido criticado como confuso y engañoso. En los años 1960 y 1970, los caricaturistas subterráneos utilizan la ortografía comix para distinguir su trabajo de la corriente principal tiras de periódico y libros de historietas de menores; irónicamente, aunque su trabajo fue escrito para un público adulto, por lo general era cómico en la naturaleza, así, por lo que la etiqueta de "comic" seguía siendo apropiado. El término novela gráfica se popularizó en la década de 1970, habiendo sido acuñado por lo menos dos décadas anteriores, para distanciarse del material de esta confusión.
En la década de 1980 la beca cómics comenzó a florecer en los EE.UU., y un resurgimiento en la popularidad de los cómics fue visto, con Alan Moore y Frank Miller producir superhéroe notable funciona y De Bill Watterson Calvin & Hobbes siendo sindicados.
En el año 2005 El trabajo de Robert Crumb fue exhibido en galerías de ambos lados del Atlántico, y el periódico The Guardian dedicó su suplemento tabloide a una larga exploración semana de su obra y modismos.
Formas
Comics se han presentado dentro de un amplio número de formatos de publicación y tipográficos, desde el muy corto panel de la historieta a la más larga novela gráfica. La dibujos animados, tradicionalmente contiene satírica o contenido de humor en la forma de los observados en The New Yorker o Private Eye, se originan a partir de mediados del siglo XIX. Esta forma de cómic sigue siendo popular, aunque en los últimos años se ha visto una reducción en el número de caricaturistas editoriales que trabajan en los medios estadounidenses. Aunque existe cierta controversia en cuanto a si la caricatura constituye una forma de cómics, un precursor o una forma relacionada, se ha argumentado que, dado que la caricatura tanto combina palabras con imagen y construye una narrativa, que merece su inclusión como una forma de cómic.
La historieta es simplemente una secuencia de dibujos animados que se unen para contar una historia dentro de esa secuencia, y se conocía como el cómic. Originalmente se utilizó la tira cómica plazo para aplicar a cualquier secuencia de dibujos animados, no importa el lugar de publicación o la longitud de la secuencia, pero ahora, sobre todo en el de los Estados Unidos , el término se refiere a las tiras publicadas en los periódicos. Estas tiras son ahora típicamente tiras cómicas o satíricas, como Olafo el vikingo y Doonesbury, pero a menudo han sido la acción temática, educativo o incluso biográfica. En Estados Unidos el término "cómics" se utilizan a veces para describir la página de un periódico en la que se encuentran las tiras cómicas, con el término "comic" adoptar rápidamente a través de uso popular para referirse a la forma y no el contenido. Dichas páginas también se conocen como las "páginas divertidas", y los cómics son, por tanto, a veces se llaman "las cosas graciosas". En el Reino Unido , la tira cómica término todavía se aplica a las historias más largas que aparecen en los cómics como 2000 AD o el bingo .
Formatos de publicación
Con el tiempo una serie de formatos están ahora estrechamente asociada a la forma, a partir de la cómic a la webcomic. La Cómic americano se originó en la primera parte del siglo XX, y creció de revistas que volver a envasar tiras cómicas. Con el tiempo, el material original fue encargado, y el material desarrollado a partir de sus orígenes buen humor para abarcar historias de aventura, el romance, la guerra y los superhéroes, con este último género viene a dominar la industria editorial de cómics en la última parte del siglo XX. Aunque se hace referencia a los libros como cómicos, estas publicaciones son en realidad más parecido a revistas, tener cubiertas suaves impresos en papel satinado, con los interiores consistentes en papel de calidad de papel prensa o mayor grado. En Europa, las revistas eran siempre un lugar para el material original en la forma y tipo de revistas de historietas o cómics pronto se convirtieron en antologías, en el que se serializado una serie de historias. En Europa continental un mercado pronto se estableció para apoyar a las colecciones de estas tiras. Todas estas publicaciones se refieren generalmente como "cómic" para abreviar, con los cómics americanos y británicos típicos o revistas ejecutan 32 páginas, incluyendo anuncios y la columna de letra. (A veces se conoce como los libros de 36 páginas, contando las cubiertas.) Revistas de historietas europeas tienen diferentes salvajemente números de página, en la actualidad oscila mayoritariamente entre 52 y 120 páginas, mientras que los álbumes de cómics europeos tradicionalmente tenían entre 32 y 62 páginas.
En los Estados Unidos, cuando un editor recoge previamente historias serializados, una colección de este tipo se conoce comúnmente como ya sea una edición de bolsillo o como novela gráfica. Estos son libros, típicamente squarebound y publicados con una tapa de la tarjeta, que no contienen anuncios. Por lo general, recogen una sola historia, que se ha dividido en una serie de capítulos serializados previamente en los cómics, con los problemas conocidos en conjunto como un arco de la historia. Tales rústica comerciales pueden contener de cuatro cuestiones (por ejemplo, no es Kingdom Come por Mark Waid y Alex Ross) de hasta veinte ( La muerte de Superman). En Europa continental, especialmente Bélgica y Francia , tales colecciones suelen ser un poco más grande en tamaño y publicado con una cubierta de tapa dura, un formato establecido por la Tintin serie 'en la década de 1930. Estos se conocen como álbumes de historietas, un término que en los Estados Unidos se refiere a los libros de la antología. El Reino Unido no tiene una gran tradición de este tipo de colecciones, aunque durante la década de 1980 Titan editorial lanzó una línea de recogida de historias publicadas anteriormente en 2000 AD.
El formato de novela gráfica es similar a la edición de libros típico, con obras que se publican en las ediciones de tapa dura y tapa blanda. El término ha demostrado ser muy difícil de definir completamente, y se refiere no sólo a la ficción, pero también obras de hecho, y también se utiliza para describir las colecciones de obras previamente serializados, así como material original. Algunos editores distinguir entre este tipo de material, el uso del término "novela gráfica original" para el trabajo encargado especialmente para el formulario.
Tiras de periódico también quedan recogidos, tanto en Europa como en los Estados Unidos, y éstos a veces se hace referencia también a las novelas como gráficos. En el Reino Unido es tradicional para el mercado de los comics de los niños a liberar anuales de historietas, que son libros de tapa dura que contienen tiras, así como historias de texto y rompecabezas y juegos. En los Estados Unidos, la anual cómico era una publicación de verano, por lo general un cómic extendida, con historias a menudo vinculados a través de la línea de un editor de cómics.
Webcomics, también conocidos como los cómics en línea y cómics web, son los cómics que están disponibles en el Internet . Muchos webcomics son exclusivamente publicados en línea, mientras que algunos se publican en la prensa, pero mantienen una web archivo ya sea por razones comerciales o artísticas. Con fácil acceso del Internet para una audiencia, webcomics van desde tradicionales tiras cómicas a las novelas gráficas y más allá.
Webcomics son similares a los cómics impresos autoeditados en que casi cualquier persona puede crear su propio webcomic y publicarlo en la Web. Actualmente, hay miles de webcomics disponibles en línea, con un poco de alcanzar el éxito popular, crítica o comercial. El Perry Bible Fellowship es sindicado en la impresión, mientras que Brian Fies ' Cáncer de Mamá ganó la edición inaugural Premio Eisner de cómics digitales en 2005 y se recogió y publicó en tapa dura posteriormente.
La forma cómics también puede ser utilizado para transmitir información en medios mixtos. Por ejemplo, tiras diseñadas para fines educativos o informativos, en particular las instrucciones sobre la tarjeta de la seguridad de un avión. Estas tiras se refieren generalmente a los cómics de la instrucción. La forma de cómic también se utiliza en la industria del cine y la animación, a través de storyboard. Storyboards son ilustraciones muestran de forma secuencial con el fin de visualizar una animación o de acción en vivo la película . Un storyboard es esencialmente un gran cómico de la película o alguna sección de la película producida de antemano para ayudar a los directores y cineastas a visualizar las escenas y encontrar posibles problemas antes de que ocurran. A menudo storyboards incluyen flechas o instrucciones que indican movimiento.
Al igual que muchos otros medios de comunicación, los cómics también pueden ser auto-publicado. Un formato típico de auto-editores y profesionales de los aspirantes es el minicomic, generalmente pequeñas, a menudo fotocopiado y grapado o con una encuadernación artesanal. Estos son una forma barata común para aquellos que quieren hacer sus propios cómics en un presupuesto muy pequeño, con medios en su mayoría informales de distribución. Un numero de caricaturistas han comenzado de esta manera y pasado a tipos más tradicionales de la publicación, mientras que otros artistas más establecidos continúan produciendo minicomics en el lateral.
Medio artístico
Definición de los cómics
Nota: A pesar de que toma la forma de un sustantivo plural, el uso común para referirse a los cómics como medio es tratarlo como singular.
Los estudiosos no están de acuerdo sobre la definición de los cómics; algunos afirman su formato impreso es crucial, algunos enfatizan la interdependencia de imagen y texto, y otros de su naturaleza secuencial. El término como una referencia al medio también se ha disputado.
En 1996, Will Eisner publicó Narración Gráfica, en la que definió los cómics como "la disposición impresa de arte y globos en secuencia, en particular en los cómics ". Anteriormente, definición más influyente de Eisner de del 1985 Cómics y Arte Secuencial describen la técnica y la estructura del cómic como arte secuencial, "... la disposición de fotos o imágenes y palabras para narrar una historia o dramatizar una idea."
En Entendiendo Comics (1993) Scott McCloud define el arte secuencial y cómics como: "yuxtapone imágenes pictóricas y otras en secuencia deliberada destinados a transmitir información y / o para producir una respuesta estética en el espectador"; esta definición excluye las ilustraciones de pantalla única, como Al otro lado, El circo de la familia, y la mayoría caricaturas políticas de la categoría, la clasificación de los que dibujos animados. En contraste, "100 Mejores Comics del siglo 20" The Comics Journal del, incluidas las obras de varios dibujantes de paneles individuales y un caricaturista, y el estudio académico de los cómics ha incluido caricaturas políticas .
RC Harvey, en su Comedia ensayo en la unión de palabra y la imagen, ofreció una definición competir en referencia a McCloud de: "... los cómics consisten en narraciones pictóricas o exposiciones en el que las palabras (a menudo con letra en el área de la imagen dentro de los globos de discurso) por lo general contribuir al significado de las imágenes y viceversa ". Esto, sin embargo, no tiene en cuenta la existencia de cómics sin palabras.
La mayoría coincide en que la animación , lo que crea la ilusión óptica de movimiento dentro de un marco físico estática, es una forma separada, aunque ImageText, una revista académica, centrado en los cómics, acepta presentaciones relativas a la animación, así Y la tercera Conferencia anual sobre Comics en el Universidad de Florida se centró en los cómics y la animación .
Estilos de arte
Si bien casi todo el arte cómics es en algún sentido abreviados, y también mientras que cada artista que ha producido cómics trabajo trae su propio enfoque individual a soportar, algunos estilos de arte más amplias han sido identificados.
Los estilos básicos han sido identificados como realista y caricaturesco, con una enorme tierra de en medio para que R. Fiore ha acuñado la frase liberal. Fiore también ha expresado su disgusto con los términos realistas y caricaturescos, prefiriendo los términos literales y estilo libre, respectivamente.
Scott McCloud ha creado El Gran Triángulo como una herramienta para pensar en los cómics de arte. Él pone la representación realista en la esquina inferior izquierda, con representación icónica, o el arte caricaturesco, en la parte inferior derecha, y un tercer identificador, abstracción de la imagen, en el vértice del triángulo. Esto permite la colocación y la agrupación de artistas por triangulación.
- El estilo caricaturesco es uno que utiliza efectos cómicos y una variación del ancho de línea como medio de expresión. Personajes aquí tienden a tener redondeado, anatomía simplificada. Tomó nota de los exponentes de este estilo son Carl Barks, Will Eisner, Ray Mullikin y Jeff Smith.
- El estilo realista, también conocido como el estilo de aventura es el desarrollado para su uso dentro de las tiras de aventuras de los años 1930. Ellos requieren una mirada menos caricaturesco, centrándose más en la anatomía y formas realistas, y utilizan la ilustraciones se encuentran en revistas pulp como base. Este estilo se convirtió en la base del estilo del cómic de superhéroes, ya Joe Shuster y Jerry Siegel originalmente trabajó Superman para su publicación como una tira de aventuras.
Otro estilo es el Ligne claire de Hergé y muchos otros, que utiliza líneas muy simplificados y uniformes.
El idioma
Como se señaló anteriormente, dos definiciones distintas se han utilizado para definir los cómics como una forma de arte: la combinación de la palabra y de la imagen; y la colocación de imágenes en orden secuencial. Ambas definiciones se carece, en que el primero excluye cualquier secuencia de imágenes sin palabras; y la segunda excluye caricaturas paneles individuales como caricaturas. El propósito de los cómics es sin duda la de narración, y así que debe ser un factor importante en la definición de la forma de arte.
Comics, como arte secuencial, hacen hincapié en la representación pictórica de una narración. Esto significa cómics no son una versión ilustrada de la norma literatura , y mientras algunos críticos argumentan que son una forma híbrida de arte y literatura, otros sostienen los cómics son un arte nuevo y separado; un todo integrado, de palabras e imágenes tanto, donde las imágenes no sólo representan la historia, pero que forman parte de la narración. En los cómics, creadores transmiten expresión a través de la disposición y yuxtaposición de imágenes, ya sea solo o palabra (s) y la imagen (s), para construir una narrativa.
La narración de un cómic se establece a través de la disposición de las imágenes, y si bien puede haber muchas personas que trabajan en una obra, como las películas , hay una visión de la narrativa que orienta el trabajo. La disposición de las imágenes en una página puede ser utilizado por los artistas para transmitir el paso del tiempo, para construir el suspenso o para resaltar la acción.
Creación Comic
Artistas Comics generalmente esbozar un dibujo a lápiz antes de ir sobre el dibujo de nuevo en tinta, usando una pluma de la inmersión o un cepillo . Los artistas también harán uso de un luz al crear la imagen final en tinta. Algunos artistas, Brian Bolland ser un ejemplo notable, ahora están utilizando los medios digitales para crear obras de arte, con la obra publicada es la primera apariencia física de la obra.
Por muchas definiciones (incluyendo McCloud de arriba) la definición de los cómics se extiende a medios digitales como webcomics y la cómico móvil.
La naturaleza de los cómics de trabajar están creando determina el número de personas que trabajan a partir de su creación, con éxito tiras cómicas y libros de historietas que se producen a través de un sistema de los estudios, en el que un artista reunirá un equipo de asistentes para ayudar en la creación de la obra. Sin embargo, las obras de las compañías independientes, auto-editores o las de carácter más personal pueden ser producidos por tan poco como un creador.
Dentro de la industria del cómic de los Estados Unidos, el sistema de los estudios ha llegado a ser el método principal de la creación. A través de su uso por la industria, los papeles se han convertido en muy codificado, y el manejo del estudio se ha convertido en la responsabilidad de la compañía, con un editor de la ejecución de las tareas de gestión. El editor reunirá una serie de creadores y supervisar el trabajo de su publicación.
Cualquier número de personas puede ayudar en la creación de un cómic de esta manera, a partir de un plotter, un artista avería, un dibujante, un entintador, una scripter, un rotulista, y un colorista, con algunos papeles que se realiza por la misma persona.
Por el contrario, una tira cómica tiende a ser la obra de un creador único, generalmente denominado un dibujante. Sin embargo, no es inusual para un dibujante emplear el método de estudio, particularmente cuando una tira de tener éxito. Mort Walker es uno de esos creador que empleó un estudio, mientras que Bill Watterson fue uno de esos dibujante que evitó el método de estudio, prefiriendo crear la tira a sí mismo. Gag, caricaturistas políticos y editoriales tienden a trabajar solos también, aunque de nuevo no es inaudito que un dibujante de utilizar asistentes.
Instrumentos
Un artista utilizará una variedad de lápices, papel, típicamente Cartulina, y una prueba de agua de tinta. Cuando entintado, un artista puede optar por utilizar una variedad de pinceles , plumas de inmersión, una pluma estilográfica o una variedad de plumas técnicas o marcadores. Tintes mecánicos pueden ser empleados para añadir gris tono a una imagen. Un artista también podría optar por crear su obra en las pinturas; cualquiera de los dos acrílicos; gouache; pinturas del arte; o acuarelas . Color también se puede lograr a través de lápices, pasteles o lápices de colores.
Goma de borrar, gobernantes, plantillas, establecer plazas y un T-cuadrado ayudar en la creación de líneas y formas. La tablero de dibujo da una buena superficie en ángulo para poder trabajar, con lámparas que suministran la iluminación necesaria. La caja de luz permite que un artista de rastrear su obra lápiz cuando entintado, lo que permite un acabado más flojo. Cuchillos y escalpelos llenarán una variedad de tareas, incluyendo la tabla de cortar o raspar errores. La estera de corte ayudará al cortar papel.Blanco de procesos es una espesa de color blanco opaco a mano para cubrir los errores, mientras quelos adhesivos ycintas son útiles en la composición en la que puede necesitar una imagen para ser montado a partir de diferentes fuentes.
Cómics en ordenador
Con el crecimiento del poder y la propiedad de procesamiento de la computadora, en la actualidad hay un número creciente de ejemplos de libros de historietas o tiras donde el arte se hace mediante el uso de las computadoras, ya sea mezclándola con dibujos a mano o sustitución de dibujo a mano por completo. Dave McKean es un artista que combina tanto el papel y los métodos digitales de composición para cómics, mientras que en 1998 Pete Nash fue pionero en el uso de totalmente digitalizada Ilustraciones 3D en su El delantero tira cómica de El Sol . Las computadoras son también ampliamente utilizados tanto para las letras y la coloración.
Comics en la Educación Superior
Un número creciente de universidades de todo el mundo están reconociendo la legitimidad académica de los estudios de cómics, lo que lleva a la presencia de cómics cursos que se ofrecen en el nivel universitario. Ver "Enlaces" y "Apuntes" en http://www.teachingcomics.org para las listas de cursos disponibles.
