Musique médiévale

Le terme englobe de musique médiévale Musique européenne écrite pendant les Moyen Age . Cette ère commence avec le chute de l'Empire romain et se termine à peu près au milieu du XVe siècle. Instituant la fin de l'époque médiévale et le début de la Renaissance est certes arbitraire; 1400 est utilisé ici.

Vue d'ensemble

Styles et tendances

La seule musique médiévale qui peut être étudié est celui qui a été écrit, et a survécu. Depuis la création musicale manuscrits était très cher, en raison de la charge de parchemin, et l'énorme quantité de temps nécessaire à un scribe pour copier le tout, seuls les établissements riches ont réussi à créer des manuscrits qui ont survécu à l'heure actuelle. Ces institutions comprenaient généralement les institutions de l'église et de l'église, comme les monastères ; musique séculaire, ainsi que la musique sacrée, a également été conservés par ces institutions. Ces manuscrits survivants ne reflètent pas beaucoup de la musique populaire de l'époque. Au début de l'époque, la musique notée est présumé être monophonique et homorythmique avec ce qui semble être un unisson chanté texte et aucun soutien instrumentale notée. Plus tôt notation médiévale ne avait aucun moyen de préciser le rythme, même si notations neumatiques ont donné des idées de phrasé claires, et un peu plus tard indiqué notations modes rythmiques.

La simplicité de chant, avec la voix unisson et la déclamation naturelle, est la plus commune. La notation des polyphonie se développe, et l'hypothèse est que les pratiques polyphoniques première formalisation ont été soulevées dans cette période. Harmony, en intervalles consonants de quintes parfaites, unissons, octaves, (et plus tard, quarts parfaits) commence à être notée. Notation rythmique permet des interactions complexes entre de multiples lignes vocales d'une manière reproductible. L'utilisation de plusieurs textes et la notation d'accompagnement instrumental développé par la fin de l'ère.

Instruments

Un musicien joue le vielle dans un 14ème siècle médiéval manuscrit

Instruments utilisés pour jouer de la musique médiévale existent encore, bien que sous des formes différentes. La flûte a déjà été faite de bois plutôt que de l'argent ou un autre métal, et peut être fait comme un instrument de côté-soufflé ou soufflé-fin. L' enregistreur , d'autre part, a plus ou moins conservé sa forme passée. Le Gemshorn est similaire à l'enregistreur en ayant des trous pour les doigts sur sa face avant, se il se agit vraiment d'un membre de la famille ocarina. Un des prédécesseurs de la flûte, le flûte de pan, était populaire à l'époque médiévale, et est éventuellement des hellénique origine. Les tuyaux de cet instrument ont été faites de bois, et ont été gradués en longueur pour produire différents emplacements.

Musique médiévale utilise de nombreuses cordes pincées instruments à cordes, comme luth, mandora, gittern et psaltérion. Le dulcimers, de structure similaire à la psaltérion et cithare, ont été à l'origine arraché, mais se est heurté au 14ème siècle, après l'arrivée de la nouvelle technologie qui a fait cordes métalliques possible. Le vielle était (et est toujours) un violon mécanique utilisant une roue en bois rosined attaché à une manivelle pour «arc» ses cordes. Instruments sans boîtes sonores tels que la harpe de Juifs étaient aussi populaires dans le temps. Les premières versions de l' orgue , violon (ou vielle) et trombone (appelé saqueboute) existait ainsi.

Genres

À cette époque, la musique était à la fois sacré et laïque, bien que presque aucune musique profane début a survécu, et, depuis la notation était un développement relativement tard, la reconstruction de cette musique, en particulier avant la 12ème siècle , est actuellement une question de conjecture.

Théorie et la notation

En théorie de la musique, cette période a vu plusieurs avancées sur la pratique précédente, principalement dans la conception et la notation du rythme. Auparavant, la musique a été organisé en rythmiquement " Longs "et" breves "(en d'autres termes,« short »), bien souvent sans aucune différenciation claire et régulière entre lesquelles doit être utilisé. Le plus célèbre théoricien de la musique de la première moitié du 13ème siècle , Jean de Garlande, était l'auteur de la mensurabili musica De (environ 1240), le traité qui définit et le plus complètement élucidé les modes rythmiques, un système de notation pour le rythme dans lequel l'un des six modèles possibles a été désignée par une succession particulière de la note-formes (organisées dans ce qu'on appelle " ligatures "). La ligne mélodique, une fois qu'il avait son mode, seraient généralement rester, même si des ajustements rythmiques pourraient être indiquées par des changements dans le rythme attendu de ligatures, même dans la mesure de changer à un autre mode rythmique. Un allemand théoricien de une période un peu plus tard, Franco de Cologne, a été le premier à décrire un système de notation dans lequel les notes de formes différentes ont entièrement différentes valeurs rythmiques (dans les Ars Cantus Mensurabilis d'environ 1260), une innovation qui a eu un impact énorme sur l'histoire ultérieure de la musique européenne. La plupart de la musique notée survivant du 13ème siècle utilise les modes rythmiques tels que définis par Garlandia.

Philippe de Vitry est le plus célèbre dans l'histoire de la musique pour écrire le Ars Nova (1322), un traité sur la musique qui a donné son nom à la musique de l'ère entier. Ses contributions à la notation, notamment dans la notation du rythme, étaient particulièrement importants, et rendu possible la musique libre et assez complexe des cent prochaines années. À certains égards, le système moderne de notation rythmique a commencé avec Vitry, qui se est détaché de l'idée plus des modes rythmiques, courts motifs rythmiques qui ont été répétés sans être différencié individuellement. Les prédécesseurs de notation de mètres de temps modernes proviennent aussi de l'Ars Nova; pour Franco, breve (pour une brève explication de la notation mesurée en général, voir l'article de la Renaissance la musique ) avait égalé trois semibreves (ce est-à breves de moitié) (à l'occasion, deux, localement et avec certain contexte; presque toujours, cependant, ces deux semi-brèves étaient une de longueur normale et une d'une durée double, prenant ainsi le même espace de temps), et de la même division ternaire tenue pour toutes les valeurs de note grandes et petites. Au moment de Ars Nova, la brève pourrait être pré-divisé, pour une composition ou une zone complète de l'un, en groupes de deux ou trois petits semibreves par l'utilisation d'un «signe de mensuration," l'équivalent de notre moderne »la signature de temps." De cette façon, le «tempus" (désignant la division de la breve, qui a finalement atteint la même primauté sur structure rythmique comme notre «mesure» moderne) pourrait être soit «parfait», avec subdivision ternaire, ou «imparfaite», avec subdivision binaire . perfectus Tempus a été indiquée par un cercle, tandis que tempus imperfectus a été notée par un demi-cercle (notre "C" actuelle comme un stand-in pour le 4/4 est en fait un vestige de cette pratique, pas une abréviation pour " temps commun ", comme on le croit couramment). De la même façon, le semibreve pourrait à son tour être divisé en trois "minima" ou " minimes "( prolatio perfectus ou prolation majeure) ou deux (imperfectus prolatio ou prolation mineur) et, au niveau supérieur, le Longs dans trois ou deux brèves ( modus perfectus ou le mode parfait, ou modus imperfectus ou le mode imparfait respectivement).

Pour la durée de la période médiévale, la plupart des musiques serait composée principalement dans tempus parfait, avec des effets spéciaux créés par des sections de tempus imparfaite; il ya une grande controverse actuelle entre les musicologues de savoir si ces sections ont été réalisées avec une breve de longueur égale ou si elle a changé, et si oui, à quelle proportion. Dans les œuvres très syncopés de la Ars subtilior, différentes voix de la même composition serait parfois écrit dans différentes signatures tempus simultanément.

De nombreux chercheurs, citant un manque de preuves attributory positif, considèrent maintenant le traité "de Vitry" d'être anonyme, mais cela ne diminue pas son importance pour l'histoire de la notation rythmique. Le premier savant définitivement identifiable à accepter et à expliquer le système était mensural Johannes de Muris ( Jehan des Mars), qui peut être dit à l'avoir fait pour elle ce Garlandia fait pour les modes rythmiques.

Pour les théoriciens spécifiques de musique médiévale, voir aussi: Isidore de Séville, Aurélien de Réomé, Odon de Cluny, Guido d'Arezzo, Hermannus Contractus, Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris, Franco de Cologne, Jean de Garlande (Johannes Gallicus), Anonyme IV, Marchetto da Padova (Marchettus de Padoue), Jacques de Liège, Johannes de Grocheo, Pierre de la Croix (Pierre de la Croix), et Philippe de Vitry.

Early musique médiévale (avant 1150)

Traditions chant début

Chant (ou plain-chant) est un forme sacrée monophonique qui représente la plus ancienne connue de la musique de l'église chrétienne. Le juif Synagogue tradition du chant psaumes était une forte influence sur chant chrétien.

Chant développé séparément dans plusieurs centres européens. Les plus importants étaient Rome , l'Espagne , Gaule, Milan , et l'Irlande . Ces chants ont tous été développés pour soutenir les liturgies régionaux utilisés lors de la célébration de la messe. Chaque zone a développé ses propres chants et des règles pour la célébration. En Espagne, Mozarabe chant a été utilisé et montre l'influence de La musique d'Afrique du Nord. La liturgie mozarabe même survécu grâce La domination musulmane, si ce était un brin isolé et cette musique a ensuite été supprimée dans une tentative de faire respecter la conformité sur toute la liturgie. A Milan, Chant ambrosien, nommé d'après Saint Ambroise, était la norme, tandis que Chant bénéventain développé autour Bénévent, un autre centre liturgique italien. Chant gallican a été utilisé en Gaule, et Chant celtique en Irlande et en Grande-Bretagne.

Autour 1011 AD, l' Église catholique romaine voulait normaliser la Messe et le chant. A cette époque, Rome était le centre religieux de l'Europe occidentale, et Paris était le centre politique. L'effort de normalisation se composait principalement de la combinaison de ces deux ( Roman et Gallicane) Les liturgies régionales. Cet organe du chant est devenu connu comme le chant grégorien. Par les 12e et 13e siècles , le chant grégorien avait remplacé toutes les autres traditions chant occidentaux, à l'exception du chant ambrosien à Milan, et le chant mozarabe dans quelques chapelles espagnoles spécialement désignés.

Chant grégorien

Polyphonie ancienne: Organum

Vers la fin du IXe siècle, les chanteurs dans les monastères tels que Saint-Gall en Suisse a commencé à expérimenter avec l'ajout d'une autre partie au chant, généralement une voix dans mouvement parallèle, en chantant dans la plupart parfaite ou quarts cinquièmes avec le morceau original (voir intervalle). Ce développement est appelé Organum, et représente les débuts de l'harmonie et, finalement, contrepoint. Au cours de la prochaine plusieurs siècles organum développé de plusieurs façons.

Le plus important a été la création de «organum fleuri» autour 1100, parfois connu sous le nom l'école de Saint-Martial (nommé d'après un monastère dans le sud-centre de la France, qui contient le manuscrit le mieux préservé de ce répertoire). Dans «organum fleuri" la mélodie originale serait chanté en notes longues en une voix d'accompagnement chantait beaucoup de notes à chacun de l'original, souvent de façon très élaborée, tout en soulignant la parfaite consonances (quarts, cinquièmes et octaves) comme dans le organa tôt. Les développements ultérieurs de organum eu lieu en Angleterre, où l'intervalle de la troisième a été particulièrement favorisée, et où organa ont vraisemblablement été improvisé contre une mélodie de chant existant, et au Notre Dame de Paris, qui devait être le centre de l'activité créatrice musicale tout au long du XIIIe siècle.

Une grande partie de la musique de la première période médiévale est anonyme. Certains de ces noms peuvent avoir été poètes et paroliers, et les airs pour lesquelles ils ont écrit des mots peuvent avoir été composés par d'autres. Attribution de la musique monophonique de la période médiévale ne est pas toujours fiable. Survivre manuscrits de cette période comprennent le Musica Enchiriadis, Codex Calixtinus de Saint Jacques de Compostelle, et de la Winchester Troper.

Pour plus d'informations sur les compositeurs ou poètes spécifiques d'écriture au cours de la première période médiévale, voir Le pape Grégoire I, St. Godric, Hildegarde de Bingen, Hucbald, Notker le Bègue, Odo d'Arezzo, Odon de Cluny, et Tutilo.

Drame liturgique

Une autre tradition musicale de l'Europe originaires au début du Moyen Age était le drame liturgique. Dans sa forme originale, il peut représenter une survie de Roman drame avec des histoires chrétiennes - principalement Evangile, le Passion, et de la vie des saints - greffés sur. Chaque partie de l'Europe avait une sorte de tradition de drame musical ou semi-musicale au Moyen Age, impliquant d'agir, parler, chanter et accompagnement instrumental dans une combinaison. Probablement ces drames ont été effectuées en voyageant acteurs et musiciens. Beaucoup ont été conservés suffisamment pour permettre la reconstruction moderne et performance (par exemple, le Jouer de Daniel, qui a été récemment enregistré).

Goliards

Le Goliards étaient itinérants poètes-musiciens de l'Europe du Xe au milieu du XIIIe siècle. La plupart étaient des érudits ou ecclésiastiques, et ils a écrit et chanté en latin. Bien que de nombreux poèmes ont survécu, très peu de la musique a. Ils étaient peut-être influente - même façon décisive - sur la troubadour- trouvère tradition qui allait suivre. La plupart de leur poésie est laïque et, tandis que certaines des chansons célèbrent idéaux religieux, d'autres sont franchement profane, relatif à l'ivresse, de la débauche et de la luxure.

Haute musique médiévale (1150-1300)

Ars antiqua

La floraison de la L'école Notre-Dame de la polyphonie du monde 1150 à 1250 correspondaient aux réalisations tout aussi impressionnants L'architecture gothique: en effet le centre de l'activité était à la cathédrale de Notre-Dame elle-même. Parfois, la musique de cette période est appelée l'école parisienne, ou organum parisienne, et représente le début de ce qui est convenu d'appeler les Ars Antiqua. Ce était la période où notation rythmique apparu d'abord dans la musique occidentale, principalement une méthode de notation rythmique connu sous le nom basé sur le contexte modes rythmiques.

Ce était aussi la période où les concepts de structure formelle développé qui étaient attentifs à proportion, texture, et l'effet architectural. Compositeurs de la période alternées organum fleuri et discant (plus de bloc-notes contre, par opposition à la succession d'un grand nombre de billets de mélismes contre de longues notes tenues trouvés dans le type fleuri), et créé plusieurs nouvelles formes musicales: clausules, qui étaient mélismatiques sections de organa extrait et équipé de nouveaux mots et poursuite de l'élaboration musicale; conductus, qui était une chanson pour une ou plusieurs voix à chanter en rythme, plus probable dans un cortège de quelque sorte; et tropes, qui étaient réarrangements de chants anciens avec de nouveaux mots et parfois la musique nouvelle. Tous ces genres enregistrer une se fondaient sur le chant; ce est l'une des voix, (généralement trois, bien que parfois quatre) presque toujours le plus bas (le ténor à ce point) chanté une mélodie de chant, mais avec notes longueurs librement constitués, sur laquelle les autres voix chantaient Organum. L'exception à cette méthode a été la conductus, une composition à deux voix qui a été composé librement dans son intégralité.

Le motet, l'une des plus importantes formes musicales du Haut Moyen Age et de la Renaissance, initialement développée pendant la période de Notre Dame de la clausule, en particulier le formulaire en utilisant plusieurs voix élaboré par Pérotin, qui a ouvert la voie pour ce particulier en remplaçant beaucoup de son prédécesseur (comme chanoine de la cathédrale) Clausules longue fleurie de Léonin avec des substituts dans un style discant. Peu à peu, il est venu pour être des livres entiers de ces substituts, disponibles pour être monté dans et hors des différents chants. Depuis, en fait, il y avait plus que ce qui peut éventuellement avoir été utilisé dans le contexte, il est probable que le clausules venu pour être exécuté indépendamment, soit dans d'autres parties de la masse, ou les dévotions privées. Le clausules, ainsi pratiqué, est devenu le motet quand troped avec des mots non-liturgiques, et a été développé en une forme de grande élaboration, complexité et la subtilité au XIVe siècle, la période d'Ars nova.

Survivre manuscrits de cette époque comprennent la Montpellier Codex, Bamberg Codex, et Musicale El Codex de las Huelgas.

Compositeurs de cette époque comprennent Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de Saint-Victor, et Pierre de la Croix (Pierre de la Croix). Petrus est crédité avec l'innovation de la rédaction de plus de trois semi-brèves pour se adapter à la longueur d'une breve. Venant avant l'innovation de tempus imparfaits, cette pratique innagurated l'ère de ce qu'on appelle aujourd'hui «motets Petronian". Ces œuvres tardives du 13ème siècle sont trois, parfois quatre, pièces et ont chanté plusieurs textes simultanément. Ces textes peuvent être soit sacrée ou profane dans le thème, et avec le latin et le français mixte. Le motet Petronian est un genre très complexe, compte tenu de son mélange de plusieurs brèves semibreve avec des modes rythmiques et parfois (avec une fréquence croissante) substitution de chansons profanes pour Chant au ténor. En effet, de plus en plus la complexité rythmique serait une caractéristique fondamentale du 14ème siècle, bien que la musique en France, en Italie, et l'Angleterre serait prendre des chemins très différents pendant ce temps.

Troubadours et trouvères

La musique de la troubadours et trouvères était une tradition vernaculaire de chant profane monophonique, probablement accompagnée par des instruments, chantée par des musiciens professionnels, parfois itinérants, qui étaient aussi compétents que les poètes comme ils étaient chanteurs et instrumentistes. La langue des troubadours était Occitan (également connu sous le nom langue d'oc, ou Provençal); la langue des trouvères était vieux français (également connu sous le nom langue d'oïl). La période des troubadours correspondait à l'épanouissement de la vie culturelle Provence qui a duré à travers le XIIe siècle et dans la première décennie du XIIIe. Les sujets typiques de troubadour chanson étaient la guerre , chevalerie et l'amour courtois. La période des troubadours enroulé vers le bas après la croisade des Albigeois , la campagne féroce Le pape Innocent III pour éliminer la Hérésie cathare (et le désir de barons du nord se approprier les richesses du sud). Troubadours survivants ont soit à l'Espagne, l'Italie du nord ou du nord de la France (où la tradition trouvère vivait), où leurs compétences et techniques ont contribué aux développements ultérieurs de la culture musicale séculaire dans ces lieux.

La musique des trouvères était similaire à celle des troubadours, mais a pu survivre dans le XIIIe siècle affecté par la croisade des Albigeois. La plupart des plus de deux mille survivants chansons de trouvères inclure de la musique, et montrent une sophistication aussi grande que celle de la poésie qu'il accompagne.

Le Tradition Minnesinger était le germanique contrepartie de l'activité des troubadours et des trouvères à l'ouest. Malheureusement, peu de sources survivent à partir du moment; les sources de Minnesang sont pour la plupart à partir de deux ou trois siècles après le pic du mouvement, conduisant à une certaine controverse sur leur exactitude. Parmi les survivants Minnesingers avec la musique sont Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, et Niedhart von Reuenthal.

Troubadours avec des mélodies survivants

Compositeurs de l'époque médiévale élevé et fin

Musique médiévale tardive (1300-1400)

France: Ars nova

Le début de la Ars nova est une des rares divisions propres chronologiques dans la musique médiévale, car elle correspond à la publication de la Roman de Fauvel, une énorme compilation de poésie et de musique, en 1310 et 1314. Le Roman de Fauvel est une satire sur les abus dans l'église médiévale, et est rempli de motets médiévaux, lais, rondeaux et autres nouvelles formes séculaires. Alors que la plupart de la musique est anonyme, il contient plusieurs morceaux par Philippe de Vitry, l'un des premiers compositeurs de la motet isorythmique, un développement qui distingue le XIVe siècle. Le motet isorythmique a été perfectionnée par Guillaume de Machaut, le meilleur compositeur de l'époque.

Pendant l'ère Ars nova, la musique profane a acquis une sophistication polyphonique anciennement trouvé seulement dans la musique sacrée, une évolution pas surprenant compte tenu du caractère laïque de la Renaissance (et il convient de noter que, bien que cette musique est généralement considéré comme «médiéval», les forces sociales qui l'a produite était responsable pour le début de la Renaissance littéraire et artistique en Italie-la distinction entre Moyen Age et de la Renaissance est un flou, surtout compte tenu des arts aussi différents que la musique et la peinture). Le terme «Ars nova" (art nouveau, ou nouvelle technique) a été inventé par Philippe de Vitry, dans son traité de ce nom (probablement écrit en 1322), afin de distinguer la pratique de la musique de l'âge qui précède immédiatement.

Le genre laïque dominante de l'Ars Nova était le chanson, car il continuerait d'être en France pendant deux siècles. Ces chansons ont été composées en formes musicales correspondant à la poésie ils ont mis, qui étaient dans la soi-disant Formes correctifs de rondeau, ballade, et virelai. Ces formes affectées de façon significative le développement de la structure musicale d'une manière qui se font sentir encore aujourd'hui; par exemple, la rime-régime d'ouvert-clos partagée par tous trois exigé une réalisation musicale qui a contribué directement à la notion moderne de phrases antécédent et conséquent. Ce est dans cette période, aussi, qui a commencé la longue tradition de mise la masse ordinaire. Cette tradition a commencé vers le milieu du siècle avec les paramètres isolées ou paires de Kyrie, Glorias, etc., mais Machaut compose ce qui est pensé pour être la première messe complète conçue comme une composition. Le monde sonore de la musique Ars Nova est très bien un des primauté linéaire et complexité rythmique. "Repos" intervalles sont la cinquième et octave, à des tiers et sixièmes considérés dissonances. Bonds de plus d'un sixième de voix individuelles ne sont pas rares, conduisant à la spéculation de la participation instrumentale au moins dans la performance laïque.

Survivre manuscrits français comprennent la Ivrea Codex et de la Apt Codex.

Pour plus d'informations sur les compositeurs français spécifiques écriture à la fin de l'ère médiévale, voir Jehan de Lescurel, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Borlet, Solage, et François Andrieu.

Italie: Trecento

La plupart de la musique d'Ars nova était d'origine française; Cependant, le terme est souvent vaguement appliqué à toute la musique du XIVe siècle, en particulier pour inclure la musique profane en Italie. Il cette période a été souvent appelée Trecento.

Musique italienne a toujours fait, il semble, été connu pour son caractère lyrique ou mélodique, et cela remonte au 14ème siècle à de nombreux égards. Musique profane italienne de cette époque (le peu de survivants musique liturgique il ya, est similaire à la française, sauf pour la notation un peu différente) présenté ce qui a été appelé le style de cantalina, avec une voix haut fleuri soutenu par deux (ou même un seul; une foire quantité de musique italienne Trecento est que pour deux voix) qui sont plus régulières et plus lent. Ce type de texture est resté une caractéristique de la musique italienne dans les genres populaires 15ème et 16ème siècle laïques ainsi, et a été une influence importante sur le développement éventuel de la texture de trio qui a révolutionné la musique dans le 17ème.

Il y avait trois principales formes d'œuvres laïques du Trecento. L'un était le madrigal, pas la même que celle de 150 à 250 ans plus tard, mais avec un couplet / refrain comme forme. Trois lignes strophes, chacun avec des mots différents, alternant avec une à deux lignes ritournelle, avec le même texte à chaque apparition. Nous pouvons peut-être voir les graines de la fin de la Renaissance et du Baroque ritournelle ultérieure dans ce dispositif; il renvoie trop encore et encore, reconnaissable à chaque fois, contrairement à ses sections disparates environnantes. Une autre forme, le caccia («chase») a été écrite pour deux voix dans un canon à l'unisson. Parfois, cette forme a également comporté une ritournelle, qui était parfois aussi dans un style canonique. Habituellement, le nom de ce genre a fourni un double sens, puisque les textes de caccia étaient surtout à propos de la chasse et activités de plein air connexes, ou des scènes au moins remplis d'action. La troisième forme principale était le ballata, qui était à peu près équivalent à l'virelai français.

Survivre manuscrits italiens comprennent la Codex Squarcialupi et Rossi Codex.

Pour plus d'informations sur les compositeurs italiens spécifiques écriture à l'époque médiévale tardive, voir Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Paolo da Firenze (Paolo tenorista), Giovanni da Firenze (alias Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia, et Maestro Piero.

Allemagne: Geisslerlieder

Le Geisslerlieder étaient les chansons de bandes errantes de flagellants, qui cherchaient à apaiser la colère d'un Dieu courroucé par la musique pénitentielle accompagnée par la mortification de leur corps. Il y avait deux périodes distinctes d'activité de Geisslerlied: une vers le milieu du XIIIe siècle, à partir de laquelle, malheureusement, pas de musique survit (bien que de nombreuses paroles font); et un autre de 1349, pour laquelle les deux mots et de la musique survivre intacte grâce à l'attention d'un seul prêtre qui a écrit sur le mouvement et a enregistré sa musique. Cette deuxième période correspond à la propagation de la peste noire en Europe, et les documents une des plus terribles événements de l'histoire européenne. Les deux périodes d'activité Geisslerlied étaient principalement en Allemagne.

Il y avait aussi la polyphonie influence française écrite dans les zones allemandes en ce moment, mais il était un peu moins sophistiqué que ses modèles. En toute justice pour les compositeurs pour la plupart anonymes de ce répertoire, cependant, la plupart des manuscrits survivants semblent avoir été copié avec une extrême incompétence, et sont remplis d'erreurs qui font une véritable évaluation approfondie de la qualité de la musique impossible.

Maniérisme et Ars subtilior

La chanson Belle, bonne, la sauge par Baude Cordier, une pièce Ars subtilior inclus dans le Codex Chantilly

Comme souvent vu à la fin d'une ère musicale, la fin de l'époque médiévale est marquée par un style très maniériste connu sous le nom Ars subtilior. À certains égards, ce était une tentative de fusionner les styles français et italien. Cette musique était très stylisée, avec une complexité rythmique qui n'a pas été égalé jusqu'à ce que le 20ème siècle. En fait, non seulement la complexité rythmique de ce répertoire largement inégalée pour cinq siècles et demi, avec des syncopes extrêmes, la ruse mensural, et même des exemples de augenmusik (comme une chanson de Baude Cordier écrit en manuscrit sous la forme d'un cœur), mais aussi son matériau mélodique est assez complexe et, en particulier dans son interaction avec les structures rythmiques. Déjà discuté sous Ars Nova a été la pratique de isorythmie, qui a continué à se développer grâce à la fin du siècle et, en fait, n'a pas atteint son plus haut degré de sophistication jusqu'au début du 15ème siècle. Au lieu d'utiliser des techniques isorythmiques dans une ou deux voix, ou de les échanger entre les voix, certaines œuvres sont venus à présenter une texture isorythmique omniprésent qui rivalise avec le sérialisme intégral du 20ème siècle dans sa systématisation d'éléments rythmiques et tonales. Le terme «maniérisme» a été appliquée par les savants plus tard, comme ce est souvent, en réponse à une impression de sophistication pratiqué pour elle-même, une maladie que certains auteurs ont ressenti les infectés Ars subtilior.

L'une des sources existantes les plus importants de chansons Ars Subtilior est le Codex Chantilly.

La transition à la Renaissance

Délimitant la fin de l'époque médiévale et le début de la Renaissance, en ce qui concerne la composition de la musique, est problématique. Alors que la musique du XIVe siècle est assez évident médiévale dans la conception, la musique du début du XVe siècle est souvent conçue comme appartenant à une période de transition, non seulement en conservant certains des idéaux de la fin du Moyen Age (comme un type de l'écriture polyphonique dans lequel les parties diffèrent largement les uns des autres dans le caractère, car chacun a sa fonction spécifique de texture), mais montrant également certains des traits caractéristiques de la Renaissance (tels que le style international qui se développe à travers la diffusion de musiciens franco-flamands dans toute l'Europe, et en termes de texture et de l'égalité croissante des parties). La Renaissance a commencé tôt en Italie, mais l'innovation musicale il arrive loin derrière celle de la France et l'Angleterre; la Renaissance est venu tard à l'Angleterre, mais l'innovation musicale il était en avance sur l'Europe continentale.

historiens de la musique ne sont pas d'accord sur le moment où la Renaissance a commencé, mais la plupart des historiens se accordent que l'Angleterre était encore une société médiévale au début du XVe siècle (voir une discussion des questions de périodisation du Moyen Age). Bien qu'il n'y ait pas de consensus, 1400 est un marqueur utile, parce que ce était à cette époque que la Renaissance est entré en plein essor en Italie .

La dépendance croissante de l'intervalle de la troisième comme une consonance est l'un des traits les plus prononcés de transition vers la Renaissance. Polyphonie, en usage depuis le 12ème siècle, est devenu de plus en plus complexe avec des voix très indépendants à travers le 14ème siècle. Avec John Dunstable et d'autres compositeurs anglais, en partie grâce à la technique locale de faburden (un processus d'improvisation dans laquelle une mélodie de chant et une partie écrite principalement en sixtes parallèles dessus sont ornés par une chanté en quarts parfaits ci-dessous ce dernier, et qui a pris plus tard détiennent sur le continent "fauxbordon"), l'intervalle de la troisième émerge comme un développement musical importante; pour cette raison Contenance angloise (la «physionomie anglaise"), la musique de compositeurs anglais est souvent considéré comme le premier à paraître moins vraiment bizarre au public, non scolarisés modernes. Tendances stylistiques anglais à cet égard étaient venus à maturité et a commencé à influencer les compositeurs continentaux dès les années 1420, comme on peut le voir dans les œuvres de la jeune Dufay, entre autres. Alors que les Guerre de Cent Ans a continué, Anglais nobles, les armées, leurs chapelles et escortes, et donc certains de leurs compositeurs, voyagé en France et exécuté leur musique là; il faut aussi bien sûr de se rappeler que les Anglais contrôlé parties du nord de la France à cette époque.

Manuscrits anglais comprennent la Worcester Fragments, le Old St. Andrews Music Book, le Manuscrit Old Hall, et Egerton Manuscrit.

Étude et de formation professionnelle

Le Schola Cantorum Basiliensis, université pour la musique ancienne dans de Bâle , Suisse , fournit le seul à temps plein cours d'étude pratique pour la musique du Moyen Âge. Une formation professionnelle de deux ans pour les musiciens est offert à l'académie Burg Fürsteneck en Allemagne .