Akira Kurosawa

Akira Kurosawa 黒澤明
Né	(23/03/1910) 23 Mars, 1910 Shinagawa, Tokyo, Japon
Mort	6 septembre 1998 (06/09/1998) (âgés de 88) Setagaya, Tokyo, Japon
Occupation	Directeur, scénariste, producteur, éditeur
Années actives	1936-1993
Influencé par	Fiodor Dostoïevski , Maxim Gorki, John Ford, William Shakespeare , Kenji Mizoguchi
Influencé	Sergio Leone, Federico Fellini, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, George Lucas, Steven Spielberg , Satyajit Ray, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovsky, Robert Altman, Takeshi Kitano, Michael Cimino, Sam Peckinpah, Hayao Miyazaki, Katsuhiro Otomo, Yoshiaki Kawajiri, Clint Eastwood, Andrzej Wajda, William Friedkin, Bernardo Bertolucci, John Woo, Walter Hill, Ridley Scott
Mariage (s)	Yōko Yaguchi (1945-1985) (sa mort)
Enfants	Kazuko Kurosawa Hisao Kurosawa
Parents	Isamu Kurosawa Shima Kurosawa

Akira Kurosawa ( Japonais: 黒澤明, Hepburn: Akira Kurosawa, le 23 Mars, 1910 - 6 Septembre, 1998) était un Japonais réalisateur, scénariste, producteur, et éditeur. Considéré comme l'un des cinéastes les plus importants et influents de l'histoire du cinéma, Kurosawa a dirigé 30 films dans une carrière de 57 ans.

Kurosawa entré dans la Industrie cinématographique japonaise en 1936, après un bref passage en tant que peintre. Après des années de travail sur de nombreux films en tant que directeur adjoint et scénariste, il a fait ses débuts en tant que réalisateur en 1943, pendant la Seconde Guerre mondiale avec le populaire film d'action Sanshiro Sugata (aka Saga Judo). Après la guerre, acclamé par la critique Ange ivre (1948), dans lequel Kurosawa jeté acteur alors inconnu Toshiro Mifune dans un rôle principal, a cimenté la réputation du directeur comme l'un des plus importants jeunes cinéastes au Japon. Les deux hommes allaient à collaborer sur un autre 15 films.

Rashomon, dont la première à Tokyo en Août 1950, et qui a également joué Mifune, est devenu, le 10 Septembre 1951, le vainqueur surprise de la Lion d'or à la Mostra de Venise et a ensuite été libéré en Europe et en Amérique du Nord. Le succès commercial et critique de ce film a ouvert les marchés de films occidentaux pour la première fois les produits de l'industrie cinématographique japonaise, qui à son tour conduit à une reconnaissance internationale pour d'autres cinéastes japonais. Tout au long des années 1950 et au début des années 1960, Kurosawa dirigé environ un film par an, dont un certain nombre de films hautement respectés tels que Ikiru (1952), Sept Samouraïs (1954) et Yojimbo (1961). Après le milieu des années 1960, il est devenu beaucoup moins prolifique, mais son travail plus tard, y compris ses deux dernières épopées, Kagemusha (1980) et Ran (1985) -suite de gagner des prix, y compris le Palme d'Or pour Kagemusha, mais plus souvent à l'étranger qu'au Japon.

En 1990, il a accepté le prix de l'Académie pour Lifetime Achievement. À titre posthume, il a été nommé " Asie du siècle »dans la catégorie« Arts, littérature et la culture »par Le magazine et AsianWeek CNN, cité comme «l'un des [cinq] personnes qui ont le plus contribué à l'amélioration de l'Asie au cours des 100 dernières années".

Vie et carrière

Enfance et jeunesse (1910-1935)

Kurosawa est né le 23 Mars 1910 à Oimachi dans le Ōmori district de Tokyo. Son père Isamu, un membre d'un ancien famille samouraï de la La préfecture d'Akita, a travaillé comme directeur de l'éducation physique de l'Armée de l'Institut l'enseignement secondaire inférieur, tandis que sa mère venait de Shima la vie de famille d'un marchand à Osaka . Akira est le huitième et dernier enfant de la famille modérément riche, avec deux de ses frères et sœurs déjà grandi à l'époque de sa naissance et une personne décédée, laissant Kurosawa de grandir avec trois soeurs et un frère.

En plus de promouvoir l'exercice physique, Isamu Kurosawa était ouvert aux traditions occidentales et considéré comme le théâtre et les films d'avoir le mérite de l'éducation. Il a encouragé ses enfants à regarder des films; jeune Akira vu ses premiers films à l'âge de six ans. Une influence formative importante était son professeur d'école primaire M. Tachikawa, dont les pratiques d'enseignement progressive allumé dans son jeune élève d'abord un amour du dessin, puis un intérêt dans l'éducation en général. Pendant ce temps, le garçon a également étudié la calligraphie et Escrime Kendo.

Une autre influence majeure de l'enfance était Heigo Kurosawa, le frère aîné de Akira de quatre ans. Dans la foulée de la Tremblement de terre de Kanto Grande de 1923, qui a ravagé Tokyo, Heigo a pris la 13-year-old Akira pour voir la dévastation. Lorsque le jeune frère voulait regarder loin des cadavres humains et les carcasses d'animaux éparpillés un peu partout, Heigo lui interdit de le faire, au lieu d'encourager Akira faire face à ses peurs en les confrontant directement. Certains commentateurs ont suggéré que cet incident serait influencer carrière artistique tard de Kurosawa, que le directeur était rarement hésité à affronter des vérités désagréables dans son travail.

Heigo été académiquement doué, mais bientôt après avoir échoué à assurer une place à Tokyo de tout lycée, il a commencé à se détacher du reste de la famille, préférant se concentrer sur son intérêt pour la littérature étrangère. À la fin des années 1920, est devenu un Heigo benshi (narrateur du film muet) pour les théâtres de Tokyo projection de films étrangers, et rapidement fait un nom pour lui-même. Akira, qui, à ce point prévu de devenir peintre, a emménagé avec lui, et les deux frères sont devenus inséparables. Grâce Heigo, Akira dévoré non seulement des films, mais aussi des spectacles de théâtre et de cirque, tout en présentant ses peintures et de travailler pour le gauche Ligue des artistes prolétariens. Cependant, il n'a jamais été en mesure de gagner sa vie avec son art, et, comme il a commencé à percevoir la plupart du mouvement prolétarien que la "mise idéaux politiques non tenues directement sur la toile", il a perdu son enthousiasme pour la peinture.

Avec l'augmentation de la production cinéma parlant dans les années 1930, narrateurs de films comme Heigo ont commencé à perdre le travail, et Akira ramenés avec ses parents. En Juillet 1933, Heigo suicidé. Kurosawa a commenté sur le sentiment durable de la perte qu'il éprouvait à la mort de son frère et le chapitre de son autobiographie qui le décrit-écrit près d'un demi-siècle après l'événement est intitulé, "une histoire que je Ne voulons dire." Seulement quatre mois plus tard, le frère aîné de Kurosawa est également décédé, laissant Akira, à 23 ans, le seul des frères Kurosawa encore vivants, avec ses trois sœurs survivants.

Directeur de la formation (1935-1941)

En 1935, le nouveau studio de film Photo Chemical Laboratories, connu sous le nom PCL (qui devint plus tard le principal studio, Toho), annoncé pour les directeurs adjoints. Bien qu'il ait démontré aucun intérêt précédente dans le film en tant que profession, Kurosawa a présenté l'essai requis, qui a demandé les candidats pour discuter des lacunes fondamentales de films japonais et trouver des moyens de les surmonter. Son point de vue de la demi-moqueur était que si les lacunes sont fondamentales, il n'y avait aucun moyen de les corriger. L'essai de Kurosawa lui a valu un appel à passer les examens de suivi, et directeur Kajirō Yamamoto, qui était parmi les examinateurs, a pris goût à Kurosawa et a insisté pour que le studio l'embaucher. Le 25-year-old Kurosawa rejoint PCL en Février 1936.

Au cours de ses cinq années en tant que directeur adjoint, Kurosawa a travaillé sous de nombreux réalisateurs, mais de loin le personnage le plus important dans son développement était Kajiro Yamamoto. De ses 24 films comme AD, il a travaillé sur 17 dans Yamamoto, de nombreux d'entre eux comédies mettant en vedette l'acteur populaire Kenichi Enomoto, connu sous le nom "Enoken." Yamamoto a nourri le talent de Kurosawa, le promouvoir directement de troisième réalisateur assistant chef adjoint directeur après un an. Les responsabilités de Kurosawa augmenté, et il a travaillé à des tâches allant de la construction de la scène et le développement du film à repérage, le script de polissage, les répétitions, l'éclairage, le doublage, l'édition et la seconde unité en scène. Dans le dernier des films de Kurosawa comme assistant réalisateur, Cheval (Uma, 1941), Kurosawa a repris la plupart de la production, que Yamamoto a été occupé avec le tournage d'un autre film.

Une pièce importante de conseils Yamamoto a donné Kurosawa était qu'un bon directeur nécessaire pour maîtriser l'écriture de scénarios. Kurosawa est vite rendu compte que les gains potentiels de ses scripts étaient beaucoup plus élevés que ce qu'il a été payé comme assistant réalisateur. Kurosawa écrira plus tard ou co-écrire tout de ses propres films. Il a également écrit des scénarios souvent pour d'autres administrateurs. Cette écriture de scénarios en dehors servirait Kurosawa comme une activité secondaire lucrative et durable dans les années 1960, longtemps après, il est devenu célèbre.

Films de guerre et mariage (1942-1945)

Dans les deux ans suivant la libération de cheval en 1941, Kurosawa a cherché une histoire qu'il pourrait utiliser pour lancer sa carrière de réalisateur. Vers la fin de 1942, environ un an après le début de la guerre du Japon avec les Etats-Unis, romancier Tsuneo Tomita a publié son Musashi Miyamoto inspiré judo roman, La Légende du grand judo, les annonces pour lesquelles intrigués Kurosawa. Il a acheté le livre le jour de sa publication, dévoré en une seule séance, et a immédiatement demandé Toho pour garantir les droits du film. La conviction initiale de Kurosawa se est révélée correcte que, dans quelques jours, trois autres grands studios japonais ont également offert d'acheter les droits. Toho a prévalu, et Kurosawa a commencé la pré-production de son premier film en tant que directeur.

Tournage de Sanshiro Sugata a commencé sur place à Yokohama en Décembre 1942. La production déroulée sans heurt, mais obtenir le film achevé passé la censure était une question entièrement différente. La censure considéré le travail trop "anglo-américain" (un équivalent de l'accusation, à cette époque, à une accusation de trahison), et ce est seulement grâce à l'intervention du directeur Ozu, qui a défendu le film, que La Légende du grand judo a finalement été acceptée pour la libération le 25 Mars, 1943. (Kurosawa avait tout juste 33.) Le film est devenu un succès à la fois critique et commercial. Néanmoins, le bureau de la censure plus tard décider de couper quelques 18 minutes de vidéo, dont une grande partie est maintenant considéré comme perdu.

Il a ensuite abordé le sujet des ouvrières d'usines de guerre en Le plus beau, un film de propagande qui il a tourné dans un style semi-documentaire au début 1944. Afin d'amadouer performances réalistes de ses actrices, le directeur avait entre eux vivent dans une véritable usine pendant le tournage, manger la nourriture de l'usine et se appellent d'autres par leurs noms de personnages. Il serait utiliser des méthodes similaires avec ses interprètes au long de sa carrière.

Pendant la production, l'actrice qui joue le chef des travailleurs d'usine, Yōko Yaguchi, a été choisi par ses collègues pour présenter leurs demandes au directeur. Elle et Kurosawa étaient constamment à couteaux tirés, et ce est grâce à ces arguments que les deux, paradoxalement, est devenu proche. Ils se sont mariés le 21 mai 1945, avec Yaguchi enceinte de deux mois (elle n'a jamais repris sa carrière d'actrice), et le couple resteraient ensemble jusqu'à sa mort en 1985. Ils ont deux enfants: un fils, Hisao, né le 20 Décembre, 1945 , qui servirait en tant que producteur sur certains des derniers projets de son père, et Kazuko, né Avril 29 1954, qui allait devenir un créateur de costumes.

Peu de temps avant son mariage, Kurosawa a été contraint par le studio contre sa volonté de diriger une suite à son premier film. La propagande souvent flagrante La Nouvelle Légende du grand judo, dont la première en mai 1945, est généralement considéré comme l'un de ses très faibles photos.

Kurosawa a décidé d'écrire le script pour un film qui serait à la fois censeur de l'environnement et moins cher à produire. Les Hommes qui marchèrent sur la queue du tigre, basé sur le jeu Kabuki Kanjinchō et mettant en vedette le comédien Enoken, avec lequel Kurosawa avait souvent travaillé pendant ses jours assistant réalisateur, a été achevé en Septembre 1945. A cette époque, le Japon avait capitulé et occupation du Japon avait commencé. Les nouveaux censeurs américains ont interprété les valeurs prétendument promus dans l'image comme trop «féodale» et interdit le travail. (Il ne sortira pas avant 1952, l'année un autre film de Kurosawa, Ikiru, a également été publié.) Ironiquement, alors que dans la production, le film avait déjà été éreinté par la censure en temps de guerre japonais que trop occidentale et "démocratique" (ils détestaient particulièrement le Porter comique joué par Enoken), de sorte que le film le plus ne auraient probablement pas vu la lumière du jour, même si la guerre avait continué au-delà de son achèvement.

Premières œuvres d'après-guerre (1946-1950)

La guerre a pris fin aujourd'hui, Kurosawa, absorbant les idéaux démocratiques de l'Occupation, a cherché à faire des films qui établiraient un nouveau respect envers l'individu et l'auto. Le premier de ces films, Je ne regrette rien de ma jeunesse (1946), inspiré à la fois par le 1933 Takigawa incidente et la Hotsumi Ozaki affaire d'espionnage en temps de guerre, a critiqué le régime d'avant-guerre du Japon pour son oppression politique. Fait inhabituel pour le metteur en scène, le personnage central est une femme héroïque, Yukie ( Setsuko Hara), né dans le privilège de la classe moyenne supérieure, qui vient à la question ses valeurs dans un moment de crise politique. Le script original a dû être largement réécrit et, en raison de son thème controversé (et parce que le protagoniste est une femme), le travail accompli divisé les critiques, mais il a néanmoins réussi à gagner l'approbation du public, qui ont tourné des variations sur le titre du film ( "Non pour regrette ...») en quelque chose d'un après-guerre slogan.

Son film suivant, Un merveilleux dimanche créée en Juillet 1947 à des critiques mitigées. Ce est une histoire d'amour relativement simple et sentimentale traiter avec un couple d'après-guerre pauvre essayant de profiter, dans la dévastation de l'après-guerre Tokyo, leur seul jour de repos hebdomadaire. Le film porte l'influence de Frank Capra, DW Griffith et FW Murnau. Un autre film sorti en 1947 avec la participation de Kurosawa était le le thriller d'action-aventure, Snow Trail, dirigé par Senkichi Taniguchi du scénario de Kurosawa. Il a marqué les débuts de la jeune acteur Toshiro Mifune intense. Ce était Kurosawa qui, avec son mentor Yamamoto, était intervenu pour convaincre Toho à signer Mifune, lors d'une audition dans laquelle le jeune homme très impressionné Kurosawa, mais a réussi à se aliéner la plupart des autres juges.

L'ange ivre est souvent considéré comme la première œuvre majeure de l'administrateur. Bien que le script, comme toutes les œuvres occupation de l'ère de Kurosawa, a dû passer par réécritures forcées en raison de la censure américaine, Kurosawa senti que ce était le premier film dans lequel il a été en mesure de se exprimer librement. Une histoire grittily réaliste d'un médecin qui tente de sauver un gangster ( yakuza) avec la tuberculose , ce était aussi le premier film de réalisateur avec Toshiro Mifune, qui passez à jouer des personnages principaux soit principal ou dans tous sauf un (Ikiru) des 16 prochains films du réalisateur. Alors que Mifune n'a pas été jeté comme le protagoniste dans Drunken Angel, sa performance explosive que le gangster domine tellement le drame qu'il a réorienté du personnage-titre, le médecin alcoolique joué par Takashi Shimura, qui avait déjà apparu dans plusieurs films de Kurosawa. Cependant, Kurosawa ne voulait pas étouffer immense vitalité du jeune acteur, et le caractère rebelle de Mifune électrisé le public dans une grande partie de la façon dont Attitude de défi de Marlon Brando serait effrayer les cinéphiles américains quelques années plus tard. La première du film à Tokyo en Avril 1948 à des critiques élogieuses et a été choisi par le prestigieux Kinema Junpo critiques sondage comme le meilleur film de son exercice, le premier des trois films de Kurosawa à être ainsi honoré.

Kurosawa, avec le producteur Sojiro Motoki et collègues administrateurs et amis Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse et Senkichi Taniguchi, a formé une nouvelle unité de production indépendante appelée Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Pour débuts le travail de cette organisation, et le premier film pour Studios Daiei, Kurosawa se sont tournés vers un jeu contemporain par Kazuo Kikuta et, avec Taniguchi, adaptés pour l'écran. Le Duel silencieux vedette Toshiro Mifune comme un jeune médecin idéaliste aux prises avec la syphilis, une tentative délibérée de Kurosawa pour briser l'acteur loin d'être catalogué comme gangsters. Sorti en Mars 1949, ce fut un succès au box-office, mais est généralement considéré comme l'une des réalisations moindres du réalisateur.

Son deuxième film de 1949, également produit par Film Art Association et publié par Shintōhō, était Chien Errant. Le plus célèbre des œuvres de Kurosawa de cette période, ce est un film policier (peut-être le premier film japonais important dans ce genre) qui explore l'humeur du Japon lors de sa reprise douloureuse après-guerre à travers l'histoire d'un jeune détective, joué par Mifune, et son obsession sur son arme de poing, volé par un jeune homme sans le sou qui procède à l'utiliser pour voler et assassiner. Adapté d'un roman inédit de Kurosawa dans le style d'un écrivain favori de son, Georges Simenon, ce était la première collaboration du réalisateur avec le scénariste Ryûzô Kikushima, qui allait plus tard contribuer à l'écriture huit autres films de Kurosawa. Un célèbre, presque sans paroles séquence, d'une durée de plus de huit minutes, montre le détective, déguisé en un vétéran pauvre, errant dans les rues à la recherche du voleur des armes à feu; elle employait séquences documentaires réelle des quartiers de Tokyo ravagés par la guerre prises par l'ami de Kurosawa, Ishirō Honda, le futur directeur de Gojira (aka, Godzilla). Le film est considéré comme un précurseur de la contemporaine procédurale et la police buddy cop genres de films.

Scandale, publié par Shochiku en Avril 1950, a été inspiré par des expériences personnelles du directeur avec, et la colère envers, japonais le journalisme jaune. Le travail est un mélange ambitieux de drame judiciaire et le film de problème social à propos de la liberté d'expression et la responsabilité personnelle, mais même Kurosawa considéré le produit fini de façon aussi spectaculaire floue et insatisfaisante, et presque tous les critiques d'accord.

Cependant, il serait le deuxième film de Kurosawa de 1950, Rashomon, cela aboutirait à lui gagner un tout nouveau public.

La reconnaissance internationale (1950-1958)

Après avoir terminé scandale, Kurosawa a été approché par Studios Daiei, qui demande au Directeur de faire un autre film pour eux. Kurosawa a pris un script par un jeune scénariste aspirant, Shinobu Hashimoto. (Ils finiraient écrire neuf films ensemble.) Il est basé sur Bref expérimentale de Ryunosuke Akutagawa Dans un Grove, qui retrace l'assassiner d'un samouraï et le viol de sa femme de divers différents et contradictoires des points de vue. Kurosawa a vu le potentiel dans le script, et avec l'aide de Hashimoto, poli et élargi, puis lancé à Daiei, qui étaient heureux d'accepter le projet en raison de son faible budget.

Tournage de Rashomon a commencé le 7 Juillet 1950 et, après d'importants travaux de localisation dans la forêt vierge de Nara, enroulée sur Août 17. Juste une semaine a été passé en post-production pressé, entravée par un feu de studio, et le film fini première au Théâtre Impérial de Tokyo le 25 Août, l'expansion à l'échelle nationale le lendemain. Le film a été accueilli par des critiques tièdes, avec de nombreuses critiques intrigué par son thème et le traitement unique, mais il était néanmoins un succès financier modéré pour Daiei.

Le prochain film de Kurosawa, pour Shochiku, était L'Idiot, une adaptation du roman de l'écrivain préféré du réalisateur, Fiodor Dostoïevski . Le cinéaste a déménagé l'histoire de la Russie à Hokkaido, mais il est par ailleurs très fidèle à l'original, un fait considéré par de nombreux critiques comme préjudiciables à l'œuvre. Un studio mandatée modifier raccourcie à partir de coupe originale de Kurosawa de 265 minutes (près de quatre heures et demie) pour seulement 166 minutes, ce qui rend le récit résultant extrêmement difficile à suivre. Il est largement considéré aujourd'hui comme l'une des œuvres les moins efficaces du réalisateur. Avis contemporaines étaient très négatifs, mais le film a été un succès modéré au box-office, principalement en raison de la popularité de l'une de ses étoiles, Setsuko Hara.

Pendant ce temps, à l'insu de Kurosawa, Rashomon avait été entré dans le prestigieux Mostra de Venise, grâce aux efforts de Giuliana Stramigioli, un représentant d'une compagnie de film italienne basée au Japon, qui avait vu et admiré le film et Daiei convaincu de le soumettre. Le 10 Septembre 1951, Rashomon a reçu la plus haute distinction du festival, le Golden Lion, choquant non seulement Daiei, mais le monde du cinéma international, qui à l'époque était largement inconscients des vieux de plusieurs décennies tradition cinématographique du Japon.

Après Daiei exposé très brièvement une copie sous-titrée du film à Los Angeles, RKO acheté les droits de distribution à Rashomon aux États-Unis. La société prenait un pari considérable. Il avait mis sur un seul film sous-titré avant sur le marché américain, et la seule walkie japonaise précédente sorti commercialement à New York avait été La comédie de Mikio Naruse, épouse! Soyez comme une rose, en 1937: un flop critique et au box-office. Cependant, l'exécution commerciale de Rashomon, grandement aidé par de fortes critiques de la critique et même le chroniqueur Ed Sullivan, a été très réussie. (Il a gagné $ 35 000 dans ses trois premières semaines à un seul théâtre de New York, un presque inouïe somme à l'époque.) Ce succès à son tour conduit à une vogue en Amérique pour les films japonais à travers les années 1950, en remplacement de l'enthousiasme pour Cinéma néoréaliste italien. (Le film a également été publié, par d'autres distributeurs, en France, Allemagne de l'Ouest, le Danemark, la Suède et la Finlande.) Parmi les cinéastes japonais dont le travail, à la suite, a commencé à gagner des prix du festival et sortie commerciale dans l'Ouest étaient Kenji Mizoguchi ( La Vie d'Oharu, Ugetsu, L'Intendant Sansho) et, un peu plus tard, Ozu ( Tokyo Story, Le Goût du saké) -Artists très respecté au Japon mais, avant cette période, presque totalement inconnue en Occident. Les générations suivantes de cinéastes japonais qui trouveraient succès en dehors du Japon de- Nagisa Oshima et Shohei Imamura à Juzo Itami, Takeshi Kitano et Takashi Miike-ont pu passer à travers la porte que Kurosawa a été le premier à ouvrir.

Sa carrière stimulée par sa renommée internationale soudaine, Kurosawa, désormais réunie avec son studio de film original, Toho (qui irait à produire ses prochaines 11 films), mis à travailler sur son prochain projet, Ikiru. Les stars de cinéma Takashi Shimura comme Tokyo bureaucrate cancer monté, Watanabe, dans une quête de sens finale avant sa mort. Pour le scénario, Kurosawa apporté Hashimoto ainsi que l'écrivain Hideo Oguni, qui irait à co-écrire 12 films de Kurosawa. Malgré sombre sujet de l'œuvre, les scénaristes ont adopté une approche satirique, que certains ont comparé au travail de Brecht, à la fois le monde bureaucratique de son héros et la colonisation culturelle américaine du Japon. (Chansons pop américains figurent en bonne place dans le film.) En raison de cette stratégie, les cinéastes sont généralement permis de sauver l'image de la sorte de sentimentalisme commun aux drames des personnages avec des maladies terminales. Ikiru ouvert en Octobre 1952 à des critiques dithyrambiques-il gagné Kurosawa son deuxième Kinema Junpo "Meilleur Film" du succès de bureau de remise des prix et énorme boîte. Il reste le plus célèbre de tous les films de l'artiste exposées dans l'ère moderne.

En Décembre 1952, Kurosawa a pris ses scénaristes Ikiru, Shinobu Hashimoto et Hideo Oguni, pour une résidence isolée 45 jours dans une auberge pour créer le scénario de son prochain film, Sept Samouraïs. Le travail d'ensemble a été le premier bon de Kurosawa film de samouraïs, le genre pour lequel il deviendrait plus célèbre. L'histoire simple, d'un village agricole pauvre en Période Sengoku au Japon qui embauche un groupe de samouraïs pour défendre contre une attaque imminente par des bandits, a été soumis à un traitement épique pleine, avec une énorme distribution (en grande partie composé de vétérans de productions Kurosawa précédents) et agir avec méticulosité détaillée qui se étend à près de trois heures -et-un-moitié de temps d'écran.

Trois mois ont été consacrés en pré-production et un mois de répétitions. Tournage a pris 148 jours répartis sur près d'un an, interrompu par la production et de financement troubles et les problèmes de santé de Kurosawa. Le film a finalement ouvert en Avril 1954, un an et demi derrière sa date de sortie originale et environ trois fois plus de budget, ce qui en fait au moment où le film japonais le plus cher jamais fait. (Cependant, par rapport aux normes d'Hollywood, ce était une production très budget modeste, même pour l'époque). Le film a reçu la réaction critique positive et est devenu un grand succès, faisant rapidement l'argent investi dans la fourniture et le studio avec un produit qu'ils pourraient, et a fait, le marché international mais avec de vérifications approfondies. Au fil du temps et avec les sorties en salles vidéo et la maison de la version uncut sa réputation n'a cessé de croître. Il est maintenant considéré par certains commentateurs comme le plus grand film japonais jamais réalisés, et en 1979, un sondage de critiques de cinéma japonais a également voté le meilleur film japonais jamais fait.

En 1954, les essais nucléaires dans le Pacifique ont été à l'origine des pluies torrentielles radioactives au Japon (le seul pays à avoir jamais été victime d'un bombardement atomique), et notamment une incident dans Mars avait exposé un bateau de pêche japonais retombées nucléaires, avec des résultats désastreux. Ce est dans cette atmosphère tient à ce que le prochain film de Kurosawa, Enregistrement d'un être vivant, a été conçu. L'histoire concerne un propriétaire d'usine personnes âgées (Toshiro Mifune) si terrifié par la perspective d'une attaque nucléaire qu'il devient déterminé à aller de toute sa famille élargie (à la fois juridique et extra-conjugale) à ce qu'il imagine est la sécurité d'une ferme au Brésil . La production a beaucoup plus en douceur que le film précédent du réalisateur, mais quelques jours avant le tournage terminé, compositeur, collaborateur de Kurosawa et ami proche Fumio Hayasaka décédé (de la tuberculose) à l'âge de seulement 41. Le score du film a été terminé par un étudiant de Hayasaka, Masaru Sato, qui allait marquer tous huit prochains films de Kurosawa. Enregistrement d'un être vivant ouvert en Novembre 1955 à des critiques mitigées et la réaction du public en sourdine, devenant ainsi le premier film de Kurosawa perdre de l'argent au cours de sa course théâtrale originale. Aujourd'hui, il est considéré par beaucoup d'être parmi les meilleurs films portant sur les effets psychologiques de l'impasse nucléaire mondiale.

Le prochain projet de Kurosawa, Trône de Sang, une adaptation richement produit de William Shakespeare de Macbeth -set, comme Les Sept Samouraïs, dans le Sengoku Era-représenté une transposition ambitieux de l'anglais fonctionne dans un contexte asiatique. Kurosawa a demandé à son actrice principale, Isuzu Yamada, à considérer le travail comme si ce était une version cinématographique d'un japonais plutôt que d'un classique de la littérature européenne. À juste titre, le jeu des acteurs, en particulier Yamada, se appuie fortement sur les techniques stylisées du théâtre Nô. Il a été filmé en 1956 et publié en Janvier 1957 pour une réponse nationale un peu moins négative que ce qui avait été le cas avec le film précédent du réalisateur. A l'étranger, Trône de sang, quelles que soient les libertés qu'il prend avec son matériau source, a rapidement gagné une place parmi les adaptations les plus célèbres de Shakespeare.

Une autre adaptation d'une œuvre théâtrale européenne classique suivie presque immédiatement, avec une production de Les Bas-Fonds, basé sur un jouer en Maxim Gorki, qui aura lieu en mai et Juin 1957. Contrairement à la portée gigantesque et balayage du Trône de sang, le Bas-Fonds a été tourné sur seulement deux ensembles clos, pour mieux souligner le caractère restreint de la vie des personnages. Bien que fidèle à la pièce, cette adaptation du matériel russe à un complètement japonaise création dans ce cas, la fin Période contrairement Edo son plus haut L'Idiot, a été considéré comme artistiquement réussie. La première du film en Septembre 1957, recevoir une réponse mixte similaire à celle du Trône de sang. Cependant, certains critiques le classent parmi les œuvres les plus sous-estimés du réalisateur.

Trois films de Kurosawa consécutifs après sept samouraïs ne avaient pas réussi à capter le public japonais dans la façon dont ce film a eu. L'humeur du travail du directeur avait été de plus en plus en plus pessimiste et sombre, avec la possibilité de la rédemption par la responsabilité personnelle désormais très contestée, en particulier dans Trône de Sang et Les Bas-Fonds. Il a reconnu, et délibérément orienté pour un film plus léger et divertissant pour sa prochaine production, lors du passage à la nouvelle format grand écran qui ont été gagne en popularité au Japon. Le film résultant, La Forteresse cachée, est un action-aventure comédie dramatique sur une princesse médiévale, son loyal général et deux paysans qui ont tous besoin de voyager à travers les lignes ennemies afin de parvenir à leur région d'origine. Sorti en Décembre 1958, La Forteresse cachée est devenu un énorme succès au box-office au Japon et a été chaleureusement accueilli par la critique. Aujourd'hui, le film est considéré comme l'un des la plupart des efforts légers de Kurosawa, mais il reste populaire, notamment parce qu'elle est l'une des quelques grandes influences (comme George Lucas lui-même a concédé) sur Lucas 'très populaire 1977 space opera, La Guerre Des Étoiles.

Naissance d'une entreprise et la fin d'une époque (1959-1965)

À partir de Rashomon, les productions de Kurosawa avaient de plus en plus grande portée et avait donc les budgets du réalisateur. Toho, préoccupé par cette évolution, a suggéré qu'il pourrait aider à financer ses propres œuvres, rendant ainsi les pertes potentielles du studio plus petit, tandis que à son tour se laisser plus de liberté artistique en tant que co-producteur. Kurosawa a accepté, et la production Kurosawa Company a été créée en Avril 1959, avec Toho en tant qu'actionnaire majoritaire.

Malgré risquer désormais son propre argent, Kurosawa a choisi une histoire plus directement critique de l'entreprise japonaise et les élites politiques que ne importe quel de ses œuvres précédentes. Les salauds dorment en paix, basé sur un scénario par le neveu de Kurosawa Mike Inoue, est une vengeance drame d'un jeune homme qui monte la hiérarchie d'une société japonaise corrompus avec l'intention d'exposer les hommes responsables de la mort de son père. Son thème se est avéré d'actualité: alors que le film était en production, des manifestations de masse ont eu lieu contre la nouvelle Traité américano-japonais de sécurité, qui a été vu par beaucoup de Japonais, en particulier les jeunes, comme une menace pour la démocratie dans le pays en donnant trop de pouvoir aux entreprises et aux politiciens. Le film a ouvert en Septembre 1960 à réaction critique positive et modeste succès au box office. La séquence d'ouverture de 25 minutes, illustrant une réception de mariage entreprise interrompu par des journalistes et de la police (qui arrêtent un cadre pour la corruption), est largement considéré comme l'un des plus habilement exécutées pièces ensemble de Kurosawa, mais le reste du film est souvent perçu comme décevant par comparaison. Le film a également été critiqué pour avoir employé le héros Kurosawan conventionnelle pour lutter contre un fléau social qui ne peut être résolu à travers les actions des individus, mais courageux ou rusés.

Yojimbo (Le Garde du corps), deuxième film de Kurosawa Production, centré sur un samouraï sans maître, Sanjuro, qui se promène dans une ville du 19ème siècle gouverné par deux factions opposées violentes et les provoque à détruire l'autre. Le directeur utilisé ce travail pour jouer avec de nombreuses conventions de genre, en particulier l' Ouest, tout en offrant en même temps un sans précédent (pour l'écran japonais) représentation graphique de la violence. Certains commentateurs ont vu le caractère Sanjuro dans ce film comme une figure de fantaisie qui renverse par magie le triomphe historique de la classe des marchands corrompus sur la classe des samouraïs. Doté Tatsuya Nakadai dans son premier grand rôle dans un film de Kurosawa, et avec la photographie innovante par Kazuo Miyagawa ( qui a tiré Rashomon ) et Takao Saito, le film créé en Avril 1961 et a été un immense succès au box-office, gagnant plus de tout film de Kurosawa précédente. La réaction critique était tout aussi positif, et le film a prouvé une influence majeure sur son genre au Japon, inaugurant une nouvelle ère de films de samouraïs violents, appelés «films cruelles» ( zankoku eiga ). Le film et son ton comique en noir ont également été largement imité à l'étranger. Sergio Leone A Fistful of Dollars était un remake virtuel (non autorisée) scène par scène.

Après le succès de Yojimbo , Kurosawa se trouvait sous la pression de Toho de créer une suite. Kurosawa se tourna vers un script qu'il avait écrit avant Yojimbo , la retravailler pour inclure le héros de son film précédent. Sanjuro était le premier des trois films de Kurosawa être adaptée de l'œuvre de l'écrivain Shugoro Yamamoto (les autres seraient Red Beard et Dodeskaden ). Il est plus léger dans le ton de plus en plus à un film d'époque classique que Yojimbo , bien que son histoire d'une lutte de pouvoir au sein d'un clan de samouraïs est dépeint avec des nuances fortement dessinées. Le film est sorti le 1er Janvier 1962, dépassant rapidement "Yojimbo succès au box office s et recueillant des critiques positives.

Kurosawa avait quant à lui chargé Toho d'acheter les droits d'adaptation cinématographique Rançon de roi , un roman sur un enlèvement écrite par l'auteur et scénariste américain Evan Hunter, sous son pseudonyme d'Ed McBain, comme l'une de ses séries Cité 87e de livres de la criminalité. Le directeur destiné à créer une œuvre condamnant l'enlèvement, qu'il considérait comme l'un des pires crimes. Le film de suspense, intitulé High et Low , a été abattu au cours de la seconde moitié de 1962 et publié en Mars 1963. Il a battu le record du box-office de Kurosawa (le troisième film dans une rangée pour le faire), est devenu le film japonais plus gros succès de l'année , et a remporté des critiques élogieuses. Cependant, son triomphe a été quelque peu ternie quand, ironiquement, le film a été blâmé pour une vague d'enlèvements qui a eu lieu au Japon à cette époque (il a lui-même reçu des menaces d'enlèvement adressées à sa jeune fille, Kazuko). Haut et Bas est considéré par de nombreux commentateurs pour être parmi les œuvres les plus fortes du réalisateur.

Red Beard a également marqué le point à mi-chemin, par ordre chronologique, dans la carrière de l'artiste. Au cours de ses vingt-neuf années précédentes dans l'industrie du film (qui comprend ses cinq ans comme assistant réalisateur), il avait dirigé vingt-trois films, alors que pendant les 28 années restantes, pour de nombreuses et complexes raisons, il serait compléter seulement sept Plus. Aussi, pour des raisons jamais expliquées de façon adéquate, Red Beard serait son dernier film mettant en vedette Toshiro Mifune. Yu Fujiki, un acteur qui a travaillé sur The Lower Depths , a observé, en ce qui concerne la proximité des deux hommes sur l'ensemble, «le cœur de M. Kurosawa était dans le corps de M. Mifune." Donald Richie a décrit le rapport entre eux comme un unique «symbiose». Pratiquement toutes les critiques conviennent que la plus forte période de la carrière de Kurosawa était celui entre 1950 et 1965-bookended par Rashomon et Red Beard -et qu'il ne soit pas une coïncidence que cette phase correspond presque exactement au temps que lui et Mifune travaillé ensemble.

Détour Hollywood (1966-1968)

Lorsque contrat exclusif de Kurosawa avec Toho a pris fin en 1966, le 56-year-old directeur envisageait sérieusement changement. Observer l'état troublé de l'industrie cinématographique nationale, et ayant déjà reçu des dizaines d'offres de l'étranger, l'idée de travailler en dehors du Japon fait appel à lui comme jamais auparavant.

Pour son premier projet à l'étranger, Kurosawa a choisi une histoire basée sur un article du magazine Life. Le Embassy Pictures thriller d'action, qui sera tourné en langue anglaise et a appelé tout simplement Runaway Train , qui aurait été son premier en couleur. Mais la barrière de la langue a prouvé un problème majeur, et la version anglaise du scénario n'a même pas terminé au moment où le tournage devait commencer à l'automne 1966. Le tournage, qui a nécessité la neige, a été déplacé à l'automne 1967, puis annulé en 1968. Presque vingt ans plus tard, un autre étranger travaillant à Hollywood, Andrei Konchalovsky, serait enfin faire Runaway Train , mais à partir d'un script totalement différent de Kurosawa.

Le directeur avait entre-temps devenu impliqué dans un projet beaucoup plus ambitieux Hollywood. Tora! Tora! Tora! , produit par 20th Century Fox et production Kurosawa, serait une représentation de l'attaque japonaise sur Pearl Harbour à la fois de l'Amérique et les Japonais les points de vue, avec Kurosawa barrer la moitié japonais et un cinéaste anglophone diriger le moitié américaine. Il a passé plusieurs mois à travailler sur le script avec Ryuzo Kikushima et Hideo Oguni, mais très vite le projet a commencé à se désagréger. Le directeur choisi de filmer les séquences américaines avéré ne pas être le prestigieux cinéaste anglais David Lean, que les producteurs avaient conduit Kurosawa à croire, mais l'expert beaucoup moins célèbre d'effets spéciaux, de Richard Fleischer. Le budget a également été coupé, et le temps alloué à l'écran pour le segment japonais serait désormais pas plus de 90 minutes-un problème majeur, étant donné que le script de Kurosawa a couru plus de quatre heures. Après de nombreuses révisions, un scénario de coupe plus ou moins finalisé a été convenu en mai 1968. Le tournage a commencé au début de Décembre, mais Kurosawa durerait seulement un peu plus de trois semaines en tant que directeur. Il a lutté pour travailler avec un équipage inconnu et les exigences d'une production hollywoodienne, tandis que ses méthodes de travail perplexes ses producteurs américains, qui a finalement conclu que le directeur doit être un malade mental. La veille de Noël 1968, les Américains ont annoncé que Kurosawa avait quitté la production en raison de la «fatigue», lui tirant efficacement. (Il a finalement été remplacé, pour des séquences du film japonais, avec deux administrateurs, Kinji Fukasaku et Toshio Masuda.)

Tora! Tora! Tora! , finalement libéré de commentaires peu enthousiastes en Septembre 1970, était, comme Donald Richie a dit, une «tragédie presque sans mélange" dans la carrière de Kurosawa. Il avait passé des années de sa vie sur un projet logistique cauchemardesque à laquelle il n'a finalement pas contribuer un pied de film tourné par lui-même. (Il avait son nom retiré des crédits, si le script utilisé pour la demi-japonaise était encore ses et ses co-auteurs ".) Il est devenu étranger à son collaborateur de longue date, écrivain Ryuzo Kikushima, et n'a jamais travaillé avec lui à nouveau. Le projet avait par inadvertance dénoncé la corruption dans sa propre société de production (une situation qui rappelle de son propre film, The Well Bad sommeil ). Sa santé mentale très avait été appelé en question. Le pire de tout, de l'industrie et de film japonais peut-être l'homme lui-même a commencé à soupçonner qu'il ne serait jamais faire un autre film.

Une décennie difficile (1969-1977)

La production a commencé le Avril suivant, avec Kurosawa dans les esprits élevés. Tournage a duré de Juin 1979 à Mars 1980 et a été en proie à des problèmes, pas le moindre de ce qui était la mise à feu de l'acteur d'origine de plomb, Shintaro Katsu-créateur de la très populaire Zatoichi caractère raison d'un incident dans lequel l'acteur a insisté, contre les souhaits du réalisateur, le filmer sa propre performance. (Il a été remplacé par Tatsuya Nakadai, dans le premier de ses deux rôles principaux consécutifs dans un film de Kurosawa.) Le film a été terminé seulement quelques semaines de retard et a ouvert à Tokyo en Avril 1980. Il est rapidement devenu un énorme succès au Japon. Le film a également été un succès critique et au box-office à l'étranger, remportant le très convoité Palme d'Or au Festival de Cannes 1980, en mai même si certaines critiques, hier et aujourd'hui, ont blâmé le film pour sa froideur présumée. Kurosawa a passé une grande partie du reste de l'année en Europe et en Amérique promotion Kagemusha , la collecte de récompenses et de distinctions, et présentant l'art des dessins qu'il avait faits pour servir de storyboards pour le film.

Le succès international de Kagemusha permis Kurosawa de procéder à son prochain projet, Ran , une autre épopée dans la même veine. Le script, basé en partie sur William Shakespeare s ' Le Roi Lear , représenté, un impitoyable sanguinaire daimyo (seigneur de guerre), joué par Tatsuya Nakadai, qui, après son bannissement bêtement un fils fidèle, abandonne son royaume à ses deux autres fils, qui trahissent ensuite lui, plongeant ainsi tout le royaume dans la guerre. Comme studios japonais estimaient méfient encore de produire un autre film qui se classerait parmi les plus cher jamais réalisé dans le pays, l'aide internationale a été à nouveau nécessaire. Cette fois, il est venu du producteur français Serge Silberman, qui avait produit les films finales de Luis Bunuel. Le tournage ne ​​commence pas avant Décembre 1983 et a duré plus d'un an.

En Janvier 1985 la production de Ran a été interrompue que 64 ans femme de Kurosawa Yōko tombé malade. Elle est morte le 1er Février Kurosawa retourné pour finir son film et Ran première au Festival du Film de Tokyo le 31 mai, avec une diffusion à grande échelle le lendemain. Le film a été un succès financier modéré au Japon, mais un plus grand à l'étranger et, comme il avait fait avec Kagemusha , Kurosawa a entrepris un voyage en Europe et en Amérique, où il a assisté aux premières du film en Septembre et Octobre.

Ran remporté plusieurs prix au Japon, mais n'a pas été tout à fait aussi honoré il que la plupart des meilleurs films du réalisateur des années 1950 et 1960 avait été. Le monde du cinéma a été choqué, cependant, lorsque le Japon a passé sur le film en faveur d'un autre que son entrée officielle à concourir pour une nomination aux Oscars dans la catégorie du meilleur film étranger. Le producteur et Kurosawa lui-même attribué à un malentendu: en raison des règles arcanes de l'Académie, personne ne savait si Ran qualifié comme un japonais film, un Français film (en raison de son financement), ou les deux, de sorte qu'il n'a pas été soumise au tout. En réponse à ce que au moins semblait être une rebuffade flagrante par ses propres compatriotes, le directeur Sidney Lumet a mené avec succès une campagne d'avoir Kurosawa recevoir une nomination aux Oscars pour le meilleur réalisateur de cette année ( Sydney Pollack a finalement gagné le prix pour diriger Out of Africa) . "Ran costumière s, Emi Wada, a remporté seulement Oscar du film.

Kagemusha et Ran , en particulier celui-ci, sont souvent considérés comme parmi les meilleurs œuvres de Kurosawa. Après «Ran presse s, Kurosawa rappelle à lui comme son meilleur film, un changement majeur d'attitude pour le directeur qui, lorsqu'on lui a demandé laquelle de ses œuvres était son meilleur, a toujours précédemment répondu «mon prochain."

Œuvres finales et dernières années (1987-1998)

Pour son prochain film, Kurosawa a choisi un sujet très différent de tout ce que qu'il avait jamais filmé auparavant. Alors que certains de ses tableaux précédents (par exemple, Ange ivre et Kagemusha ) avaient inclus brèves séquences de rêve, rêves était d'être entièrement basé sur les propres rêves du réalisateur. De manière significative, pour la première fois en plus de quarante ans, Kurosawa, pour ce projet très personnel, a écrit le scénario seul. Bien que son budget prévisionnel était plus faible que les films qui le précède immédiatement, studios japonais étaient toujours pas disposé à soutenir une de ses productions, donc Kurosawa se sont tournés vers un autre célèbre fan américain, Steven Spielberg , qui a convaincu la Warner Bros pour acheter les droits internationaux de la complété film. Cela a rendu plus facile pour le fils de Kurosawa, Hisao, en tant que co-producteur et bientôt-à-être la tête de la production Kurosawa, de négocier un prêt au Japon qui couvrirait les coûts de production du film. Tournage a duré plus de huit mois pour terminer, et rêves en première à Cannes en mai 1990, un poli mais en sourdine réception, similaire à la réaction de l'image générerait ailleurs dans le monde.

Kurosawa maintenant tourné vers une histoire plus classique avec Rhapsody in Août premier film -le directeur entièrement produite au Japon depuis Dodeskaden plus de vingt ans avant, qui a exploré les cicatrices du bombardement nucléaire qui détruisit Nagasaki à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Il a été adapté d'un roman Kiyoko Murata, mais les références du film à l'attentat de Nagasaki est venue du directeur plutôt que de la livre. Ce fut son seul film à inclure un rôle pour un film star américaine: Richard Gere, qui joue un petit rôle comme le neveu de l'héroïne personnes âgées. Tournage a eu lieu au début de 1991, avec l'ouverture du film, le 25 mai de cette année à une réaction critique largement négatif, en particulier aux États-Unis, où le réalisateur a été accusé de promulguer naïvement les sentiments anti-américains.

Kurosawa n'a pas perdu de temps à se déplacer sur son prochain projet: Madadayo , ou Pas encore . Basé sur des essais autobiographiques Hyakken Uchida, le film suit la vie d'un professeur japonais de l'allemand pendant la Seconde Guerre mondiale et au-delà. Le récit est centré sur les fêtes d'anniversaire annuelles avec ses anciens élèves, au cours de laquelle le protagoniste déclare son refus de mourir juste encore-un thème qui a été de plus en plus pertinent pour 81 ans le créateur du film. Le tournage a débuté en Février 1992 et enveloppé par la fin de Septembre. Sa sortie le 17 Avril 1993, a été accueilli par une réaction encore plus déçu que ce qui avait été le cas avec ses deux œuvres précédentes.

Kurosawa a néanmoins continué à travailler. Il a écrit les scénarios originaux La mer est à regarder en 1993 et après la pluie en 1995. Tout en mettant la touche finale sur les derniers travaux en 1995, Kurosawa a glissé et a cassé la base de sa colonne vertébrale. Suite à l'accident, il serait d'utiliser un fauteuil roulant pour le reste de sa vie, mettant fin à tout espoir de lui diriger un autre film. Son souhait de longue date à mourir sur l'ensemble pendant le tournage d'un film-n'a jamais été à remplir.

Mort et œuvres posthumes

Suite à son accident en 1995, la santé de Kurosawa a commencé à se détériorer. Alors que son esprit est resté forte et vivante, son corps a été abandonne, et pour la dernière moitié de l'année de sa vie, le directeur a été largement confiné au lit, écouter de la musique et de regarder la télévision à la maison. Le 6 Septembre 1998, Kurosawa est mort d'un accident vasculaire cérébral dans Setagaya, Tokyo, à l'âge de 88 ans.

Après la mort de Kurosawa, plusieurs œuvres posthumes basés sur ses scénarios unfilmed ont été produites. Après la pluie, réalisé parTakashi Koizumi, a été libéré en 1998, etThe Sea is Watching, dirigé parKei Kumai, créé en 2002. Un script créé par le Yonki pas Kai («Club des Quatre Chevaliers") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi, et Kon Ichikawa), autour du temps queDodeskadena été faite, enfin a été filmé et publié (en 2000) commeDora-Heita, par le seul survivant membre du club, Kon Ichikawa fondateur.

Les méthodes de travail, le style et les thèmes

Méthodes de travail

Toutes les sources biographiques, ainsi que des commentaires du réalisateur, confirment que Kurosawa était administrateur complètement "pratique", passionnément impliqué dans tous les aspects du processus de réalisation. Comme un enquêteur résumé, "il (co-) écrit ses scripts, supervise la conception, répète les acteurs, met en place tous les plans et fait le montage." Sa participation active étendue du concept initial à l'édition et la notation du produit final.

Scénario

Kurosawa a souligné à maintes reprises que le scénario était le fondement absolu d'un film à succès et que, si un administrateur médiocre peut parfois faire un film passable d'un bon scénario, même un excellent directeur ne peut jamais faire un bon film d'un mauvais scénario . Pendant la période d'après-guerre, il a commencé la pratique de collaborer avec un groupe de rotation de cinq scénaristes: Eijiro Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni, et Masato Ide. Quel que soit les membres de ce groupe qui est arrivé à travailler sur un film en particulier se réunissaient autour d'une table, souvent à une station de sources chaudes, où ils ne seraient pas distraits par le monde extérieur. ( Les Sept Samouraïs , par exemple, a été écrit de cette façon.) Souvent, ils ont tous (sauf Oguni, qui a agi comme «arbitre») travaillerait sur ​​exactement les mêmes pages du script, et Kurosawa choisiraient la meilleure version écrite de la différents projets de chaque scène en particulier. Cette méthode a été adoptée «afin que chaque contributeur pourrait fonctionner comme une sorte de feuille, la vérification de la domination du point de vue quelconque de la personne."

En plus de l'écriture réelle, Kurosawa à ce stade produit souvent vastes, notes fantastiquement détaillées pour élaborer sa vision. Par exemple, pour les Sept Samouraïs , il a créé six carnets dans lesquels il a créé (parmi beaucoup d'autres choses) biographies détaillées des samouraïs, y compris ce qu'ils portaient et mangeaient, comment ils marchaient, parlaient et se sont comportés lorsque accueilli, et même la façon dont chacun a attaché son chaussures. Pour les 101 caractères paysannes dans le film, il a créé un registre composé de 23 familles et a chargé les interprètes jouent ces rôles à vivre et à travailler comme ces «familles» pour la durée de la prise de vue.

Tournage

Pour Ran , directeur artistique Yoshirō Muraki, la construction de la "troisième château« fixé sous la supervision du directeur, a créé les «pierres» de ce château en ayant photographies prises de pierres réelles d'un célèbre château, puis la peinture blocs de styromousse pour ressembler exactement ces pierres et les coller sur le château "mur" à travers un processus connu sous le nom "moellons pieux", qui a nécessité des mois de travail. Plus tard, avant le tournage de la fameuse scène dans laquelle le château est attaqué et mis le feu, afin de prévenir les styromousse «pierres» de la fonte dans la chaleur, le département d'art recouvert la surface avec quatre couches de ciment, puis peintes aux couleurs de les vieilles pierres sur le ciment.

Rédaction

Kurosawa fois réalisé et monté la plupart de ses films, ce qui est presque unique parmi les cinéastes de premier plan. Kurosawa a remarqué souvent qu'il a tiré un film tout simplement afin d'avoir matière à modifier, parce que le montage d'une image est la partie la plus importante et créative intéressante du processus pour lui. L'équipe créative de Kurosawa croit que la compétence du directeur d'édition était son plus grand talent. Hiroshi Nezu, un superviseur de production de longue date sur ses films, a déclaré: "Entre nous, nous pensons qu'il est le meilleur réalisateur de Toho, qu'il est le meilleur scénariste du Japon, et qu'il est le meilleur éditeur dans le monde. Il est le plus concerné avec le qualité qui coule un film doit avoir ... Le film de Kurosawa coule sur la coupe, comme elle était. "

Fréquente membre de l'équipage du directeur Teruyo Nogami confirme ce point de vue. «L'édition de Akira Kurosawa était exceptionnel, le travail d'un génie inimitable ... Personne a été un match pour lui." Elle a affirmé que Kurosawa réalisé dans sa tête toutes les informations sur tous les plans tournés, et si, dans la salle de montage, il a demandé un morceau de film et elle lui tendit la mauvaise, il reconnaîtrait immédiatement l'erreur, si elle avait pris des notes détaillées sur chaque tir et il avait pas. Elle a comparé son esprit à un ordinateur, ce qui pourrait le faire avec des segments de films édités ce que les ordinateurs font aujourd'hui.

Méthode habituelle de Kurosawa était de monter un film par jour, peu à peu, pendant la production. Cela a permis notamment quand il a commencé à utiliser plusieurs caméras, qui ont abouti à une grande quantité de film à assembler. «Je éditer toujours dans la soirée si nous avons une bonne quantité de séquences dans la boîte. Après avoir visionné les rushes, je vais habituellement à la salle de montage et le travail." En raison de cette pratique de l'édition à mesure qu'il avançait, la période post-production pour un film de Kurosawa pourrait être étonnamment bref: Yojimbo a eu sa première japonaise le 20 Avril 1961, quatre jours après le tournage conclu le 16 Avril.

Le "Kurosawa-gumi"

Cette approche ironique de la musique peut également être trouvée dans Stray Dog , un film sorti un an après L'ange ivre . Dans la scène culminante, le détective Murakami se bat furieusement avec le meurtrier Yusa dans un champ boueux. Le son d'un morceau de Mozart est soudainement entendu, joué au piano par une femme dans une maison voisine. Comme le fait remarquer un commentateur, «Contrairement à cette scène de violence primitive, la sérénité du Mozart est, littéralement, un autre monde" et "la puissance de cette rencontre élémentaire est accentuée par la musique." «Ironique» l'utilisation de Kurosawa de la bande sonore limitée de la musique était pas non plus. Un critique a fait remarquer que, dans les Sept Samouraïs , "Pendant les épisodes de assassiner et le chaos, les oiseaux gazouillent dans le fond, comme ils le font dans la première scène lorsque les agriculteurs se plaignent de leur sort apparemment désespérée."

Les thèmes récurrents

La relation maître-disciple

Beaucoup de commentateurs ont noté l'apparition fréquente dans l'œuvre de Kurosawa de la relation complexe entre un ancien et un jeune homme, qui servent l'autre comme maître et le disciple, respectivement. Ce thème était clairement une expression de l'expérience de la vie du réalisateur. "Kurosawa vénéré ses enseignants, en particulier Kajiro Yamamoto, son mentor au Toho", selon Joan Mellen. "L'image salutaire d'une personne âgée instruire le jeune évoque toujours dans les films de Kurosawa des moments élevés de pathos." Le critique Tadao Sato considère le caractère récurrent de la «maître» d'être un type de père de substitution, dont le rôle est d'assister à la croissance morale de la jeune protagoniste et l'approuver.

Dans son premier film, Sanshiro Sugata , après la Judo maître Yano devient professeur de caractère de titre et guide spirituel, "le récit [est] fonte sous la forme d'une chronique étudier les étapes de la croissance de la maîtrise et de la maturité du héros." La relation maître-élève dans les films de l'après-guerre ère telle que représentée dans des œuvres telles que L'ange ivre , Stray Dog , Les Sept Samouraïs , Red Beard et Dersou Ouzala très peu d'instruction directe -involves, mais beaucoup apprentissage par l'expérience et par l'exemple; Stephen prince concerne cette tendance à la nature privée et non verbale de la notion de l'illumination zen.

Vent est également un symbole puissant: «La métaphore persistante de l'œuvre de Kurosawa est que du vent, les vents du changement, de la fortune et de l'adversité." "Le visuellement flamboyant [finale] bataille [de Yojimbo ] a lieu dans la rue principale, comme d'énormes nuages ​​de tourbillon de poussière autour des combattants ... Les vents qui agitent la poussière ... ont apporté des armes à feu à la ville avec la culture de l'Occident, ce qui mettra fin à la tradition guerrière ".

Il est également difficile de ne pas remarquer l'importance de la pluie pour Kurosawa: "Rain dans les films de Kurosawa est jamais traité neutre Quand il se produit ... il est jamais un filet ou d'une brume légère, mais toujours une averse frénétique, une tempête de conduite.." "La bataille finale [dans Les Sept Samouraïs ] est un combat spirituel et physique suprême, et il est combattu dans une tempête de pluie aveuglante, qui permet de visualiser Kurosawa une fusion ultime de groupes sociaux ... mais cette vision culminant de classlessness, avec typique Kurosawan ambivalence, est devenue une vision d'horreur. La bataille est un vortex tourbillonnant de pluie et la boue ... La fusion ultime de l'identité sociale apparaît comme une expression du chaos infernal ".

Cycles de violence

Commençant par Trône de sang (1957), une obsession avec les cycles historiques de la violence sauvage inexorable-ce que Stephen appelle Prince "l'countertradition à la mode héroïque engagée du cinéma de Kurosawa" -first apparaît. Selon Donald Richie, dans le monde de ce film, "cause à effet est la seule loi. Ne existe pas la liberté." et Prince affirme que ses manifestations "sont inscrits dans un cycle de temps qui se répète à l'infini." (Il utilise comme preuve le fait que le seigneur de Washizu, contrairement à la bonté roi Duncan de la pièce de Shakespeare, avait assassiné ses propres années de seigneur avant de prendre le pouvoir, et est ensuite assassiné à son tour par Washizu (le personnage Macbeth) pour la même raison.) "La qualité malheureuse à l'action de Macbeth ... a été transposée par Kurosawa avec un accent aiguisé sur l'action prédéterminée et l'écrasement de la liberté humaine sous les lois de karma. "

Du-Prince affirme que dernières épopées de Kurosawa, Kagemusha et en particulier Ran , marquent un tournant majeur dans la vision du réalisateur du monde. Dans Kagemusha , "où une fois [dans le monde de ses films] l'individu [héros] pourrait saisir des événements étroitement et demande qu'ils sont conformes à ses pulsions, maintenant l'auto est mais l'épiphénomène d'un processus temporel impitoyable et sanglante, rez-de- à la poussière sous le poids et la force de l'histoire ". L'épopée, à la suite Ran , est "une chronique implacable de la convoitise de base pour le pouvoir, la trahison du père par ses fils, et les guerres et les meurtres envahissants." Le cadre historique du film est utilisé comme "un commentaire sur ce que Kurosawa perçoit maintenant comme l'intemporalité des impulsions humaines face à la violence et l'autodestruction." «L'histoire a donné lieu à une perception de la vie comme une roue de la souffrance sans fin, jamais tourner, jamais répéter", qui est comparé dans de nombreux cas dans le scénario avec l'enfer. "Kurosawa a trouvé l'enfer pour être à la fois le résultat inévitable du comportement humain et la visualisation approprié de sa propre amertume et de déception."

Les critiques

Malgré le succès extraordinaire que le travail de Kurosawa a reçu au Japon et à l'étranger, ses films, ainsi que Kurosawa comme un individu, ont également fait l'objet de nombreuses critiques, en grande partie dure. Ci-dessous sont résumées certaines des critiques les plus courantes de l'administrateur, à la fois celles qui sont faites en général, et ceux qui sont principalement exprimé au Japon.

En général

Dans la première moitié des années 1950, un certain nombre de critiques appartenant à la Nouvelle Vague française a défendu les films du maître japonais âgés, Kenji Mizoguchi, au détriment de l'œuvre de Kurosawa. New Wave critique-cinéaste Jacques Rivette, a déclaré: "Vous pouvez comparer que ce qui est comparable et celle qui vise assez haut ... [Mizoguchi] semble être le seul réalisateur japonais qui est complètement japonais et est aussi le seul qui réalise encore une véritable universalité, celle d'un individu ". Selon ces commentateurs français, Mizoguchi semblait, des deux artistes, le plus authentiquement japonais. Mais au moins un spécialiste du film a mis en doute la validité de cette dichotomie entre "japonais" Mizoguchi et "Western" Kurosawa en soulignant que "Mizo" avait été aussi influencé par le cinéma occidental et la culture occidentale en général comme Kurosawa, et que cela se reflète dans son travail.

Une critique souvent dirigé au films de Kurosawa est que la préoccupation du directeur avec des thèmes éthiques et morales l'a conduit parfois à créer ce que certains commentateurs considèrent comme travail sentimentale ou naïve. Parlant de l'après-guerre " drame tranche de vie " Un merveilleux dimanche , par exemple, un érudit du film (et futur politicien) Audie Bock affirmé que pas même célèbre les prouesses de Kurosawa comme un éditeur pourrait sauver une scène précise d'pathos: «La dernière séquence .. . est un atroces douze minutes de l'enfant d'un orchestre imaginaire dans un amphithéâtre vide tandis que son amie appel directement à la caméra pour le spectateur à se joindre à. Angles et le changement focales, les détails des feuilles de diffusion dans le vent sont entrecoupées, mais rien rend la scène aller plus vite ".

Une controverse existe à propos de la mesure dans laquelle les films de Kurosawa de la période Seconde Guerre mondiale pourraient être considérés comme fasciste propagande . L'historien culturel Peter B. Haute voit cinéma de Kurosawa guerre dans le cadre de la tendance propagandiste du Japon à la guerre et comme un exemple de bon nombre de ces conventions en temps de guerre. Haut se réfère à son deuxième film, The Most Beautiful , comme une «restitution sombre et lugubre des formules standard de la [la maison avant] genre." Une autre controverse porte sur son prétendu refus de reconnaître sa culpabilité de guerre du Japon. Dans l'un des derniers films de Kurosawa, Rhapsody in Août , un survivant des personnes âgées de l' attaque atomique sur Nagasaki est visité par son demi-japonaise, neveu demi-américaine, Clark ( Richard Gere), qui apparaît (au moins pour certains téléspectateurs) de présenter des excuses ., comme un Américain, pour la destruction en temps de guerre de la ville Le New York Times critique Vincent Canby a écrit à propos de ce film: «Un grand nombre de personnes à Cannes ont été outrés que le film ne fait aucune mention de Pearl Harbour les atrocités et le Japon en Chine ... Si Clark peut présenter des excuses pour le bombardement de Nagasaki, pourquoi ne pas Granny excuses pour le raid sur Pearl Harbour? "

Un certain nombre de critiques ont réagi négativement à des personnages féminins dans les films de Kurosawa. Joan Mellen, dans son examen de ce sujet, a soutenu que, au moment de Red Beard (1965), «les femmes dans Kurosawa sont devenus non seulement irréel et incapable de gentillesse, mais totalement dépourvu d'autonomie, qu'elle soit physique, intellectuelle, ou émotionnel ... Femmes à leur meilleur ne peuvent imiter les vérités les hommes découvrent ". Kurosawa savant Stephen prince d'accord avec l'avis de Mellen, quoique moins censoriously: "Contrairement à un directeur orientée hommes comme Sam Peckinpah, Kurosawa est pas hostile aux femmes, mais son manque d'intérêt général en eux doit être considéré comme une limitation majeure de son travail. "

Au Japon