Música de Italia

La música de Italia oscila en un amplio espectro de ópera e instrumental música clásica y un cuerpo de la música popular formado de ambas fuentes nativas e importadas. Música ha sido tradicionalmente uno de los marcadores culturales de la identidad nacional y étnica italiana y tiene una posición importante en la sociedad y en la política. Innovación italiana en escalas musicales, armonía, notación, y teatro permitió el desarrollo de la ópera en el siglo 16, y gran parte del moderno La música clásica europea, tales como la sinfonía y Concierto.

La música clásica instrumental y vocal es una parte icónica de Identidad italiana, que abarca la música de arte experimental y fusiones internacionales a la música sinfónica y la ópera. Opera es parte integral de la cultura musical italiana, y se ha convertido en un segmento importante de musica popular. La canción napolitana, canzone napolitana, y la cantautori tradiciones cantautor también son estilos populares nacionales que forman una parte importante de la industria de la música italiana, junto a los géneros importados, como el jazz , rock and hip hop. Música popular italiana es una parte importante del patrimonio musical del país, y se extiende por una gran variedad de estilos regionales, instrumentos y bailes.

Características

Música italiana se ha mantenido en alta estima en la historia y muchas piezas de la música italiana se considera el arte elevado. Más de otros elementos de Cultura italiana, la música italiana es generalmente ecléctica, pero única de la música de otras naciones. Ningún movimiento proteccionista parroquial ha intentado nunca para mantener la música italiana pura y libre de la influencia extranjera, excepto brevemente bajo el régimen fascista de los años 1920 y 30. Como resultado, la música italiana ha mantenido elementos de los muchos pueblos que han dominado o influido en el país, incluso Francés y Español. Contribuciones históricas del país a la música son también una parte importante de orgullo nacional. La historia relativamente reciente de Italia incluye el desarrollo de una ópera tradición que se ha extendido por todo el mundo; antes del desarrollo de la identidad italiana o un estado italiano unificado, la península italiana contribuyó a importantes innovaciones en la música, incluyendo el desarrollo de notación musical y el canto gregoriano .

La identidad social

Italia tiene un fuerte sentido de la identidad nacional a través de la cultura distintiva - un sentido de la apreciación de la belleza y emotividad, que está fuertemente evidenciado en la música. Las cuestiones culturales, políticas y sociales a menudo también se expresan a través de la música en Italia. Lealtad a la música se teje de manera integral a la identidad social de los italianos, pero no solo estilo se ha considerado una característica "estilo nacional". La mayoría de las músicas populares se localizan, y única de una pequeña región o ciudad. Legado clásico de Italia, sin embargo, es un punto importante de la identidad del país, en particular la ópera; piezas operísticas tradicionales siguen siendo una parte popular de la música y un componente integral de la identidad nacional. La producción musical de Italia sigue caracterizándose por "gran diversidad y la independencia creativa (con) una rica variedad de tipos de expresión".

Con la creciente industrialización que se aceleró durante el siglo 20 y 21, la sociedad italiana se movió gradualmente de una base agrícola a un centro urbano e industrial. Este cambio se debilitó la cultura tradicional en muchas partes de la sociedad; Un proceso similar ocurrió en otros países europeos, pero a diferencia de ellos, Italia no tenía gran iniciativa para preservar las músicas tradicionales. La inmigración procedente de África del Norte, Asia, y otros países europeos condujo a una mayor diversificación de la música italiana. La música tradicional vino a existir sólo en pequeñas bolsas, especialmente como parte de campañas específicas para retener identidades musicales locales :)

Política

Música y la política han estado entrelazadas desde hace siglos en Italia. Al igual que muchas obras de arte en el italiano renacentista fueron comisionados por la realeza y la Iglesia Católica Romana , mucha música fue compuesta asimismo sobre la base de tales comisiones-incidental música de la corte, música para las coronaciones, para el nacimiento de un heredero real, marchas reales y otras ocasiones. Los compositores que se alejaban corriendo ciertos riesgos. Entre los más conocidos de estos casos fue el compositor napolitano Domenico Cimarosa, que compuso el himno republicano a la corta duración República Napolitana de 1799. Cuando cayó la república, fue juzgado por traición junto con otros revolucionarios. Cimarosa no fue ejecutado por la monarquía restaurada, pero fue exiliado.

La música también juega un papel en la unificación de la península. Durante este período, algunos líderes trataron de usar la música para forjar una identidad cultural unificador. Un ejemplo es el coro "Va Pensiero" de Giuseppe Verdi ópera 's Nabucco. La ópera se trata de la antigua Babilonia, pero la coro contiene la frase "¡Oh Patria mia", con el pretexto de la lucha de los israelitas, sino también una velada referencia al destino de una Italia que aún no es unida; todo el coro se convirtió en el himno no oficial de la Risorgimento, la unidad de unificar Italia en el siglo 19. Hasta el nombre de Verdi era un sinónimo de la unidad italiana porque "Verdi" podría leerse como un acrónimo de Vittorio Emanuele Re d'Italia, Víctor Manuel rey de Italia, Monarca Saboya, que finalmente se convirtió en Victor Emanuel II, el primer rey de la Italia unificada. Por lo tanto, "Viva Verdi" fue un grito de guerra para los patriotas ya menudo apareció en graffiti en Milán y otras ciudades en lo que entonces era parte del Imperio Austro-Húngaro territorio. Verdi tuvo problemas con la censura antes de la unificación de Italia. Su ópera Un ballo in maschera se tituló originalmente Gustavo III y se presentó a la San Carlo ópera en Nápoles, la capital de la Reino de las Dos Sicilias, a finales de la década de 1850. Los censores napolitanos se opusieron a la trama realista sobre el asesinato de Gustavo III, Rey de Suecia, en la década de 1790. Incluso después de la parcela fue cambiado, los censores napolitanos todavía lo rechazaron.

Más tarde, en la era fascista de los años 1920 y 30, la censura del gobierno y de interferencia con música ocurrido, aunque no de manera sistemática. Ejemplos destacados incluyen el famoso manifiesto anti-modernista de 1932 y Mussolini 's prohibición de la ópera de GF Malipiero La Favola del figlio cambiato después de una actuación en 1934. Los medios de comunicación música música a menudo criticado que se percibía como sea políticamente radical o insuficientemente italiano. Medios impresos generales, como la Enciclopedia Italiana Moderna, tendían a tratar compositores tradicionalmente favorecidos como Giacomo Puccini y Pietro Mascagni con la misma brevedad como compositores y músicos que no fueron tan como-modernistas favorecida Alfredo Casella y Ferruccio Busoni; es decir, entradas de enciclopedia de la época eran simples listas de los hitos de su carrera como composiciones y cargos docentes celebradas. Incluso el conductor Arturo Toscanini, un opositor declarado del fascismo, recibe el mismo tratamiento neutral y distante, sin mención alguna de su postura "anti-régimen". Quizás el episodio más conocido de la música en colisión con la política implica Toscanini. Él había sido forzado a salir de la Dirección musical en La Scala de Milán en 1929 porque se negó a iniciar cada actuación con la canción fascista, Giovinezza. Para este insulto al régimen, fue atacado y golpeado en la calle fuera de la ópera Bolonia después de una actuación en 1931. Durante la era fascista, la presión política obstaculizado el desarrollo de la música clásica, a pesar de la censura no era tan sistemática como en la Alemania nazi. Se aprobó una serie de "leyes raciales" en 1938, negando así a los compositores y músicos judíos membresía en asociaciones profesionales y artísticas. Aunque no hubo una fuga masiva de Judios italianos de Italia durante este período (en comparación con la situación en Alemania) compositor Mario Castelnuovo-Tedesco, un Judio italiano, fue uno de los que emigraron. Algunos enemigos no judías del régimen también emigraron-Toscanini, por ejemplo.

Más recientemente, en la última parte del siglo 20, sobre todo en la década de 1970 y más allá, la música se convirtió en aún más enredado en la política italiana. La raíces renacimiento estimuló el interés por las tradiciones populares, encabezados por escritores, coleccionistas y artistas tradicionales. La derecha política en Italia, vista este raíces renacimiento con desdén, como producto de las "clases privilegiadas". Así, la escena revivalista llegó a ser asociado con la oposición, y se convirtió en un vehículo para la "protesta contra el capitalismo de libre mercado". Del mismo modo, la escena de la música clásica de vanguardia ha, desde 1970, ha asociado con y promovido por la Partido Comunista Italiano, un cambio que se remonta a los 1.968 revueltas y protestas estudiantiles.

Música clásica

"Preludio Sinfónico" Música operística por Giacomo Puccini, realizada por el Orquesta Sinfónica de Fulda Trois quintetti concertans (Tres Viento Quintetos) No. 1, Movimiento II: Larghetto cantabile Compuesto por Giuseppe Cambini e interpretada por la Soni Ventorum Quinteto de Viento "Sì, ciel pel marmoreo giuro!" A 1914 la grabación por populares cantantes de ópera italianos Titta Ruffo y Enrico Caruso de Giuseppe Verdi 's Otello O Mimì, tu più no torni Una grabación de 1907 con Enrico Caruso como Rodolfo y Antonio Scotti como Marcello de "O Mimì, tu più no torni" de la Ley IV de Giacomo Puccini La bohème. "Trío Sonata 11", el movimiento # 3 Arcangelo Corelli, barroco compositor y violinista

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Italia ha sido durante mucho tiempo un centro para la música clásica europea, ya principios del siglo 20, la música clásica italiana había forjado un sonido nacional distinta que era decididamente romántico y melódico. Como tipificado por las óperas de Verdi, que era la música en la que "... Las líneas vocales siempre dominan el complejo tonal y nunca se ven opacados por los acompañamientos instrumentales ..." música clásica italiana había resistido el "monstruo armónica alemán" -esto es decir, las densas armonías de Richard Wagner , Gustav Mahler y Richard Strauss . Música italiana también tenía poco en común con la reacción francesa a que el alemán de música del impresionismo de Claude Debussy, por ejemplo, en que el desarrollo melódico se abandona en gran medida a la creación de estado de ánimo y la atmósfera a través de los sonidos de acordes individuales.

La música clásica europea cambió considerablemente en el siglo 20. Nueva música abandonado gran parte de las históricas escuelas, desarrollados a nivel nacional de la armonía y la melodía en favor de música experimental, la atonalidad , minimalismo y música electrónica, todo lo cual el uso de sistemas que se han vuelto comunes a la música europea en general y no específicamente Italia. Estos cambios también han hecho de la música clásica menos accesible a muchas personas. Compositores importantes del período incluyen Ottorino Respighi, Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Franco Alfano, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Sylvano Bussotti, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli, y Goffredo Petrassi.

Ópera

Opera se originó en Italia a finales del siglo 16, durante la época de la Camerata Florentina. A través de los siglos que siguieron, las tradiciones de la ópera desarrollados en Venecia y Nápoles; las óperas de Claudio Monteverdi, Alessandro Scarlatti, y, más tarde, de Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini, y Gaetano Donizetti floreció. Opera ha mantenido la forma musical más estrechamente vinculado con la música italiana y la identidad italiana. Esto fue más evidente en el siglo 19 a través de las obras de Giuseppe Verdi , un icono de la cultura italiana y la unidad pan-italiano. Italia mantuvo una tradición musical de ópera romántica en el siglo 20, ejemplificada por compositores de la llamada Giovane Scuola, cuya música se encontraba anclado en el siglo anterior, incluyendo Arrigo Boito, Ruggiero Leoncavallo, Pietro Mascagni, y Francesco Cilea. Giacomo Puccini, que era un realista compositor, ha sido descrito por Encyclopaedia Britannica Online como el hombre que "prácticamente trajo la historia de la ópera italiana a su fin".

Después de la Primera Guerra Mundial, sin embargo, la ópera se redujo en comparación con las alturas populares de los siglos 19 y 20. Las causas incluyen el cambio cultural general lejos de romanticismo y el aumento de la del cine , que se convirtió en una importante fuente de entretenimiento. Una tercera causa es el hecho de que el "internacionalismo" había traído la ópera italiana contemporánea a un estado en el que ya no era "italiano". Esta era la opinión de al menos un destacado musicólogo y crítico italiano, Fausto Terrefranca, quien, en un folleto titulado 1912 Giaccomo Puccini y Ópera Internacional, acusado de Puccini "mercantilismo" y de tener tradiciones italianas desiertas. Ópera romántica tradicional sigue siendo popular; de hecho, el editor ópera dominante en el siglo 20 fue Casa Ricordi, que se centró casi exclusivamente en óperas populares hasta la década de 1930, cuando la empresa permitió compositores más inusuales con menos atractivo general. El ascenso de relativamente nuevas editoriales como Carisch y Suvini Zerboni también ayudó a impulsar la diversificación de la ópera italiana. Opera sigue siendo una parte importante de la cultura italiana; renovado interés en la ópera a través de los sectores de la sociedad italiana comenzó en la década de 1980. Respetados compositores de esta época incluyen la conocida Aldo Clementi, y los compañeros más jóvenes como Marco Tutino y Lorenzo Ferrero.

Música sacra

Italia, siendo una de las naciones seminales del catolicismo, tiene una larga historia de la música para la Iglesia Católica Romana . Hasta aproximadamente 1800, era posible escuchar el canto gregoriano y Renacimiento polifonía, tales como la música de Palestrina, Lassus, Anerio, y otros. Aproximadamente 1800 a aproximadamente 1900 fue un siglo durante el cual un más popular, ópera tipo, y entretenido de música de la iglesia se escuchó, con exclusión del canto y la polifonía mencionado. A finales del siglo 19, el Cecilianismo fue iniciado por músicos que lucharon para restaurar esta música. Este movimiento cobró impulso no en Italia, sino en Alemania, sobre todo en Regensburg. El movimiento alcanzó su cúspide en 1900 con el ascenso de Don Lorenzo Perosi y su partidario (y futuro santo), Papa Pío X. El advenimiento de Vaticano II, sin embargo, casi borró toda la música en lengua latina de la Iglesia, una vez más, su sustitución por un estilo más popular.

Música instrumental

El predominio de la ópera en la música italiana tiende a eclipsar el importante ámbito de la música instrumental. Históricamente, este tipo de música incluye la amplia gama de la música instrumental sagrado, conciertos instrumentales y música de orquesta en las obras de Andrea Gabrieli, Giovanni Gabrieli, Tomaso Albinoni, Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi , Luigi Boccherini, Luigi Cherubini y Domenico Scarlatti. (Incluso los compositores de ópera de vez en cuando trabajaban en otra formas- Giuseppe Verdi 's Cuarteto de cuerdas en mi menor, por ejemplo. Incluso Donizetti, cuyo nombre se identifica con los inicios de la ópera lírica italiana, escribió 18 cuartetos de cuerda). En el siglo 20, la música instrumental comenzaron a crecer en importancia, un proceso que comenzó alrededor de 1904 con De Giuseppe Martucci Segunda Sinfonía, una obra que Malipiero llamado "el punto de partida del renacimiento de no operística música italiana." Varios compositores tempranos de esta época, como Leona Sinigaglia, utiliza tradiciones folklóricas nativas.

El siglo 20 también está marcada por la presencia de un grupo de compositores llamado dell'ottanta generazione (generación de 1880), incluyendo Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti, y Ottorino Respighi. Estos compositores suelen concentrarse en la escritura de obras instrumentales, en lugar de la ópera. Los miembros de esta generación fueron las figuras dominantes en la música italiana después de la muerte de Puccini en 1924. Las nuevas organizaciones surgió para promover la música italiana, como el Festival de Venecia de la Música Contemporánea y el Maggio Musicale Fiorentino. La fundación de Guido Gatti del periódico Il Piano y luego La rassegna musicale también ayudaron a promover una visión más amplia de la música que el clima político y social permitido. La mayoría de los italianos, sin embargo, prefieren piezas más tradicionales y normas establecidas, y sólo una pequeña audiencia buscaron nuevos estilos de la música clásica experimental.

Ballet

Contribuciones italianas a ballet son menos conocido y apreciado que en otras áreas de la música clásica. Italia, sobre todo Milán , fue el centro europeo de la corte coreografía ya en el siglo 15 en la forma de las cosas tales como bailes de máscaras rituales. Los primeros coreógrafos y compositores de ballet incluyen Fabrizio Caroso y Cesare Negri. El estilo de ballet conocida como los "espectáculos a la italiana" importado a Francia desde Italia atrapados en, y el primer ballet realizado en Francia (1581), Ballet comique de la Royn, fue compuesta por un italiano, Baltazarini di Belgioioso, mejor conocida por la versión francesa de su nombre, Baltasar de Beaujoyeulx. Ballet temprano fue acompañado por una considerable instrumentación, con el toque de cornetas, trombones, timbales, dulcimers, gaitas, etc. Aunque la música no ha sobrevivido, se especula que los bailarines, a sí mismos, pueden haber desempeñado los instrumentos en el escenario. Luego, a raíz de la Revolución Francesa , Italia se convirtió de nuevo en un centro de ballet, en gran parte gracias a los esfuerzos de Salvatore Viganò, un coreógrafo que trabajó con algunos de los compositores más destacados del día. Le hicieron la balletmaster de La Scala en 1812. El ejemplo más conocido de ballet italiano del siglo 19 es probablemente Excelsior, con música de Romualdo Marenco y coreografía de Luigi Manzotti. Fue compuesta en 1881 y es un homenaje pródigo al progreso científico e industrial del siglo 19. Todavía se realizó y fue puesta en escena en fecha tan reciente como 2002.

En la actualidad, los principales teatros de ópera italianas mantienen compañías de ballet. Existen para proporcionar baile incidental y ceremonial en muchas óperas, como Aida o La Traviata. Estas compañías de danza suelen mantener una temporada de ballet independiente y realizan el repertorio estándar de ballet clásico, poco de lo que es el italiano. El equivalente italiano del ruso Compañías de ballet y similares Bolshoi que sólo existen para realizar ballet, independiente de un teatro de ópera de los padres es La Scala Ballet, que está bajo la dirección de Frèdèric Olivieri. Desde 1979 ha existido en Italia una compañía de danza moderna, el Aterballetto, con sede en Reggio Emilia. La empresa lleva a cabo en todo el mundo, bajo la dirección del coreógrafo Mauro Bigonzetti.

La música experimental

La música experimental es un amplio campo, vagamente definida que abarca músicas creadas por el abandono de los conceptos clásicos tradicionales de la melodía y la armonía, y mediante el uso de la nueva tecnología de la electrónica para crear sonidos hasta ahora imposibles. En Italia, uno de los primeros en dedicar su atención a la música experimental fue Ferruccio Busoni, cuya publicación 1907, Boceto para una Nueva Estética de la Música, discutió el uso de nuevos sonidos eléctricos y otros en la música futuro. Habló de su insatisfacción con las limitaciones de la música tradicional:

"Hemos dividido la octava en doce grados equidistantes ... y hemos construido nuestros instrumentos de tal manera que nunca podemos conseguir en por encima o por debajo o entre ellos ... nuestros oídos ya no son capaces de cualquier cosa de escuchar ... aún Naturaleza creado una gradación infinita -infinito! Quién sabe aún hoy en día? "

Del mismo modo, Luigi Russolo, el italiano Pintor futurista y compositor, escribió de las posibilidades de la nueva música en sus manifiestos 1913 El arte de los ruidos y Musica futurista. También inventó y construyó instrumentos tales como el intonarumori, la mayoría de percusión, que se utiliza en un precursor de la estilo conocido como música concreta. Uno de los eventos más influyentes en la música antigua del siglo 20 fue el regreso de Alfredo Casella de Francia en 1915; Casella fundó la Società Italiana di Musica Moderna, que promovió varios compositores de estilos dispares, que van desde lo experimental a lo tradicional. Después de una disputa sobre el valor de la música experimental en 1923, formó la Casella Corporazione delle Nuove Musiche para promover la música experimental moderna.

En la década de 1950, Luciano Berio experimentó con instrumentos acompañados por sonidos electrónicos en cinta. En la Italia moderna, una importante organización que fomenta la investigación en la vanguardia y la música electrónica es CEMAT, la Federación de Centros de Música Electroacústica italianos. Fue fundada en 1996 en Roma y es miembro de la CIME, la Confédération Internationale de Musique Electroacoustique. CEMAT promueve las actividades del proyecto "Sonora", lanzada conjuntamente por el Departamento de Artes Escénicas, Ministerio de Asuntos Culturales y la Dirección de Relaciones Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores con el objeto de promover y difundir la música contemporánea italiana en el extranjero.

La música clásica en la sociedad

La música clásica italiana creció experimental gradualmente más y progresiva en la mitad del siglo 20, mientras que los gustos populares han tendido a seguir con compositores y composiciones del pasado bien establecidos. El programa 2004-2005 en el Teatro San Carlo de Nápoles es típico de la Italia moderna: de las ocho óperas representadas, la más reciente fue Puccini. En la música sinfónica, de los 26 compositores cuya música se jugó, 21 de ellos eran del siglo 19 o antes, compositores que utilizan las melodías y armonías propias de la época romántica. Este enfoque es común a otras tradiciones europeas, y se conoce como postmodernismo, una escuela de pensamiento que se basa en conceptos armónicos y melódicos anteriores que son anteriores a las concepciones de la atonalidad y disonancia. Este enfoque en compositores históricos populares ha ayudado a mantener una presencia continua de la música clásica en un amplio espectro de la sociedad italiana. Cuando la música es parte de una exhibición pública o reunión, que se elige a menudo de un repertorio muy ecléctico que es lo más probable que incluyen música clásica conocida como música popular.

Unos trabajos recientes se han convertido en una parte del repertorio moderno, incluyendo partituras y obras teatrales de autores como Luciano Berio, Luigi Nono, Franco Donatoni, y Sylvano Bussotti. Estos compositores no son parte de una escuela o tradición distinta, aunque sí comparten ciertas técnicas e influencias. Por la década de 1970, la música clásica de vanguardia se había convertido vinculado a la Partido Comunista de Italia, mientras que un renacimiento del interés popular continuó en la próxima década, con fundaciones, festivales y organización creada para promover la música moderna. Cerca del final del siglo 20, el patrocinio del gobierno de las instituciones musicales comenzó a declinar, y varios Coros RAI y orquestas de la ciudad fueron cerrados. A pesar de ello, una serie de compositores ganó reputación internacional a principios del siglo 21.

Música folclórica

	"Hijo Soldato Fanteria" ("El Soldado Fantasma") Una canción de marcha Bersaglieri, grabado en el norte de California "Napoli e Bello e Stinco" ("Nápoles es preciosa") Un tarantella, cantada en dialecto napolitano, grabado en el norte de California "La Tabacchera Mia" ("Mi Tabaquera") Una canción popular italiana-estadounidense no acompañados
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Música popular italiana tiene una historia profunda y compleja. Porque unificación nacional llegó tarde a la Península italiana, la música tradicional de sus muchos cientos de culturas no presentan carácter nacional homogénea. Más bien, cada región y comunidad posee una tradición musical única que refleja la historia, la lengua y la composición étnica de ese lugar en particular. Estas tradiciones reflejan la posición geográfica de Italia en el sur de Europa y en el centro del Mediterráneo; Celta, Roma, y Influencias eslavas, así como agreste geografía y el dominio histórico de los pequeños ciudades-estado, se han combinado para permitir diversos estilos musicales que conviven en las proximidades.

Estilos populares italianas son muy diversas, e incluyen monofónico, polifónica, y canción responsorial, coral, música instrumental y vocal, y otros estilos. El canto coral y las formas de canciones polifónicas se encuentran principalmente en el norte de Italia, mientras que al sur de Nápoles, canto solista es más común, y los grupos suelen utilizar el canto unísono en dos o tres partes realizadas por un solo intérprete. Norte balada-canto es silábica, con un tempo estricto e inteligibles letras, mientras que los estilos del sur utilizan un tempo rubato, y un estilo vocal tensa tensa. Músicos populares utilizan el dialecto de su propia tradición regional; este rechazo de la norma de lengua italiana en la canción popular es casi universal. Hay poca percepción de una tradición común popular italiana, y la música popular del país nunca se convirtió en un símbolo nacional.

Algunos nombres geográficos comunes utilizados como puntos de referencia en Italia.

Regiones

La música folclórica a veces se divide en varias esferas de influencia geográfica, un sistema de clasificación de las tres regiones, sur, centro y norte, propuesto por Alan Lomax en 1956 y repite a menudo. Además, Curt Sachs propone la existencia de dos tipos muy distintos de la música popular en Europa: continental y mediterránea, y otros han colocado la zona de transición de la primera a la segunda más o menos en el centro-norte de Italia, que aproximadamente entre Pesaro y La Spezia. Las partes central, norte y sur de la península de cada comparten ciertas características musicales, y cada uno es distinto de la música de Cerdeña.

En los valles del Piamonte y Liguria algunas comunidades del noroeste de Italia, la música conserva la fuerte influencia de la antigua Occitania. La letra de la Occitanic trovadores son algunas de las muestras más antiguas conservadas de la canción vernácula, y bandas modernas como Gai Saber y Lou Dalfin preservar y contemporizar música occitana. La cultura occitana conserva características de la antigua influencia celta, a través de la utilización de seis o siete flautas hoyos ( fifre) o la gaita ( Piva). La música de Friuli-Venezia Giulia, en el noreste de Italia, comparte mucho más en común con Austria y Eslovenia, incluyendo variantes de la vals y la polka. Gran parte de las acciones norte de Italia con zonas de Europa más al norte un interés en cantar la balada (llamado canto epico lirico en italiano) y el canto coral. Incluso las baladas-lo suele considerar como un vehículo para un solo de voz puede ser cantado en coros. En la provincia de Trento "coros populares" son la forma más común de hacer música.

Diferencias musicales notables en el tipo meridional incluyen uso del canto parte intervalo y una mayor variedad de instrumentos populares aumentaron. Las influencias celtas y eslavos en los grupos y corales-voz abierta obras del rendimiento norte a una fuerte árabe, griego, y afro-influenciados estridente monodia del sur. En algunas partes de Apulia ( Grecia Salentina, por ejemplo) el Griko dialecto se utiliza comúnmente en la canción. La ciudad de Apulia de Taranto es un hogar de la tarantella, una danza rítmica realiza extensamente en el sur de Italia. Música de Apulia, en general, y la música de Salento, en particular, ha sido bien investigado y documentado por los etnomusicólogos y por Aramirè.

La música de la isla de Cerdeña es mejor conocido por el canto polifónico de la tenores. El sonido de los tenores recuerda las raíces del canto gregoriano, y es similar a pero distintivo de la Liguria Trallalero. Instrumentos típicos incluyen la launeddas, un triplepipe de Cerdeña utilizado de una manera sofisticada y compleja. Efisio Melis era un conocido jugador launeddas maestras de la década de 1930.

Canciones

Canciones populares italianas incluyen baladas, canciones líricas, canciones de cuna y canciones infantiles, canciones de temporada elaborados alrededor de los días festivos como Navidad canciones, de ciclo de vida que celebran bodas, bautizos y otros eventos importantes, canciones de baile, las llamadas de ganado y canciones profesionales, vinculados a profesiones, como los pescadores, los pastores y los soldados. Ballads (canti epico-Lirici) y canciones líricas (canti lirico-monostrofici) son dos categorías importantes. Baladas son más comunes en el norte de Italia, mientras que canciones líricas prevalecen más al sur. Baladas están estrechamente ligados a la forma Inglés, con algunas baladas británicas existentes en correspondencia exacta con una canción italiana. Otras baladas italianas están más estrechamente basan en modelos franceses. Canciones líricas son una categoría diversa que consiste en canciones de cuna, serenatas y canciones de trabajo, y son improvisadas con frecuencia, aunque basado en un repertorio tradicional.

Otras tradiciones de canciones populares italianas son menos comunes que las baladas y canciones líricas. Estrófica, religiosa laude, a veces en latín, son todavía de vez realizado, y canciones épicas también son conocidos, especialmente los de la celebración maggio. Cantantes profesionales realizan endechas de estilo similar a los de otros países de Europa. Yodeling existe en el norte de Italia, a pesar de que es más comúnmente asociado con las músicas populares de otras naciones alpinas. El italiano Carnaval está asociado a varios tipos de canciones, especialmente el Carnaval de Bagolino, Brescia. Coros y bandas de música son una parte de las vacaciones de mitad de Cuaresma, mientras que el mendicidad tradición canción se extiende a través de muchas vacaciones durante todo el año.

Instrumentación

Un acordeón folk.

La instrumentación es una parte integral de todas las facetas de la música popular italiana. Hay varios instrumentos que conservan las antiguas formas, incluso mientras los nuevos modelos se han generalizado en otras partes de Europa. Muchos instrumentos italianos están atados a ciertos ritos o celebraciones, como el gaita zampoña, normalmente escucha sólo en Navidad. Instrumentos populares italianas se pueden dividir en cadena, viento y categorías de percusión. Instrumentos comunes incluyen la organetto, un acordeón más estrechamente asociado con el saltarello; el botón organetto diatónica es más común en el centro de Italia, mientras que acordeones cromáticos prevalecen en el norte. Muchos municipios albergan bandas de música, que realizan con grupos raíces de avivamiento; estos conjuntos se basan en el clarinete , acordeón, violín y pequeños tambores, adornada con campanas.

Una selección de las flautas populares

Instrumentos de viento de Italia incluyen lo más prominente de una variedad de populares flautas . Estos incluyen conducto, flautas globulares y transversales, así como diversas variaciones de la flauta de pan. Flautas dobles son más comunes en Campania, Calabria y Sicilia. Una jarra de cerámica llamado el Quartara también se utiliza como un instrumento de viento, soplando a través de una abertura en el cuello de la botella estrecha; se encuentra en el este de Sicilia y Campania. Escoger (Ciaramella) y doble lengüeta (piffero) tubos se reproducen habitualmente en grupos de dos o tres. Varios gaitas populares son bien conocidos, incluyendo el centro de Italia de zampoña; nombres dialectales de la gaita varían a lo largo Italy-- beghet en Bergamo, Piva en Lombardía, Musa en Alessandria, Génova , Pavía y Piacenza, y así sucesivamente.

Numerosos instrumentos de percusión son una parte de la música popular italiana, incluidos los tacos de madera, campanas, castañuelas, tambores. Varias regiones tienen su propia forma distinta de sonajero, incluyendo la raganella sonaja de rueda y la calabresa conocchie, un movimiento o de personal del pastor con sonajeros de semillas conectados permanentemente con significado ritual de fertilidad. El traqueteo napolitana es la triccaballacca, hecha de varios mazos en un marco de madera. Panderetas (Tamburini, tamburello), al igual que los diversos tipos de tambores, como el tambor de fricción PuTiPu. La Tamburello, mientras que aparece muy similar a la pandereta occidental contemporánea, en realidad se juega con una mucho más articulada y sofisticada técnica (influenciado por juego medio oriente), lo que supone una amplia gama de sonidos. El boca-arpa , scacciapensieri o cuidar-cazador , es un instrumento distintivo, que sólo se encuentra en el norte de Italia y Sicilia.

Elzampogna, una gaita popular.

Instrumentos de cuerda variar ampliamente dependiendo de la localidad, con ningún representante nacional prominente.Viggiano es el hogar de unatradición de arpa, que tiene una base histórica enAbruzos,Lacio y Calabria.

Calabria, solo, tiene 30 instrumentos musicales tradicionales, algunos de los cuales tienen características muy arcaicas y son en gran parte extintas en otras partes de Italia. Es el hogar de la cuatro o cinco cuerdas de guitarra llamado battente chitarra , y una de tres cuerdas, se inclinó violín llamado lira , que también se encuentra en formas similares en la música de Creta y El sureste de Europa. A, se inclinó el violín de una sola cuerda llamado el torototela , es común en el noreste del país. El área de habla alemana en gran medida de Tirol del Sur es conocida por la cítara y el ghironda ( zanfona) se encuentra en Emilia, Piamonte y Lombardía. existentes, tradiciones arraigadas y extendidas confirmar la producción de instrumentos efímeras y juguetes hechos de corteza, caña ( donax arundo), hojas, fibras y tallos, tal como se desprende, por ejemplo, a partir de la investigación de Fabio Lombardi.

Danza

La danza es una parte integral de las tradiciones populares en Italia. Algunas de las danzas son antiguos y, en cierta medida, persisten en la actualidad. Hay bailes mágico-ritual de propiciación, así como bailes de cosecha, incluyendo los bailes "de la cosecha de mar" de las comunidades pesqueras en Calabria y las danzas de la cosecha del vino en Toscana. Bailes famosos incluyen el sur de tarantella; quizás el más emblemático de danzas italianas, la tarantella está en 6/8 de tiempo, y es parte de un ritual popular destinado a curar el veneno causado por picaduras de tarántulas. Bailes populares de la Toscana ritualmente actúen la caza de la liebre, o cuchillas de visualización en bailes de armas que simulan o recuerdan los movimientos de combate, o usar las armas como instrumentos estilizadas de la propia danza. Por ejemplo, en algunas aldeas en el norte de Italia, las espadas son sustituidos por madera medio-aros bordado con verde, similar a los llamados "bailes guirnalda" en el norte de Europa. Hay también baila de amor y cortejo, como el Duru-Duru baile en Cerdeña.

Muchos de estos bailes son actividades de grupo, el ajuste en filas o círculos de grupo; algunos-el amor y cortejo danzas-implican parejas, ya sea una sola pareja o más. El tammuriata (realizado con el sonido de la pandereta) es un baile de pareja a cabo en el sur de Italia y acompañado por una canción lírica llamada strambotto . Otras danzas parejas se conocen colectivamente como saltarello. Hay, sin embargo, también bailes en solitario; más típico de estos son los "bailes de bandera" de varias regiones de Italia, en el que el bailarín pasa una bandera o gallardete de la ciudad alrededor del cuello, a través de las piernas, detrás de la espalda, a menudo lo arrojó en el aire y la captura de él. Estas danzas también se puede hacer en grupos de bailarines solistas que actúan al unísono, o mediante la coordinación de paso de la bandera entre los bailarines. El norte de Italia es también el hogar de la MONFERRINA , una danza acompañada que fue incorporado en la música del arte occidental por el compositor Muzio Clementi.

El interés académico en el estudio de la danza desde la perspectiva de la sociología y la antropología, tradicionalmente se ha descuidado en Italia, pero actualmente está mostrando renovada vida a nivel universitario y de postgrado.

Musica Popular

	La canzone di Marinella La canzone di MarinellaporFabrizio de André I Giardini Di Marzo I Giardini di Marzo(1972) deLucio Battisti Niente da perdere Niente da perdereporZucchero "Il cielo in una stanza" Il cielo in una stanza Gino Paoli, canción deMina.
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El primer italiano de música popular fue la ópera del siglo 19. Opera ha tenido un efecto duradero en la música clásica y popular de Italia. Melodías Opera propagan a través de bandas de música y conjuntos itinerantes. canción napolitana , o canción napolitana , es una tradición distinta que se convirtió en una parte de la música popular en el siglo 19, y fue una imagen icónica de la música italiana en el extranjero a finales del siglo 20. Estilos importados también se han convertido en una parte importante de la música popular italiana, empezando por los franceses café-concert en la década de 1890 y luego de la llegada del estadounidense de jazz en la década de 1910. Hasta fascismo italiano se convirtió oficialmente en "alérgica" a las influencias extranjeras a finales de 1930, la música de baile americano y músicos eran muy populares; grande del jazz Louis Armstrong recorrió Italia en fecha tan tardía como 1935 con gran éxito. En la década de 1950, estilos americanos se hicieron más prominentes, especialmente roca. La cantautor cantautori tradición fue un importante desarrollo de la década de 1960. Más tarde, mientras la escena del rock italiano pronto se diversificó en progresivo, punky, funk y estilos basados ​​en populares.

Canción popular Temprana

Ópera italiana se hizo inmensamente popular en el siglo 19 y fue conocido en todo incluso los sectores más rurales del país. La mayoría de los pueblos tenían producciones de ópera ocasionales, y las técnicas utilizadas en la ópera influenciados músicas folclóricas rurales. Opera propaga a través conjuntos itinerantes y bandas de música, se centró en un pueblo local. Estas bandas cívicas ( communale banda ) utilizan instrumentos para realizar arias de ópera, con trombones o fluegelhorns para partes vocales masculinos y cornetas para partes femeninas.

Música regional en el siglo 19 también se hizo popular en toda Italia. Notable entre estas tradiciones locales fue la canción napolitana -la napolitana Song. Aunque hay anónimos, canciones documentados desde Nápoles desde hace muchos siglos, el término, Napoletana canzone ahora generalmente se refiere a un gran cuerpo de relativamente reciente, compuesta populares canciones de música tales como " 'O sole mio "," Torna a Surriento ", y " Funiculi Funicula ". En el siglo 18, muchos compositores, entre ellos Alessandro Scarlatti, Leonardo Vinci, y Giovanni Paisiello, contribuyeron a la tradición napolitana utilizando el idioma local para los textos de algunas de sus óperas cómicas. Más tarde, otros, más famoso Gaetano Donizetti componen-canciones napolitanas que cosechó gran renombre en Italia y en el extranjero. La tradición canción napolitana se formalizó en la década de 1830 a través de un concurso de composición anual para el año Piedigrotta festival, dedicada a la Virgen de Piedigrotta, una iglesia muy conocida en la zona de Mergellina de Nápoles. La música se identifica con Nápoles, pero es famoso en el extranjero, después de haber sido exportados en las grandes olas de emigración de Nápoles y el sur de Italia, aproximadamente, entre 1880 y 1920. El lenguaje es un elemento muy importante de la canción napolitana, que siempre está escrita e interpretada en napolitana , el idioma de la minoría regional de Campania. canciones napolitanas suelen utilizar armonías simples, y se estructura en dos secciones, un estribillo y versos narrativos, a menudo en contraste tonalidades mayores y menores relativos o paralelas. En términos no musicales, esto significa que muchas canciones napolitanas pueden sonar alegre un minuto y la melancolía la siguiente.

La música de Francesco Tosti fue popular a finales del siglo 20, y es recordado por su luz, canciones expresivas. Su estilo se hizo muy popular durante la Belle Époque y, a menudo se conoce como música de salón. Sus obras más famosas son Serenata , Addio y la canción napolitana popular, Marechiaro , las letras de las cuales son por el destacado poeta dialecto napolitano, Salvatore di Giacomo.

Grabado música popular comenzó a finales del siglo 19, con estilos internacionales que influyen en la música italiana de finales de los años 1910; Sin embargo, el auge de autarchia , la política fascista del aislacionismo cultural en 1922 condujo a una retirada de la música popular internacional. Durante este período, los músicos italianos populares viajaron al exterior y elementos de aprendieron el jazz , la música latinoamericana y otros estilos. Estas músicas influyeron en la tradición italiana, que se extendió por el mundo y se diversificó aún más tras la liberalización después de la Segunda Guerra Mundial.

Bajo las políticas aislacionistas del régimen fascista, que subieron al poder en 1922, Italia desarrolló una cultura musical insular. Músicas extranjeras fueron suprimidos mientras que el gobierno de Mussolini alentó el nacionalismo y la pureza lingüística y étnica. Artistas populares, sin embargo, viajaron al extranjero, y trajeron nuevos estilos y técnicas. Jazz americano era una influencia importante en cantantes como Alberto Rabagliati, que se hizo conocido por un estilo de balanceo. Elementos de la armonía y la melodía del jazz y el blues se utilizan en muchas canciones populares, mientras que los ritmos menudo provenían de bailes latinos como la tango, rumba y beguine. Compositores italianos incorporaron elementos de estos estilos, mientras que la música italiana, especialmente la canción napolitana, se convirtió en una parte de la música popular en toda América Latina.

Pop moderna

Entre los más conocidos músicos del pop italiano de las últimas décadas son Domenico Modugno, Mina, Patty Pravo, Mia Martini, Adriano Celentano y, más recientemente, Zucchero, Vasco Rossi, Irene Grandi, Gianna Nannini y superestrella internacional Andrea Bocelli. Los músicos que componen y cantan sus propias canciones se llaman cantautori (canción de autor). Sus composiciones suelen centrarse en temas de relevancia social y son a menudo protestan canciones: esta ola comenzó en la década de 1960 con músicos como Fabrizio De André, Paolo Conte, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Gino Paoli y Luigi Tenco. Temas sociales, políticas, psicológicas e intelectuales, sobre todo a raíz de Gaber y el trabajo de De André, se hicieron aún más predominante en 1970 a través de autores como Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Ivano Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato, Rino Gaetano y Roberto Vecchioni. Lucio Battisti, desde finales de 1960 hasta mediados de 1990, se fusionó la música italiana con el rock y el pop británico y, últimamente en su carrera, con géneros como el synthpop, rap, techno y eurodance, mientras que Angelo Branduardi y Franco Battiato siguieron carreras más orientadas a la tradición de la música pop italiano. Hay un poco de género cruzado entre el cantautori y los que son vistos como cantantes de "música de protesta".

Cuentas de la película, a pesar de que son secundarios a la película, a menudo aclamado por la crítica y muy popular en su propio derecho. Entre la música antigua para las películas italianas de la década de 1930 fue obra de Riccardo Zandonai con calificaciones de las películas La Principessa Tarakanova (1937) y Caravaggio (1941). Ejemplos de la posguerra incluyen Goffredo Petrassi con Non c'e ritmo tra gli ulivi (1950) y romana Vlad con Giulietta e Romeo (1954). Otro compositor de cine conocido fue Nino Rota cuya carrera de la posguerra incluido las calificaciones de las películas de Federico Fellini y, más tarde, El Padrino serie. Otros compositores prominentes puntuación película incluyen Ennio Morricone, Riz Ortolani y Piero Umiliani.

La danza moderna

Italia ha sido un país importante con respecto a la música electrónica de baile, ya que sobre todo nunca la creación de italo disco a finales de 1970 a principios de 1980. El género, procedente de la discoteca, mezclado "melodías melancólicas" con pop y la música electrónica, haciendo uso de sintetizadores y cajas de ritmos, que a menudo le daban un sonido futurista. Según un artículo publicado en The Guardian , en ciudades como Verona y Milán , los productores trabajaría con cantantes, utilizando masa hecha sintetizadores y cajas de ritmos, y su incorporación en una mezcla de música experimental con una "sensibilidad clásica-pop", que se dirige a discotecas. Las canciones producidas serían menudo ser vendidos posteriormente por etiquetas y empresas como la Discomagic con sede en Milán. Italo disco influenciado varios grupos electrónicos, tales como los Pet Shop Boys, Erasure y New Order, así como géneros como el Eurodance, Eurobeat y estilo libre. Por alrededor del año 1988, sin embargo, el género se había fusionado en otras formas de la danza europea y la música electrónica, una de las cuales fue la casa de Italo. Italo casa mezcló elementos del italo disco con la tradicional música de la casa; su sonido era generalmente edificante y hace fuerte uso del piano de melodías. Por esta última mitad de la década de 1990, un subgénero del Eurodance conocido como surgió Italo baile. Tomando influencias de Italo disco y house Italo, Italo danza generalmente incluye riffs de sintetizador, un sonido melódico y el uso de codificadores de voz. Con los años, ha habido varios importantes compositores y productores de música de baile italianos, como Giorgio Moroder, que ganó tres premios de la Academia por su música. Se le atribuye por Allmusic como "Uno de los principales arquitectos del sonido disco".

Estilos importados

Durante el Belle Époque , la moda francesa de realizar la música popular en la cafetería chantant se extendió por toda Europa. La tradición tenía mucho en común con el cabaret, y hay superposición entre café-concert , café-concierto , cabaret , teatro de variedades, el vodevil y otros estilos similares, pero por lo menos en su manifestación italiana, la tradición se mantuvo en gran parte apolítica, centrándose en la más ligera la música, a menudo subidas de tono, pero no indecente. El primer café-concert en Italia fue el Salone Margherita , que se inauguró en 1890 en las instalaciones de la nueva Galleria Umberto en Nápoles. En otras partes de Italia, el Gran Salone Edén en Milán y el Music Hall de Olympia en Roma abrieron poco después. café-concert era conocida alternativamente como el italianizado caffè-concierto . El artista principal, por lo general una mujer, fue llamado un cantante en francés; el término italiano, sciantosa , es una invención directa de los franceses. Las canciones, los mismos, no eran franceses, pero fueron canciones alegres o ligeramente sentimentales compuestas en italiano. Que la música pasó de moda con la llegada de la Primera Guerra Mundial

La influencia de las formas emergentes de Estados Unidos ha sido muy fuerte desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Lavish números de Broadway-show, grandes bandas, rock and roll, y hip hop siguen siendo populares. Música latina, especialmente brasileña de bossa nova, también es popular, y el género puertorriqueño de reggaeton está convirtiendo rápidamente en una forma corriente principal de la música de baile. Ahora no es raro que los modernos artistas pop italianos como Laura Pausini, Eros Ramazzotti, Zucchero Andrea Bocelli y Romina Arena para liberar nuevas canciones en Inglés o Español, además de, o en lugar de italiano. Por lo tanto, revistas musicales, que son tarifa estándar actual en la televisión italiana, fácilmente pueden ir, en una sola noche, a partir de un número grande de banda con los bailarines a un imitador de Elvis a una cantante de pop actual haciendo una interpretación de un aria de Puccini.

Pop rock italiano ha producido grandes estrellas como Zucchero, y ha dado lugar a muchas grandes éxitos. Los medios de comunicación de la industria, especialmente la televisión, son vehículos importantes para este tipo de música; el programa de televisión Sabato Sera es característico. Italia estuvo a la vanguardia del movimiento de rock progresivo de la década de 1970, un estilo que se desarrolló principalmente en Europa, pero también ganó al público en otras partes del mundo. A veces se considera un género independiente, rock progresivo italiano. Bandas italianas como El viaje, Área, Premiata Forneria Marconi (PFM), Arti e Mestieri, Banco del Mutuo Socorro, New Trolls, Goblin, Osanna, Saint Just y Le Orme incorporaron una mezcla de rock sinfónico y la música popular italiana y eran populares en toda Europa y los Estados Unidos también. Otras bandas progresivas como Perigeo, Balletto di Bronzo, Museo Rosenbach, Rovescio della Medaglia, Biglietto per l'Inferno o Alphataurus permanecieron poco conocidos, pero sus álbumes son considerados hoy clásicos por los coleccionistas. Algunas bandas de rock de vanguardia o artistas ( Area, Picchio dal Pozzo, Opus Avantra, Stormy Six, Saint Just, Giovanni Lindo Ferretti) ganó notoriedad por su sonido innovador. Conciertos de rock progresivo en Italia tendían a tener un fuerte trasfondo político y un ambiente lleno de energía.

La Escena hip hop italiano comenzó a principios de 1990 con Articolo 31 de Milán , cuyo estilo fue influenciado principalmente por el rap de la Costa Este. Otros equipos de hip hop primeros estaban orientadas típicamente político, al igual que 99 Posse, quien más tarde se convirtió en más influenciada por el British trip hop. Más tripulaciones recientes incluyen raperos mafiosos como de Cerdeña La Fossa. Otros estilos recientemente importados incluyen techno, trance y electrónica realizada por artistas como Gabry Ponte, Eiffel 65, y Gigi D`Agostino. El hip hop es especialmente característico del sur de Italia, un hecho que algunos observadores han contribuido a la vista de la cultura del sur como más "africano" que "europea", así como el concepto meridional de rispettu ( respeto , el honor ), una forma de verbal justas; ambos hechos han ayudado a identificar la música del sur de Italia con el estilo hip hop afroamericano. Además, hay muchas bandas en Italia que juegan un estilo llamado patchanka , que se caracteriza por una mezcla de música tradicional, el punk, el reggae, el rock y letras políticas. Modena City Ramblers son una de las bandas más populares conocidos por su mezcla de irlandeses , el italiano, el punk, el reggae y muchas otras formas de música.

Italia también se ha convertido en un hogar para una serie de proyectos de fusión mediterránea. Éstos incluyen Al Darawish, una banda multicultural basada en Sicilia y dirigido por Palestino Nabil Ben Salameh. La Luigi Cinque Tarantula Orquesta hipertexto es otro ejemplo, como es el proyecto TaraGnawa por Peleg y Nour Eddine. El popular cantante napolitano, Massimo Ranieri también ha lanzado un CD, Oggi o dimane , de tradicional napolitana canzone con ritmos e instrumentos del norte de África.

Industria

Dentro de un hipermercado de la música.

Un informe reciente de la economía dice que la industria de la música en Italia hace 2,3 mil millones de € en 2004. Esa suma se refiere a la venta de CDs, electrónica de música, instrumentos musicales, y la venta de entradas para espectáculos en vivo; que representa un crecimiento del 4,35% respecto a 2004. La venta real de álbumes de música ha disminuido ligeramente, pero no ha habido un aumento compensatorio en la música descargada digitalmente pagado para de sitios aprobados por la industria. A modo de comparación, la industria discográfica italiana ocupa el octavo lugar en el mundo; Italianos poseen 0,7 álbumes de música per cápita en comparación con los EE.UU., en primer lugar con 2.7. El informe cita un aumento del 20% en 2004 con respecto a 2003 en las regalías pagadas por la música en el aire, así como en vivo.

A nivel nacional, hay tres estatal y tres cadenas de televisión privadas. Todas ofrecen música en vivo al menos una parte del tiempo, dando así el trabajo a los músicos, cantantes y bailarines. Muchas grandes ciudades en Italia tienen canales de televisión locales, así, que pueden proporcionar la música folclórica o dialecto en vivo a menudo de interés sólo para el área inmediata. Libro y CD supertiendas han entrado en el mercado italiano en la última década. La mayor de estas cadenas es Feltrinelli, originalmente una casa editorial en la década de 1950. En 2001, se orienta a la altura de Multimedia tienda y ahora vende grandes cantidades de música grabada. Hay, a partir de 2006, 14 tales mega-tiendas en Italia, con más planeado. FNAC es otra gran cadena, originalmente francés. Cuenta con seis grandes puntos de venta en Italia. Estas tiendas también sirven como lugares de celebración de la interpretación musical, recibiendo varios conciertos a la semana.

Lugares, festivales y fiestas

Una Ejército italianobanda militar

El anual Festival de Ravello es un lugar de música popular en Italia. Aquí, una orquesta comienza a configurar en un escenario con vistas a la costa de Amalfi.

Espacios para la música en Italia incluirá conciertos en los numerosos conservatorios de música, salas sinfónicas y de teatros de ópera. Italia también tiene muchos internacionales conocidos festivales de música cada año, incluyendo el Festival de Spoleto, el Festival Puccini y el Festival de Wagner en Ravello. Algunos festivales ofrecen espacios a jóvenes compositores de la música clásica mediante la producción y puesta en escena obras ganadoras en las competiciones. El ganador, por ejemplo, del "Orfeo" Concurso Internacional de Nueva Ópera y Música de Cámara-además de ganar el premio considerable de dinero llega a ver su trabajo musical realizado en el Festival de Spoleto. También hay docenas de clases magistrales patrocinio privado de la música cada año que ponen en conciertos para el público. Italia es también un destino común para orquestas de renombre en el extranjero; casi en cualquier momento dado durante la temporada de mayor actividad, al menos una orquesta importante de Europa o América del Norte en otros lugares está jugando un concierto en Italia. Además, la música pública puede ser escuchado en decenas de conciertos de música pop y rock de todo el año. Ópera al aire libre puede incluso ser oído, por ejemplo, en el antiguo anfiteatro romano, la Arena de Verona. Bandas militares, también son populares en Italia. A nivel nacional, uno de los más conocido de ellos es la banda de la Guardia di Finanza (Policía de Aduanas / frontera italiana); se realiza muchas veces al año.

Muchos teatros también etapa rutinaria no sólo traducciones italianas de los musicales americanos, pero la verdadera italiana comedia musical, que se llaman por el término Inglés musical . En italiano, el término describe una especie de drama musical no es nativo de Italia, una forma que emplea el lenguaje americano de pop-jazz y la música basada en el rock y los ritmos para mover una historia a lo largo de una combinación de canciones y el diálogo.

Música en rituales religiosos, especialmente católica, se manifiesta de varias maneras. Bandas de la parroquia, por ejemplo, son muy comunes en toda Italia. Pueden ser tan pequeños como de cuatro o cinco miembros a tantos como 20 o 30. Por lo general se realizan en las fiestas religiosas específicas a una ciudad en particular, por lo general en honor de la patrona de la ciudad. Las históricas obras maestras / corales orquestales realizadas en la iglesia por los profesionales son bien conocidos; estos incluyen obras como el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi y de Verdi Requiem . La Concilio Vaticano II 1962-1965 revolucionado la música en la Iglesia Católica Romana, lo que lleva a un aumento en el número de coros de aficionados que realizan regularmente por los servicios; el Consejo alentó también el canto congregacional de los himnos, y un vasto repertorio de nuevos himnos ha sido compuesta en los últimos 40 años.

No hay una gran cantidad de música nativa italiana de Navidad. El más popular italiana villancico es " Tu dalle stelle scendi " , las palabras italianas modernas a las que fueron escritos por el Papa Pío IX en 1870. La melodía es una versión en clave más importante de un mayor, menor tecla napolitana carol "Quanno Nascette Ninno " . Aparte de eso, los italianos cantan en gran medida las traducciones de villancicos que provienen de la tradición alemana e Inglés (" Noche de Paz ", por ejemplo). No hay música de Navidad laica italiana nativa, lo que explica la popularidad de las versiones en lengua italiana de " Jingle Bells "y" White Christmas ".

La Festival de la canción italiana (también conocido como el Festival de Música de Sanremo ) es un lugar importante para la música popular en Italia. Se ha celebrado anualmente desde 1951 y actualmente está en escena en el Teatro Ariston de Sanremo. Se ejecuta por una semana en febrero, y da veteranos y nuevos artistas la oportunidad de presentar nuevas canciones. Ganar el concurso ha sido a menudo un trampolín para el éxito de la industria. El festival es televisado a nivel nacional durante tres horas por noche, está organizada por las personalidades de la televisión italianas más conocidas, y ha sido un vehículo para artistas como Domenico Modugno, tal vez el más conocido cantante pop italiano de los últimos 50 años.

Espectáculos de variedades de televisión son el lugar más amplio para la música popular. A menudo cambian, pero Buona Domenica , Domenica In y I Raccomandati son populares. La emisión musical de más larga duración en Italia es la corrida , un programa semanal de tres horas de aficionados y aspirantes a músicos. Todo comenzó en la radio en 1968 y se trasladó a la televisión en 1988. La audiencia en el estudio traer cencerros y sirenas y se animó a mostrar bonachón desaprobación. La ciudad con el mayor número de conciertos de rock (de artistas nacionales e internacionales) es Milán, con un número cercano a las otras capitales europeas de la música, como París, Londres y Berlín.

Educación

En el patio del Conservatorio de Música de Nápoles

Muchos institutos de educación superior enseñan música en Italia. Alrededor de 75 conservatorios de música ofrecen formación avanzada para los futuros profesionales de la música. También hay muchas escuelas privadas de música y talleres para la construcción de instrumentos y reparación. La enseñanza privada es también bastante común en Italia. Los estudiantes de primaria y secundaria pueden esperar tener una o dos horas semanales de enseñanza de la música, generalmente en el canto coral y la teoría básica de la música, aunque las oportunidades extracurriculares son raros. Aunque la mayoría de las universidades italianas tienen clases en temas relacionados, como la historia de la música, el rendimiento no es una característica común de la educación universitaria.

Italia tiene un sistema especializado de las escuelas secundarias; estudiantes asisten, como quieran, una escuela secundaria para las humanidades, ciencias, idiomas extranjeros, o la música de arte, pero no. Italia tiene ambiciosos programas, los últimos para exponer a los niños a más música. Además, con la reciente reforma de la educación una específica Liceo musicale e coreutico (segundo nivel de la educación secundaria, las edades 14-15 a 18-19) se indica explícitamente por los decretos leyes. Sin embargo, este tipo de escuela no se ha establecido y no es efectivamente operativo. La cadena de televisión estatal ha iniciado un programa para utilizar la tecnología de satélites moderna para difundir la música coral en las escuelas públicas.

Beca

Las primeras grabaciones de música tradicional italiana se produjo en la década de 1920, pero eran raros hasta el establecimiento del Centro Nazionale Studi di Musica Popolare en la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma. El Centro patrocinó numerosos viajes de recolección de la canción a través de la península, especialmente al sur y centro de Italia. Giorgio Nataletti fue una figura clave en el Centro, y también él mismo hizo numerosas grabaciones. El estudioso norteamericano Alan Lomax y el italiano, Diego Carpitella, hicieron un estudio exhaustivo de la península en 1954. A principios de los años 1960, un renacimiento raíces animó más estudios, especialmente de las culturas musicales del norte, que muchos estudiosos habían asumido previamente mantuvo poco de cultura popular . Los estudiosos más destacados de esta época incluyen Roberto Leydi, Ottavio Tiby y Leo Levi. Durante la década de 1970, Leydi y Carpitella fueron designados para los dos primeros presidentes de la etnomusicología en las universidades, con Carpitella en la Universidad de Roma y Leydi en la Universidad de Bolonia. En la década de 1980, los estudiosos italianos comenzaron a centrarse menos en hacer grabaciones, y más en estudiar y sintetizar la información ya recopilada. Otros estudian la música italiana en los Estados Unidos y Australia, y las músicas populares de los inmigrantes recién llegados a Italia.