Diego Velázquez
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| Diego Velázquez | |
|---|---|
 Autorretrato de Diego Velázquez, 45 x 38 cm. | |
| Nombre de nacimiento | Diego Rodríguez de Silva y Velázquez |
| Nacionalidad | Español |
| Campo | Pintura |
| Movimiento | Barroco |
| Obras | Las Meninas, 1656 La Venus del espejo ( Venus del espejo), 1644-1648 La rendición de Breda, ( La Rendición de Breda) 1634-1635 |
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (pronunciación española: [Djeɣo roðriɣeð del ðe silβa i βelaθkeθ]; Junio 6, 1599 a agosto 6, 1660) fue un pintor español que era el artista principal en el corte del rey Felipe IV. Él era un artista individualista de lo contemporáneo Barroco período, importante como retratista. Además de las numerosas interpretaciones de escenas de gran importancia histórica y cultural, pintó decenas de retratos de la familia real española, de otras figuras europeas notables, y los plebeyos, que culminó en la producción de su obra maestra Las Meninas (1656).
Desde el primer cuarto del siglo XIX, obra de Velázquez era un modelo para el realista y impresionista pintores, en particular, Édouard Manet. Desde entonces, artistas más modernos, como de España Pablo Picasso y Salvador Dalí, así como el pintor anglo-irlandés Francis Bacon, han pagado tributo a Velázquez reconstruyendo varios de sus obras más famosas.
Primeros años de vida
Nacido en Sevilla, Andalucía, España, Diego, el primer hijo de Juan Rodríguez de Silva y Jerónima Velázquez, fue bautizado en la iglesia de San Pedro en Sevilla el domingo, 6 de junio de 1599. Este bautizo debió haber seguido el nacimiento del bebé por no más de unos pocos semana, o tal vez sólo unos pocos días. Los abuelos paternos de Velázquez, Diego da Silva y Maria Rodrigues, se habían trasladado a Sevilla desde su nativa Porto, Portugal décadas antes. En cuanto a Juan Rodríguez de Silva y su esposa, ambos nacieron en Sevilla, y se casaron, también en la iglesia de San Pedro, el 28 de diciembre de 1597. Vinieron de la baja nobleza y se otorgan los privilegios de que goza por la alta burguesía.
Velázquez fue educado por sus padres a temer a Dios y, destinado a una profesión liberal, recibió una buena formación en idiomas y filosofía . Pero él mostró un regalo adelantado por el arte; en consecuencia, comenzó a estudiar bajo Francisco de Herrera, un pintor vigoroso que tuvo en cuenta la influencia italiana de la escuela temprano Sevilla. Velázquez permaneció con él durante un año. Fue probablemente de Herrera que aprendió a usar cepillos con cerdas largas.
Después de dejar el taller de Herrera, cuando tenía 12 años de edad, Velázquez comenzó a servir como aprendiz bajo Francisco Pacheco, artista y profesor en Sevilla. Aunque considerado un pintor mediocre en general aburrido, Pacheco expresa a veces un realismo simple, directo en contradicción con el estilo de Rafael que se le enseñó. Velázquez se quedó en la escuela de Pacheco durante cinco años, el estudio de la proporción y la perspectiva y ser testigo de las tendencias en los círculos literarios y artísticos de Sevilla.
Para Madrid (primer periodo)
A principios de la década de 1620, su posición y su reputación se les aseguró en Sevilla. El 23 de abril 1618, se casó con Juana Pacheco Velázquez (junio 1, 1602 a agosto 10, 1660), la hija de su maestro. Ella le dio dos hijas, su familia sólo se conoce. El anciano, Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), pintor casado Juan Bautista Martínez del Mazo en la Iglesia de Santiago en Madrid el 21 de agosto 1633; el más joven, Ignacia de Silva Velázquez y Pacheco, nacido en 1621, murió en la infancia.
Velázquez produjo obras notables durante este tiempo. Conocido por sus composiciones de escenas de género divertidos (también llamadas Bodegones), como Vieja friendo huevos, sus temas sagrados incluyen Adoración de los Reyes (1619, La Adoración de los Reyes Magos), y Jesús y los Peregrinos de Emaús (1626, Cristo y los peregrinos de Emaús), ambos de los cuales comienzan a expresar su realismo más puntiaguda y cuidadoso.
Madrid y Felipe IV
Velázquez fue a Madrid en la primera quincena de abril de 1622, con cartas de presentación para Don Juan de Fonseca, a sí mismo de Sevilla, que era capellán del Rey. A petición de Pacheco, Velázquez pintó el retrato del famoso poeta Luis de Góngora. Velázquez pintó Góngora coronado con una corona de laurel, pero pintó sobre ella en una fecha posterior desconocido. Es posible que Velázquez se detuvo Toledo en su camino de Sevilla, en el consejo de Pacheco, o de vuelta de Madrid a la de Góngora, un gran admirador de El Greco, luego de haber compuesto un poema con motivo de su muerte.
En diciembre de 1622, Rodrigo de Villandrando, pintor de la corte favorito del rey, murió. Don Juan de Fonseca transmitió a Velázquez el comando de venir a la corte de la Conde-Duque de Olivares, el poderoso ministro de Felipe IV. Se le ofreció 50 ducados (175 g de oro -worth aproximadamente € 2.000 en 2005), para sufragar sus gastos, y que fue acompañada por su padre-en-ley. Fonseca presentó el joven pintor en su propia casa y se sentó para un retrato de sí mismo, que, una vez terminado, fue trasladada al palacio real. Un retrato del rey fue comisionado. El 16 de agosto de 1623, Felipe IV sentó por Velázquez. Completo en un solo día, el retrato era probable que hayan sido más que un bosquejo cabeza, pero tanto el rey y Olivares estaban contentos. Olivares mandó Velázquez a trasladarse a Madrid, con la promesa de que ningún otro pintor jamás pintar el retrato de Felipe y todos los demás retratos del rey sería retirado de la circulación. En el año siguiente, 1624, recibió 300 ducados del rey para pagar el costo de mudarse con su familia a Madrid, que se convirtió en su casa por el resto de su vida.
A través del retrato del busto del rey, pintado en 1623, Velázquez aseguró admisión en el servicio real, con un salario de 20 ducados al mes, además de la asistencia médica, alojamiento y el pago de las fotos que podría pintar. El retrato fue exhibido en las gradas de San Felipe y fue recibido con entusiasmo. Ahora se pierde. La Museo del Prado, sin embargo, tiene dos de los retratos de Velázquez del rey (núms. 1070 y 1071) en el que la gravedad del período de Sevilla ha desaparecido y los tonos son más delicados. El modelado es firme, recordando que de Antonio Mor, el retratista holandés de Felipe II , que ejerció una influencia considerable en la escuela española. En el mismo año, el Príncipe de Gales (después Carlos I ) llegó a la corte de España. Los registros indican que se sentó por Velázquez, pero la imagen se ha perdido. En septiembre de 1628, Peter Paul Rubens llegó a Madrid como un emisario de la Infanta Isabel, y Velázquez lo acompañó a ver el Tiziano en el Escorial. Rubens estaba entonces en la plenitud de sus facultades. Los siete meses de la misión diplomática mostraron brillantez de Rubens como pintor y cortesano. Rubens tenía una alta opinión de Velázquez, pero no tenía influencia significativa en su pintura. Reforzó el deseo de Velázquez para ver Italia y las obras de los grandes maestros italianos.
En 1627, Philip establece una competencia por los mejores pintores de España con el objeto de ser la expulsión del Moros. Velázquez ganó. Su imagen fue destruida en un incendio en el palacio en 1734. descripciones grabadas de que dicen que representa Felipe III señalando con su bastón de mando a una multitud de hombres y mujeres que son llevados lejos por soldados, mientras que el personificación femenina de España se encuentra en reposo en calma. Velázquez fue nombrado caballero ujier como recompensa. Más tarde también recibió un subsidio diario de 12 Reis, la misma cantidad adjudicada a los barberos de la corte, y 90 ducados al año para el vestido. Cinco años después de que él la pintó en 1629, como un pago adicional, que recibió 100 ducados para la imagen de Bacchus ( La Fiesta de Baco). El espíritu y el objetivo de este trabajo se comprenderán mejor a partir de su nombre en español, Los Borrachos (Los borrachos) o Los Bebedores (los bebedores), que están pagando homenaje simulacro de un joven hombre de hiedra coronado semidesnuda sentada en un vino de barril. La pintura es firme y sólida, y la luz y la sombra son más hábilmente manejado que en trabajos anteriores. En total, esta producción puede ser tomado como el ejemplo más avanzado del primer estilo de Velázquez.
Período italiano
En 1629, se fue a vivir en Italia durante un año y medio. Aunque su primera visita italiano es reconocido como un capítulo crucial en el desarrollo del estilo de Velázquez - y en la historia del español Real Patronato, desde que Felipe IV patrocinó su viaje - que sabemos más bien poco sobre los detalles y particularidades: lo que vio el pintor, a quien conoció, cómo fue percibido y lo que espera que las innovaciones a introducir en su pintura. Es canónica para dividir la trayectoria artística de Velázquez por sus dos visitas a Italia, con su segundo grupo de obras después de la primera visita y su tercera agrupación después de la segunda visita. Esta división algo arbitraria puede ser aceptado a pesar de que no siempre se aplicará, porque, como es habitual en el caso de muchos pintores, sus estilos a veces se solapan entre sí. Velázquez raramente firmaba sus cuadros, y los archivos reales dan las fechas sólo sus obras más importantes. La evidencia interna y la historia referente a sus retratos suministran el resto hasta cierto punto.
Regreso a Madrid (período medio)
Velázquez pintó entonces el primero de los muchos retratos del joven príncipe y heredero al trono español, Don Baltasar Carlos, mirando digna y señorial aún en su infancia, en el vestido de un mariscal de campo en su corcel encabritado. La escena es en el escuela de equitación del palacio, el rey y la reina mirando desde un balcón, mientras que Olivares asiste como maestro del caballo para el príncipe. Don Baltasar murió en 1646 a la edad de diecisiete años, por lo que, a juzgar por su edad en el retrato, que debe haber sido pintado en aproximadamente 1.641.
El poderoso ministro Olivares era el patrón temprano y constante del pintor. Su impasible rostro taciturno nos es familiar de los muchos retratos pintados por Velázquez. Dos son notables; uno es una de cuerpo entero, majestuosa y digna, en la que lleva la cruz verde de la Orden de Alcántara y sostiene una varita, la insignia de su cargo como jefe de la caballería, y el otro, un gran retrato ecuestre en el que está representado halagadora como un mariscal de campo durante la acción. En estos retratos, Velázquez también ha pagado la deuda de gratitud que le debía a su primer mecenas, quien estaba junto a Velázquez durante la caída de Olivares del poder, lo que expone a sí mismo a la gran riesgo de la ira de celos Philip. El rey, sin embargo, no mostró ningún signo de malicia hacia su pintor favorito.
El escultor Juan Martínez Montañés modeló una estatua de uno de los retratos ecuestres de Velázquez del rey, pintado en 1636, que fue fundida en bronce por el Escultor florentino Pietro Tacca y que ahora se encuentra en el Plaza de Oriente en Madrid. El original de este retrato ya no existe, pero otros lo hacen. Velázquez, en este y en todos sus retratos del rey, representa Felipe llevaba el golilla, un collar de lino rígida que sobresale en ángulos rectos desde el cuello. Fue inventado por el rey, que estaba tan orgulloso de ella que lo celebró con una fiesta seguida de una procesión a la iglesia para dar gracias a Dios por la bendición. Por lo tanto, la golilla era la última moda, y apareció en la mayoría de los retratos masculinos de la época.
Velázquez estuvo presente constante y estrecha sobre Felipe, que le acompañaba en sus viajes a Aragón en 1642 y 1644, y fue, sin duda, presente con él cuando entró Lérida como conquistador. Fue entonces que pintó un gran retrato ecuestre en el que el rey es representado como un gran comandante al frente de sus tropas; un papel que Felipe nunca jugó excepto en el boato. Todo está lleno de animación, excepto el rostro impasible del rey. Se cuelga como un colgante a los grandes rivales Olivares-retrato en forma de la vecina Carlos V por Tiziano, que inspiró a Velázquez para sobresalir a sí mismo, y ambos notables por su tono plateado y su sensación de aire libre.
Retrato
Además de los cuarenta retratos de Felipe de Velázquez, pintó retratos de otros miembros de la familia real: la primera esposa de Felipe, Isabel de Borbón, y sus hijos, en especial a su hijo mayor, Don Baltasar Carlos, de los cuales hay una hermosa de cuerpo completo en una habitación privada en el Palacio de Buckingham . Cavaliers, soldados, clérigos, y el destacado poeta Francisco de Quevedo (ahora en Apsley House), posó para Velázquez.
Uno se pregunta quién es el hermosa mujer puede ser que adorna la colección Wallace, una morena tan diferente a los habituales modelos femeninas rubias a Velázquez. Este cuadro es uno de los adornos de la colección Wallace. Sin embargo, si algunas damas de la corte de Felipe han representado, Velázquez pintó varios de sus bufones y enanos. Velázquez parece representar con respeto y simpatía, como en El Primo (1644, Inglés: La Favorita), cuyo rostro inteligente y gran folio con tinta botella y lápiz a su lado le muestran como un hombre educado mejor y más sabio de muchos de los galanes de la corte Pablo de Valladolid (1635, Inglés: Pablo de Valladolid)., un bufón, evidentemente, actuando una parte, y El Bobo de Coria (1639, Inglés: El bufón de Coria) pertenecen a este período intermedio.
La más grande de las pinturas religiosas de Velázquez también pertenece a este período intermedio, el Cristo Crucificado (1632, Inglés: Cristo en la cruz). Es una obra de gran originalidad, que representa a Cristo inmediatamente después de la muerte. La cabeza del Salvador cuelga sobre el pecho y una masa de pelo enredado oscuro oculta parte de la cara. La cifra está solo. La imagen fue alargado para adaptarse a su lugar en un oratorio, pero esta adición ya se ha eliminado. Algunos creen que el hombre en esta pintura es su tío.
Hijo-en-ley de Velázquez Juan Bautista Martínez del Mazo le había sucedido como marcar el comienzo de 1634, y el propio Mazo había recibido una promoción constante de la casa real. Mazo recibió una pensión de 500 ducados en 1640, aumentó a 700 en 1648, para los retratos pintados y para ser pintadas, y fue nombrado inspector de obras en el palacio en 1647.
Philip ahora confió Velázquez con la realización de un diseño en el cual se fijó mucho su corazón: la fundación de un academia de arte en España. Rico en imágenes, España era débil en la estatuaria, y Velázquez se encargó una vez más para proceder a Italia para realizar compras.
La segunda visita a Italia
Acompañado por su siervo Juan de Pareja, quien se formó en la pintura, Velázquez partió de Málaga en 1649, desembarcando en Génova , y procedió de Milán a Venecia, la compra de pinturas de Tiziano, Tintoretto y Veronese a su paso. En Modena fue recibido con mucho favor por el duque, y aquí pintó el retrato del duque en la galería de Módena y dos retratos que ahora adornan el Galería de Dresde, para estas pinturas provino de la venta de Módena de 1746.
Esas obras presagian la llegada de la tercera y última manera del pintor, un noble ejemplo de los cuales es el gran retrato de Papa Inocencio X en el Doria Pamphilj Gallery en Roma, donde Velázquez procedió. Allí fue recibido con marcado favor por el Papa , quien le hizo entrega de una medalla y cadena de oro. Velázquez tomó una copia del retrato que Sir Joshua Reynolds pensó que era la imagen más fino en Roma-con él a España. Existen varias copias de la misma en diferentes galerías, algunas de ellas posiblemente estudios para la original o réplicas pintada para Felipe. Velázquez, en este trabajo, había alcanzado ahora el abreviada Manera, un término acuñado por los españoles contemporáneos para esta audaz, estilo más nítida. El retrato muestra tal crueldad en la expresión de inocente que algunos en el Vaticano temían que Velázquez se reuniría con el disgusto del Papa, pero Inocencio estaba bien satisfecho con el trabajo, colgando en la habitación de su visitante de espera oficial.
En 1650 en Roma Velázquez también pintó un retrato de su siervo, Juan de Pareja, ahora en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. Este retrato procuró su elección en el Academia de San Lucas. Supuestamente Velázquez creó este retrato como un calentamiento de sus habilidades antes de su retrato del Papa. Captura en el semblante gran detalle de Pareja y su ropa un poco desgastada y remendada con una impresionante economía de pinceladas; que es una de sus piezas más conocidas del retrato.
Regreso a España (más tarde período)
El rey Felipe deseaba que Velázquez regresar a España; en consecuencia, después de una visita a Nápoles, donde vio a su viejo amigo José Ribera, regresó a España a través de Barcelona en 1651, llevando consigo muchas fotos y 300 pedazos de estatuas, que después se organizaron y catalogados para el rey. Escultura undraped fue, sin embargo, aborrecible para la Iglesia española, y tras la muerte de Philip estas obras desaparecieron gradualmente. Elisabeth de Francia había muerto en 1644, y el rey se había casado Mariana de Austria, a quien ahora Velázquez pintó en muchas actitudes. Fue elegido especialmente por el rey para ocupar el alto cargo de aposentador alcalde, que le impone el deber de cuidar a los cuartos ocupados por la función de un tribunal competente, que no fue sinecura y uno que interfería con el ejercicio de su arte. Sin embargo, lejos de indicar cualquier declive, sus obras de este periodo se encuentran entre los más altos ejemplos de su estilo.
Las Meninas
Uno de los infantas, Margaret Teresa, la hija mayor de la nueva reina, parece ser objeto de Las Meninas (1656, Inglés: Las Meninas), Velázquez opus magnum. Sin embargo, en el estudio de los diversos puntos de vista de la pintura no es claro en cuanto a quién o qué es el verdadero sujeto. Es la hija real, o tal vez el propio pintor? La respuesta puede estar en la imagen en la pared del fondo, que representa el Rey y la Reina. ¿Es esta una imagen de espejo, en cuyo caso el rey y la reina están de pie en las tribunas? ¿Son el tema de la obra de Velázquez? ¿O es el trabajo simplemente una pintura de la corte? Gran parte todavía está en la especulación sobre el verdadero tema de esta obra maestra, y muchas de las preguntas que se hacen pueden nunca ser verdaderamente contestado.
Creado cuatro años antes de su muerte, sirve como un excelente ejemplo de la Europa barroca período del arte. Una apoteosis de la obra se ha efectuado desde su creación; Luca Giordano, un pintor italiano contemporáneo, se refirió a ella como la "teología de la pintura", y en el siglo XVIII el inglés Thomas Lawrence citó como la "filosofía del arte", tan decididamente capaz de producir el efecto deseado. Ese efecto se ha interpretado de diversas formas; Dale Brown señala una interpretación que, en la inserción dentro de la obra un retrato descolorido del rey y la reina que cuelga en la pared del fondo, Velázquez ha pronosticado ingeniosamente la caída del imperio español que iba a ganar impulso después de su muerte. Otra interpretación es que el retrato es en realidad un espejo, y que la propia pintura es en la perspectiva de los Reyes, de ahí su reflexión puede verse en el espejo en la pared trasera.
Se dice que el rey pintó el honorario Cruz Roja (Cruz Roja) de la Orden de Santiago ( Orden de Santiago) en el seno del pintor como aparece hoy en el lienzo. Sin embargo, Velázquez no recibió este honor caballería hasta tres años después de la ejecución de esta pintura. Incluso el Rey de España no podría hacer su favorito un caballero con cinturón sin el consentimiento de la comisión creada para investigar la pureza de su linaje. El objetivo de estas investigaciones sería impedir la designación de cargos de cualquier persona encontró que incluso una mancha de herejía en su linaje, es decir, un rastro de judía sangre o contaminación o morisco por el comercio o el comercio en ambos lados de la familia de muchas generaciones. Los registros de esta comisión se han encontrado entre los archivos de la Orden de Santiago. Velázquez fue galardonado con el honor en 1659. Su ocupación como plebeya y comerciante estaba justificada porque, como pintor del rey, fue evidente que no participó en la práctica de "vender" las imágenes.
En el 1966 el libro Les Mots et les Choses ( La Orden de las Cosas), filósofo Michel Foucault dedica el primer capítulo a un análisis detallado de Las Meninas. Él describe las formas en que la pintura problematiza cuestiones de representación a través de su uso de espejos, pantallas y las oscilaciones posteriores que se producen entre de la imagen interior, superficie, y el exterior. En su libro, El animal moribundo, Philip Roth utiliza Las Meninas como una metáfora de la atracción distraído de cortejo.
Años finales
Si no hubiera sido por esta designación real, lo que permitió a Velázquez para escapar de la censura de la Inquisición , que no habría sido capaz de liberar su La Venus del espejo (c 1644-1648, Inglés.: La Venus del Espejo) también conocida como la Venus del espejo. Es la única mujer sobreviviente desnuda por Velázquez.
Había esencialmente sólo dos mecenas del arte en España, la iglesia y el rey amante del arte y de la corte. Bartolomé Esteban Murillo fue el artista favorecido por la iglesia, mientras que Velázquez fue patrocinado por la corona. Una diferencia, sin embargo, merece ser señalado. Murillo, quien trabajaba para una iglesia rica y poderosa, dejó pocos medios para pagar su entierro, mientras que Velázquez vivió y murió en el disfrute de los buenos salarios y pensiones.
Una de sus últimas obras fue Las hilanderas (Los hilanderos), pintadas circa 1657, que representa ya sea el interior de la fábrica de tapices reales o una representación de la fábula de Ovidio Arachne, dependiendo de la interpretación. Recientemente se ha sugerido que el tapiz en el fondo se basa en Tiziano es La Violación de Europa, o, más probablemente, la copia que Rubens pintó en Madrid . Está lleno de luz, el aire y el movimiento, con colores vibrantes y un manejo cuidadoso. Anton Raphael Mengs, dijo este trabajo parecía haber sido no pintado por la mano sino por la pura fuerza de voluntad. Se muestra una concentración de todo el arte-conocimiento Velázquez había reunido durante su larga carrera artística de más de cuarenta años. El esquema es simple: una confluencia de variados y mezclado rojo, verde azulado, gris y negro.
Retratos finales de Velázquez de los niños reales se encuentran entre sus mejores obras. Estos incluyen la infanta Margarita con vestido azul y su retrato único superviviente del enfermizo príncipe Felipe Próspero. Este último es notable por su combinación de los rasgos dulces del príncipe niño y su perro con un sutil sentido del abatimiento. Como en todas las últimas pinturas de la artista, el manejo de los colores es extraordinariamente fluida y vibrante.
En 1660 un tratado de paz entre Francia y España se consumó por el matrimonio de María Teresa con Luis XIV , y la ceremonia se llevó a cabo en la isla de los Faisanes, una pequeña isla pantanosa en el Bidasoa. Velázquez fue encargado de la decoración del pabellón español y con toda la pantalla panorámica. Él atrajo mucha atención por parte de la nobleza de su porte y el esplendor de su traje. El 26 de junio regresó a Madrid, y el 31 de julio fue atacado por la fiebre. Sintiendo su próximo fin, firmó su testamento, nombrando como su único albaceas a su esposa y su firma amigo llamado Fuensalida, guardián de los registros reales. Murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en la cripta de Fuensalida de la iglesia de San Juan Bautista, y en los ocho días de su esposa Juana fue enterrado junto a él. Por desgracia, esta iglesia fue destruida por los franceses en 1811, por lo que su lugar de enterramiento es ahora desconocido. Hubo mucha dificultad de ajustar las cuentas enredadas pendientes entre Velázquez y el tesoro, y no fue hasta 1666, después de la muerte del rey Felipe, que finalmente fueron resueltas.
En la modernidad
Hasta el siglo XIX, se sabía poco fuera de España de la obra de Velázquez. Sus pinturas en su mayoría escapó de ser robados por los mariscales franceses durante la Guerra de la Independencia. En 1828 Sir David Wilkie escribió desde Madrid que se sintió en presencia de un nuevo poder en el arte mientras miraba a las obras de Velázquez, y al mismo tiempo encontrar una maravillosa afinidad entre este artista y la escuela británica de retratistas, especialmente Henry Raeburn. Le llamó la atención la impresión moderna que impregna la obra de Velázquez, en tanto en el paisaje y el retrato. Actualmente, su técnica y la individualidad se han ganado Velázquez una posición prominente en los anales del arte europeo, y que a menudo se considera un padre de la escuela española de arte. Aunque familiarizarse con todas las escuelas italianas y un amigo de los pintores más importantes de su época, fue lo suficientemente fuerte como para resistir las influencias externas y trabajar por sí mismo el desarrollo de su propia naturaleza y sus propios principios del arte.
Velázquez es a menudo citado como una influencia clave en el arte de Édouard Manet, importante si se considera que Manet se cita a menudo como el puente entre el realismo y el impresionismo . Llamar a Velázquez el "pintor de pintores", Manet admiraba uso de Velázquez de pincelada viva en medio del estilo barroco académico de sus contemporáneos y construido sobre los motivos de Velázquez en su propio arte.
Recreaciones modernas de clásicos
La importancia de la de Velázquez arte aún hoy es evidente al considerar el respeto con el que los pintores del siglo XX consideran su obra. Pablo Picasso presentó los homenajes más duraderos a Velázquez en 1957, cuando recreó Las Meninas en 58 variaciones, en su forma característica cubista formulario. Aunque Picasso le preocupaba que sus reinterpretaciones de la pintura de Velázquez serían vistos como simples copias en lugar de representaciones únicas, las enormes obras, incluyendo el más grande que había producido desde Guernica en 1937, obtuvo una posición de relevancia en el canon del arte español. Picasso conservó la forma general y el posicionamiento de la original en el marco de su vanguardia cubista estilo.
Salvador Dalí, como con Picasso en previsión del tricentenario de la muerte de Velázquez, creado en 1958 una obra titulada Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y las sombras de su propia gloria. El esquema de color muestra serio homenaje de Dalí a Velázquez; el trabajo también funcionó, como en el caso de Picasso, como un vehículo para la presentación de las teorías más recientes en el arte y pensamiento- misticismo nuclear, en el caso de Dalí.
El pintor anglo-irlandés Francis Bacon encontró el retrato de Velázquez del Papa Inocencio X de ser uno de los grandes retratos jamás se ha hecho. Creó varios expresionistas variaciones de esta pieza en la década de 1950; Sin embargo, las pinturas de Bacon presentan una imagen más horripilante de la papa, que ahora había estado muerto durante siglos. Una de esas variaciones famoso, titulado Figura con la carne (1954), muestra que el Papa entre dos mitades de una vaca biseccionado.
Redescubrimientos recientes de originales Velázquez
En 2009, el Retrato de un hombre en la colección de la Museo Metropolitano de Arte, que durante mucho tiempo se había asociado con los seguidores de estilo de Velázquez de pintura, fue limpiado y restaurado. Se encontró que por el propio Velázquez, y las características del hombre coinciden con los de una figura en el cuadro "La rendición de Breda". Por tanto, el lienzo recién limpiado puede ser un estudio para que la pintura. Aunque la atribución a Velázquez es considerado como cierto, la identidad de la modelo sigue siendo discutible. Algunos historiadores del arte consideran que este nuevo estudio para ser un autorretrato de Velázquez.
En 2010 se informó de que una pintura dañada largo relegado a un sótano de la Yale University Art Gallery podría ser una obra temprana de Velázquez. Se cree que se han dado a Yale en 1925, la pintura ha sido previamente atribuida a la escuela española del siglo 17. Algunos estudiosos están dispuestos a atribuir la pintura a Velázquez, aunque el Museo del Prado en Madrid se reserva su opinión. La obra, que representa a la Virgen María que se enseña a leer, será restaurado por los conservadores en Yale.
Descendientes
Velázquez, a través de su hija Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), es un antepasado de los marqueses de Monteleone, incluyendo Enriquetta (Enriqueta) Casado de Monteleone (1725-1761), quien en 1746 se casó con Heinrich VI, el conde Reuss zu Köstritz (1707-1783). A través de ellos son descendientes de un número de la realeza europea, entre ellos Reina Sofía de España, Reina Beatriz de los Países Bajos, Rey Carlos XVI Gustavo de Suecia, El rey Alberto II de Bélgica, Hans-Adam II de Liechtenstein, y Henri, Gran Duque de Luxemburgo.
Los trabajos seleccionados
Velázquez no fue prolífico; que se estima que ha producido entre lienzos sólo 110 y 120 conocidos. Entre estas pinturas, sin embargo, son muchas las obras ampliamente conocidas e influyentes.
- La fragua de Vulcano (Apolo en la Fragua de Vulcano) (1630) - Óleo sobre lienzo, 223 x 290 cm, Museo del Prado, Madrid
- Cristo en casa de Marta y María (1618) - Óleo sobre lienzo, 63 x 103,5 cm, National Gallery, Londres
- Cristo crucificado (1631) - Óleo sobre lienzo, 248 x 169 cm, Museo del Prado, Madrid
- Demócrito (c 1630.) - Óleo sobre lienzo, 101 x 81 cm, Musée des Beaux-Arts, Rouen
- El Triunfo de Baco (Los borrachos) (1628-1629) - Óleo sobre lienzo, 165 x 225 cm, Museo del Prado, Madrid
- Retrato ecuestre del duque de Olivares (1634) - Óleo sobre lienzo, 313 x 239 cm, Museo del Prado, Madrid
- Esopo (1639-1640) - Óleo sobre lienzo, 179 x 94 cm, Museo del Prado, Madrid
- Imposición de la casulla una San Ildefonso (1623) - Óleo sobre lienzo, 165 x 115 cm, Museo de Bellas Artes, Sevilla
- Vieja friendo huevos (c 1618.) - Óleo sobre lienzo, 105 x 119 cm, National Gallery, Edimburgo
- La reina Isabel de Borbón a caballo (1629) - Óleo sobre lienzo, 301 x 314 cm, Museo del Prado, Madrid
- Las Hilanderas (la fábula del Arachne) (c 1657.) - Óleo sobre lienzo, 167 x 252 cm, Museo del Prado, Madrid
- Las Meninas (1656) - Óleo sobre lienzo, 318 x 276 cm
- Marte reposo (1640) - Óleo sobre lienzo, 179 x 95 cm, Museo del Prado, Madrid
- Menipo (1639-1640) - Óleo sobre lienzo, 179 x 94 cm, Museo del Prado, Madrid
- Mercurio y Argus (1659) - cm Oil6, Museo del Prado, Madrid sobre lienzo, 127 x 248 cm, Museo del Prado, Madrid
- Retrato del Conde Duque de Olivares (1624) - Óleo sobre lienzo, 202 x 107 cm, Museo de Arte de São Paulo, Sao Paulo
- Retrato del Duque de Olivares (1635) - Óleo sobre lienzo, 67 x 54,5 cm, Museo del Hermitage, San Petersburgo
- Retrato de Inocencio X (1650 c.) - Óleo sobre lienzo, 141 x 119 cm, Galleria Doria Pamphili, Roma
- Retrato de Juan de Pareja (1650) - Óleo sobre lienzo, 81,3 x 69,9 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
- Retrato de la madre Jerónima de la Fuente (1620) - Óleo sobre lienzo, 79 x 51 cm, Museo del Prado, Madrid
- Venus del espejo (La Venus del Espejo, c 1648-1651.) - Óleo sobre lienzo, 122 x 177 cm, National Gallery, Londres
- La rendición de Breda(1633-1635) -Óleo sobre lienzo, 307 x 367 cm, Museo del Prado,Madrid
- La Adoración de los Magos(1619) -Óleo sobre lienzo, 203 x 125 cm, Museo del Prado,Madrid
- La Señora con un ventilador, (c 1638-1639.) -Óleo sobre tabla, 69 x 51 cm, La Colección Wallace, Londres
- El almuerzo(c 1617). -Óleo sobre lienzo, 108 x 102 cm, Museo del Hermitage, San Petersburgo
- El aguador de Sevilla(c 1620). -Óleo sobre lienzo, 105 x 80 cm, Apsley House, Londres
