Arte abstracto
Acerca de este escuelas selección Wikipedia
SOS Children hizo esta selección Wikipedia junto a otros recursos de escuelas . El patrocinio de los niños ayuda a los niños en el mundo en desarrollo para aprender también.
El arte abstracto utiliza una el lenguaje visual de la forma, color y línea para crear una composición que pueda existir con un grado de independencia de referencias visuales en el mundo. El arte occidental había sido, desde el Renacimiento hasta la mitad del siglo 19, sostenido por la lógica de perspectiva y una tentativa de reproducir una ilusión de la realidad visible. Los artes de culturas con excepción del europeo se habían convertido en accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencia visual al artista. A finales del siglo 19 muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcaría los cambios fundamentales que ocurren en tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las cuales los artistas individuales extrajeron sus discusiones teóricas eran diversas, y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en aquel momento.
El arte abstracto, el arte no figurativo, arte no objetivo, y el arte no figurativo son libremente términos relacionados. Son similares, aunque quizás no del significado idéntico.
La abstracción indica una salida de la realidad en la representación de imágenes en arte. Esta salida de la representación exacta puede ser solamente leve, o puede ser parcial, o puede ser completa. La abstracción existe a lo largo de un continuo. Incluso el arte que apunta para la verosimilitud del grado más alto se puede decir para ser abstracto, por lo menos en teoría, ya que es probable que sea extremadamente difícil de alcanzar representación perfecta. Las ilustraciones que toma libertades, alterando por ejemplo color y la forma en maneras que son visibles, se puede decir para ser parcialmente abstractas. Abstracción total no lleva ningún rastro de ninguna referencia cualquier cosa reconocible. En la abstracción geométrica, por ejemplo, una es poco probable encontrar referencias a las entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero figurativo y representacional (o ) arte realista contiene a menudo la abstracción parcial.
Ambos La abstracción geométrica y Abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Entre los muy numerosos movimientos artísticos que personifican la abstracción parcial sería por ejemplo fauvismo en el que el color se altera visible y deliberadamente vis-a-vis la realidad, y el cubismo , que altera evidentemente las formas de las entidades de la vida real representadas.
Historia
La abstracción en el arte temprano y muchas culturas
Formas fueron simples, geométricas y lineales que podrían haber tenido un propósito simbólico o decorativo - Gran parte del arte de culturas anteriores - signos y marcas en la cerámica, textiles, y las inscripciones y pinturas en la roca. Es en este nivel de significado visual que el arte abstracto se comunica. Uno puede disfrutar de la belleza de La caligrafía china o Caligrafía islámica sin ser capaz de leerlo.
Siglo 19
Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron Romanticismo , Impresionismo y Expresionismo . Independencia artística para artistas se avanzó durante el siglo 19. Patronato de la iglesia disminuye y el patrocinio privado de lo público se hizo más capaz de proporcionar un medio de vida para los artistas.
Los primeros indicios de un nuevo arte habían sido hechas por James McNeill Whistler, que, en su pintura Nocturne de Negro y Oro: El Rocket que cae, (1872), ponen mayor énfasis en la sensación visual de la representación de objetos. Un interés objetivo en lo que se ve, se puede discernir de las pinturas de John Constable , JMW Turner , Camille Corot y de ellos a los impresionistas que continuaron la pintura al aire libre de la Escuela de Barbizon. Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero su objetivo - para hacer una construcción lógica de la realidad basada en una visión de un solo punto, con el color modulada en áreas planas - se convirtió en la base de un nuevo arte visual, que más tarde se convirtió en el cubismo de George Braque y Pablo Picasso .
Expresionistas pintores exploraron el uso audaz de superficie de la pintura, el dibujo distorsiones y exageraciones, y de color intenso. Expresionistas producidos pinturas cargadas de emoción que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones a Impresionismo y otras direcciones más conservadores de la pintura a finales del siglo 19. Los expresionistas también cambió drásticamente el énfasis en el tema a favor de la representación de los estados psicológicos del ser. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor dibujó influencias principalmente de la labor de la Postimpresionistas que fueron fundamentales para el advenimiento de la abstracción en el siglo 20.
Además, en el siglo 19 en Europa del Este misticismo y principios filosofía religiosa modernista según lo expresado por teósofo Mme. Blavatsky tuvo un profundo impacto en pionero artistas geométricas como Wassily Kandinsky, y Hilma af Klint. La enseñanza mística de Georges Gurdjieff y PD Ouspensky también tuvo una influencia importante en las primeras formaciones de los estilos abstractos geométricos de Piet Mondrian y sus colegas en el siglo 20.
Siglo 20
Impresionismo del poste como se practica por Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en Arte del siglo 20 y ha llevado a la aparición de la abstracción del siglo 20. La herencia de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin, y Seurat era esencial para el desarrollo de arte moderno. A principios del siglo 20 Henri Matisse y varios otros jóvenes artistas, incluyendo el pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionó el mundo del arte de París con "salvaje", de varios colores, expresivo, paisajes y cuadros de figuras que los críticos llaman Fauvismo. Con su uso expresivo del color y su libre e imaginativo dibujo Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en ventana francesa en Collioure, (1914), Vista de Notre-Dame, (1914), y El telón de amarillo a partir de 1915. El lenguaje crudo de color que desarrolló por el Fauvistas influyó directamente en otro de los pioneros de la abstracción Wassily Kandinsky (ver ilustración).
Aunque el cubismo depende en última instancia de la materia, se convirtió, junto con Fauvismo, el movimiento de arte que abrió directamente la puerta a la abstracción en el siglo 20. Pablo Picasso hizo sus primeros cubistas pinturas en base a la idea de Cézanne que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon 1907, Picasso creó dramáticamente una nueva y radical de imagen que representa una escena del burdel crudo y primitivo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recuerdan Máscaras tribales africanas y sus nuevas cubistas invenciones. cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 a través de 1912. cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético , practicada por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y un sinnúmero de otros artistas en la década de 1920. cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionado. Los artistas collage como Kurt Schwitters y Man Ray y otros tomando el pista del cubismo fueron fundamentales para el desarrollo del movimiento llamado Dadá .
El poeta italiano Marinetti publicó 'La fundación y Manifiesto de Futurism'in 1909, que inspiró a artistas como Carlo Carra en "Pintura de Sonidos, ruidos y olores" y 'Train in Motion' Umberto Boccioni, 1911, a una nueva etapa de la abstracción y movimientos artísticos profundamente influenciados por toda Europa.
En 1913 el poeta Guillaume Apollinaire nombrada la obra de Robert y Sonia Delaunay, Orfismo. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados de la esfera visual, sino que había sido creado en su totalidad por el artista ... es un arte puro.
Desde el cambio de siglo conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y americanas se habían vuelto muy activa ya que se esforzaron por crear una forma de arte igual a las altas aspiraciones de Modernismo. Ideas pudieron destinado a potenciar por medio de libros de artistas, exposiciones y manifiestos por lo que muchas fuentes estaban abiertos a la experimentación y la discusión, y formaron una base para una diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto de "El Mundo al revés ', da una impresión de la interconexión de la cultura de la época:
' Conocimientos de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debe haber sido extremadamente hasta al fecha, para el segundo Sota de Diamantes exposición, celebrada en enero de 1912 (en Moscú) incluye no sólo los cuadros enviados desde Munich, pero algunos miembros de la alemana Die Brücke, mientras que desde París llegó el trabajo de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como Picasso. Durante la primavera David Burliuk dio dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que la Sota de Diamantes era financiar. Él se fue al extranjero en mayo y regresó decidido a competir con el almanaque Der Blaue Reiter, que había surgido de las impresoras mientras se encontraba en Alemania '.
Por 1911 muchos trabajos experimentales en la búsqueda de este "arte puro" se había creado. František Kupka había pintado la obra Orphist, 'Los discos de Newton'.The Rayist (Luchizm) de dibujos Natalia Goncharova y Mikhail Larionov, utiliza líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra totalmente abstracta, la Suprematista, 'Plaza de Negro', en 1915. Otro del grupo suprematista ' Liubov Popova, creó las construcciones arquitectónicas y espaciales de la Fuerza Construcciones entre 1916 y 1921. Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otra en el grupo De Stijl pretende remodelar el entorno del futuro.
Música
El arte visual, ya que se vuelve más abstracto se parece más a la música : una forma de arte que utiliza los elementos abstractos de sonido y divisiones del tiempo. Wassily Kandinsky, él mismo un músico, se inspiró en la posibilidad de marcas y asociativa rotundo color en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos, pero los sentidos están conectados en un nivel estético más profundo.
En estrecha relación con esto, es la idea de que el arte tiene la dimensión espiritual y puede trascender la experiencia "de todos los días", llegando a un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajan hacia un "estado sin objeto" se interesó en lo oculto como una forma de crear un objeto "interior". Las formas universales y atemporales que se encuentran en Geometría : el círculo, el cuadrado y el triángulo se convierten en los elementos espaciales en el arte abstracto; que están, como el color, los sistemas fundamentales que subyacen la realidad visible.
Vanguardia rusa
Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtió constructivistas creen que el arte ya no era algo remoto, sino la vida misma. El artista debe convertirse en un técnico, aprender a utilizar las herramientas y los materiales de la producción moderna. Arte en la vida! Era El lema de Vladimir Tatlin, y la de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desviaron sus energías al diseño de teatro y obras gráficas. Por otro lado se encontraba Kazimir Malevich, Anton Pevsner y Naum Gabo. Argumentaron que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido práctico, materialista. Muchos de los que eran hostiles a la idea de la producción materialista del arte izquierdo Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo fue primero a Berlín, después a Inglaterra y finalmente a Estados Unidos. Kandinsky estudió en Moscú luego a la izquierda por la Bauhaus. A mediados de la década de 1920 el período revolucionario (1917-1921), cuando los artistas había sido libre de experimentar había terminado; y por la década de 1930 sólo arte realista social estaba permitido.
La Bauhaus
La Bauhaus en Weimar, Alemania fue fundada en 1919 por Walter Gropius. La filosofía subyacente en el programa de enseñanza era la unidad de todas las artes plásticas y visuales de la arquitectura y la pintura a tejer y vidrieras. Esta filosofía se había pasado de las ideas de la Movimiento Arts and Crafts en Inglaterra y la Deutsche Werkbund. Entre los profesores eran Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, Theo van Doesburg y Laszlo Moholy-Nagy. En 1925 la escuela se trasladó a Dessau y, en su Partido nazi ganó el control en 1932, La Bauhaus fue cerrado. En 1937 una exposición de arte degenerado "Entartete Kunst" contenía todos los tipos de el arte de vanguardia desaprobada por el partido nazi. A continuación, el éxodo comenzó: no sólo de la Bauhaus, sino de Europa en general; a París, Londres y América. Paul Klee fue a Suiza, pero muchos de los artistas de la Bauhaus fue a América.
Abstracción en París y Londres
Durante la década de 1930 en París se convirtió en el anfitrión de artistas de Rusia, Alemania, Holanda y otros países europeos afectados por la subida de totalitarismo. Sophie Tauber y Jean Arp colaboró en las pinturas y esculturas que utilizan formas orgánicas / geométricos. El polaco Katarzyna Kobro aplicó las ideas de base matemática a la escultura. Los muchos tipos de abstracción ahora en las proximidades llevaron a los intentos de los artistas para analizar las diversas agrupaciones conceptuales y estéticas. Una exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré organizado por Michel Seuphor contenía trabajo por los neoplasticistas así como abstractos tan variados como Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters. Criticado por Theo van Doesburg es demasiado indefinido una colección que publica la revista Art Concret estableciendo un manifiesto definiendo un arte abstracto en el que la línea, el color y la superficie solamente, son la realidad concreta. Abstracción-Création fundada en 1931 como un grupo más abierto, siempre un punto de referencia para los artistas abstractos, ya que la situación política se agravó en 1935, y de nuevo se reagrupó artistas, muchos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británico se llevó a cabo en Inglaterra en 1935. Al año siguiente el extracto más internacional y exposición de hormigón fue organizado por Nicolete gris incluyendo trabajos de Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth y Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson y Gabo se trasladaron a la Grupo St. Ives en Cornwall para continuar su trabajo "constructivista".
América: de mediados de siglo
Durante la llegada de los nazis al poder en la década de 1930 muchos artistas huyeron de Europa a los Estados Unidos. A principios de la década de 1940 los principales movimientos de arte moderno, expresionismo, cubismo, la abstracción, surrealismo y dadaísmo estuvieron representados en Nueva York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, Max Ernst, André Breton, fueron sólo algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York .. Las ricas influencias culturales traídos por los artistas europeos se destilaron y construido sobre los pintores locales de Nueva York. El clima de la libertad en Nueva York permitió que todas estas influencias a florecer. Las galerías de arte que principalmente se había centrado en el arte europeo comenzaron a notar la comunidad artística local y el trabajo de los artistas americanos más jóvenes que habían comenzado a madurar. Algunos de estos artistas se convirtieron claramente resumen en su obra de madurez. Algunos artistas de la época desafiaron categorización, como Georgia O'Keeffe que, mientras que un artista abstracto modernista, era un inconformista pura en que se pintó formas muy abstractas mientras no unirse a cualquier grupo específico de la época. Finalmente artistas estadounidenses que trabajaban en una gran diversidad de estilos comenzaron a unirse en grupos estilísticos cohesivos. El grupo más conocido de los artistas americanos se hizo conocido como el Expresionistas abstractos y la Escuela de Nueva York. En la ciudad de Nueva York había un ambiente que promueve la discusión y hubo nueva oportunidad para aprender y crecer. Los artistas y maestros John D. Graham y Hans Hofmann hizo importantes figuras puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas americanos más jóvenes la mayoría de edad. Mark Rothko , nacido en Rusia, comenzó con imágenes muy surrealista que más tarde se disolvió en sus composiciones de color de gran alcance de la década de 1950. La gesto expresionista y el acto mismo de pintar, se convirtió de una importancia primordial a Jackson Pollock y Franz Kline. Mientras que durante la década de 1940 Arshile Gorky y Obra figurativa de Willem de Kooning evolucionó hacia la abstracción para el final de la década. Ciudad de Nueva York se convirtió en el centro, y artistas de todo el mundo se inclinó por él; de otros lugares de América también.
Abstracción en el siglo 21
Una idea común es que pluralismo caracteriza al arte a principios del siglo 21. La "crisis" en la pintura y el arte actual y corriente la crítica de arte hoy es provocada por pluralismo. No hay consenso, ni tiene por qué haber, como a un estilo representativo de la edad. No es un todo vale actitud que prevalece; un "todo lo que pasa", y por lo tanto "nada que hacer" síndrome; esto crea un atasco de tráfico estética sin rumbo firme y clara y con cada carril de la artística superautopista de lleno a capacidad. En consecuencia obras magníficas e importantes de arte se siguen realizando aunque de una gran variedad de estilos y temperamentos estéticos, el mercado está dejando de juzgar el mérito.
Arte digital, Arte de ordenador, Arte Internet, Pintura del Duro-borde, La abstracción geométrica, Apropiación, Hiperrealismo, Fotorrealismo, Expresionismo , Minimalismo, Abstracción lírica, arte pop, arte de Op, el expresionismo abstracto, la pintura del campo de color, La pintura monocromática, Neo-expresionismo, Collage, Intermedia pintura, Pintura de la ensambladura, Pintura digital, Pintura postmoderna, pintura Nea-Dada, Pintura formada de la lona, ambiental pintura mural, Graffiti, tradicional la pintura de figuras, Pintura de paisaje, Pintura del retrato, hay algunas direcciones continuas y corrientes en el comienzo del siglo 21.
En la abstracción del siglo 21 sigue siendo en gran medida a la vista, sus principales temas: lo trascendental, lo contemplativo y lo atemporal se exempified por Barnett Newman, John McLaughlin, y Agnes Martin, así como los artistas vivos más pequeños. El arte como objeto, como se ve en la Escultura minimalista de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella todavía se ven hoy en día en las nuevas permutaciones. La poética , Abstracción lírica y la utilización sensual de color que se ve en la obra de pintores tan diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, entre otros.
Hubo un resurgimiento después de la guerra y en la década de 1950 de lo figurativo, como Neo-Dada, Fluxus, Arte Conceptual, Neo-expresionismo, Arte de la instalación, Arte de Acción, Videoarte y El arte pop ha llegado a significar la era del consumismo. La distinción entre el arte abstracto y lo figurativo, a lo largo de los últimos veinte años, se vuelven menos definido dejando una gama más amplia de ideas para todos los artistas.
