Igor Stravinsky

Igor Stravinsky.

Igor Fyodorovich Stravinsky ( ruso : Игорь Фёдорович Стравинский, Igor 'Fjodorovič Stravinskij) ( 17 de junio de 1882 - 6 de abril de 1971 ) fue un ruso compositor, considerado por muchos, tanto en el West y su tierra natal para ser el compositor más influyente de la música del siglo 20. Era un quintaesencia cosmopolita de Rusia que fue nombrado por La revista Time como una de las 100 personas más influyentes del siglo. Además del reconocimiento que recibió por sus composiciones, también alcanzó la fama como pianista y un conductor, a menudo a los estrenos de sus obras.

Carrera de composición de Stravinsky fue notable por su diversidad estilística. Él primero alcanzó fama internacional con tres ballets encargado por el empresario Sergei Diaghilev y realizado por Diaghilev Ballets Russes (Ballets rusos): [[El pájaro de fuego | L'Oiseau de feu ("El pájaro de fuego")]] (1910), Petrushka (1911/1947), y [[La consagración de la primavera | Le Sacre du printemps ("La consagración de la primavera")]] (1913). El rito, cuya première provocado un motín, transformado la forma en la que los compositores posteriores pensaron estructura rítmica; hasta el día de su visión de los rituales paganos, promulgada en un imaginario antigua Rusia sigue deslumbrando y abrumar al público.

Después de esta primera fase ruso Stravinsky dirigió a neoclasicismo en la década de 1920. Las obras de este periodo tendían a hacer uso de las formas musicales tradicionales ( concerto grosso, fuga, sinfonía), con frecuencia oculta una vena de intensa emoción bajo una apariencia de la superficie de desprendimiento o la austeridad, y el tributo pagado a menudo a la música de maestros anteriores, por ejemplo, JS Bach y Tchaikovsky .

En la década de 1950 que adoptó procedimientos de serie, utilizando las nuevas técnicas sobre sus últimos veinte años. Composiciones de Stravinsky de este período comparten rasgos con toda su producción anterior: energía rítmica, la construcción de ideas melódicas extendidas fuera de unas pocas células de dos o tres notas, y la claridad de la forma, de la instrumentación y de expresión.

También publicó una serie de libros en toda su carrera, casi siempre con la ayuda de un colaborador, a veces sin acreditar. En su 1936 autobiografía, Crónicas de mi vida, escrito con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinsky incluyó su infame declaración de que "la música es, por su propia naturaleza, esencialmente incapaz de expresar nada en absoluto." Con Roland-Manuel y Pierre Souvtchinsky escribió su 1939-40 Universidad Harvard Charles Eliot Norton Lectures, que fueron entregados en francés y más tarde recogidos bajo el título Poétique musicale en 1942 (traducida en 1947 como poética de la Música). Varias entrevistas en las que el compositor habló Robert Craft se publicaron como Conversaciones con Igor Stravinsky Ellos colaboraron en otros cinco volúmenes durante la década siguiente.

Biografía

Rusia

Stravinsky nació en Oranienbaum (Lomonosov rebautizado en 1948), Rusia y criado en San Petersburgo , a un padre católico polaco y madre rusa. Su infancia, recordó en su autobiografía, se turbó: "Yo nunca encontré a nadie que tuviera ningún afecto real para mí." Su padre, Fyodor Stravinsky, era un cantante bajo en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, y el joven Stravinsky comenzó lecciones de piano y más tarde estudió teoría musical e intentaron alguna composición. En 1890, Stravinsky vio una actuación de de Tchaikovsky ballet La Bella Durmiente en el Teatro Mariinsky; el rendimiento, su primera exposición a una orquesta, le hipnotizado. A los catorce años, que había dominado Mendelssohn 's Concierto para piano en sol menor, y al año siguiente, terminó una reducción para piano de una de Cuartetos de cuerda de Alexander Glazunov.

A pesar de su entusiasmo por la música, sus padres le espera para convertirse en abogado. Stravinsky matriculó para estudiar derecho en la Universidad de San Petersburgo en 1901, pero se adaptaba mal por ella, atendiendo menos de cincuenta sesiones de clase en cuatro años. Tras la muerte de su padre en 1902, ya había empezado a pasar más tiempo en sus estudios musicales. A causa del cierre de la universidad en la primavera de 1905, a raíz de Bloody Sunday, Stravinsky fue impedido de tomar sus exámenes finales de abogados, y sólo recibió un diploma de medio curso, en abril de 1906. A partir de entonces, se concentró en la música. Por consejo de Nikolai Rimsky-Korsakov , probablemente el principal compositor ruso de la época, que no decidió entrar en el Conservatorio de San Petersburgo; en cambio, en 1905, comenzó a tomar la tutela privada dos veces por semana a partir de Rimsky-Korsakov, quien llegó a ser como un segundo padre para él.

En 1905 se comprometió con su prima Katerina Nossenko, a quien había conocido desde la primera infancia. Se casaron el 23 de enero de 1906 , y sus dos primeros hijos, Fyodor y Ludmilla, nacieron en 1907 y 1908 respectivamente.

En 1909, su Feu d'artifice (Fuegos artificiales), se llevó a cabo en San Petersburgo, donde fue escuchado por Sergei Diaghilev, director de la Ballets Rusos en París . Diaghilev quedó lo suficientemente impresionado comisionar Stravinsky para llevar a cabo algunas orquestaciones, y luego para componer una partitura de ballet de larga duración, [[El pájaro de fuego | L'Oiseau de feu (El pájaro de fuego)]].

Suiza

Igor Stravinsky.

Stravinsky viajó a París en 1910 para asistir al estreno de El pájaro de fuego. Su familia pronto se unió a él, y decidió permanecer en el Oeste por un tiempo. Se trasladó a Suiza , donde vivió hasta 1920 en Clarens y Lausana. Durante este tiempo compuso tres obras adicionales para los Ballets Russes- Petrushka (1911), escrito en Lausana, y [[La consagración de la primavera | Le Sacre du printemps (La consagración de la primavera)]] ( 1913 ) y Pulcinella, tanto escrito en Clarens.

Mientras las Stravinsky estaban en Suiza, su segundo hijo, Soulima (que más tarde se convirtió en un compositor menor), nació en 1910; y su segunda hija, María Milena, nació en 1913. Durante este último embarazo, Katerina se encontró que tenía tuberculosis y estaba colocado en un sanatorio suizo para su confinamiento. Después de un breve regreso a Rusia en julio de 1914 para recoger material de investigación para Les Noces, Stravinsky abandonó su tierra natal y regresó a Suiza justo antes del estallido de la Primera Guerra Mundial provocó el cierre de las fronteras. No estaba para volver a Rusia durante casi cincuenta años. Stravinsky fue uno de los pocos representantes de la comunidad ortodoxa oriental o ruso ortodoxos que viven en Suiza en ese momento y todavía se recuerda como tal en Suiza hasta la fecha.

Francia

Se trasladó a Francia en 1920, donde formó una empresa y la relación musical con el fabricante de pianos francés Pleyel. Esencialmente, Pleyel actuaba como su agente en la recogida de las regalías mecánicas por sus obras, ya cambio le proporcionó un ingreso mensual y un espacio de estudio en el que trabajar y para entretener a los amigos y conocidos de negocios. Él también organizó, se podría decir recompuesto, muchas de sus primeras obras para la Pleyela, marca de Pleyel de pianista, de una manera que hace un uso completo de 88 notas del piano, sin tener en cuenta el número o la duración de los dedos y manos humanas. Estos no se registraron rollos, sino que fueron marcados por una combinación de fragmentos manuscritos y notas escritas a mano por el músico francés, Jacques Larmanjat, que era el director musical del departamento de rollo de Pleyel. Stravinsky más tarde afirmó que su intención había sido la de dar a los oyentes una versión definitiva de las actuaciones de su música, pero ya que los rollos no eran grabaciones, es difícil ver cómo efectiva esta intención podría haber sido en la práctica. Si bien muchas de estas obras son ahora parte del repertorio estándar, en el momento en muchas orquestas encontraron su música más allá de sus capacidades y insondable. Composiciones importantes emitidos en Pleyela rollos de pianola incluyen La consagración de la primavera, Petrushka, Firebird, Les Noces y Canción del ruiseñor. Durante la década de 1920 también grabó rollos Duo-Art para la compañía eólica en Londres y Nueva York, no todos los cuales sobrevivir.

Después de una corta estancia cerca de París , se trasladó con su familia al sur de Francia; regresó a París en 1934, a vivir en la calle Faubourg Saint-Honouré. Stravinsky tarde recordaba esto como su última y más infeliz dirección europea; tuberculosis de su mujer infectada a su hija mayor Ludmila, y el propio Stravinsky. Ludmila murió en 1938, Katerina en el año siguiente. Mientras que Stravinsky estaba en el hospital, donde recibió tratamiento durante cinco meses, su madre también murió. Stravinsky ya tenía contactos en el Estados Unidos ; que estaba trabajando en la Sinfonía en C para la Orquesta Sinfónica de Chicago, y había accedido a dar una conferencia en Harvard durante el año académico de 1939-1940. Cuando la Segunda Guerra Mundial estalló en septiembre, partió hacia los Estados Unidos.

Aunque su matrimonio con Catalina soportó durante 33 años, el verdadero amor de su vida, y más tarde su compañero hasta su muerte, fue su segunda esposa Vera de Bosset (1888-1982). Cuando Stravinsky conoció a Vera en París en febrero de 1921, se casó con el pintor y escenógrafo Serge Sudeikin, pero pronto comenzaron un romance que la llevó a abandonar a su marido. Desde entonces y hasta la muerte de Katerina por cáncer en 1939, Stravinsky llevaba una doble vida, pasar algo de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Katerina pronto se enteró de la relación y la aceptó como inevitable y permanente. Alrededor de este tiempo ambos abandonaron Francia para los EE.UU., para escapar de la Segunda Guerra Mundial (Stravinsky en 1939 tras la muerte de Katerina, Vera siguiente en 1940). Stravinski y Vera se casaron en Bedford, MA, EE.UU., en 09 de marzo 1940 .

América

Al principio Stravinsky se instaló en Hollywood, pero se trasladó a Nueva York en 1969 . Él continuó viviendo en el Estados Unidos hasta su muerte en 1971; se convirtió en un ciudadano naturalizado en 1945. Stravinsky se había adaptado a la vida en Francia, pero mudarse a Estados Unidos a la edad de 58 fue una perspectiva muy diferente. Durante un tiempo, se conserva un anillo de emigrados amigos y contactos rusos, pero finalmente encontró que este no sostuvo su vida intelectual y profesional. Él se sintió atraído por la creciente vida cultural de Los Ángeles, en especial durante la Segunda Guerra Mundial, cuando muchos escritores, músicos, compositores y conductores se asentaron en la zona; éstos incluyeron Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine y Arthur Rubinstein. Vivió bastante cerca Arnold Schoenberg, a pesar de que no tenía una relación estrecha con él. Bernard Holland señala que él era especialmente aficionado a los escritores británicos que a menudo lo visitaron en Beverly Hills, "como WH Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas (quien compartía el gusto del compositor para espíritus duros) y, sobre todo, Aldous Huxley, con quien Stravinsky habla en francés. "Él se acomodó en la vida en Los Ángeles y, a veces realizado conciertos con la Filarmónica de Los Angeles en el famoso Hollywood Bowl, así como en todos los EE.UU. Cuando él planeó escribir una ópera con WH Auden, la necesidad de adquirir más familiaridad con el Inglés mundo -hablando coincidió con su encuentro con el director de orquesta y musicólogo Robert Craft. Craft vivió con Stravinsky hasta la muerte del compositor, en calidad de intérprete, cronista, director asistente, y factotum para innumerables tareas musicales y sociales.

En 1962, Stravinsky aceptó una invitación para regresar a San Petersburgo ( Leningrado ) para una serie de conciertos. Pasó más de dos horas hablando con el líder soviético Nikita Jruschov , quien le instó a volver a la Unión Soviética . A pesar de la invitación, Stravinsky quedó resuelta en Occidente. En los últimos años de su vida, Stravinsky vivió en Essex House en la ciudad de Nueva York.

La tumba de Stravinsky en San Michele

Murió a la edad de 88 en la ciudad de Nueva York y fue enterrado en Venecia en la isla cementerio de San Michele. Su tumba se encuentra cerca de la tumba de su antiguo colaborador Diaghilev. La vida profesional de Stravinsky había abarcado la mayor parte del siglo 20, incluyendo muchos de sus modernos estilos de música clásica, y él influido compositores, tanto durante como después de su vida útil. Él tiene una estrella en el Paseo de la Fama en el 6340 de Hollywood Boulevard y póstumamente recibió el Premio Grammy por Lifetime Achievement en 1987.

Personalidad

Stravinsky aparece un deseo inagotable de explorar y aprender sobre el arte, la literatura y la vida. Este deseo se manifestó en varios de sus colaboraciones París. No sólo fue el compositor principal de Sergei Diaghilev Ballets Russes, pero también colaboró con Pablo Picasso ( Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Edipo Rey, 1927) y George Balanchine ( Musagète Apollon, 1928). Su gusto por la literatura era amplia, y refleja su deseo constante de nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias para su trabajo comenzó con un período de interés en el folklore ruso , progresaron a autores clásicos y la Liturgia latina, y se trasladó a Francia contemporánea ( André Gide, en Persephone) y, finalmente, la literatura Inglés, incluyendo Auden, TS Eliot y medieval verso Inglés. Al final de su vida, se dedicó hebreo Escritura de Abraham e Isaac.

Stravinsky y Pablo Picasso colaboraron en Pulcinella en 1920. Picasso tuvo la oportunidad de hacer varios bocetos del compositor.

Patronato no estaba muy lejos. A principios de la década de 1920, Leopold Stokowski dio apoyo regular Stravinsky a través de un "benefactor" seudónimo. El compositor también fue capaz de atraer a las comisiones: la mayor parte de su trabajo de El pájaro de fuego en adelante fue escrito para ocasiones específicas y fue pagado generosamente.

Stravinsky se mostró hábil para desempeñar el papel de "hombre de mundo", adquiriendo un instinto afilado para asuntos de negocios y apareciendo relajado y cómodo en muchas de las principales ciudades del mundo. París , Venecia, Berlín , Londres y Nueva York todos alojados exitosas actuaciones como pianista y director de orquesta. La mayoría de las personas que lo conocieron a través de tratos relacionados con actuaciones hablaban de él como amable, cortés y servicial. Por ejemplo, Otto Klemperer, que conocía Arnold Schoenberg así, dijo que siempre encontró Stravinsky mucho más cooperativo y fácil de tratar. Al mismo tiempo, tuvo un marcado desprecio por los que percibe como sus inferiores sociales: Robert Craft estaba avergonzado por su costumbre de tocar un vaso con un tenedor y gritos exigiendo atención en los restaurantes.

Aunque un mujeriego notorio (que se rumorea que tiene asuntos con socios de alto perfil, tales como Coco Chanel), Stravinsky era también un hombre de familia que dedicó una cantidad considerable de su tiempo y los gastos de sus hijos e hijas.

Períodos estilísticos

La carrera de Stravinsky puede dividirse en tres periodos estilísticos.

Nacionalismo

El primer período (excluyendo algunas obras menores tempranas) comenzó con Feu d'artifice y la prominencia alcanzada con los tres ballets compuestos por Diaghilev. Estas tres obras tienen varias características en común: se anotaron para un extremadamente gran orquesta; que utilizan rusos populares temas y motivos; y que están influenciados por la puntuación y la instrumentación imaginativa de Rimsky-Korsakov. También exhiben un considerable desarrollo estilístico: desde el L'oiseau de feu, que hace hincapié en ciertas tendencias de Rimsky-Korsakov y cuenta pandiatonismo visible en el tercer movimiento, con el uso de politonalismo en Petrushka, y la polirritmia intencionalmente brutales y disonancias de Le Sacre du printemps.

El primero de los ballets, El pájaro de fuego, se destaca por su imaginativa orquestación, evidente desde el principio de la introducción en 12/8 tiempo, que explota el registro grave del contrabajo. Petrushka, el primero de los ballets de Stravinsky para dibujar en popular mitología , también está claramente anotó. En el tercer ballet, La consagración de la primavera, el compositor intentó representar musicalmente la brutalidad de la Rusia pagana, que inspiró a los motivos violentos que se repiten a lo largo de la obra. Una vez más, la originalidad de Stravinsky es evidente: el tema de apertura, juega en un bajón en la parte superior de su registro, se ha convertido en uno de los pasajes más famosos de la música clásica, al igual que la pulsación sincopada motivo de corcheas en las cuerdas, su acentos marcados por la bocina .

Si la intención declarada de Stravinsky era "para enviarlos todos al infierno", entonces él puede haber evaluado el 1913 estreno de Le sacre du printemps como un éxito: es uno de los más famosos disturbios de música clásica, y Stravinsky se refiere con frecuencia como "scandale" en su autobiografía. Hubo informes de peleas a puñetazos entre el público, y la necesidad de una presencia policial durante el segundo acto. El alcance real del tumulto, sin embargo, está abierto a debate, y estos informes puede ser apócrifa.

Stravinsky tarde comentó sobre el estreno de La consagración:. "En cuanto a los resultados reales, no estoy en posición de juzgar, cuando salí de la sala en los primeros compases del preludio, que en otro tiempo había evocado risa burlona me disgustó . Estas manifestaciones, en un principio aislado, pronto se convirtió en general, provocando contramanifestaciones y muy rápidamente en desarrollo en un alboroto terrible. Durante todo el espectáculo estaba en Lado de Nijinsky en las alas. Estaba de pie en una silla, gritando 'Sixteen, diecisiete, dieciocho' - que tenían su propio método de contar para mantener el tiempo. Naturalmente, los bailarines pobres podían oír nada por causa de la fila en el auditorio y el sonido de sus propios pasos de baile. Tuve que mantener Nijinsky por su ropa, pues estaba furioso, y listo para lanzarse al escenario en cualquier momento y crear un escándalo. Diaghilev mantuvo ordenar los electricistas para encender las luces o fuera, con la esperanza de que la manera de poner fin a los ruidos. Eso es todo lo que puedo recordar acerca de esa primera actuación ".

Otras piezas de este período incluyen: Le Rossignol (El ruiseñor); Renard (1916); Histoire du soldat (Historia del Soldado) (1918); y Les Noces (La boda) (1923).

Neoclásico

La siguiente fase del estilo de composición de Stravinsky se extendió desde aproximadamente 1920 hasta aproximadamente 1950. Pulcinella (1920) y el Octeto (1923) para instrumentos de viento son primeras composiciones de Stravinsky para ofrecer su nuevo examen de la música clásica de Mozart y Bach y sus contemporáneos. Para esto " neo-clásico "estilo Stravinsky abandonó las grandes orquestas que exigen los ballets, y se dio lugar en gran medida a los instrumentos de viento, piano y obras corales y de cámara.

Otras obras como Edipo Rey (1927), Apollon Musagète (1928, para el Ballet de Rusia) y el Dumbarton Oaks Concerto (1937-1938) continuó este replanteamiento de estilos musicales del siglo XVIII.

Las obras de este período incluyen las tres sinfonías:. La Symphonie des Psaumes (Sinfonía de los Salmos) (1930), Sinfonía en C (1940) y la Sinfonía en tres movimientos (1945) Apollon, Perséfone (1933) y Orfeo (1947) no ejemplifica sólo el regreso de Stravinsky a la música de la época clásica, sino también su exploración de temas del antiguo mundo clásico, como la mitología griega .

Stravinsky completó su última obra neo-clásica, la ópera El progreso del libertino, en 1951, con libreto de WH Auden basado en los grabados de Hogarth . Fue casi ignorado después de que fue puesta en escena por el Metropolitan Opera en 1953. Fue presentado por el Ópera de Santa Fe en su primera temporada en 1957 con Stravinsky en la asistencia, y esto marcó el comienzo de su larga asociación con la empresa. La música es directa pero peculiar; que toma prestado de la armonía tonal clásica pero también interpone disonancias sorprendentes; que cuenta con la marca registrada de Stravinsky fuera de ritmos; y que se remonta a las óperas y temas de Monteverdi, Gluck y Mozart . La ópera fue revivido por el Metropolitan Opera en 1997.

Serial

Stravinsky comenzó a utilizar dodecafonismo, la técnica dodecafónica originalmente ideado por Arnold Schoenberg, a principios de 1950 (después de la muerte de Schoenberg). Robert Craft alentó esta empresa.

Él primero experimentó con la técnica serial no dodecafónica en pequeña escala obras vocales y de cámara, como la Cantata (1952), Septeto (1953), y tres canciones de Shakespeare (1953), y su primera composición que basarse plenamente en estas técnicas de serie no dodecafónicas es In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-1957) es su primer trabajo para incluir una serie dodecafónica, y Canticum Sacrum (1955) es su primera pieza para contener un movimiento enteramente basado en un fila de tono ("Oleada, aquilo"). Stravinsky más tarde amplió su uso de dodecafonía en obras incluidas Threni (1958), Un sermón, una narrativa y una plegaria (1961), y El diluvio (1962), que se basa en los textos bíblicos.

Agon, escrito 1954-1957, es un ballet coreografiado por doce bailarines. Se trata de una composición de transición importante entre el período neoclásico de Stravinsky y su estilo en serie. Algunos números de Agon recuerdan la tonalidad "blanco-nota" del su período neo-clásico, mientras que otros (por ejemplo Bransle Gay) mostrar su re-interpretación de los métodos de serie.

La innovación y la influencia

"Uno de los innovadores verdaderamente trascendentales de la música", el aspecto más importante de la obra de Stravinsky aparte de sus innovaciones técnicas, incluyendo el ritmo y la armonía, es el "cambio de cara", de su estilo de composición, mientras que siempre ", conservando una identidad esencial distintivo ". Él mismo fue inspirado por diferentes culturas, lenguas y literaturas. Como consecuencia de ello, su influencia en los compositores, tanto durante su vida y después de su muerte era, y sigue siendo, considerable. "Ningún otro compositor del siglo XX ejerció una influencia tan dominante o dominado su arte en la forma en que Stravinsky hizo durante sus cinco décadas de carrera musical".

Composición

Uso de Stravinsky de desarrollo motívica (el uso de figuras musicales que se repiten en diferentes formas a lo largo de una composición o sección de una composición) incluido aditivo desarrollo motívica. Aquí es donde las notas se restan o añaden a un motivo sin relación con los consiguientes cambios en metros. Una técnica similar se puede encontrar ya en el siglo XVI, por ejemplo, en la música de Cipriano de Rore, Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo, y Giovanni de Macque, la música con la que Stravinsky exhibió considerable familiaridad.

La consagración de la primavera también es notable por su uso implacable de ostinati; por ejemplo, en la nota octava ostinato en cadenas acentuado por ocho cuernos en la sección Augurios de la primavera (Danzas de las chicas jóvenes). La obra contiene también pasajes donde varios choque ostinati uno contra el otro.

Ritmo

Stravinsky se destacó por su uso distintivo de ritmo, especialmente en La consagración de la primavera.

De acuerdo a Philip Glass:

la idea de empujar a los ritmos a través de las líneas de compás [...] abrió el camino [...] la estructura rítmica de la música se convirtió en mucho más fluida y de cierta manera espontánea

Glass también alaba "primitivo, poco convencional impulso rítmico" de Stravinsky.

Según Andrew J. Browne, "Stravinsky es quizás el único compositor que ha planteado el ritmo en sí mismo a la dignidad del arte."

Ritmo y vitalidad muy influenciado compositor de Stravinsky Aaron Copland.

Neoclasicismo

Primeras obras neoclásicas de Stravinsky fueron el ballet Pulcinella de 1920, y la despojada y delicadamente anotó Octeto para vientos de 1923. Stravinsky puede haber sido precedido en el uso de dispositivos neoclásicos de compositores anteriores (por ejemplo, Erik Satie).

A finales de los años 1920 y 1930, el uso de los compositores del neoclasicismo había generalizado.

Cita

Stravinsky continuó con una larga tradición, que se remonta al menos al siglo XV, en la forma de la quodlibet y masa parodia, componiendo piezas que se analizan detenidamente las obras individuales de compositores anteriores. Un primer ejemplo de esto es su Pulcinella de 1920, en el que utiliza la música que en su momento se atribuyó a Giovanni Pergolesi como material de origen, a veces citando directamente y en otros momentos reinventarlo. Desarrolló la técnica aún más en el ballet del beso de hadas de 1928, basado en la música -en su mayoría doblones de piano de Tchaikovsky . Ejemplos posteriores de transformaciones musicales comparables incluyen el uso de Stravinsky de Schubert en Circus Polka (1942) y Feliz cumpleaños a ti en Preludio de felicitación (1955).

Material de Folk

En Le Sacre du Printemps Stravinsky despojado temas populares a sus contornos melódicos más básicos, ya menudo los contorsionado irreconocible con notas añadidas, y otras técnicas que incluyen la inversión y disminución. Sólo en estudios recientes, tal como se describe en Stravinsky Richard Taruskin y las tradiciones rusas, tienen los analistas descubrieron el material original para algo de la música en el rito.

Orquesta

Al igual que muchos de los compositores románticos tardíos, Stravinsky a menudo llamados por enormes fuerzas orquestales, especialmente en los primeros ballets. Su primer gran avance El pájaro de fuego lo demostró la igualdad de Nikolai Rimsky-Korsakov y encendió el "fusible bajo la marca instrumentales de la orquesta del siglo 19". En El pájaro de fuego tomó la orquesta aparte y lo analizó. La consagración de la primavera, por otra parte se ha caracterizado por Aaron Copland como el logro más importante de orquesta en el siglo 20.

Stravinski también escribió para combinaciones únicas de instrumentos en conjuntos más pequeños, elegidos por sus colores de tono precisos. Por ejemplo, Histoire du soldat se anotó (El cuento del soldado) para clarinete , fagot , corneta , trombón , violín , contrabajo y percusión, una combinación sorprendentemente inusual para 1918.

Stravinsky en ocasiones explota los rangos extremos de instrumentos, lo más famoso en la apertura de la consagración de la primavera, donde Stravinsky utiliza la parte alta extremas del fagot para simular el "despertar" simbólica de una mañana de primavera.

Recepción

La crítica desfavorable

Erik Satie escribió un artículo acerca de Igor Stravinsky que se publicó en Vanity Fair (1922). Satie había conocido a Stravinsky, por primera vez en 1910. La actitud de Satie hacia el compositor ruso está marcada por deferencia, como puede verse en las cartas que le escribió en 1922, preparándose para el artículo de Vanity Fair. Con un toque de ironía, concluyó una de estas letras "Te admiro: no eres la Gran Stravinsky soy pero poco Erik Satie?". En el artículo publicado, Satie argumentó que la medición de la "grandeza" de un artista al compararlo con otros artistas, como si hablar de algo de "verdad", es ilusorio: cada pieza de música debe ser juzgada por sus propios méritos, no mediante la comparación a las normas de otros compositores. Eso era exactamente lo Jean Cocteau había hecho, al comentar despectivamente sobre Stravinsky en su libro de 1918 Le Coq et l'Arlequin.

Todas las señales indican una fuerte reacción contra la pesadilla de ruido y excentricidad que fue uno de los legados de la guerra .... ¿Qué ha sido de las obras que componen el programa del concierto Stravinsky que creó tal revuelo unos años Hace? Prácticamente la totalidad del lote ya están en la plataforma, y permanecerá allí hasta unos neuróticos hastiados una vez más sentir el deseo de comer cenizas y llenar su vientre de viento solano. |

En 1935, el compositor estadounidense Marc Blitzstein comparó a Stravinsky Jacopo Peri y CPE Bach, admitiendo que "No se puede negar la grandeza de Stravinsky. Es sólo que no es lo suficientemente grande". De Blitzstein marxista posición es que el deseo de Stravinsky era "música divorcio de otras corrientes de la vida", que es "un síntoma de un escape de la realidad", lo que resulta en una "pérdida de vigor sus nuevas obras muestran", nombrando específicamente Apolo, el Capriccio, y Le baiser de la fée.

Compositor Constant Lambert describe piezas como Histoire du soldat (Historia del Soldado), que contiene "abstracción esencialmente a sangre fría". Lambert continuó, "fragmentos melódicos en Histoire du Soldat son completamente sin sentido a sí mismos. Son simplemente sucesiones de notas que convenientemente se pueden dividir en grupos de tres, cinco y siete y fijan contra otros grupos de matemáticas", y describió la cadenza para el solo tambores como "pureza musical ... logrado por una especie de castración musical". Comparó elección de Stravinsky de "las frases significativas drabbest y menos" para Gertrude Stein: "Todos los días eran gays allí, que eran regularmente gay allí todos los días" ("Helen Furr y Georgine Skeene", 1922), "cuyo efecto sería igualmente apreciado por alguien que no tiene conocimiento de Inglés en absoluto".

En su libro Filosofía de la Música Moderna (1949), Theodor Adorno llama Stravinsky un acróbata, un funcionario, un maniquí de sastre, hebefrénica, psicótico, infantil, fascista, y dedicada a la fabricación del dinero. Parte de error del compositor, en opinión de Adorno, era su neoclasicismo, pero lo más importante era de su música "seudomorfismo de la pintura," se juega fuera le temps espace (espacio-tiempo) y no le temps durée (tiempo de duración) de Henri Bergson. "Un truco caracteriza a todos los emprendimientos formales de Stravinsky: el esfuerzo de su música para retratar el tiempo como en un cuadro de circo y de presentar los complejos de tiempo como si fueran espacial Este truco, sin embargo, pronto se agota.". Sus "procedimientos rítmicos parecen mucho el esquema de las condiciones catatónicos. En ciertos esquizofrénicos, el proceso por el cual el aparato motor se convierte en cables independientes a la repetición infinita de gestos o palabras, a raíz de la desintegración del ego."

Recepción de Stravinsky en Rusia y la URSS iba y venía. Actuaciones de su música dejaron de todo 1933 hasta principios de 1960, momento en el que la posición oficial se convirtió en que uno debe apreciar Stravinsky.

La crítica favorable

De acuerdo al progreso de Paul Griffith del Rake "da justificación en términos de la psicología humana, y de las realidades del mundo, por esa necesidad obsesiva de repetir y volver".

Mientras que la música de Stravinsky ha sido criticado por su variedad de estilos académicos tenían, "comenzado gradualmente a percibir elementos unificadores en la música de Stravinsky", por la década de 1980, incluyendo un "'seriedad' de" tono "o de" propósito "".

Premios

• Premio Sonning (1959; Dinamarca )

Grabaciones

Igor Stravinsky encontró grabaciones a ser una herramienta práctica y útil en la preservación de sus propios pensamientos sobre la interpretación de su música. Como director de su propia música, grabó principalmente para Columbia Records, comenzando en 1928 con la actuación de la suite original del El pájaro de fuego y concluyendo en 1967 con la suite 1945 del mismo ballet. A fines de 1940, hizo varias grabaciones para RCA Victor en el República Studios en Los Angeles. Aunque la mayor parte de sus grabaciones se hicieron con músicos de estudio, también trabajó con el Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la CBC Symphony Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, y el Royal Philharmonic Orchestra.

Lista de obras

Aunque Stravinsky es mejor conocido por sus obras de teatro, en particular, sus ballets, sus composiciones abarcan una amplia gama de formas musicales.

Opera / teatro

Ballet

• L'Oiseau de feu (El pájaro de fuego) (1909/10, rev. 1919)
• Petrushka (1910 a 1911, rev. 1946)
• Le Sacre du printemps (La consagración de la primavera) (1911-1913)
• Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas (1919-1920)
• Les Noces (La boda), para solistas, coro, cuatro pianos y percusión (1914-17 / 21-23)
• Musagète Apollon, para orquesta de cuerda (1927-1928)
• El beso de la Hada (Le baiser de la fée) (1928, rev. 1950)
• Jeu de cartes (Juego de cartas) (1936)
• Escenas de ballet (1944)
• Apolo, para orquesta de cuerdas (revisión de Apollon Musagète) (1947)
• Orfeo, para orquesta de cámara (1947)
• Agon, para orquesta de cámara (1953-1957)

Orquestal

• Sinfonía en mi bemol mayor (1907)
• Fantastique Scherzo(1908)
• Feu d'artifice(Fuegos artificiales) (1908)
• Le Chant du Rossignol(Canción del ruiseñor) (1917)
• Sinfonías de instrumentos de viento(1920)
• Suite desdePulcinella(1920)
• Suite No. 2 para orquesta de cámara (1921)
• Suite No. 1 para orquesta de cámara (1925)
• Quatre études, para orquesta (1928)
• Divertimento (Suite de Le ------ de la Fée, 1934)
• Concierto en mi bemol Dumbarton Oaks, para orquesta de cámara (1938)
• Sinfonía en C (1940)
• Circus Polkapara orquesta (1942)
• Danses concertantespara orquesta de cámara (1942)
• Quatre Chants russes(Cuatro Canciones rusas) - Pleyel, París, Pleyela 8455 (1922/3)
• Concertino - Pleyel, París, Pleyela 8456 (1923)
• Les Noces(La boda) - Pleyel, París 8831 a 8834, 8861 (1923)
• L'Oiseau de feu(El pájaro de fuego) - Pleyel, París, Pleyela 10.039-10.045 (1926)
• L'Oiseau de feu(El pájaro de fuego) - Aeolian Company, Londres, D759 Duo-Art - D769 (1929)