Opéra

Le Palais Garnier de la Opéra de Paris, l'un des plus célèbres du monde maisons d'opéra.

Opéra (anglais pluriel: opéras; pluriel italien: opere) est un forme d'art dans laquelle chanteurs et musiciens effectuent un spectaculaire travail combinant texte (appelé livret) et partition musicale, généralement dans un théâtre réglage. Opera intègre bon nombre des éléments du théâtre parlé, comme agissant, paysages, et costumes et comprend parfois la danse. La performance est généralement administré dans un opéra, accompagnée par un orchestre ou moins ensemble musical.

Opéra fait partie de la Western la tradition de la musique classique. Il a commencé en Italie à la fin du 16ème siècle (avec La perte de Jacopo Peri Dafne, produite dans Florence en 1598) et se répandit bientôt à travers le reste de l'Europe: Schütz en Allemagne, Lully en France, et Purcell en Angleterre ont tous aidé à établir leurs traditions nationales dans le 17ème siècle. Au 18ème siècle, l'opéra italien a continué à dominer la plupart de l'Europe, sauf en France, attirant des compositeurs étrangers tels que Handel . Opera seria était la forme la plus prestigieuse de l'opéra italien, jusqu'à Gluck a réagi contre son caractère artificiel avec ses opéras «réforme» dans les années 1760. Aujourd'hui, le chiffre le plus renommé de l'opéra fin du 18ème siècle est Mozart , qui a commencé avec l'opéra seria, mais est plus célèbre pour son italien opéras-comiques, notamment Le Mariage de Figaro (Le Nozze Di Figaro), Don Giovanni, et Così fan tutte, ainsi que La Flûte enchantée (Die Zauberflöte), un point de repère dans la tradition allemande.

Le premier tiers du 19ème siècle a vu l'apogée de la style bel canto, avec Rossini, Donizetti et Bellini tous créant des œuvres qui sont encore jouées aujourd'hui. Il a également vu l'avènement de Grand Opera caractérise par les œuvres d'Auber et Meyerbeer. La mi-à fin du 19e siècle était un "âge d'or" de l'opéra, dirigé et dominé par Wagner en Allemagne et Verdi en Italie. La popularité de l'opéra a continué à travers le vérisme ère en Italie et contemporain Opéra français à travers Puccini et Strauss au début du 20e siècle. Pendant le 19ème siècle, les traditions d'opéra parallèles ont émergé en Europe centrale et orientale, en particulier dans Russie et Bohême. Le 20e siècle a vu de nombreuses expériences avec des styles modernes, tels que l'atonalité et sérialisme ( Schoenberg et Berg), le néo-classicisme ( Stravinsky ), et Minimalisme ( Philip Glass et John Adams). Avec la montée de la technologie d'enregistrement, chanteurs tels que Enrico Caruso est devenu connu du public au-delà du cercle des amateurs d'opéra. Opéras ont également été effectués sur (et écrites pour) radio et la télévision.

La terminologie opéra

Les mots de l'opéra sont connus comme les livret (littéralement «petit livre»). Certains compositeurs, notamment Richard Wagner , ont écrit leur propre livrets; d'autres ont travaillé en étroite collaboration avec leurs librettistes, par exemple Mozart avec Lorenzo Da Ponte. L'opéra traditionnel, souvent désigné comme " Numéro opéra ", se compose de deux modes de chant: récitatif, les passages de l'intrigue conduite chanté dans un style conçu pour imiter et souligner les inflexions de la parole, et aria (un "air" ou de la chanson officielle) dans lequel les personnages expriment leurs émotions dans un style mélodique plus structurée. Duos, trios et autres ensembles se produisent souvent, et chœurs sont utilisés pour commenter l'action. Dans certaines formes d'opéra, tels que Singspiel, Opéra Comique, opérette, et semi-opéra, le récitatif est principalement remplacé par des dialogues parlés. Passages mélodiques ou semi-mélodiques qui se produisent dans le milieu de, ou au lieu de récitatif, sont aussi appelés arioso. Pendant les périodes baroque et classique, récitatif pourrait apparaître sous deux formes de base: secco (sec) récitatif, chantée avec un rythme libre dictée par l'accent des mots, accompagné seulement par continuo, qui était habituellement un clavecin et un violoncelle; ou accompagnato (également connu sous le nom strumentato) dans lequel l'orchestre a assuré l'accompagnement. Par le 19ème siècle, accompagnato avait pris le dessus, l'orchestre a joué un rôle beaucoup plus important, et de Richard Wagner révolutionné l'opéra en abolissant presque toute distinction entre aria et récitatif dans sa quête de ce qu'il a appelé «mélodie infinie». Compositeurs ultérieurs ont eu tendance à suivre l'exemple de Wagner, mais certains, comme Stravinsky dans son Progrès The Rake ont résisté à la tendance. La terminologie des divers types de voix d'opéra est décrite en détail ci-dessous .

Histoire

Origines

Claudio Monteverdi

Le mot opéra signifie «travail» en italien (il est le pluriel de latins opus qui signifie «travail» ou «travail»), suggérant qu'il combine les arts de solo et chant choral, la déclamation, d'agir et de danse dans un spectacle mis en scène. Dafne par Jacopo Peri a été la première composition considéré comme l'opéra, tel qu'il est compris aujourd'hui. Il a été écrit autour de 1597, en grande partie sous l'inspiration d'un cercle d'élite de lettrés Florentins humanistes qui se sont réunis en tant que " Camerata de 'Bardi ". De manière significative, Dafne était une tentative de faire revivre le classique Drame grec, une partie de la reprise plus large de l'antiquité caractéristique de la Renaissance . Les membres de la Camerata considéré que les parties «chorus» de drames grecs ont été initialement chantés, et peut-être même l'intégralité du texte de tous les rôles; l'opéra a donc été conçu comme un moyen de "rétablir" cette situation. Dafne est malheureusement perdu. Un travail plus tard par Peri, Euridice, datant de 1600, est la première partition d'opéra à avoir survécu jusqu'à nos jours. L'honneur d'être le premier opéra encore être exécutées régulièrement, cependant, va à Claudio Monteverdi L'Orfeo, composé pour la cour de Mantoue en 1607. Le tribunal de la Mantoue Gonzague, les employeurs de Monteverdi, a joué un rôle important dans l'origine de l'opéra employant non seulement des chanteurs de la cour de la Concerto delle donne (jusqu'à 1598), mais aussi l'un des premiers réels "chanteurs d'opéra»; Madama Europa.

Opéra italien

L'ère baroque

George Frideric Handel , 1733

Théâtre baroque privé dans Český Krumlov

Teatro Argentina ( Panini, 1747, Musée du Louvre)

Opera ne est pas restée confinée à des auditoires judiciaires pour longtemps. En 1637, l'idée d'une «saison» ( Carnaval) des opéras assisté publiquement soutenus par les ventes de billets a émergé à Venise. Monteverdi avait déménagé à la ville de Mantoue et composé ses derniers opéras, Il ritorno d'Ulisse in patria et Le Couronnement de Poppée, pour le théâtre de Venise dans les années 1640. Son disciple le plus important Francesco Cavalli a aidé à répandre l'opéra dans toute l'Italie. Dans ces opéras baroques début, large comédie a été mélangé avec des éléments tragiques dans un mélange qui en pot certaines sensibilités instruits, déclenchant le premier de nombreux mouvements de réforme de l'opéra, parrainés par Arcadian Académie de Venise, qui est venu à être associé avec le poète Métastase, dont livrets contribué à cristalliser le genre de opera seria, qui est devenu la principale forme de l'opéra italien jusqu'à la fin du 18ème siècle. Une fois l'idéal métastasien avait été fermement établi, comédie baroque de l'époque opéra a été réservé à ce qui allait être appelé opera buffa.

Avant ces éléments ont été chassés de l'opéra seria, beaucoup livrets avait présenté une parcelle comique déroulement séparément comme une sorte de "opéra-dans-un-opéra." Une raison à cela était une tentative pour attirer les membres de la classe marchande croissante, nouveaux riches, mais encore moins cultivé que la noblesse, au public maisons d'opéra. Ces parcelles distinctes ont été presque immédiatement ressuscités dans une tradition développer séparément qui provient de la partie commedia dell'arte, une tradition de la scène improvisée à long florissante de l'Italie. Tout comme intermedi avait jadis été effectuée en entre les actes de pièces de théâtre, opéras dans le nouveau genre comique de «intermèdes», qui se sont développées en grande partie à Naples dans les années 1710 et des années 20, ont d'abord été mis en scène pendant les entractes de l'opéra seria. Ils sont devenus si populaires, cependant, qu'ils ont rapidement été offerts comme productions distinctes.

Opera seria a été élevé dans le ton et très stylisée en forme, généralement constitué de récitatif secco entrecoupées de longues arias da capo. Ces grands occasion offerte pour le chant virtuose et pendant l'âge d'or de l'opéra seria le chanteur est vraiment devenu l'étoile. Le rôle du héros est généralement écrit pour le la voix de castrat; castrats tels que Farinelli et Senesino, ainsi que femelle sopranos comme Faustina Bordoni, devenu en grande demande dans toute l'Europe comme l'opera seria a statué la scène dans tous les pays sauf la France. En effet, Farinelli fut l'un des chanteurs les plus célèbres du 18ème siècle. Opéra italien a fixé la norme baroque. Livrets italiens ont été la norme, même si un compositeur allemand comme Haendel se est trouvé composer les goûts de Rinaldo et Giulio Cesare pour un public de Londres. Livrets italien est demeuré dominant dans la période classique ainsi, par exemple dans les opéras de Mozart , qui a écrit à Vienne près de la clôture de siècle. Des compositeurs nés en Italie de seria d'opéra comprennent Alessandro Scarlatti, Vivaldi et Porpora.

Réforme: Gluck, l'attaque sur l'idéal métastasien, et Mozart

Illustration pour le score de la version originale de Vienne Orfeo ed Euridice (publié à Paris, 1764)

Opera seria avait ses faiblesses et ses critiques. Le goût pour l'embellissement de la part des chanteurs superbement formés, et l'utilisation de spectacle comme un remplacement pour la pureté et l'unité dramatique attiré attaques. Essai de Francesco Algarotti sur l'Opéra (1755) se est avéré être une source d'inspiration pour les Les réformes de Christoph Willibald Gluck. Il a plaidé pour que l'opéra seria a dû retourner à l'essentiel et que tous les différents éléments de musique (à la fois instrumentale et vocale), ballet, et la mise en scène doit-être subordonnés au drame primordial. Plusieurs compositeurs de la période, y compris Niccolò Jommelli et Tommaso Traetta, a tenté de mettre ces idéaux en pratique. Le premier pour réussir cependant, était Gluck. Gluck se est efforcé de parvenir à une «belle simplicité". Cela est évident dans son premier opéra de réforme, Orfeo ed Euridice, où ses mélodies vocales non-virtuoses sont pris en charge par des harmonies simples et une présence tout au long de l'orchestre plus riche.

Les réformes de Gluck ont eu une résonance à travers l'histoire de l'opéra. Weber, Mozart et Wagner, en particulier, ont été influencés par ses idéaux. Mozart, à bien des égards le successeur de Gluck, combiné un superbe sens du drame, l'harmonie, la mélodie, et le contrepoint d'écrire une série de comédies, notamment Così fan tutte, Les Noces de Figaro , et Don Giovanni (en collaboration avec Lorenzo Da Ponte) qui restent parmi les opéras les plus aimés, populaires et bien connus aujourd'hui. Mais la contribution de Mozart à l'opéra seria était plus mitigé; par son temps, il se mourait, et en dépit de ces belles œuvres que Idomeneo et La Clemenza di Tito, il ne parviendrait pas à mettre la forme d'art à la vie à nouveau.

Bel canto, Verdi et vérisme

Giuseppe Verdi, par Giovanni Boldini, 1886 (National Gallery of Modern Art, Rome)

Le bel canto d'opéra mouvement a prospéré au début du 19e siècle et est illustré par les opéras de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante et bien d'autres. Littéralement «beau chant», bel canto dérive de l'italien stylistique école de chant du même nom. Lignes de bel canto sont généralement fleurie et complexe, nécessitant agilité et de contrôle de terrain. Exemples d'opéras célèbres dans le style bel canto comprennent Rossini Il Barbiere di Siviglia et La Cenerentola, ainsi que Donizetti Lucia di Lammermoor.

Après l'ère du bel canto, un style énergique plus directe a été rapidement popularisé par Giuseppe Verdi , à commencer par son opéra biblique Nabucco. Les opéras de Verdi résonance avec l'esprit croissant de Nationalisme italien dans le post- napoléonienne époque, et il est rapidement devenu une icône du mouvement patriotique (bien que ses propres politiques étaient peut-être pas tout à fait aussi radicale). Au début des années 1850, Verdi a produit ses trois opéras les plus populaires: Rigoletto, Il trovatore et La traviata. Mais il a continué à développer son style, la composition peut-être le plus grand français Grand Opera, Don Carlos, et se terminant sa carrière avec deux Shakespeare inspirées des œuvres, Otello et Falstaff, qui révèlent à quel point l'opéra italien avait grandi dans la sophistication depuis le début du 19e siècle.

Après Verdi, du mélodrame sentimental «réaliste» de vérisme est apparu en Italie. Ce fut un style introduit par Pietro Mascagni Cavalleria rusticana et Ruggero Leoncavallo Pagliacci qui est venu presque à dominer les scènes d'opéra du monde avec ces œuvres populaires comme Giacomo Puccini La bohème, Tosca et Madama Butterfly . Compositeurs italiens plus tard, comme Berio et Nono, ont expérimenté modernisme.

Opéra en langue allemande

Illustration inspirée par Wagner de la musique le drame Das Rheingold

Richard Wagner en 1871

Le premier opéra allemand a été Dafne, composée par Heinrich Schütz en 1627, mais la partition n'a pas survécu. Opéra italien a tenu une grande emprise sur les pays germanophones jusqu'à la fin du 18e siècle. Néanmoins, les formes natives développées aussi. En 1644, Sigmund Staden a produit le premier Singspiel, Seelewig, une forme populaire de l'opéra en langue allemande dans laquelle le chant alterne avec dialogues parlés. Dans la fin du 17ème siècle et début du 18ème siècle, le Théâtre h Gänsemarkt dans Hambourg présenté opéras allemands par Keiser, Telemann et Haendel . Pourtant, la plupart des grands compositeurs allemands de l'époque, y compris lui-même, Haendel ainsi que Graun, Hasse et par la suite Gluck, a choisi d'écrire la plupart de leurs opéras en langues étrangères, en particulier italiens. Contrairement à l'opéra italien, qui a été généralement composé de la classe aristocratique, l'opéra allemand a été généralement composé pour les masses et avait tendance à présenter des mélodies folkloriques comme simples, et il ne était pas jusqu'à l'arrivée de Mozart l'opéra allemand était en mesure de correspondre à son homologue italien dans la sophistication musicale.

Mozart Singspiele s ', Die Entführung aus dem Serail (1782) et Die Zauberflöte (1791) étaient une percée importante dans la réalisation de reconnaissance internationale pour l'opéra allemand. La tradition a été développé dans le 19ème siècle par Beethoven avec son Fidelio, inspirée par le climat de la Révolution française . Carl Maria von Weber établi Opéra romantique allemand en opposition à la domination de l'italien bel canto. Son Der Freischütz (1821) montre son génie pour créer une atmosphère surnaturelle. D'autres compositeurs d'opéra de l'époque comprennent Marschner, Schubert et Lortzing, mais le chiffre le plus important est sans aucun doute Wagner .

Wagner était l'un des compositeurs les plus révolutionnaires et les plus controversés de l'histoire musicale. À partir sous l'influence de Weber et Meyerbeer, il a évolué progressivement un nouveau concept de l'opéra comme un Gesamtkunstwerk (une «œuvre d'art»), une fusion de la musique, la poésie et la peinture. Il a considérablement accru le rôle et la puissance de l'orchestre, créer des partitions avec un réseau complexe de leitmotivs, récurrente thèmes souvent associés avec les personnages et les concepts du drame, dont les prototypes peuvent être entendus dans ses opéras antérieurs, tels que Der fliegende Holländer, Tannhäuser et Lohengrin; et il a été préparé à violer les conventions musicales reconnus, tels que tonalité, dans sa quête d'une plus grande expressivité. Dans ses drames musicaux matures, Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen et Parsifal, il a aboli la distinction entre aria et récitatif en faveur d'un flux continu de «mélodie infinie». Wagner a également apporté une nouvelle dimension philosophique à l'opéra dans ses œuvres, qui sont généralement basés sur des histoires de Germanique ou arthurienne légende. Enfin, Wagner construit sa propre maison d'opéra à Bayreuth avec une partie de le patronage de Louis II de Bavière, dédié exclusivement à l'exercice de ses propres œuvres dans le style qu'il voulait.

Opera ne serait jamais la même après Wagner et pour de nombreux compositeurs prouvé son héritage un lourd fardeau. D'autre part, Richard Strauss accepté idées wagnériennes, mais les a entièrement dans de nouvelles directions. Il a d'abord gagné la célébrité avec la scandaleuse Salomé et la sombre tragédie Elektra, dans lequel la tonalité a été poussé à la limite. Puis Strauss a changé de tactique dans son plus grand succès, Der Rosenkavalier, où Mozart et viennoise valses sont devenus une influence aussi importante que Wagner. Strauss a continué à produire un corps très varié des œuvres lyriques, souvent avec livrets par le poète Hugo von Hofmannsthal. D'autres compositeurs qui ont fait des contributions individuelles à l'opéra allemand au début du 20e siècle comprennent Alexander von Zemlinsky, Erich Korngold, Franz Schreker, Paul Hindemith, Kurt Weill et l'Italien-né Ferruccio Busoni. Les innovations de l'opéra Arnold Schoenberg et ses successeurs sont discutés dans la section sur le modernisme .

Au cours de la fin du 19e siècle, le compositeur autrichien Johann Strauss II, un admirateur de la langue française opérettes composée par Jacques Offenbach, composé plusieurs opérettes de langue allemande, le plus célèbre de ce qui était Die Fledermaus, qui est toujours effectuée régulièrement aujourd'hui. Néanmoins, plutôt que de copier le style d'Offenbach, les opérettes de Strauss II avaient nettement viennoise saveur à eux, qui ont cimenté la place du Strauss II comme l'un des compositeurs d'opérettes les plus célèbres de tous les temps.

Opéra français

Une représentation de l'opéra de Lully Armide au Palais-Royal en 1761

En rivalité avec des productions d'opéra italiens importés, une tradition française distincte a été fondée par l'italien Jean-Baptiste Lully à la cour du roi Louis XIV . En dépit de son origine étrangère, Lully a établi un Académie de Musique et monopolisé l'opéra français de 1672. À partir de Cadmus et Hermione, Lully et son librettiste Quinault créé tragédie en musique, une forme dans laquelle la musique de danse et écriture chorale se sont particulièrement distinguées. Les opéras de Lully montrent également une préoccupation pour expressive récitatif qui correspondait les contours de la langue française. Au 18ème siècle, le successeur le plus important était de Lully Jean-Philippe Rameau, qui a composé cinq tragédies en musique ainsi que de nombreuses œuvres dans d'autres genres tels que opéra-ballet, tous remarquables par leur orchestration riche et audacieuse harmonique. Malgré la popularité de l'italien seria d'opéra dans une grande partie de l'Europe au cours de la période baroque, l'opéra italien ne ont jamais eu beaucoup d'un pied en France, où sa propre tradition lyrique nationale était plus populaire à la place. Après la mort de Rameau, l'Allemand Gluck a été persuadé de produire six opéras pour la scène parisienne dans les années 1770. Ils montrent l'influence de Rameau, mais simplifié et mettant davantage l'accent sur le drame. Dans le même temps, d'ici le milieu du 18ème siècle un autre genre a été gagne en popularité en France: Opéra comique. Ce est l'équivalent de l'allemand Singspiel, où les arias alternent avec des dialogues parlés. Parmi les exemples notables de ce style ont été produites par Monsigny, Philidor et, surtout, Grétry. Au cours de la révolutionnaire période, compositeurs tels que Méhul et Cherubini, qui étaient partisans de Gluck, a apporté une nouvelle gravité au genre, qui ne avait jamais été totalement "bande dessinée" dans tous les cas. Un autre phénomène de cette période a été la «propagande opéra" célébrer les réussites révolutionnaires, par exemple Le triomphe de la République de Gossec (1793).

Dans les années 1820, l'influence Gluckian en France avait cédé la place à un goût pour l'italien Bel Canto, surtout après l'arrivée de Rossini à Paris. Rossini Guillaume Tell a aidé à fonder le nouveau genre de Grand Opera, une forme dont le représentant le plus célèbre était un autre étranger, Giacomo Meyerbeer. Les œuvres de Meyerbeer, comme Les Huguenots souligné le chant virtuose et effets scéniques extraordinaires. Briquet Opéra Comique a également connu un énorme succès dans les mains de Boïeldieu, Auber, Hérold et Adolphe Adam. Dans ce climat, les opéras du compositeur français né Hector Berlioz a lutté pour obtenir une audience. Chef-d'œuvre épique de Berlioz Les Troyens, le point culminant de la tradition Gluckian, n'a pas été une performance pleine pour presque cent ans.

Dans la seconde moitié du 19ème siècle, Jacques Offenbach créé opérette avec des œuvres spirituelles et cyniques tels que Orphée aux enfers, ainsi que l'opéra Les Contes d'Hoffmann; Charles Gounod a marqué un succès massif avec Faust; et Bizet composé Carmen, qui, une fois le public a appris à accepter son mélange de romantisme et de réalisme, est devenu le plus populaire de tous les opéras-comiques. Jules Massenet, Camille Saint-Saëns et Léo Delibes tous Les œuvres composées qui font toujours partie du répertoire standard, des exemples étant Massenet Manon, Saint-Saëns Samson et Dalila et Delibes ' Lakmé. Dans le même temps, l'influence de Richard Wagner a été ressenti comme un défi à la tradition française. Beaucoup de critiques françaises colère rejeté les drames musicaux de Wagner tandis que de nombreux compositeurs français les imitèrent en étroite collaboration avec un succès variable. Peut-être la réponse la plus intéressante a été de Claude Debussy. Comme dans les œuvres de Wagner, l'orchestre joue un rôle de premier plan dans unique opéra de Debussy Pelléas et Mélisande (1902) et il n'y a pas de vrais airs, ne récitatif. Mais le drame est sous-estimé, énigmatique et complètement unWagnerian.

Les autres noms notables du 20e siècle comprennent Ravel, Dukas, Roussel et Milhaud. Francis Poulenc est l'un des rares compositeurs post-guerre de toutes nationalités dont les opéras (qui comprennent Dialogues des Carmélites) ont pris pied dans le répertoire international. Long drame sacré d'Olivier Messiaen Saint François d'Assise (1983) a également attiré l'attention générale.

Opéra en langue anglaise

Henry Purcell

En Angleterre, l'antécédent de l'opéra était le 17 gabarit de siècle. Ce était une petite pièce qui est venu à la fin d'un jeu. Il était fréquemment calomnieux et scandaleuse et a consisté pour l'essentiel du dialogue mis en musique organisé à partir des airs populaires. À cet égard, les gabarits anticiper les opéras de ballades du 18ème siècle. Dans le même temps, les Français masque gagnait une prise ferme à la Cour d'Angleterre, avec encore plus de splendeur des paysages somptueux et très réaliste que ce qui avait été vu avant. Inigo Jones est devenu le concepteur quintessence de ces productions, et ce style allait dominer la scène anglaise pendant trois siècles. Ces masques contenaient chants et des danses. Dans Ben Jonson s 'Lovers Made Men (1617), "l'ensemble masque a été chanté à la manière italienne, stilo récitatif". L'approche de la Anglais Commonwealth fermé théâtres et se arrêta tout développement qui peuvent avoir conduit à la création d'opéra anglais. Cependant, en 1656, le dramaturge Sir William Davenant produit Le siège de Rhodes. Depuis son théâtre ne était pas autorisée à produire des dramatiques, il a demandé à plusieurs des grands compositeurs (Lawes, Cooke, Locke, Coleman et Hudson) pour définir les sections de celui-ci à la musique. Ce succès a été suivi par La cruauté des Espagnols au Pérou (1658) et L'histoire de Sir Francis Drake (1659). Ces pièces ont été encouragés par Oliver Cromwell parce qu'ils ont critiqué l'Espagne. Avec le Restauration anglaise, musiciens (surtout français) étrangers ont été accueillis en arrière. En 1673, Thomas Shadwell de Psyché, calqué sur le 1671 «comédie-ballet» du même nom produit par Molière et Jean-Baptiste Lully. William Davenant produit The Tempest de la même année, qui était la première adaptation musicale d'un Shakespeare jouer (composée par Locke et Johnson). A propos de 1683, John Blow composé Vénus et Adonis, souvent considérés comme le premier véritable opéra en langue anglaise.

Successeur immédiat de coup était mieux connu Henry Purcell . Malgré le succès de son chef-d'oeuvre Didon et Enée (1689), dans lequel l'action est renforcée par l'utilisation de récitatif de style italien, la plupart des meilleurs travaux de Purcell était pas impliqué dans la composition de l'opéra typique, mais au contraire, il travaille habituellement au sein de la contraintes du le format semi-opéra, où les scènes et masques isolés sont contenues dans la structure d'un jeu parlé, comme Shakespeare dans de Purcell The Fairy Queen (1692) et de Beaumont et Fletcher à La Prophétesse (1690) et Bonduca (1696). Les personnages principaux du jeu ont tendance à ne pas être impliqués dans les scènes musicales, ce qui signifie que Purcell a rarement été en mesure de développer ses personnages à travers la chanson. Malgré ces obstacles, son but (et celle de son collaborateur John Dryden) était d'établir opéra sérieux en Angleterre, mais ces espoirs se est terminée par la mort précoce de Purcell à l'âge de 36.

Thomas Arne

Après Purcell, la popularité de l'opéra en Angleterre diminué depuis plusieurs décennies. Un regain d'intérêt pour l'opéra se est produite dans les années 1730, qui est en grande partie attribuable à Thomas Arne, à la fois pour ses propres compositions et Haendel pour alerter les possibilités commerciales de travaux de grande envergure en anglais. Arne fut le premier compositeur anglais à expérimenter avec de style italien tout chanté l'opéra-comique, avec son plus grand succès étant Thomas et Sally en 1760. Son opéra Artaxerxès (1762) était la première tentative de définir un soufflé plein- seria d'opéra en anglais et a été un énorme succès, tenant la scène jusqu'à ce que les années 1830. Bien Arne imité de nombreux éléments de l'opéra italien, il était peut-être le seul compositeur anglais à l'époque qui était capable de se déplacer au-delà des influences italiennes et de créer sa propre voix unique et très anglais. Son opéra de ballade modernisé, Amour dans un Village (1762), a commencé une vogue pour l'opéra pastiche qui dura bien dans le 19ème siècle. Charles Burney écrit que Arne introduit "une lumière, aérée, original, et la mélodie agréable, tout à fait différente de celle de Purcell ou Handel, que tous les compositeurs anglais avaient pillé soit ou imités".

Le Mikado (lithographie)

Outre Arne, l'autre force dominante en anglais opéra à cette époque était George Frideric Handel , dont serias opéra rempli les stades d'opéra de Londres depuis des décennies, et a influencé la plupart des compositeurs de chez nous, comme John Frederick Lampe, qui a écrit en utilisant des modèles italiens. Cette situation a perduré tout au long des 18e et 19e siècles, y compris dans le travail de Michael William Balfe, et les opéras de grands compositeurs italiens, ainsi que ceux de Mozart, Beethoven et Meyerbeer, ont continué à dominer la scène musicale en Angleterre.

Les seules exceptions étaient opéras ballade, comme John Gay de L'Opéra des gueux (1728), comédie musicale burlesques, européenne opérettes, et fin Ère victorienne opérettes, notamment le Savoy Opéras de WS Gilbert et Arthur Sullivan , tous les types de divertissements musicaux souvent usurpés conventions de l'opéra. Sullivan a écrit un seul grand opéra, Ivanhoe (suite aux efforts d'un certain nombre de jeunes compositeurs anglais commençant vers 1876), mais il a affirmé que même ses opéras légers faisaient partie d'une école de "English" opéra, destiné à supplanter les opérettes françaises (généralement effectuée dans de mauvaises traductions) qui avait dominé la scène londonienne du milieu du 19e siècle dans les années 1870. Londres de Daily Telegraph convenu, décrivant L'Yeomen de la Garde comme «un véritable opéra anglais, précurseur de beaucoup d'autres, espérons-le, et éventuellement d'une avance importante vers une scène lyrique nationale."

Au 20e siècle, opéra anglais a commencé à affirmer plus d'indépendance, avec des œuvres de Ralph Vaughan Williams , et en particulier de Benjamin Britten , qui, dans une série d'œuvres qui restent dans le répertoire aujourd'hui la norme, a révélé un excellent flair pour la musicalité spectaculaire et superbe. Aujourd'hui compositeurs tels que Thomas Adès continuer à exporter opéra anglais à l'étranger. Plus récemment Sir Harrison Birtwistle a émergé comme l'un des compositeurs contemporains les plus importants de Grande-Bretagne de son premier opéra Punch et Judy à son succès critique la plus récente Le Minotaure. Dans la première décennie du 21e siècle, le librettiste de l'opéra Birtwistle début, Michael Nyman, a mis l'accent sur opéras composent, y compris Face à Goya, Man and Boy: Dada, et Love Counts.

Toujours dans le 20e siècle, les compositeurs américains comme Leonard Bernstein, George Gershwin, Gian Carlo Menotti, Douglas Moore, et Carlisle Floyd a commencé à contribuer opéras de langue anglaise infusé avec des touches de styles musicaux populaires. Ils ont été suivis par des compositeurs tels que Philip Glass, Mark Adamo, John Corigliano, Robert Moran, John Coolidge Adams, André Previn et Jake Heggie.

Opéra russe

Feodor Chaliapine que Ivan Susanin dans Glinka Une vie pour le tsar

Opera a été porté à la Russie dans les années 1730 par le Opéra italien troupes et bientôt il est devenu une partie importante de divertissement pour la cour impériale de Russie et aristocratie. Beaucoup de compositeurs étrangers tels que Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti, et Domenico Cimarosa (ainsi que plusieurs autres) ont été invités à la Russie à composer de nouveaux opéras, principalement dans la langue italienne . Simultanément certains musiciens comme domestiques Maksym Berezovsky et Dmitry Bortniansky ont été envoyés à l'étranger pour apprendre à écrire des opéras. Le premier opéra écrit en russe était Tsefal i Procris par le compositeur italien Francesco Araja (1755). Le développement de l'opéra en langue russe a été soutenue par les compositeurs russes Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin et Alexey Verstovsky.

Cependant, la véritable naissance de Opéra russe est venu avec Mikhail Glinka et ses deux grands opéras Une vie pour le tsar (1836) et Rouslan et Ludmila (1842). Après lui dans le 19e siècle en Russie, il a été écrit que des chefs-d'œuvre d'opéra Rusalka et Le Convive de pierre par Alexander Dargomyzhsky, Boris Godounov et Khovanshchina par Modest Mussorgsky, Prince Igor de Alexander Borodin, Eugène Onéguine et La Dame de pique de Tchaïkovski , et La jeune fille de neige et Sadko par Nikolai Rimsky-Korsakov . Ces évolutions reflètent la croissance du russe nationalisme à travers le spectre artistique, dans le cadre de la plus générale Slavophilisme mouvement.

Au 20e siècle, la traditions de l'opéra russe ont été élaborés par de nombreux compositeurs dont Sergei Rachmaninoff dans ses œuvres Le Chevalier avare et Francesca da Rimini, Igor Stravinsky dans Le Rossignol, Mavra, Oedipus Rex, et Progrès The Rake, Sergei Prokofiev The Gambler, L'Amour des trois oranges, The Fiery Angel, Les Fiançailles au couvent, et Guerre et Paix; aussi bien que Dmitri Chostakovitch Le nez et la Lady Macbeth du district de Mtsensk, Edison Denisov dans L'écume des jours, et Alfred Schnittke dans La Vie avec un idiot et Historia von D. Johann Fausten.

Autres opéras nationaux

L'Espagne a produit aussi sa propre forme distinctive de l'opéra, connu sous le nom zarzuela, qui avait deux floraisons distincts: l'un du milieu du 17e siècle à travers le milieu du 18e siècle, et un autre début vers 1850. Au cours de la fin du 18e siècle jusqu'à la moitié du 19ème siècle, l'opéra italien était immensément populaire en Espagne, supplantant la forme native.

Compositeurs tchèques ont également développé un mouvement de l'opéra national en plein essor de leur propre au 19ème siècle, à commencer par Bedřich Smetana, qui a écrit huit opéras, y compris le populaire internationale La Fiancée vendue. Antonín Dvořák, plus célèbre pour Rusalka, a écrit 13 opéras; et Leoš Janáček a acquis une reconnaissance internationale dans le 20ème siècle pour ses travaux novateurs, y compris Jenufa, La Petite Renarde rusée, et Katja Kabanova.

Le personnage clé de l'opéra nationale hongroise au 19ème siècle était Ferenc Erkel, dont les œuvres souvent effectuées avec des thèmes historiques. Parmi ses opéras les plus souvent effectuées sont Hunyadi László et Bán banque. Le plus célèbre opéra hongrois moderne Béla Bartók Château de Barbe-Bleue.

L'opéra de Stanisław Moniuszko Straszny Dwór (en anglais The Haunted Manor) (1861-4) représente un pic XIXe siècle Opéra national polonais. Au 20e siècle, d'autres opéras créés par des compositeurs polonais inclus Le Roi Roger par Karol Szymanowski et Ubu Rex par Krzysztof Penderecki.

Les premiers opéras de la Région du Caucase comprend Leyli et Medjnoun (1908) et KÖROĞLU (1937) par l' Azerbaïdjan compositeur Uzeyir Hajibeyov etAbsalom et Eteri(1913-1919) par leGeorgian Zakaria Paliashvili.

La première kirghize opéra, Ai-Churek , créé à Moscou au Théâtre Bolchoï, le 26 mai 1939, au cours de la Décennie kirghize Art. Il a été composée par Vladimir Vlasov, Abdylas Maldybaev et Vladimir Fère. Le livret a été écrit par Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov et Kybanychbek Malikov. L'opéra est basé sur l'épopée héroïque kirghize Manas .

Contemporains, récents et des tendances modernistes

Modernisme

Peut-être la manifestation la plus évidente stylistique du modernisme dans l'opéra est le développement de l'atonalité . L'abandon de la tonalité traditionnelle dans l'opéra avait commencé avec Richard Wagner , et en particulier l' accord de Tristan. Des compositeurs tels que Richard Strauss , Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith, Benjamin Britten et Hans Pfitzner poussés harmonie wagnérienne plus loin avec une utilisation plus extrême de chromatisme et une plus grande utilisation de la dissonance.

Arnold Schoenberg en 1917.
Portrait par Egon Schiele.

Modernisme lyrique a véritablement commencé dans les opéras de deux compositeurs viennois, Arnold Schoenberg et son élève Alban Berg, deux compositeurs et les défenseurs de l'atonalité et son développement ultérieur (comme travaillé par Schoenberg), le dodécaphonisme. Début musico-dramatique des œuvres de Schoenberg, Erwartung (1909, créé en 1924) et Die glückliche main affichage usage intensif de l'harmonie chromatique et la dissonance en général. Schoenberg aussi parfois utilisé Sprechstimme.

Les deux opéras de l'élève de Schoenberg Alban Berg, Wozzeck (1925) et Lulu (incomplète à sa mort en 1935) partagent bon nombre des mêmes caractéristiques que celles décrites ci-dessus, bien que Berg a combiné son interprétation très personnelle de la technique dodécaphonique de Schoenberg avec des passages mélodiques une nature plus traditionnellement tonale (assez mahlérienne caractère) qui explique peut-être en partie pourquoi ses opéras sont restés dans le répertoire standard, en dépit de leur musique et de parcelles controversée. Les théories de Schoenberg ont influencé (directement ou indirectement) un nombre important de compositeurs d'opéra depuis, même si elles-mêmes ne composent en utilisant ses techniques.

Stravinsky en 1921.

Compositeurs donc influencés comprennent l'AnglaisBenjamin Britten, l'AllemandHans Werner Henze, et le Russe Dmitri Chostakovitch. ( Philip Glass permet également l'utilisation de l'atonalité, bien que son style est généralement décrite commeminimaliste, généralement considéré comme un autre développement du 20ème siècle.)

Cependant, l'utilisation du modernisme lyrique de l'atonalité a également suscité une réaction sous la forme de néo-classicisme. Un premier leader de ce mouvement était Ferruccio Busoni, qui en 1913 a écrit le livret pour son néoclassique nombre opéra Arlecchino (la première fois en 1917). Également parmi l'avant-garde russe était Igor Stravinsky . Après avoir composé la musique pour le ballet de Diaghilev produites Petrouchka (1911) et Le Sacre du printemps (1913), Stravinski se tourna vers le néoclassicisme, un développement culminant dans son opéra-oratorio Oedipus Rex (1927). Eh bien après sa Rimsky-Korsakov-inspirés fonctionne The Nightingale (1914), et Mavra (1922), Stravinsky ont continué d'ignorer la technique sérielle et finalement écrit un style du 18ème siècle à part entière diatonique nombre opéra The Rake Progress (1951). Sa résistance au sérialisme (une attitude il a inversé après la mort de Schoenberg) avéré être une source d'inspiration pour de nombreux autres compositeurs.

Autres tendances

Une tendance commune tout au long du 20e siècle, à la fois dans l'opéra et répertoire orchestral général, est l'utilisation de petits orchestres comme une mesure de réduction des coûts; les grands orchestres de l'époque romantique avec des sections énormes de cordes, harpes, plusieurs cornes supplémentaires, et des percussions exotiques ne sont plus réalisables. Comme le gouvernement et le mécénat privé des arts ont diminué au cours du 20e siècle, de nouvelles œuvres ont souvent été commandées et réalisées avec de petits budgets, très entraînant souvent des œuvres de musique de chambre de taille, et les courts opéras en un acte. Beaucoup de Benjamin Britten opéras sont marqués pour aussi peu que 13 instrumentistes; en deux actes de la réalisation de Mark Adamo de Little Women est marqué pour 18 instrumentistes.

Une autre caractéristique de la fin de l'opéra du 20ème siècle est l'émergence d'opéras historiques contemporains, contrairement à la tradition de fonder opéras sur l'histoire plus lointaine, la re-raconter des histoires ou des jeux de fiction contemporains, ou sur un mythe ou une légende. The Death of Klinghoffer, Nixon en Chineet Doctor AtomicparJohn Adams, Dead Man WalkingparJake Heggie, et Anna NicoleparMark-Anthony Turnage illustrent la dramatisation sur la scène des événements dans la mémoire de la vie récente, où les personnages dépeints dans l'opéra étaient vivants au moment de la première représentation.

Le Metropolitan Opera aux États-Unis indique que l'âge moyen de son audience est maintenant 60. De nombreuses compagnies d'opéra ont connu une tendance similaire, et les sites Web de la compagnie d'opéra regorgent de tentatives pour attirer un public plus jeune. Cette tendance fait partie de la plus grande tendance de vieillissement public pour la musique classique depuis les dernières décennies du 20e siècle. Dans un effort pour attirer un public plus jeune, le Metropolitan Opera offre un rabais étudiant sur ​​les achats de billets. Les grandes compagnies d'opéra ont été mieux en mesure de résister aux compressions budgétaires, parce qu'ils ne peuvent se permettre d'embaucher chanteurs vedettes qui attirent un public nombreux.

Les petites entreprises aux États-Unis ont une existence plus fragile, et ils dépendent généralement sur ​​un "patchwork" de l'appui des gouvernements d'État et locaux, des entreprises locales et des collectes de fonds. Néanmoins, certaines petites entreprises ont trouvé des façons de dessiner de nouveaux publics. Opera Carolina offrent des rabais et des événements happy hour au 21- à 40-year-old démographique. En plus des émissions de radio et de télévision des spectacles d'opéra, qui ont eu un certain succès dans la conquête de nouveaux publics, les diffusions de spectacles vivants en HD à des salles de cinéma ont montré le potentiel d'atteindre de nouveaux publics. Depuis 2006, le Met a diffusé des spectacles à plusieurs centaines de salles de cinéma du monde entier.

De retour vers l'opéra comédies musicales

À la fin des années 1930, quelques comédies musicales ont commencé à être écrite avec une structure plus lyrique. Ces travaux incluent des ensembles polyphoniques complexes et reflètent les développements musicaux de leur temps. Porgy and Bess (1935), influencé par les styles de jazz, et Candide (1956), avec ses vastes passages lyriques et des parodies burlesques de l'opéra, à la fois ouvert sur ​​Broadway, mais sont devenus acceptées comme faisant partie de l'opéra de répertoire. Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Evita , la lumière dans la Piazza , Le Fantôme de l'Opéra et d'autres racontent des histoires dramatiques à travers la musique complexe et sont maintenant parfois vu dans les maisons d'opéra. Le Most Happy Fella (1952) est quasi-lyrique et a été relancé par les New York City Opera. comédies musicales Certains, comme Tommy (1969) et Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Louer (1996) et Spring Awakening (2006) , emploient diverses conventions de l'opéra, comme à travers la composition, récitatif à la place du dialogue, et leitmotivs.

Amélioration acoustique dans l'opéra

Un type subtil de renforcement électronique appelé son amélioration acoustique est utilisé dans certaines salles de concert et théâtres modernes où opéras sont effectuées. Même si aucune des grandes maisons d'opéra "... utiliser, sonorisation Broadway-style traditionnel, dans lequel la plupart, sinon tous les chanteurs sont équipées de micros de radio mélangés à une série de haut-parleurs disgracieuses dispersés à travers le théâtre", l'utilisation de nombreux une sonorisation système d'amélioration acoustique, et pour stimuler subtile des voix hors scène, les enfants chanteurs, sur scène, le dialogue et les effets sonores (par exemple, les cloches des églises dans Tosca ou tonnerre effets dans des opéras wagnériens).

Voix d'opéra

Technique vocale lyrique a évolué, dans un temps avant amplification électronique, pour permettre chanteurs pour produire un volume suffisant pour être entendu sur un orchestre, sans les instrumentistes ayant compromettre substantiellement leur volume.

Classifications Vocal

Les chanteurs et les rôles qu'ils jouent sont classés par type de voix, sur la base du tessiture, l'agilité, la puissance et le timbre de leurs voix. Chanteurs peuvent être classés par gamme vocale comme basse, baryton-basse, baryton, ténor et contre-ténor, et chanteuses que contralto, mezzo-soprano et soprano. (Hommes chantent parfois dans les gammes vocales «féminins», auquel cas ils sont qualifiés de sopraniste ou contre-ténor. Le contre-ténor est couramment rencontré dans l'opéra, le chant parfois des pièces écrites pour les castrats - les hommes castrés à un jeune âge spécifiquement pour leur donner une gamme de chant supérieur .) Singers sont ensuite classés par taille - par exemple, une soprano peut être décrit comme un soprano lyrique, colorature, soubrette, spinto ou soprano dramatique. Ces termes, bien que pas entièrement décrivant une voix de chant, associent la voix de la chanteuse avec les rôles les plus appropriés aux caractéristiques vocales de la chanteuse.

Pourtant, un autre sous-classification peut être réalisée selon agissant compétences ou exigences, par exemple l' Basso Buffo qui doivent souvent être un spécialiste en bagout ainsi qu'un acteur comique. Ceci est réalisé en détail dans le Fach système des pays germanophones, où historiquement opéra et parlé drame ont souvent été mis sur pied par la même compagnie de répertoire.

La voix d'un chanteur particulier peut changer radicalement au cours de sa vie, atteignant rarement maturité vocale jusqu'à la troisième décennie, et parfois pas jusqu'à l'âge mûr. Deux types de voix françaises, première Dugazon et deuxieme Dugazon , ont été nommés après les étapes successives de la carrière de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Autres termes originaires de l'installation de coulée de star des théâtres parisiens sont baryton-martin et faucon .

Utilisation historique des parties vocales

La voix de soprano a généralement été utilisé comme la voix de choix pour le personnage féminin de l'opéra depuis la seconde moitié du 18ème siècle. Auparavant, il était courant pour la partie à être chanté par toute voix de femme, ou même un castrat. L'accent mis actuellement sur ​​une large gamme vocale est essentiellement une invention de l' Période classique. Avant cela, la virtuosité vocale, pas gamme, était la priorité, avec des parties de soprano étendant rarement au-dessus d'une haute A ( Haendel , par exemple, seulement écrit un rôle étendant à un haute C), bien que le castrat Farinelli a été allégué de posséder un haut D (sa gamme inférieure a également été extraordinaire, étendant ténor C). La mezzo-soprano, un terme de comparaison origine récente, dispose également d'un vaste répertoire, allant du rôle féminin dans de Purcell Dido and Aeneas à ces rôles lourds comme Brangäne dans de Wagner Tristan und Isolde (ce sont les deux rôles parfois chantés par les sopranos; il est tout à fait beaucoup de mouvement entre ces deux voix-types). Pour le vrai contralto, la gamme de pièces est plus limitée, ce qui a donné lieu à la blague d'initiés que contralti seulement chanter "les sorcières, les chiennes, et culottes "rôles. Au cours des dernières années, de nombreux des «rôles pantalon" de l'époque baroque, écrite à l'origine pour les femmes, et de ceux à l'origine chantée par des castrats, ont été réaffectés à des contre-ténors.

La voix de ténor, de l'époque classique partir, a traditionnellement été attribué le rôle de protagoniste masculin. Beaucoup de rôles de ténor les plus difficiles du répertoire ont été écrites pendant la bel canto époque, comme la séquence de Donizetti 9 Cs-dessus du milieu C pendant La fille du régiment . Avec Wagner est venu l'accent sur ​​la stature vocale pour ses rôles protagoniste, avec cette catégorie vocale décrit comme Heldentenor ; cette voix héroïque avait son homologue plus italianisant dans des rôles tels que Calaf dans de Puccini Turandot . Basses ont une longue histoire dans l'opéra, ayant été utilisés dans l'opera seria dans des rôles de soutien, et parfois pour le soulagement comique (ainsi que de fournir un contraste à la prépondérance de haute voix dans ce genre). Le répertoire de basse est large et varié, allant de la comédie de Leporello dans Don Giovanni à la noblesse de Wotan de Wagner la Tétralogie . Entre la basse et le ténor est le baryton, qui varie également dans le poids du mot, Guglielmo de Mozart Così fan tutte de Posa dans de Verdi Don Carlos ; la désignation réelle "baryton" était pas standard jusqu'à ce que le milieu du 19e siècle.

Chanteurs célèbres

Le castratSenesino, c. 1720

Les premières représentations de l'opéra étaient trop rares pour les chanteurs de faire un vivant exclusivement du style, mais avec la naissance de l'opéra commerciale dans le milieu du 17e siècle, des artistes professionnels ont commencé à émerger. Le rôle du héros masculin était habituellement confiée à un castrat, et par le 18ème siècle, quand l'opéra italien a été réalisée dans toute l'Europe, castrats principaux qui possédaient la virtuosité vocale extraordinaire, comme Senesino et Farinelli, sont devenus des stars internationales. La carrière de la première grande star féminine (ou prima donna), Anna Renzi, remonte au milieu du 17e siècle. Au 18ème siècle, un certain nombre de sopranos italiens acquis une renommée internationale et souvent engagés dans une rivalité féroce, comme ce fut le cas avec Faustina Bordoni et Francesca Cuzzoni, qui a commencé une bagarre avec un de l'autre au cours d'une représentation d'un opéra de Haendel. Les castrats détesté français, préférant leurs héros masculins à être chantés par un haute-contre (un haut ténor), dont Joseph Legros était un exemple majeur.

Bien que l'opéra mécénat a diminué au cours du siècle dernier en faveur d'autres arts et des médias (tels que les comédies musicales, le cinéma, la radio, la télévision et les enregistrements), les médias et l'avènement de l'enregistrement ont soutenu la popularité de nombreux chanteurs célèbres, dont Maria Callas, Enrico Caruso, Kirsten Flagstad,Mario Del Monaco,Risë Stevens,Alfredo Kraus,Franco Corelli, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Nellie Melba,Rosa Ponselle, Beniamino Gigli, Jussi Björling,Feodor Chaliapine, et "Les Trois Ténors "(Luciano Pavarotti,Placido Domingo etJosé Carreras).

Le financement de l'opéra

Hors États-Unis, et en particulier en Europe, la plupart des maisons d'opéra reçoivent des subventions publiques de contribuables.

Par exemple, à Milan, Italie, 60% du budget annuel de La Scala € 115 millions est des ventes et des dons privés, les 40% restants provenant de fonds publics. En 2005, La Scala a reçu 25% des subventions de l'Etat totale de l'Italie à 464 M € pour les arts de la scène.

Cinéma et internet

Les grandes compagnies d'opéra ont commencé la présentation de leurs performances dans les cinémas locaux à travers les États-Unis et de nombreux autres pays. Le Metropolitan Opera a commencé une série de direct -vidéo haute définition transmissions aux cinémas à travers le monde en 2006. En 2007, les performances du Met ont été montrées dans plus de 424 théâtres dans 350 villes américaines. La bohème sortirent pour 671 écrans à travers le monde. Opéra de San Francisco a commencé transmissions vidéo préenregistrées en Mars 2008. En Juin 2008, environ 125 théâtres dans 117 villes américaines portent les indices. Les transmissions d'opéra vidéo HD sont présentés par les mêmes HD projecteurs de cinéma numérique utilisés pour les grands films hollywoodiens. Maisons et d'opéra européennes festivals, y compris le Royal Opera de Londres, la Scala de Milan, le Festival de Salzbourg, La Fenice de Venise, et le Maggio Musicale à Florence ont également transmis leurs productions au théâtre dans les villes à travers le monde depuis 2006, dont 90 villes Aux États-Unis

L'émergence de l'Internet affecte également la manière dont les publics consomment opéra. Dans une première pour le genre, en 2009, la Colombie société Glyndebourne Opera Festival a offert un téléchargement de vidéo numérique en ligne de son entière production de 2007 de Wagner Tristan und Isolde.

En Juillet 2012 Google créée le premier opéra de la communauté au Festival d'opéra de Savonlinna. Free Will a été écrit, composé et visualisé par groupe de bénévoles sur Internet appelé Opera par vous. Solistes professionnels, un choeur d'opéra de 80 membres, un orchestre symphonique et un public de 2700 faisaient partie de cet événement historique lorsque Free Will a été présenté au château médiéval de Olavinlinna.