Musique de la Renaissance

Musique de la Renaissance est Musique européenne écrite au cours de la Renaissance , d'environ 1400 à 1600. Définir le début de l'ère est difficile, étant donné le manque de changements brusques de la pensée musicale au cours du 15ème siècle. Le processus par lequel la musique a acquis des caractéristiques "Renaissance" était une progressive et musicologues ont placé ses débuts à partir dès 1300 à aussi tard que les années 1470. En outre, le mouvement humaniste italien, en redécouvrant et en réinterprétant l'esthétique de la Grèce antique et de Rome, a influencé le développement du style musical au cours de la période.

Vue d'ensemble

Style et tendances

Renaissance
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La dépendance croissante de l'intervalle de la troisième comme une consonance est l'un des traits les plus prononcés de musique ancienne de l'art de la Renaissance européenne (dans les Moyen Age , tiers avaient été considérés dissonances: voir intervalle). Polyphonie, en usage depuis le 12ème siècle, est devenu de plus en plus complexe avec des voix très indépendants à travers le 14e siècle: le début du 15ème siècle a montré simplification, avec les voix se efforçant souvent pour la douceur. Cela a été possible en raison d'une gamme vocale considérablement augmenté dans la musique - au Moyen Age, la gamme étroite rendue nécessaire franchissement fréquent de pièces, nécessitant ainsi un plus grand contraste entre eux.

Le modal (par opposition à tonales) caractéristiques de la musique de la Renaissance ont commencé à briser vers la fin de la période à l'utilisation accrue des motions profondes des cinquièmes. Ce développé plus tard dans l'une des caractéristiques déterminantes de la tonalité.

Genres

Principales formes liturgiques qui ont enduré pendant toute la période de la Renaissance étaient messes et des motets, avec quelques autres développements vers la fin, d'autant plus que les compositeurs de musique sacrée ont commencé à adopter des formes laïques (comme le madrigal) pour leurs propres conceptions.

Genres sacrés communs étaient les de masse, le motet, le spirituale madrigale et le laude.

Au cours de la période, la musique profane avait une distribution plus large, avec une grande variété de formes, mais il faut être prudent sur l'hypothèse d'une explosion dans la variété: depuis impression musique faite plus largement disponibles, beaucoup plus a survécu de cette époque que de l'époque médiévale précédente, et probablement une riche boutique de musique populaire de la fin du Moyen Age est irrémédiablement perdu. Musique profane comprenait des chansons pour une ou plusieurs voix, des formes telles que la frottola, chanson et madrigal.

Genres vocale profane inclus la madrigal, le frottola, la caccia, le chanson sous plusieurs formes ( Rondeau, virelai, Bergerette, ballade, Musique mesurée à l'antique), le Canzonetta, la villancico, la villanella, la Villotta, et la chanson luth. Des formes mixtes comme le motet-chanson et le motet laïque est également apparu.

Purement musique instrumentale inclus Music Consort pour enregistreur ou viole et autres instruments et danses pour divers ensembles. Genres communs étaient les toccata, le prélude, le Ricercar, le canzona, et l'enregistrement des biens (intavolatura, intabulierung). Ensembles instrumentaux pour danses pourraient jouer un Basse Danse (ou bassedanza), un pavane, une gaillarde, une allemande, ou d'un courante.

Vers la fin de la période, les précurseurs dramatiques début de l'opéra tels que la monodie, le comédie madrigal, et intermedio sont vus.

Théorie et la notation

Selon Margaret Bent (1998), "la notation de la Renaissance est sous-prescriptive par nos normes; quand il est traduit en une forme moderne, il acquiert un poids normatif que overspecifies et déforme son ouverture originale."

Ockeghem, Kyrie "Au travail suis», extrait

Compositions de la Renaissance ont été notées seulement en pièces détachées; scores étaient extrêmement rares, et barres de mesure ne ont pas été utilisés. Valeurs de notes étaient généralement plus grandes que sont en usage aujourd'hui; l'unité primaire de Beat est le semibreve, ou Note ensemble. Comme cela avait été le cas depuis le Ars Nova (voir musique médiévale ), il pourrait y avoir soit deux ou trois de ces pour chaque breve (une double note-ensemble), qui peut être regardée comme équivalant à la moderne »mesure," si elle elle-même une valeur de note et une mesure était ne est pas. La situation peut être considéré de cette façon: il est le même que la règle selon laquelle dans la musique moderne quart-note peut correspondre soit deux croches ou trois, ce qui serait écrit comme un «triplet." Par le même calcul, il pourrait y avoir deux ou trois de la prochaine plus petite note, le "blanche" (équivalent du "blanche" moderne) à chaque semi-brève. Ces différentes permutations ont été appelés «tempus parfaite / imparfaite" au niveau de la relation de breve-semibreve, "prolation parfaite / imparfaite" au niveau de la semibreve-minim, et existaient dans toutes les combinaisons possibles avec l'autre. Trois-to-one a été appelé «parfait», et deux à une «imparfait». Règles existaient également lequel des notes simples pourraient être réduites de moitié ou doublé de valeur ("imperfection de» ou «modifié», respectivement) lorsque précédée ou suivie par d'autres certaines notes. Note avec têtes de notes noires (comme noires) sont survenues moins souvent. Ce développement de notation mesurée blanc peut être le résultat de l'utilisation accrue de papier (plutôt que vélin), plus faible que le papier était moins en mesure de résister à la gratter nécessaire de remplir des têtes de notes solides; la notation de fois précédentes, écrite sur du vélin, avait été noir. Autres couleurs, et plus tard, rempli dans les notes, ont été utilisés systématiquement ainsi, principalement pour appliquer les imperfections ou les modifications mentionnées ci-dessus et d'appeler d'autres changements rythmiques temporaires.

Altérations ne étaient pas toujours spécifié, un peu comme dans certaines notations de doigté ( tablatures) aujourd'hui. Cependant, les musiciens de la Renaissance auraient été hautement qualifié dans dyadique contrepoint et possédait donc cela et d'autres informations nécessaires pour lire une partition, "ce qui nécessite notation moderne [altérations] aurait alors été parfaitement apparente sans notation à un chanteur versé en contrepoint." Voir ficta musica. Un chanteur interpréterait sa part en tentant de trouver des formules cadentielles avec d'autres parties à l'esprit, et quand le chant des musiciens éviteraient octaves et quintes parallèles ou à modifier leurs parties cadentielles à la lumière des décisions prises par d'autres musiciens (Bent, 1998).

Ce est à travers tablatures contemporains pour divers instruments à cordes pincées que nous avons gagné beaucoup d'informations sur ce que les altérations ont été réalisées par les praticiens originaux.

Pour plus d'informations sur les théoriciens spécifiques, voir Johannes Tinctoris, Franchini Gaffurio, Glaréan, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitanien, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius, et Pietro Cerone.

Compositeurs de la Renaissance

Musique de la Renaissance au début (1400 - 1467)

Ce groupe a chuté progressivement des dispositifs complexes de la fin de la période médiévale de isorythmie et l'extrême syncopes, résultant dans un style plus limpide et fluide. Que leur musique "perdu" dans la complexité rythmique, cependant, il a gagné en vitalité rythmique, comme un «conduire à la cadence» est devenu une caractéristique importante vers la mi-siècle.

Musique de la Renaissance Moyen (1467 - 1534)

Au début des années 1470, la musique commence à être imprimé à l'aide d'un presse d'imprimerie. impression de musique a eu un effet majeur sur la façon dont la musique propagation non seulement fait une pièce imprimée de la musique atteindre un public plus large, puis tout manuscrit pourrait jamais, il l'a fait beaucoup moins cher ainsi. Également au cours de ce siècle, une tradition de décideurs célèbres a commencé pour de nombreux instruments. Ces responsables étaient maîtres de leur métier. Quelques exemples sont Stradivarius pour violons ou Meuschel pour trompettes.

Vers la fin du 15ème siècle, la musique sacrée polyphonique (comme illustré dans les masses de Johannes Ockeghem et Jacob Obrecht) était redevenue plus complexe, d'une manière qui peut être considérée comme peut-être en corrélation avec la qualité éblouissante dans la peinture à l'époque. Ockeghem, en particulier, aimait canon, à la fois contrapuntique et mensural. Il a composé une masse dans laquelle toutes les parties sont dérivées canoniquement d'une ligne musicale.

Ce est dans les premières décennies du siècle prochain que la musique se sentait dans un tactus (pensez à la signature de l'époque moderne) de deux semi-brèves-à-une-breve a commencé à être aussi commun que celui avec trois semibreves-à-une-breve, Comme l'avait prévalu avant cette date.

Au début du 16e siècle, il ya une autre tendance à la simplification, comme on peut le voir dans une certaine mesure dans le travail de Josquin des Prez et ses contemporains dans le École franco-flamande, puis plus tard dans celui de GP Palestrina, qui a été partiellement réagit aux contraintes de la Concile de Trente, qui a découragé la polyphonie excessivement complexe que l'inhibition de la compréhension du texte. Début du 16ème siècle Franco-Flamands se éloigne des systèmes complexes de jeu mensural canonique et d'autres de la génération de Ockeghem, tendant vers des points d'imitation et de sections en duo ou trio au sein d'une texture globale qui a grandi à cinq et six voix. Ils ont aussi commencé, avant même que les réformes du Concile de Trente, pour insérer des passages toujours allongement de homophonie, de souligner texte important ou points d'articulation. Palestrina, d'autre part, est venu à cultiver un style libre écoulement du contrepoint, une texture riche d'épaisseur dans lequel consonance suivi dissonance sur une base presque battu par battement, et des suspensions a gouverné le jour (voir contrepoint). A présent, tactus était généralement deux semi-brèves par breve avec trois pour breve utilisé pour les effets spéciaux et sections climatiques; ce était une inversion presque exacte de la technique en vigueur d'un siècle avant.

Musique de la Renaissance tardive (1534 - 1600)

En Venise, d'environ 1534 jusque vers 1600, un style polychorale impressionnante développé, ce qui donnait à l'Europe une partie de la plus grandiose, la musique plus sonore composé jusqu'à ce moment, avec plusieurs chœurs de chanteurs, cuivres et les cordes dans différents emplacements spatiaux dans la Basilique San Marco di Venezia (voir École vénitienne). Ces révolutions multiples répartis sur l'Europe dans les prochaines décennies, à partir de l'Allemagne, puis passer à l'Espagne, la France et l'Angleterre un peu plus tard, délimitant le début de ce que nous savons maintenant que le Ère musicale baroque.

Le École Romaine était un groupe de compositeurs de la musique principalement de l'église, à Rome, enjambant la fin de la Renaissance en ères baroque début. Beaucoup de compositeurs avaient un lien direct avec le Vatican et la chapelle papale, se ils ont travaillé à plusieurs églises; stylistiquement ils sont souvent en contraste avec l'école vénitienne de compositeurs, un mouvement simultané qui était beaucoup plus progressive. De loin le plus célèbre compositeur de l'école romaine est Giovanni Pierluigi da Palestrina, dont le nom a été associé pendant quatre cents ans avec douceur, la perfection polyphonique clair.

La floraison brève mais intense du madrigal musicale en Angleterre, principalement de 1588 à 1627, avec les compositeurs qui les ont produits, est connu sous le nom English School Madrigal. Les madrigaux anglais étaient a cappella, principalement la lumière dans le style, et généralement commencé comme soit des copies ou des traductions directes de modèles italiens. La plupart étaient de trois à six voix.

Musica reservata est soit un style ou une pratique de la performance dans la musique vocale a cappella de ce dernier, principalement en Italie et sud de l'Allemagne, impliquant raffinement, l'exclusivité et l'expression émotionnelle intense de texte chanté.

En outre, de nombreux compositeurs ont observé une division dans leurs propres œuvres entre un prima Pratica (musique dans le style polyphonique de la Renaissance) et une seconda pratica (musique dans le nouveau style) au cours de la première partie du 17ème siècle.

Maniérisme

Dans la fin du 16ème siècle, comme la Renaissance ferme, un style très maniériste développe. Dans la musique profane, en particulier dans le madrigal, il y avait une tendance vers la complexité et même extrême chromatisme (comme illustré dans de madrigaux Luzzaschi, Marenzio, et Gesualdo). Le terme "maniérisme" dérive de l'histoire de l'art.

Transition vers le baroque

À partir de Florence, il y avait une tentative de faire revivre les formes dramatiques et musicales de la Grèce antique, à travers les moyens de monodie, une forme de musique déclamé sur un simple accompagnement; un contraste plus extrême avec le style polyphonique précédent serait difficile à trouver; ce fut aussi, au moins au début, une tendance séculaire. Ces musiciens étaient connus comme les Camerata fiorentina.

Nous avons déjà noté certains des développements musicaux qui ont aidés à entrer dans le Baroque, mais pour de plus amples explications de cette transition, voir antienne, concertato, monodie, madrigal, et l'opéra , ainsi que les œuvres de la rubrique «Sources et autres lectures."

Pour une discussion plus approfondie de la transition vers le baroque se rapportant spécifiquement à la musique de l'instrument, voir Transition de la Renaissance au baroque dans la musique instrumentale.

Les instruments de la Renaissance

De nombreux instruments sont originaires de la Renaissance; d'autres étaient des variations, ou des améliorations sur, des instruments qui existaient précédemment. Certains ont survécu jusqu'à nos jours; d'autres ont disparu, pour être recréé pour jouer de la musique de la période sur les instruments authentiques. Comme dans les temps modernes, les instruments peuvent être classés comme cuivres, cordes, percussions et instruments à vent.

Instruments Brass Cuivres de la Renaissance étaient traditionnellement joué par les professionnels. Certains des instruments de cuivres les plus courants qui ont été joués:

• Glisser trompette: Similaire au trombone d'aujourd'hui, sauf qu'au lieu d'une section du corps coulissant, seule une petite partie du corps à proximité de l'embout buccal et l'embout lui-même est stationnaire. Aussi le corps était une forme de S, donc ce était plutôt lourde, mais était idéale pour la musique de danse lente, il a été le plus souvent utilisé pour.

• Cornetto: Fait de bois et a été joué comme l'enregistreur (sera mentionné plus longuement plus tard), mais soufflé comme une trompette. Il a été souvent faite en plusieurs tailles, le plus grand a été appelé le serpent. Le serpent est devenu pratiquement le seul cornet utilisé par le début du XVIIe siècle tandis que d'autres gammes ont été remplacés par le violon. Il a été dit d'être l'instrument le plus proche de la voix humaine avec la capacité d'utiliser la dynamique et d'expression.

• Trompette : premières trompettes ne avaient pas de vannes, et ont été limitées aux tons présents dans le série harmonique. Ils ont également été faites dans différentes tailles. Bien que communément représenté utilisé par les anges, leur utilisation dans les églises a été limitée, une exception remarquable étant la musique du École vénitienne. Ils ont été les plus couramment utilisés dans l'armée et l'annonce de la royauté. Période de trompettes se sont révélés avoir deux anneaux soudés à eux, l'un près de l'embouchure et l'autre près de la cloche.

• Saqueboute: Un autre nom pour le trombone, qui a remplacé la trompette à coulisse à la fin du XVe siècle.

Cordes en tant que chaînes de la famille ont été utilisés dans de nombreuses circonstances, à la fois sacrés et profanes. Quelques membres de cette famille comprennent:

Orgue de barbarie

Luth

• Viol: Cet instrument, développé dans les années 1400, a généralement six cordes. Il a été souvent joué avec un archet. Il a des qualités structurales similaires à l'espagnol vihuela; son principal trait de séparation est sa plus grande taille. Ceci a changé la posture du musicien pour reposer contre le sol ou entre les jambes d'une manière similaire à du violoncelle. Ses similitudes avec la vihuela étaient taille coupes nettes, frettes similaires, un dos plat, des côtes minces, et le réglage identiques.

• Lyre: Sa construction est similaire à une petite harpe, mais au lieu d'être arraché, il est grattés avec un plectre. Ses chaînes varier en quantité à partir de quatre, sept, dix et, en fonction de l'époque. Il a été joué avec la main droite, tandis que la main gauche fait taire les notes qui ne étaient pas souhaitées. Lyres récents ont été modifiés pour être joué avec un archet.

• Violon : Le mot violon vient du mot latin vitula milieu signifiant «instrument à cordes". Les traits distinctifs du violon sont sa forme "sablier", et la voûte de son haut et l'arrière. Sa production sonore dépend de sa forme, le type de bois, l'épaisseur et le type de vernis. La façon la plus courante de jouer un violon est avec un arc. Il a quatre cordes, et est le membre le plus petit et le plus aigu de la famille du violon (qui comprend l'alto et violoncelle).

• Irish Harp: Aussi appelé le Clàrsach en gaélique écossais ou l'Cláirseach en irlandais, au cours du Moyen Age, il était l'instrument le plus populaire de l'Irlande et de l'Ecosse. En raison de son importance sur l'histoire irlandaise, on voit même sur le Guinness étiquette, et est le symbole national de l'Irlande, même à ce jour. Pour être joué, il est généralement cueilli. Sa taille peut varier considérablement d'une harpe qui peut être joué dans son tour pour une harpe pleine grandeur qui est placé sur le sol

• Vielle à roue: (Aussi connu comme le violon de roue), dans laquelle les cordes sont jouées par une roue qui passent sur les chaînes. Sa fonctionnalité peut être comparé à celui d'un violon mécanique, en ce que son étrave (roue) est tourné par une manivelle. Sa sonorité distinctive est principalement en raison de ses "chaînes" de drones qui fournissent un pas constant similaire dans leur son à celui de la cornemuse.

• Voir l'article principal: Cistre.

• Voir l'article principal: Lute.

• Voir l'article principal: Clavecin.

• Voir l'article principal: Virginal.

Percussion Certains instruments de percussion Renaissance comprennent le triangle, les Juifs harpe, le tambourin, les cloches, le grondement-pot, et divers types de tambours.

• Tambourin: Dans les premiers âges du tambourin était à l'origine d'un tambour sur cadre sans les jingles fixées sur le côté. Cet instrument a vite évolué et a pris le nom du tambourin pendant les croisades médiévales, date à laquelle il a acquis les jingles. Le tambourin est souvent trouvé avec une seule peau, comme il a fait, il est facile pour un danseur à jouer. La peau qui entoure trame est appelée le vélin, et produit le rythme en frappant la surface avec les doigts, le bout des doigts, ou à la main. Il pourrait également être joué en secouant l'instrument, permettant aux jingles du tambourin à "Clank" et "Jingle".

• De Juifs la harpe : Un instrument souvent connu pour son but historique pour les hommes "sérénade" leurs amoureux, Il est même allé à la mesure d'être interdit à plusieurs reprises pour sa "mise en danger de la vertu féminine», on croit aussi qu'il a été interdit en raison de sa construction de l'argent, et en raison de la forte demande sur l'argent dans le siècle Autriche 19 ce était une autre raison pour son interdiction. Instrument d'acier qui produit un son en utilisant des formes de la bouche et de tenter de prononcer différents voyelles avec les bouche. La boucle à l'extrémité recourbée de la langue de l'instrument est cueilli dans différentes échelles de vibrations différentes nuances.

Bois (aérophones) Les instruments à vent (aérophones) utilisent une colonne d'air vibrante dans un tuyau qui a des petits trous le long de générer des vibrations avec le flux d'air à travers le tuyau et de contrôler la longueur des ondes sonores produites par l'air vibrante. Un joueur pourrait créer cette colonne d'air en utilisant quelques méthodes différentes. Le premier souffle à travers un trou de la bouche (comme on le ferait avec des flûtes). Le second souffle dans une embouchure avec une anche simple (comme serait trouvé avec la clarinette ou saxophone) ou une anche double (qui est utilisé avec hautbois et bassons).

Les instruments à vent du Moyen Age ne sont pas les mêmes que les bois des temps modernes. Ils étaient plus excentrique et exotique. Par exemple, vous constaterez que bois modernes correspondent à la position naturelle de la main. Bois dans la Renaissance utilisés simples trous percés dans l'instrument.

• Shawm: Un chalumeau typiquement oriental est sans clé et est d'environ un pied de long avec sept trous pour les doigts et un trou de pouce. Les tuyaux ont également été plus souvent en bois et beaucoup d'entre eux avaient des sculptures et des décorations sur eux. Ce était l'instrument à anche double-plus populaire de la période de la Renaissance, il a été couramment utilisé dans les rues avec des tambours et des trompettes en raison de sa brillante, perçage, et son souvent assourdissant. Pour jouer au chalumeau une personne met tout le roseau dans leur bouche, bouffées sur leurs joues, et les coups dans le tuyau tout en respirant par le nez.

• Reed pipe: Fabriqué à partir d'une seule courte longueur de la canne avec une embouchure, quatre ou cinq trous, et le roseau façonné à partir d'elle. Le roseau est réalisé par découpe une petite langue, mais en laissant la base ci-joint. Il est le prédécesseur du saxophone et de la clarinette.

• Hornpipe: Idem roseau mais avec une cloche à la fin.

• Cornemuse / Bladderpipe: Croyez avoir été inventé par des bergers qui pensaient à utiliser un sac fait de brebis ou de chèvre peau et fournirait pression d'air de telle sorte que lorsque son joueur prend un souffle, le joueur ne doit presser le sac caché sous le bras à continuer la tonalité. Le bouche à pipe a une pièce ronde simple cuir articulé à l'extrémité du sac de la conduite et agit comme un clapet anti-retour.

• Panpipe: A conçu pour avoir seize tubes en bois avec un bouchon à une extrémité et ouvert sur l'autre. Chaque tube est d'une taille différente pour un ton différent de lui donner une gamme d'une octave et demie. Le joueur peut alors placer leurs lèvres contre le tube désiré et souffler à travers elle.

• Flûte traversière: la flûte traversière est similaire à la flûte moderne avec un trou de la bouche près de la fin et des doigts trous bouchés le long du corps. Il utilise les mêmes principes de base que la flûte de pan.

• Enregistreur : L'enregistreur est l'instrument commun qui est encore utilisé aujourd'hui (souvent enseigné aux enfants dans les écoles primaires). Plutôt que d'un roseau, il utilise un embout de Whistler, qui est une forme de bec embout buccal, comme sa principale source de production sonore. Il est généralement fait avec sept trous pour les doigts et un trou de pouce.