Mona Lisa
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| Italien: La Gioconda, français: La Joconde | |
 | |
| Artiste | Léonard de Vinci |
|---|---|
| Année | c. 1503-1506 |
| Type | Huile sur le peuplier |
| Dimensions | 77 cm × 53 cm (30 po x 21 po) |
| Emplacement | Musée du Louvre, Paris |
Mona Lisa (aussi connu comme La Gioconda) est un 16ème siècle portrait peint en huile sur un peuplier panneau par Leonardo Da Vinci au cours de la Renaissance italienne . Le travail est détenue par le gouvernement français et se bloque dans la Musée du Louvre à Paris , France avec le titre Portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo.
La peinture est un portrait demi-longueur et représente une femme dont l'expression est souvent décrit comme énigmatique. L'ambiguïté de l'expression de la gardienne, la monumentalité de la composition demi-figure, et la modélisation de formes subtiles et illusionnisme atmosphérique étaient nouvelles qualités qui ont contribué à la fascination continue de la peinture. Peu d'autres œuvres d'art ont été soumis à l'examen autant, l'étude, mythification et de la parodie.
Contexte historique
Leonardo da Vinci a commencé à peindre la Joconde en 1503 (pendant la Renaissance italienne) et, selon Vasari, "après avoir attardé sur la table quatre ans, a laissé inachevé ...." Il est pensé pour avoir continué à travailler sur elle pendant trois ans après, il se installe en France et ont terminé peu de temps avant sa mort en 1519. Leonardo a pris la peinture de l'Italie à la France en 1516 lorsque le roi François, je ai invité le peintre au travail à la Clos Lucé près du château du roi Amboise. Très probablement par les héritiers de l'assistant Salai de Leonardo, le roi a acheté le tableau pour 4000 écus et l'a gardé au Fontainebleau, où il est resté jusqu'à ce donné à Louis XIV. Louis XIV installe la peinture pour la Château de Versailles. Après la Révolution française , il a été déplacé vers le Louvre. Napoléon Ier avais déménagé à sa chambre dans le Palais des Tuileries; plus tard, il a été renvoyé au Louvre. Pendant le Guerre franco-prussienne (1870-1871) il a été déplacé du Louvre à une cachette ailleurs en France.
Mona Lisa ne était pas bien connue jusqu'à ce que le milieu du 19e siècle où les artistes de l'émergence Mouvement symboliste a commencé à l'apprécier, et associé avec leurs idées sur la mystique féminine. Critique Walter Pater, dans son essai sur 1867 Leonardo, a exprimé ce point de vue en décrivant la figure dans la peinture comme une sorte de réalisation mythique de la féminité éternelle, qui est "plus que les roches dont elle se assoit» et qui «a été de nombreuses fois morts et appris les secrets de la tombe ".
Sujet et le titre
Mona Lisa est nommé pour Lisa Gherardini, un membre de la famille de Gherardini Florence et Toscane et l'épouse d'un riche marchand de soie florentin Francesco del Giocondo. La peinture a été commandée pour leur nouvelle maison et pour célébrer la naissance de leur deuxième fils, Andrea.
L'identité de l'sitter a été constatée à la Université de Heidelberg en 2005 par un expert bibliothèque qui a découvert une note de marge 1503 écrit par Agostino Vespucci. Savants avaient été de nombreux esprits, identifier au moins quatre tableaux différents comme la Joconde et plusieurs personnes comme son sujet. Isabelle de Naples ou Aragon, Cecilia Gallerani, Costanza d'Avalos-qui a été aussi appelé le "joyeux un» ou La Gioconda, Isabelle d'Este, Pacifica Brandano ou Brandino, Isabela Gualanda, Caterina Sforza, la mère de Leonardo Caterina, et Léonard lui-même avaient tous été nommé le sitter. Aujourd'hui l'identité du sujet est maintenue avec certitude d'être Lisa, qui a toujours été le point de vue traditionnel.
Le titre de la peinture provient d'une description par Giorgio Vasari dans sa biographie de Léonard de Vinci a publié en 1550, 31 ans après la mort de l'artiste. "Leonardo a entrepris de peindre, Francesco del Giocondo pour, le portrait de Mona Lisa, sa femme ...." (une seule version en italien : Prese Lionardo un tarif par Francesco del Giocondo il ritratto di Joconde sua moglie). En italien, des moyens de ma donna mademoiselle. Ce est devenu madonna, et son mona de contraction. Mona est donc une forme de politesse, similaire à Madame, Madame, ma dame ou en anglais. En italien moderne, la forme courte de madonna est habituellement orthographié Monna, le titre est parfois Monna Lisa, rarement en anglais, et plus fréquemment langues romanes telles que le français et l'italien.
À sa mort en 1525, l'assistant de Leonardo Salai appartient le portrait nommé dans ses papiers personnels La Gioconda qui avait été légué à lui par l'artiste. Italien pour jocund, heureux ou jovial, Gioconda était un surnom pour le sitter, un jeu de mots sur la forme féminine de son nom de femme mariée Giocondo et sa disposition. En français, le titre La Joconde a le même double sens.
Esthétique
Leonardo a utilisé un symbole de la pyramide de placer simplement et calmement la femme dans l'espace de la toile. Ses mains jointes forment le coin avant de la pyramide. Sa poitrine, le cou et le visage lueur dans la même lumière que les modèles de ses mains. La lumière donne la variété de la vie sous-jacente surfaces une géométrie de sphères et cercles. Leonardo fait référence à une formule apparemment simple pour la figure féminine assise: les images de Madonna assis, qui était répandue à l'époque. Il efficacement modifié cette formule afin de créer l'impression visuelle de la distance entre le sitter et l'observateur. L'accoudoir des fonctions du fauteuil comme un élément de démarcation entre Mona Lisa et le spectateur.
La femme est assise nettement debout avec les bras croisés, qui est aussi un signe de sa posture réservé. Seul son regard est fixé sur l'observateur et lui semble la bienvenue à cette communication silencieuse. Depuis la face éclairée est pratiquement encadrée avec divers éléments beaucoup plus sombres (cheveux, voile, ombres), l'attrait de l'observateur au visage de Mona Lisa est porté à plus encore. Ainsi, la composition de la figure évoque un effet ambigu: nous sommes attirés par cette femme mystérieuse, mais doivent rester à une distance comme si elle était une créature divine. Il n'y a aucune indication d'un dialogue intime entre la femme et l'observateur comme ce est le cas dans le Portrait de Baldassare Castiglione (Louvre) peint par Raphaël environ dix ans après Mona Lisa, et sans doute influencé par le portrait de Leonardo.
La peinture a été parmi les premiers portraits de dépeindre la gardienne devant un paysage imaginaire. La femme énigmatique est représenté assis dans ce qui semble être une ouverte loggia avec des bases des piliers sombres de chaque côté. Derrière elle, un vaste paysage recule Icy montagnes. Des sentiers sinueux et un pont lointain donnent seulement les moindres indications de la présence humaine. Les courbes sensuelles de cheveux et les vêtements de la femme, créés à travers sfumato, trouvent un écho dans les vallées ondoyantes imaginaires et rivières derrière elle. Les contours flous, silhouette gracieuse, contrastes dramatiques de lumière et l'obscurité, et sentiment général de calme sont caractéristiques du style de Leonardo. En raison de la synthèse expressive que Léonard réalisé entre sitter et le paysage, il peut se demander si Mona Lisa devrait être considéré comme un portrait traditionnel, car il représente un idéal plutôt qu'une vraie femme. Le sens de l'harmonie globale obtenue dans la peinture, surtout apparente faiblesse de la gardienne sourire reflète l'idée de Leonardo d'un lien reliant l'humanité et la nature.
Mona Lisa n'a pas de sourcils de cheveux, y compris le visage visibles et les cils. Certains chercheurs affirment qu'il était courant à cette époque pour les femmes distinguées pour leur arracher, car ils étaient considérés comme inesthétiques. Pour les téléspectateurs modernes les sourcils manquantes ajoutent à la qualité légèrement semi-abstraite du visage.
Préservation
Le Mona Lisa a survécu pendant plus de 500 ans, et d'une commission internationale convoquée en 1952 a noté que "l'image est dans un état de conservation remarquable." Ceci est partiellement dû au résultat d'une variété de traitements de conservation du tableau a subi. Une analyse détaillée en 1933 par Mme de Gironde a révélé que restaurateurs antérieures avaient "agi avec beaucoup de retenue." Néanmoins, les applications de vernis fait à la peinture avait assombri même à la fin du 16ème siècle, et d'une 1809 nettoyage agressif et re-vernis enlevé une partie de la partie supérieure de la couche de peinture, résultant en un aspect délavé à la face de la figure. Malgré les traitements, la Joconde a été bien entretenu tout au long de son histoire, et l'équipe de conservation 2004-05 était optimiste quant à l'avenir du travail.
La peinture a été restauré à plusieurs reprises; Les examens radiologiques ont montré qu'il existe trois versions de la Joconde cachés sous l'actuelle.
Panneau de peuplier
Le support de peuplier fine commence à montrer des signes de détérioration à un taux plus élevé qu'on ne le pensait, ce qui inquiète de conservateurs de musées sur l'avenir de la peinture.
À un certain moment de son histoire, la Joconde a été retirée de son cadre d'origine. Le panneau de peuplier sans contrainte a été autorisé à se déformer librement avec des variations d'humidité, et, par conséquent, une fissure a commencé à développer près de la partie supérieure du panneau. La fissure se étend jusqu'à la racine des cheveux de la figure. Dans le milieu du 18e au début du 19e siècle, quelqu'un a tenté de stabiliser la fissure par incrustation deux accolades de noix en forme de papillon à l'arrière du panneau à une profondeur d'environ un tiers de l'épaisseur du panneau. Ce travail a été habilement exécuté, et a réussi à stabiliser la fissure. Quelque part entre 1888 et 1905, ou peut-être à un moment donné au cours de vol de l'image, l'armature supérieure est tombé. Un restaurateur tard collé et aligné la prise en résulte et de crack avec un chiffon. Le cadre flexible de chêne (1951 ajoutée) et les traverses (1970) contribuent à maintenir le panneau de se déformer plus loin. Un corset papillon empêche le panneau de la fissuration plus loin.
L'image est actuellement conservé dans des conditions climatiques contrôlées strictes dans son écrin de verre pare-balles. L'humidité est maintenue à 50% ± 10%, et la température est maintenue entre 18 et 21 ° C. Pour compenser les fluctuations de l'humidité relative, le cas est complété avec un lit de gel de silice traitée à fournir 55% d'humidité relative.
Cadre
Parce que le soutien de peuplier de la Mona Lisa dilate et se contracte avec les changements d'humidité, l'image a subi une déformation. En réponse à la déformation et l'enflure connu pendant son stockage pendant la Seconde Guerre mondiale, et de préparer l'image pour une exposition en l'honneur de l'anniversaire de 500e anniversaire de Da Vinci, la Joconde a été équipé en 1951 avec un cadre en chêne flexible avec traverses en hêtre. Ce cadre souple, qui est utilisé en plus du cadre décoratif décrit ci-dessous, exerce une pression sur le panneau pour l'empêcher de se déformer davantage. En 1970, les traverses de hêtre sont passés à érable après qu'il a été constaté que le bois de hêtre a été infesté par les insectes. En 2004-05, une équipe de la conservation et l'étude remplacé les traverses de l'érable sycomore avec ceux, et une traverse métallique supplémentaire a été ajouté pour la mesure scientifique de la chaîne du panneau. Le Mona Lisa a eu de nombreux différents cadres décoratifs de son histoire, en raison de changements dans le goût au cours des siècles. En 1906, l'image a été donné son image actuelle par la comtesse de Béarn, un cadre Renaissance compatible avec la période historique de la Mona Lisa. Les bords de la peinture ont été taillés au moins une fois dans son histoire pour se adapter à l'image dans divers cadres, mais aucun de la couche de peinture d'origine a été rognée.
Nettoyage et retouche
Le premier et le plus vaste nettoyage enregistrée, revernissage et retoucher de la Joconde était un lavage 1809 et re-vernis entrepris par Jean-Marie Hooghstoel, qui était responsable de la restauration des peintures pour les galeries de la Musée Napoléon. Le travail consistait à nettoyer avec les esprits, retouche de la couleur, et revernissage la peinture. En 1906, restaurateur Louvre Eugène Denizard effectué des retouches à l'aquarelle sur les zones de la couche de peinture perturbé par la fissure dans le panneau. Denizard également retouché les bords de l'image avec un vernis, pour masquer les zones qui avaient été couvertes d'abord par un cadre plus. En 1913, quand le tableau a été récupéré après son vol, Denizard a de nouveau été appelé à travailler sur la Joconde. Denizard a été réalisé pour nettoyer l'image sans solvant , et de toucher légèrement jusqu'à plusieurs égratignures à la peinture à l'aquarelle. En 1952, la couche de vernis sur le fond dans la peinture a été aplanies. Après la deuxième attaque 1956, restaurateur Jean-Gabriel Goulinat a été réalisé pour retoucher les dommages à coude gauche de Mona Lisa à l'aquarelle.
En 1977, une nouvelle infestation par les insectes a été découvert à l'arrière du panneau à la suite de traverses installés pour maintenir la peinture de se déformer. Cela a été traitée sur place avec le tétrachlorure de carbone , et plus tard avec un traitement à l'oxyde d'éthylène. En 1985, l'endroit a de nouveau été traitée avec du tétrachlorure de carbone comme une mesure préventive.
Scan infrarouge
En 2004, des experts de la Conseil national de recherches du Canada a mené une en trois dimensions scan infrarouge. En raison du vieillissement du vernis sur la peinture, il est difficile de discerner les détails. Les données de l'analyse et de l'infrarouge ont été utilisés par Bruno Mottin du "Centre de recherche et de restauration" des Musées de France de faire valoir que le voile de gaze transparente portée par le sitter est un guarnello, généralement utilisé par les femmes pendant la grossesse ou juste après l'accouchement. Un guarnello similaire a été peint par Sandro Botticelli dans son Portrait de Smeralda Brandini (1470), représentant une femme enceinte ( sur l'affichage dans le Victoria and Albert Museum à Londres). En outre, cette réflectographie révélé que les cheveux de Mona Lisa ne est pas lâche pendait, mais semble attachée à l'arrière de la tête pour un bonnet ou épinglé retour dans un chignon et couverte d'un voile, bordée d'une sombre ourlet roulé. Au 16ème siècle, les cheveux accroché de manière lâche sur les épaules a été le style habituel de jeunes femmes célibataires ou des prostituées. Cette apparente contradiction avec son statut de femme mariée a été résolu.
Les chercheurs ont également utilisé les données pour révéler des détails sur la technique utilisée et de prédire que la peinture se dégrade très peu si les techniques de conservation actuelles sont poursuivies. En 2006, Mona Lisa a subi une observation scientifique majeure qui se est avérée grâce à des caméras infrarouges, elle a été à l'origine portait un bonnet et serrant sa chaise (quelque chose qui Leonardo a décidé de changer après coup).
Exposition
Sur 6 avril 2005 -Après une période d'entretien de conservation, l'enregistrement et l'analyse-la peinture a été déplacé vers un nouvel emplacement dans salle des États du musée. Il se affiche dans un boîtier à température contrôlée construite à cet effet derrière verre pare-balles. Environ 6 millions de personnes considèrent la peinture au Louvre chaque année.
Vol et le vandalisme
La peinture Mona Lisa se trouve maintenant dans le Musée du Louvre à Paris, France. La renommée croissante de la peinture a été en outre souligné quand il était volé sur 21 août, 1911 . Le lendemain, Louis Béroud, un peintre, est entré dans le musée du Louvre et est allé au Salon Carré où le Mona Lisa avait été exposée pendant cinq ans. Toutefois, lorsque la Mona Lisa aurait résisté, il a trouvé quatre chevilles de fer. Béroud contacté le chef des gardes, qui pensaient que la peinture a été photographié à des fins de marketing article. Quelques heures plus tard, Béroud vérifié dos avec la tête du musée de la section, et il a été confirmé que la Joconde ne était pas avec les photographes. Le Louvre a été fermé pour une semaine entière pour aider à l'enquête du vol.
Poète français Guillaume Apollinaire, qui avait appelé à la fois Louvre pour être "brûlé", a été soupçonnée; il a été arrêté et mis en prison. Apollinaire a essayé d'impliquer son ami Pablo Picasso , qui a également été amené pour interrogatoire, mais les deux étaient tard disculpé.
À l'époque, la peinture a été censé être perdus à jamais, et il serait deux ans avant le vrai voleur a été découvert. Employé Louvre Vincenzo Peruggia volé par entrer dans le bâtiment pendant les heures normales, se cachant dans un placard à balais et de sortir avec caché sous son manteau après le musée avait fermé. Peruggia était un patriote italien qui a cru de Léonard de la peinture doit être retourné à l'Italie pour l'affichage dans un musée italien. Peruggia peut aussi avoir été motivé par un ami qui a vendu des copies de la peinture, ce qui en flèche de la valeur après le vol de l'original. Après avoir gardé la peinture dans son appartement pendant deux ans, Peruggia se impatienta et a finalement été capturé alors qu'il tentait de vendre aux administrateurs de la Galerie des Offices de Florence; il a été exposé dans toute l'Italie et revint au Louvre en 1913. Peruggia a été salué pour son patriotisme en Italie et seulement servi quelques mois en prison pour le crime.
Pendant la Seconde Guerre mondiale , la peinture a été de nouveau éliminé du Louvre et de prise en toute sécurité, d'abord à Château d'Amboise, puis à la Abbaye de Loc-Dieu et enfin à la Musée Ingres à Montauban. En 1956, la partie inférieure de la peinture a été gravement endommagé quand un vandalisme aspergé la peinture avec de l'acide. Sur Le 30 décembre de la même année, Ugo Ungaza Villegas, un jeune Bolivienne, a endommagé la peinture en jetant une pierre à elle. Cela a entraîné la perte d'un grain de pigment près du coude gauche, qui a ensuite été peint. La peinture est maintenant couvert avec le verre de sécurité pare-balles.
Célébrité
Historien Donald Sassoon catalogué la croissance de la renommée de la peinture. Au milieu des années 1800, Théophile Gautier et les romantiques poètes ont pu écrire sur Mona Lisa comme un femme fatale parce Lisa était une personne ordinaire Mona Lisa "... était un texte ouvert dans lequel on pouvait lire ce qu'on voulait;. probablement parce qu'elle ne était pas une image religieuse, et, sans doute, parce que les contemplateurs littéraires étaient principalement des hommes qui subissent elle pour un flot ininterrompu de fantasmes masculins ". Pendant le 20ème siècle, le tableau a été volé, un objet pour la reproduction de masse, merchandising, satires et de la spéculation, et a été reproduit dans "300 peintures et 2000 annonces". Le sujet a été décrit comme sourd, en deuil, l'amant de édentés, diverses personnes, une réflexion des névroses de l'artiste, et une victime de la syphilis, l'infection, la paralysie, la paralysie, de cholestérol ou un mal de dents. Savante ainsi que la spéculation amateur attribué le nom de Lisa à au moins quatre tableaux différents et l'identité de la personne assise à au moins dix personnes différentes.
Jusqu'au 20ème siècle, Mona Lisa était une parmi tant d'autres et certainement pas le "plus célèbre tableau" dans le monde comme on l'appelle aujourd'hui. Parmi les œuvres du Louvre, en 1852 sa valeur de marché était 90 000 francs par rapport à des œuvres de Raphaël d'une valeur de 600 000 francs jusqu'à. En 1878, le Guide Baedeker a appelé "l'œuvre la plus célèbre de Léonard au Louvre". Entre 1851 et 1880, les artistes qui ont visité le Louvre copiés Mona Lisa environ la moitié autant de fois que certaines œuvres de Bartolomé Esteban Murillo, Le Corrège, Paolo Veronese, Titien, Jean-Baptiste Greuze et Pierre Paul Prud'hon.
Avant la tournée 1962-1963, la peinture a été évaluée à des fins d'assurance à 100 millions de dollars. Selon le Livre Guinness des Records, ce qui rend la Mona Lisa la peinture la plus précieuse jamais assuré. Comme tableau le plus cher, il n'a que récemment été dépassé (en termes de prix réel du dollar) par trois autres tableaux, le Adele Bloch-Bauer I par Gustav Klimt, qui a été vendu pour 135 millions (£ 73.000.000) de dollars, le Femme III par Willem de Kooning vendu pour $ 137,5 millions en Novembre 2006, et plus récemment N ° 5, 1948 par Jackson Pollock vendu pour un record 140 millions de dollars 2 novembre 2006. Bien que ces chiffres sont supérieurs à ce qui la Joconde a été assuré pour, la comparaison ne tient pas compte de la variation des prix due à l'inflation - 100 millions de dollars en 1962 est environ 670 millions de dollars en 2006 après ajustement pour l'inflation à l'aide l'indice des prix à la consommation américain.
Les spéculations sur la toile
Bien que la gardienne a traditionnellement été identifié comme Lisa de Giocondo, un manque de preuve définitive avait longtemps nourri des théories alternatives, y compris la possibilité que Leonardo a utilisé sa propre ressemblance. Cependant, 14 janvier 2008 , des universitaires allemands Université de Heidelberg a rendu publique une conclusion qui corrobore l'identification traditionnelle: notes datées griffonnées dans les marges d'un livre par son propriétaire sur Octobre 1503 établis Lisa de Giocondo comme modèle pour la peinture.
D'autres aspects de la peinture qui ont été l'objet de spéculations sont de la taille originale de la peinture, se il y avait d'autres versions de celui-ci, et diverses explications sur la façon dont l'effet d'un sourire énigmatique a été atteint.
Dans une présentation National Geographic intitulé «Test de la Mona Lisa" il a été déduit, après une évaluation rigoureuse, que le personnage représenté dans la peinture pourrait être la mère ou enceinte. Il a été constaté, après une vaste réflectographie infrarouge, que Lisa-même avait une brume autour d'elle des vêtements indictative d'un guarnello, la tenue portée par les femmes enceintes. Une autre théorie proposée par divers professionnels de la santé, ce est que la représentation de Léonard de ses mains comme légèrement «grand» était une indication supplémentaire de la grossesse de Lisa. Inversement, comme de nombreux chercheurs ou des personnes suggèrent, cette représentation est simplement un concept stylistique de la beauté illustré par de nombreux peintres de la Renaissance, y compris Leonardo lui-même.
Héritage
Le art avant-gardiste monde a également pris note du fait indéniable de la popularité de la Joconde. En raison de la stature écrasante, de la peinture dadaïstes et Surréalistes produisent souvent des modifications et caricatures. En 1919, Marcel Duchamp, l'un des plus influents dadaïstes, a fait une Mona Lisa parodie en ornant une reproduction pas cher avec une moustache et une barbiche, ainsi que l'ajout de l'inscription LHOOQ grossier. Cela a été conçu comme une blague freudienne, se référant à la prétendue homosexualité de Léonard. Selon Rhonda R. Shearer, la reproduction apparente est en fait une copie en partie sur le modèle propre visage de Duchamp. Salvador Dalí, célèbre pour son travail de pionnier surréaliste, portrait peint Soi comme Mona Lisa en 1954.
En 1963, Andy Warhol a créé gravures de sérigraphie de la Joconde, dans un effort pour réduire sa gravité à celle d'une icône moderne jetables; à une stature culturelle similaire des célébrités modernes Marilyn Monroe ou Elvis Presley . Une reproduction ultérieure de la Mona Lisa a été découvert peint sur une colline près de Newport, Oregon 15 août, 2006 . Il a été créé par l'artiste Samuel Clemens aide d'un pochoir de bâche et de la peinture à base d'eau. La peinture a également été parodié par des artistes de rue tels que Banksy , Anthony Lister et Dolk.
