Mark Rothko

Mark Rothko
Mark Rothko visite du Famille Scott en 1959
Nom de naissance	Marcus Yakovlevich Rothkowitz
Né	(25/09/1903) Septembre 25, 1903 Dvinsk, Gouvernement de Vitebsk, Empire russe (aujourd'hui Daugavpils, Lettonie )
Mort	25 février 1970 (25/02/1970) (66 ans) Manhattan, New York, États-Unis
Époux	Edith Sachar (1932-?) Mary Ellen "Mell" Beistle (1945-?)
Nationalité	Américain
Domaine	Peinture
Mouvement	L'expressionnisme abstrait, Coloration Champ
Patrons	Peggy Guggenheim, John de Menil, Dominique de Menil

Mark Rothko ( russe : Марк Ротко; né Маркус Яковлевич Роткович; Marcus Yakovlevich Rothkowitz, 25 Septembre, 1903 - 25 Février, 1970) était un Peintre américain d'origine juive lettone. Il est généralement identifié comme un Expressionniste abstrait, bien que lui-même a rejeté cette étiquette et même résisté classification comme un «peintre abstrait." Avec Jackson Pollock et Willem de Kooning, il est l'un des plus célèbres d'après-guerre Artistes américains.

Enfance

Mark Rothko est né en Dvinsk, Province de Vitebsk, dans l' Empire russe . Son père, Jacob (Yakov) Rothkowitz, était un pharmacien et un intellectuel qui a initialement fourni ses enfants avec un laïque et politique plutôt que religieuse, l'éducation. Dans un environnement où les Juifs étaient souvent blâmé pour la plupart des maux qui ont frappé la Russie, la petite enfance de Rothko a été en proie à la peur.

Malgré des revenus modestes de Jacob Rothkowitz, la famille a été très instruits ("Nous étions une famille lecture," la sœur de Rothko rappelé), et de Rothko a été en mesure de parler russe, le yiddish et l'hébreu. Après le retour de son père à la Le judaïsme orthodoxe de sa propre jeunesse, Rothko, le plus jeune de quatre frères et sœurs, a été envoyé au cheder à l'âge de cinq ans, où il a étudié la Talmud, bien que ses frères et sœurs aînés avaient été éduqués dans le système scolaire public.

Émigration de la Russie aux États-Unis

Craignant que ses fils étaient sur le point d'être rédigé dans la Armée impériale russe, Jacob Rothkowitz émigré de la Russie aux États-Unis. Marcus est resté en Russie avec sa mère et sa sœur aînée Sonia. Ils ont rejoint Jacob et les frères aînés à Portland, Oregon tard, en arrivant à Ellis Island à l'hiver 1913. La mort de Jacob quelques mois plus tard quitté la famille sans soutien économique. Sonia exploité une caisse enregistreuse, tandis que Marcus a travaillé dans l'un des entrepôts de son oncle, vendre des journaux aux employés.

Marcus a commencé l'école aux États-Unis en 1913, accélérant rapidement de la troisième à la cinquième année, et a complété le niveau secondaire avec les honneurs à Lincoln High School de Portland, en Juin 1921 à la dix-sept ans. Il a appris son quatrième langue, l'anglais, et est devenu un membre actif du centre de la communauté juive, où il se est avéré apte à des discussions politiques. Comme son père, Rothko était passionné des questions telles que les droits des travailleurs et le droit à la contraception des femmes. Il entendit militante Emma Goldman prendre la parole sur une de ses tournées de conférences de la côte Ouest.

Rothko a reçu une bourse pour Yale. À la fin de sa première année, la bourse n'a pas été renouvelé, et il a travaillé comme serveur et livreur pour soutenir ses études. Il trouva la communauté Yale être élitiste et raciste. Rothko et un ami, directeur Aaron, ont commencé un magazine satirique The Yale samedi Soirée Pest, qui brocarde ton guindé, bourgeois de l'école. En tout état de cause, la nature de Rothko était toujours plus celle de l'homme autodidacte que la pupille diligent. "Un de ses camarades de classe se souvient qu'il ne semblait guère à l'étude, mais qu'il était un lecteur vorace." À la fin de sa deuxième année, Rothko a abandonné et ne revint que lui a décerné un doctorat honoris causa 46 années plus tard.

Début de carrière

À l'automne de 1923, Rothko a trouvé du travail dans le quartier du vêtement de New York. Alors que la visite d'un ami à la Art Students League de New York, il a vu les participants à esquisser un modèle. Selon Rothko, ce fut le début de sa vie en tant qu'artiste. Il se inscrit plus tard dans la New York School of Design, où un de ses instructeurs était le moniteur de l'artiste et de la classe Arshile Gorky. Ce était probablement sa première rencontre avec un membre de l'avant-garde américaine, même si les deux hommes ne sont jamais devenus proches, étant donné dominant la nature de Gorki. (Rothko a renvoyé à la direction de Gorki dans la classe comme «surchargée avec une supervision.") Cet automne, il a suivi des cours à l'Art Students League enseigné par l'artiste cubiste Max Weber, un Juif compatriote russe. Pour ses étudiants désireux de connaître le modernisme, Weber, qui avait fait partie de l'avant-garde française, a été considérée comme "une salle de garde de l'histoire de l'art moderne." Sous la tutelle de Weber, Rothko a commencé à voir l'art comme outil d'expression émotionnelle et religieuse, et les tableaux de Rothko de cette époque révèlent l'influence de son instructeur. (Des années plus tard, lorsque Weber a assisté à un spectacle de l'œuvre de son ancien élève et a exprimé son admiration, Rothko a été extrêmement plu.)

Le cercle de Rothko

Le déménagement de Rothko à New York lui établi dans une atmosphère artistique fertile. Peintres modernistes éprouvaient plus de spectacles à New York Galeries toutes le temps, et les musées de la ville ont été une ressource inestimable pour favoriser les connaissances et les compétences d'un artiste en herbe. Parmi les importantes premières influences sur Rothko étaient les œuvres des expressionnistes allemands, l'art surréaliste Paul Klee, et les peintures de Georges Rouault. En 1928, Rothko a exposé des oeuvres avec un groupe d'autres jeunes artistes à la Galerie Opportunity bien nommé. Ses peintures incluses sombre, morose, intérieurs expressionnistes, ainsi que des scènes urbaines, et ont été généralement bien acceptés parmi les critiques et les pairs. Malgré un succès modeste, Rothko encore nécessaires pour compléter ses revenus, et en 1929 il a commencé à donner des cours de peinture et de sculpture en argile à l'Académie du Centre, où il est resté en tant que professeur jusqu'en 1952. Pendant ce temps, il a rencontré Adolph Gottlieb, qui, avec Barnett Newman, Joseph Solman, Louis Schanker, et John Graham, faisait partie d'un groupe de jeunes artistes qui entoure le peintre Milton Avery, quinze ans Rothko senior. Selon Elaine de Kooning, ce était Avery qui «a donné Rothko l'idée que [la vie d'un artiste professionnel] était une possibilité. Peintures de la nature stylisées d'Avery, utilisant une riche connaissance de la forme et de la couleur, serait une énorme influence sur Rothko. Bientôt, Les tableaux de Rothko ont pris sujet et couleur similaire à Avery, comme on le voit chez les baigneurs, ou Scène de plage de 1933 à 1934.

Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham, et de leur mentor, Avery, a passé beaucoup de temps ensemble, en vacances au Lake George et Gloucester, Massachusetts, dépensant leur peinture de jour et leurs soirées discuter art. Lors d'une visite 1932 à Lake George, Rothko a rencontré Edith Sachar, un créateur de bijoux, qu'il épousa cette chute. L'été suivant, son premier one-man show a eu lieu au Portland Art Museum, principalement constitué de dessins et aquarelles ; pour cette exposition, Rothko a pris la décision très inhabituelle d'afficher travail accompli par ses élèves pré-adolescents de l'Académie Centre aux côtés de son propre. Sa famille était incapable de comprendre la décision de Rothko d'être un artiste, surtout compte tenu de la situation économique désastreuse de la dépression . Ayant subi de graves revers financiers, les Rothkowitzes ont été mystifiés par l'indifférence apparente de Rothko à la nécessité financière; ils estimaient qu'il faisait sa mère un mauvais service en ne trouvant pas une carrière plus lucrative et réaliste.

Première one-man show à New York

De retour à New York, Rothko a eu son premier East Coast one-man show à la Galerie d'art contemporain. Il a montré quinze peintures à l'huile, principalement des portraits, ainsi que quelques aquarelles et dessins. Ce sont les huiles qui capter l'œil de la critique; L'utilisation de Rothko de champs riches de couleurs déplacé au-delà de l'influence de Avery. À la fin de 1935, Rothko a rejoint avec Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg, Louis et Schanker Joseph Solman pour former " Le Dix "(Whitney Dix dissidents), dont la mission (selon un catalogue d'un spectacle 1937 Mercure Gallery) était" pour protester contre l'équivalence réputé de la peinture américaine et la peinture littérale. "Le style de Rothko était déjà évolue dans le sens de sa renommée œuvres ultérieures, pourtant, malgré cette retrouvée exploration de la couleur, Rothko tourna son attention vers une autre innovation formelle et stylistique, inaugurant une période de peintures surréalistes influencés par des fables et des symboles mythologiques.

Rothko gagnait une réputation grandissante parmi ses pairs, en particulier parmi le groupe qui se est formé l'Union des Artistes. Commencée en 1937, et y compris Gottlieb et Soloman, l'Union des artistes espérait créer une galerie d'art municipale de montrer des expositions de groupe auto-organisés. En 1936, le groupe a montré à la Galerie Bonaparte en France, ce qui a entraîné dans certains avis critiques positives. (Les tableaux de Rothko, un critique fait remarquer, "affichage des valeurs coloristiques authentiques.") Puis, en 1938, un spectacle a eu lieu à la Galerie Mercury à New York, conçu comme une protestation contre le Whitney Museum of American Art, dont le groupe considéré comme ayant, un programme provincial régionaliste. Ce est également durant cette période que Rothko, comme Avery, Gorki, Pollock, de Kooning, et tant d'autres, ont trouvé un emploi avec le Works Progress Administration.

Elaboration du style

En 1936, Rothko a commencé à écrire un livre, jamais achevé, sur les similitudes dans l'art des enfants et le travail des peintres modernes. Selon Rothko, le travail des modernistes, influencé par l'art primitif, pourrait être comparé à celui des enfants en ce que «l'art de l'enfant se transforme en primitivisme, qui ne est que l'enfant produire un mimétisme de lui-même." Dans ce manuscrit, il a observé que "le fait que l'on commence habituellement avec le dessin est déjà académique. Nous commençons avec la couleur." Rothko a été en utilisant des champs de couleur dans ses aquarelles et des scènes de la ville.

Le travail de Rothko mûri de la représentation et des sujets mythologiques dans des champs rectangulaires de couleur et de lumière, qui ont abouti tard dans ses dernières œuvres pour la chapelle Rothko. Cependant, entre les scènes primitivistes et ludiques urbaines et aquarelles de la première période, et la fin, les champs transcendantes de couleur, était une longue période de transition, marquée par deux événements importants dans la vie de Rothko: l'apparition de la Seconde Guerre mondiale et sa lecture de Friedrich Nietzsche .

Maturité

Rothko séparé de Edith à l'été 1937. Ils concilier plusieurs mois plus tard, mais leur relation est restée tendue. Le 21 Février 1938, Rothko est finalement devenu un citoyen des États-Unis, invité par la crainte que l'influence nazie croissante en Europe pourrait provoquer l'expulsion soudaine des Juifs américains. Préoccupée par l'antisémitisme en Amérique et en Europe, Rothko en 1940 abrégé son nom de "Marcus Rothkowitz" à "Mark Rothko." Le nom «Roth», une abréviation courante, était encore identifiable juive, donc il se installe sur "Rothko."

Inspiration de la mythologie

Craignant que la peinture moderne américaine avait atteint une impasse conceptuelle, Rothko était résolu à explorer d'autres sujets que les scènes urbaines et de la nature. Il a cherché des sujets qui viendrait compléter sa préoccupation croissante avec la forme, l'espace, et la couleur. La crise mondiale de la guerre prêté cette recherche une immédiateté, car il a insisté que le nouveau sujet soit ont un impact social, tout en étant capable de transcender les limites de symboles et de valeurs politiques actuelles. Dans son essai, "Les romantiques ont été amenées, "publié en 1949, Rothko a fait valoir que l '" artiste archaïque ... a jugé nécessaire de créer un groupe d'intermédiaires, des monstres, des hybrides, des dieux et demi-dieux "de la même manière moderne homme a trouvé des intermédiaires dans le fascisme et le Parti communiste . Pour Rothko, "sans monstres et des dieux, l'art ne peut pas adopter un drame."

L'utilisation de Rothko de la mythologie comme un commentaire sur l'histoire actuelle ne était pas nouvelle. Rothko, Gottlieb et Newman lu et discuté des œuvres de Freud et de Jung , en particulier leurs théories concernant les rêves et les archétypes de l'inconscient collectif, et ils ont compris symboles mythologiques comme des images qui fonctionnent dans un espace de la conscience humaine qui transcende l'histoire et spécifique culture. Rothko a dit plus tard sa démarche artistique a été «réformé» par son étude des «thèmes dramatiques du mythe." Il aurait abandonne définitivement la peinture en 1940 pour se immerger dans Sir James Frazer The Golden Bough et Sigmund Freud L'interprétation des rêves.

L'influence de Nietzsche

La nouvelle vision de Rothko serait tenter de répondre aux besoins spirituels et mythologiques créatrices de l'homme moderne. L'influence philosophique le plus crucial sur Rothko dans cette période était Friedrich Nietzsche s ' La Naissance de la tragédie. Nietzsche a prétendu que la tragédie grecque a servi à racheter l'homme des terreurs de la vie mortelle. L'exploration de nouveaux sujets dans l'art moderne a cessé d'être l'objectif de Rothko. Dès cette époque, son art avait pour but de soulager la vacuité spirituelle de l'homme moderne. Il croyait que ce vide dû en partie au manque d'une mythologie qui, selon Nietzsche, pourrait aborder "la croissance de l'esprit d'un enfant et - à un homme d'âge mûr de sa vie et les luttes". Rothko croyait son art pourrait libérer les énergies inconscientes précédemment libérés par des images mythologiques, des symboles et des rituels. Il se considérait comme un "mythmaker" et a proclamé que «l'expérience tragique euphorique est pour moi la seule source de l'art".

Beaucoup de ses peintures dans cette période contrastent scènes barbares de violence à la passivité civilisée, en utilisant des images tirées principalement de Eschyle Orestie trilogie. Dans sa peinture 1942 The Omen de l'Aigle, les images archétypales de «l'homme, oiseau, bête et arbre ... fusionnent en une seule idée tragique». Une liste des tableaux de Rothko de cette période illustrent son utilisation du mythe: Antigone, Œdipe, Le Sacrifice de Iphigénie, Leda, Les Furies, Autel de Orphée. Rothko évoque l'imagerie judéo-chrétienne à Gethsémani, La Cène , et les rites de Lilith. Il invoque également égyptienne (Chambre de Karnak) et syrienne (The Bull) mythe syrienne. Peu après la Seconde Guerre mondiale , Rothko croit ses titres les plus grands, limités objectifs transcendants de ses peintures, il se est arrêté intitulant ses peintures.

Abstraction "Mythomorphic"

A la racine de la présentation de Rothko et Gottlieb des formes et des symboles comme sujet archaïques matière d'éclairage moderne existence avait été l'influence de Surréalisme, Cubisme , et l'art abstrait . En 1936, Rothko a participé à deux expositions au Musée d'art moderne, "le cubisme et l'art abstrait» et «Fantastic Art, Dada et le surréalisme." Ces deux expériences ont grandement influencé son célèbre 1938 Scène de métro.

En 1942, après le succès de spectacles par Ernst, Miró, Tanguy, et Salvador Dalí, qui avait immigré aux États-Unis en raison de la guerre, Surréalisme a pris à New York par la tempête. Rothko et ses pairs, Gottlieb et Newman, a rencontré et a discuté de l'art et des idées de ces pionniers européens ainsi que ceux de Mondrian. Ils ont commencé à se considérer comme les héritiers de l'avant-garde européenne.

Avec la forme mythique comme un catalyseur, ils fusionner les deux styles européens du surréalisme et de l'abstraction. En conséquence, le travail de Rothko est devenu de plus en plus abstraite; peut-être ironiquement, Rothko lui-même décrit le processus comme étant l'un vers «clarté».

Nouveaux tableaux ont été dévoilés lors d'un spectacle 1942 à Le grand magasin Macy à New York City. En réponse à une critique négative par le New York Times, Rothko et Gottlieb émis un manifeste (écrit principalement par Rothko), qui a déclaré, en réponse à l'auto-proclamé "la befuddlement" de la critique du Times sur le nouveau travail, "Nous privilégions la simple expression de la pensée complexe. Nous sommes pour la grande forme parce qu'il a l'impact de la non équivoque. Nous souhaitons réaffirmer le plan de l'image. Nous sommes pour formes plates, car ils détruisent l'illusion et révéler la vérité ". Sur une note plus strident, ils ont pris un potshot à ceux qui voulaient vivre entouré par l'art moins difficile, notant que ses travaux nécessairement «doit insulter personne qui est spirituellement en harmonie avec la décoration intérieure."

La vision de Rothko de mythe comme une ressource d'échange pour une ère de vide spirituel a été mis au cours des décennies de mouvement avant, par la lecture de Carl Jung , TS Eliot , James Joyce et Thomas Mann, entre autres. Contrairement à ses prédécesseurs, Rothko serait, dans sa période plus tard, de développer sa philosophie de l'idéal tragique dans le domaine de l'abstraction pure.

Rompre avec le surréalisme

Le 13 Juin 1943, Rothko et Sachar nouveau séparés. Rothko a subi une longue dépression après leur divorce. Penser qu'un changement de décor pourrait aider, Rothko retourné à Portland. De là, il se est rendu à Berkeley, où il a rencontré l'artiste Clyfford Still, et les deux ont commencé une amitié étroite. Toujours est profondément peintures abstraites seraient d'une influence considérable sur les œuvres ultérieures de Rothko. À l'automne de 1943, Rothko retourné à New York, où il a rencontré noté collectionneur et marchand d'art Peggy Guggenheim, qui était d'abord réticent à prendre sur son travail. One-man show de Rothko au Guggenheim de L'art de cette galerie siècle à la fin de 1945 a donné lieu à quelques ventes (prix allant de 150 $ à 750 $) et dans des revues moins-que-favorable. Pendant cette période, Rothko avait été stimulé par Still est paysages abstraits de couleurs, et son style est éloigné du surréalisme. Les expériences de Rothko à interpréter le symbolisme inconscient de formes quotidiennes avaient suivi leur cours. Son avenir était avec l'abstraction:

1945 chef-d'œuvre, Swirl lente de Rothko au bord de la mer, illustre sa propension retrouvée vers l'abstraction. Il a été interprété comme une méditation sur la cour de Rothko de sa seconde épouse, Mary Ellen "Mell" Beistle, qu'il a rencontré en 1944 et marié au printemps 1945. Autres lectures ont noté échos de la naissance de Vénus de Botticelli, qui Rothko vu à un "italienne Masters" exposition prêtée au Musée d'Art Moderne en 1940. Les cadeaux de peinture, dans les tons gris et bruns subtils, deux formes humaines comme embrassé dans un tourbillon, atmosphère de formes et de couleurs flottant. Le fond rectangulaire rigide préfigure expériences ultérieures de Rothko dans la couleur pure. La peinture a été terminé, pas par hasard, dans l'année de la Seconde Guerre mondiale a pris fin.

Malgré l'abandon de son "Mythomorphic Abstraits" (tel que décrit par ARTnews), Rothko serait encore être reconnu par le public principalement pour ses œuvres surréalistes, pour le reste des années 1940. Le Musée Whitney les a inclus dans leur exposition annuelle d'art contemporain de 1943 à 1950.

"Les multiformes" de Rothko

L'année 1946 a vu la création de transition "multiformes" tableaux de Rothko. Le terme "multiforme" a été appliquée par les critiques d'art; ce mot n'a jamais été utilisé par Rothko lui-même, mais il est une description précise de ces peintures. Plusieurs d'entre eux, y compris No. 18 et Untitled (1948 fois), sont moins transitoire que pleinement réalisé. Rothko lui-même décrit ces peintures comme possédant une structure plus organique et que les unités de l'expression humaine autonomes. Pour lui, ces blocs de différentes couleurs floues, dépourvus de paysage ou de la figure humaine, laisser le mythe et le symbole seul, possédaient leur propre force de vie. Ils contenaient un «souffle de vie» qu'il trouva manque dans la plupart peinture figurative de l'époque. Ils ont rempli avec possibilité, alors que son expérimentation avec le symbolisme mythologique était devenu une formule fatigué. Les "multiformes" apporté de Rothko à une réalisation de son style de signature mature, le seul style Rothko ne abandonnerait jamais entièrement.

Au milieu de cette période cruciale de transition, Rothko avait été impressionné par Clyfford Still champs abstraits de couleur, qui ont été en partie influencée par les paysages de Still Dakota du Nord natale. En 1947, lors d'un enseignement de semestre d'été à l'École des Beaux-Arts, Rothko Californie et encore flirté avec l'idée de fonder leur propre programme, et ils ont réalisé l'idée à New York l'année suivante. Nommé «Les sujets de l'École Artistes," ils employaient David Hare et Robert Motherwell, entre autres. Bien que le groupe séparé plus tard dans la même année, l'école était le centre d'un tourbillon d'activités dans l'art contemporain. En plus de son expérience de l'enseignement, Rothko a commencé à contribuer aux articles deux nouvelles publications d'art, "Oeil de tigre» et «Possibilités». En utilisant les forums comme une opportunité pour évaluer la scène artistique actuelle, Rothko a également discuté en détail son propre travail et la philosophie de l'art. Ces articles correspondent à l'élimination des éléments figuratifs de sa peinture. Il a décrit sa nouvelle méthode comme «aventures inconnues dans un espace inconnu," sans "lien direct avec ne importe quel particulier, et la passion de l'organisme."

En 1949, Rothko est devenu fasciné par Matisse de Red studio, acquis par le Musée d'Art Moderne de la même année. Il a ensuite crédité comme une autre source importante d'inspiration pour ses peintures abstraites plus tard.

Époque

N ° 14 au SF MoMA

Bientôt, les "multiformes" développés dans le style de signature; au début de 1949 Rothko expose ces nouvelles œuvres à la Betty Parsons Gallery. Pour le critique Harold Rosenberg, les peintures ont été rien de moins qu'une révélation. Après avoir peint son premier "multiforme", Rothko se était isolé à son domicile East Hampton, à Long Island. Il a invité seulement quelques privilégiés, y compris Rosenberg, pour afficher les nouvelles peintures. La découverte de sa forme définitive est venu à une période de grande détresse à l'artiste; sa mère Kate était mort en Octobre 1948. Ce est durant l'hiver que Rothko se est passé lors de l'utilisation de blocs rectangulaires symétriques de deux à trois adverse ou contrastées mais complémentaires, couleurs, dans lequel, par exemple, "les rectangles semblent parfois peine à coalescence du sol, les concentrations de sa substance. La barre verte à Magenta, Noir, Vert sur Orange, d'autre part, semble vibrer contre le orange, autour d'elle, la création d'un scintillement optique ". En outre, pour les sept prochaines années, Rothko peint à l'huile que sur de grandes toiles avec des formats verticaux. Très dessins à grande échelle ont été utilisés afin de submerger le spectateur, ou, dans les mots de Rothko, à rendre le spectateur se sentir "enveloppée dans" la peinture. Pour certains critiques, la grande taille était une tentative pour compenser un manque de substance. En représailles, Rothko a déclaré:

Il est même allé jusqu'à recommander que les téléspectateurs se positionnent aussi peu que dix-huit centimètres de la toile afin qu'ils puissent éprouver un sentiment d'intimité, ainsi que la crainte, une transcendance de la personne, et un sens de l'inconnu.

Comme Rothko a connu un succès, il est devenu de plus en plus de protection de ses œuvres, en baissant plusieurs ventes et exposition possibilités potentiellement importantes.

Les objectifs de Rothko, dans l'estimation de certains critiques et les téléspectateurs, dépassé ses méthodes. Beaucoup de Expressionnistes abstraits discuté de leur art comme visant vers une expérience spirituelle, ou au moins une expérience qui a dépassé les limites du purement esthétique. Des années plus tard, Rothko a souligné plus d'insistance l'aspect spirituel de son art, un sentiment qui aboutira à la construction de la Rothko Chapel.

Beaucoup de ces «multiformes» et peintures de signature début sont composés de couleurs vives et éclatantes, en particulier les rouges et jaunes, exprimant l'énergie et de l'ecstasy. Vers le milieu des années 1950, cependant, près d'une décennie après la fin de la première "multiformes", Rothko a commencé à employer des bleus foncés et les verts; Pour beaucoup de critiques de son travail ce changement de couleurs était représentatif d'une obscurité croissante au sein de la vie personnelle de Rothko.

La méthode de Rothko était d'appliquer une fine couche de liant mixte avec un pigment directement sur la toile non couché et non traitée et de peindre des huiles considérablement amincies directement sur cette couche, créant un mélange dense de couleurs et de formes qui se chevauchent. Ses coups de pinceau ont été rapides et légers, une méthode qu'il continuerait à utiliser jusqu'à sa mort. Son adeptness augmente à cette méthode est apparente dans les peintures achevées pour la chapelle. Avec une absence de représentation figurative, ce drame il se trouve dans une fin de Rothko est dans le contraste des couleurs, rayonnant un contre l'autre. Ses tableaux peuvent ensuite être comparées à une sorte d'arrangement fugué: chaque variation contrebalancé un contre l'autre, mais tous qui existait dans une structure architecturale.

Rothko a utilisé plusieurs techniques originales qu'il a essayé de garder le secret même de ses assistants. La microscopie électronique et ultraviolet analyse effectuée par le MOLAB ont montré qu'il employait substances naturelles telles que l'œuf et de la colle, ainsi que des matériaux artificiels, y compris les résines acryliques, phénol formaldéhyde, modifié alkyde, et d'autres. Un de ses objectifs était de rendre les différentes couches de la peinture sèchent rapidement, sans mélange de couleurs, de sorte que qu'il pourrait bientôt créer de nouveaux calques au-dessus des précédents.

Voyages en Europe: accroître la renommée

Rothko et son épouse ont visité l'Europe pendant cinq mois au début de 1950. La dernière fois qu'il avait été en Europe était pendant son enfance en Lettonie, à l'époque partie de la Russie. Pourtant, il ne est pas revenu dans sa patrie, préférant visiter les collections de peinture importants dans les grands musées de l'Angleterre, la France et l'Italie. Le fresques de Fra Angelico dans le monastère de San Marco Florence lui plus impressionné. La spiritualité et la concentration de Fra Angelico sur la lumière appel à la sensibilité de Rothko, de même que les adversités économiques l'artiste confronté Rothko, qui considérait comme similaire à la sienne. Tout ce qui était sur le point de changer, cependant.

Rothko avait one-man shows à la Betty Parsons Gallery en 1950 et 1951 et à d'autres galeries à travers le monde, y compris au Japon, São Paulo et Amsterdam . Le spectacle 1952 "Quinze Américains" organisée par Dorothy Canning Miller au Musée d'Art Moderne formellement annoncé les artistes abstraits et comprenait des œuvres de Jackson Pollock et William Baziotes. Il a également créé un différend entre Rothko et Barnett Newman, Rothko après Newman accusé d'avoir tenté de l'exclure de l'émission. Cultiver le succès en tant que groupe a été conduit à des luttes intestines et prétend à la suprématie et le leadership. Lorsque "Fortune" magazine nommé une peinture de Rothko comme un bon investissement, Newman et Still marque lui un sell-out avec les aspirations bourgeoises. Clyfford Still a écrit à Rothko de demander que les tableaux qu'il lui avait donnés au fil des ans être retournés. Rothko a été profondément déprimé par la jalousie de ses anciens amis.

Pendant le voyage 1950, l'Europe, l'épouse de Rothko est devenue enceinte. Le 30 Décembre, quand ils étaient de retour à New York, elle a donné naissance à une fille, Kathy Lynn, appelé "Kate" en l'honneur de la mère de Rothko.

Réactions à son propre succès

Peu de temps après, en raison de la prise de magazine Fortune et d'autres achats par les clients, la situation financière de Rothko a commencé à se améliorer. En plus des ventes de peintures, il a également eu l'argent de son poste d'enseignant à Brooklyn College. En 1954, il expose dans un spectacle solo au Art Institute of Chicago, où il a rencontré le marchand d'art Sidney Janis, qui représentait Pollock et Franz Kline. Leur relation se est avéré mutuellement bénéfique.

Malgré sa renommée, Rothko se sentait un isolement de plus en plus personnelle et un sentiment d'être incompris en tant qu'artiste. Il craignait que les gens ont acheté ses tableaux tout simplement hors de la mode et que le vrai but de son travail ne était pas saisie par les collectionneurs, critiques, ou publics. Il voulait que ses peintures à aller au-delà l'abstraction, et au-delà l'art classique. Pour Rothko, les peintures étaient des objets qui possédaient leur propre forme et le potentiel, et donc, doivent être rencontrés en tant que telle. Sentant la futilité de mots pour décrire cet aspect résolument non-verbale de son travail, Rothko abandonné toute tentative de répondre à ceux qui se enquérait de sa signification et le but, déclarant finalement que le silence est "tellement précis." «Les surfaces de mes peintures sont vastes et pousser vers l'extérieur dans toutes les directions, ou de leur contrat de surfaces et se précipitent vers l'intérieur dans toutes les directions. Entre ces deux pôles, vous pouvez trouver tout ce que je veux dire."

Rothko a commencé à insister pour qu'il ne était pas un abstractionniste et que cette description était aussi inexact que le qualifiant un grand coloriste. Son intérêt était

Pour Rothko, la couleur est «simplement un instrument." Les multiformes et les peintures de signature sont, en substance, la même expression des émotions humaines de base que ses peintures mythologiques surréalistes, quoique sous une forme plus pure. Ce qui est commun parmi ces innovations stylistiques est une préoccupation pour «la tragédie, de l'ecstasy et de malheur." Ce était le commentaire de Rothko sur les spectateurs d'éclater en sanglots devant ses peintures qui peuvent avoir convaincu les De Menil pour construire la chapelle Rothko. Quel que soit le sentiment de Rothko à propos des interprétations de son travail, il est évident que, par 1958, l'expression spirituelle, il censé représenter sur toile devenait de plus en plus sombre. Ses rouges, jaunes et oranges ont été subtilement transformées en bleu foncé, verts, gris et noirs.

L'ami de Rothko, le critique d'art Dore Ashton, pointe vers la connaissance de l'artiste avec le poète Stanley Kunitz comme un lien important dans cette période («conversations entre peintre et poète introduits dans l'entreprise de Rothko"). Kunitz a vu Rothko comme «un, un chaman primitive qui trouve la formule magique et conduit les gens à lui." Grande poésie et la peinture, Kunitz croyait, avaient tous deux "racines dans la magie, incantation, et envoûtement» et étaient, à leur base, éthique et spirituelle. Kunitz instinctivement compris le but de la quête de Rothko.

En Novembre 1958, Rothko a donné une adresse à l'Institut Pratt. Dans un ténor inhabituel pour lui, il a discuté de l'art comme un métier et offert «recette [la] d'une œuvre d'art - ses ingrédients - comment le faire - la formule.

1. Il doit y avoir une préoccupation claire avec la mort - allusions de mortalité ... L'art tragique, l'art romantique, etc., traite de la connaissance de la mort. 2. Sensualité. Notre base de béton étant sur le monde. Ce est une relation lubrique aux choses qui existent. 3. Tension. Soit conflit ou le désir des rigoles. 4. L'ironie, Ceci est un ingrédient moderne - l'effacement de soi et de l'examen par lequel un homme pendant un instant peut passer à autre chose. 5. Wit et jouer ... pour l'élément humain. 6. L'éphémère et la chance ... pour l'élément humain. 7. Espérance. 10% pour rendre le concept tragique plus supportable.

Je mesure ces ingrédients très attentivement quand je peins un tableau. Il est toujours le formulaire qui suit ces éléments et les résultats de l'image des proportions de ces éléments ".

Commission Seagram Murals / Four Seasons Restaurant

En 1958, Rothko a reçu la première des deux grandes commissions murales qui se sont révélées à la fois enrichissant et frustrant. La société de boissons Joseph Seagram & Sons avait récemment terminé leur nouveau bâtiment sur ​​Park Avenue, conçu par les architectes de Mies Van der Rohe et Philip Johnson. Rothko a accepté de fournir des peintures pour le nouveau restaurant de luxe de l'immeuble, le Four Seasons. Ce fut, comme historien de l'art Simon Schama a dit, «apporter [ant] ses drames monumentales à droite dans le ventre de la bête."

Pour Rothko, cette commission a présenté un nouveau défi pour elle était la première fois qu'il était nécessaire non seulement de concevoir une série coordonnée de peintures, mais de produire un concept d'espace pour une grande œuvre d'art, intérieur spécifique. Au cours des trois mois suivants, Rothko terminé quarante peintures, trois séries complètes en rouge foncé et marron. Il changea son format horizontal à la verticale pour compléter verticales caractéristiques du restaurant: des colonnes, des murs, des portes et fenêtres.

Alors qu'en Europe, les Rothko a voyagé à Rome , Florence, Venise et Pompéi . A Florence, il a visité Michelangelo s ' Bibliothèque laurentienne pour voir vestibule de la bibliothèque de première main, à partir de laquelle il a attiré plus d'inspiration pour les peintures murales. Il fait remarquer que la "chambre avait exactement le sentiment que je voulais .... il donne au visiteur le sentiment d'être pris dans une chambre avec les portes et les fenêtres murée dans fermée." De plus il a été influencé par les couleurs sombres des peintures murales dans le pompéien Villa des Mystères. Après le voyage en Italie, les Rothko voyagés Paris, Bruxelles , Anvers et Amsterdam , avant de retourner aux États-Unis.

Une fois de retour à New York, Rothko et épouse Mell a visité le restaurant près-complété Four Seasons. Upset avec salle à l'atmosphère du restaurant, qu'il considérait comme prétentieux et inapproprié pour l'affichage de ses œuvres, Rothko a refusé de poursuivre le projet et lui rendit son avance de trésorerie à l'Seagram and Sons Company. Seagram avait l'intention d'honorer l'émergence de Rothko à la notoriété grâce à sa sélection, et sa rupture de contrat et d'expression publique d'indignation étaient inattendus.

Rothko a gardé les tableaux commandés dans le stockage jusqu'en 1968. Étant donné que Rothko avait connu à l'avance de la décoration de luxe du restaurant et de la classe sociale de ses futurs clients, les motifs de son rejet brutal restent mystérieuses. Une personnalité capricieuse, Rothko n'a jamais expliqué pleinement ses émotions en conflit sur ​​l'incident. Une lecture est proposée par son biographe, James EB Breslin: le projet Seagram pourrait être considérée comme un acting-out d'un familier, dans ce cas, l'auto-créé "drame de la confiance et de la trahison, de progresser dans le monde, puis en retirant, colère , de lui .... Il était un Isaac, qui au dernier moment refusé de céder à Abraham ". La dernière série de peintures murales Seagram a été dispersé et se trouve maintenant à trois endroits: à Londres Tate Modern, du Japon Kawamura Memorial Museum et le National Gallery of Art de Washington, DC

En Octobre 2012, Noir sur Bordeaux , l'un des tableaux de la série Seagram, a été barbouillée de l'écriture à l'encre noire lors de la présentation à la Tate Modern, par Wlodzimierz Umaniec. Il a été estimé que la restauration de la peinture pourrait prendre jusqu'à dix-huit mois pour terminer. La BBC Arts l 'éditeur Will Gompertz a expliqué que l'encre de la plume marqueur de Umaniec avait saigné tout le chemin à travers la toile, provoquant une «profonde blessure pas une éraflure superficielle» et que le vandale avait causé un «dommage significatif».

La hausse de l'importance dans les États-Unis

Dans la tour: Mark Rothko , une exposition mettant en vedette 1 964 peintures noir sur noir de Rothko Rothko Chapel. L'exposition est à l'intérieur de la National Gallery of Art de bâtiment Est, Tour Gallery, (tour principale, sur la photo) dans Washington, DC

Le premier espace rempli de Rothko a été créée dans la Phillips Collection à Washington, DC, suite à l'achat de quatre tableaux par le collectionneur Duncan Phillips. La gloire et la richesse de Rothko avaient sensiblement augmenté; ses peintures ont commencé à vendre à des collectionneurs notables, y compris les Rockefeller. En Janvier 1961, Rothko assis à côté de Joseph Kennedy au John F. Kennedy bal inaugural de l '. Plus tard cette année, une rétrospective de son travail a eu lieu au Musée d'Art Moderne, au succès commercial et critique considérable. En dépit de cette notoriété retrouvée, le monde de l'art avait déjà tourné son attention des expressionnistes abstraits maintenant Passé à la «prochaine grande chose," Pop Art, en particulier le travail de Warhol , Lichtenstein et Rosenquist.

Rothko étiqueté Pop-Art "charlatans artistes et les jeunes opportunistes», et demandé à haute voix lors d'une exposition de 1962 du Pop Art, "sont les jeunes artistes complotent tous nous tuer?" Sur l'affichage des drapeaux de Jasper Johns, Rothko a dit, «Nous avons travaillé pendant des années pour se débarrasser de tout cela." Ce ne fut pas que Rothko ne pouvait pas accepter d'être remplacé, mais qu'il ne pouvait pas accepter ce qui lui a été remplace: il a trouvé Pop Art insipide.

Rothko a reçu un deuxième projet de la commission murale, cette fois pour un mur de peintures pour le penthouse de l'Université de Harvard Centre Holyoke. Il a fait vingt-deux esquisses, dont six peintures murales ont été accomplies et seulement cinq ont été installés. Président de Harvard, Nathan Pusey, suite à une explication de la symbologie religieuse du Triptyque, avait les peintures accrochées en Janvier 1963, et plus tard présentée au Guggenheim. Lors de l'installation, Rothko a trouvé les peintures à être compromises par l'éclairage de la pièce. Malgré l'installation de nuances de fibre de verre, les peintures ont été retirées à la fin des années 1970 et, en raison du caractère éphémère de certains des pigments rouges, ont été placés en entreposage dans l'obscurité et que périodiquement affichées.

Le 31 Août 1963, Mell a donné naissance à un deuxième enfant, Christopher. Cet automne, Rothko a signé avec la Galerie Marlborough pour les ventes de son travail à l'extérieur des États-Unis. A New York, il a continué à vendre les œuvres d'art directement à partir de son studio. Bernard Reis, conseiller financier de Rothko, était aussi, à l'insu de l'artiste, le comptable de la Galerie et, de concert avec ses collègues, a été plus tard chargé d'une des histoire de l'art de plus grands scandales.

La chapelle Rothko

Le Rothko Chapel est situé à côté de la Menil Collection et L'Université de St. Thomas, à Houston, au Texas . Le bâtiment est petite et sans fenêtre. Il est, une structure géométrique "postmoderne", situé dans un quartier de classe moyenne tour-de-la-siècle Houston. La chapelle, la Menil Collection, et la proximité de la galerie Cy Twombly ont été financés par Texas millionnaires du pétrole John et Dominique de Menil.

En 1964, Rothko a emménagé dans son dernier studio de New York au 157 East 69th Street, équiper le studio avec des poulies transportant des grands murs de matériel de toile pour réguler la lumière d'une coupole centrale, pour simuler l'éclairage qu'il prévoyait pour la chapelle Rothko. Malgré les avertissements au sujet de la différence à la lumière entre New York et le Texas, Rothko a persisté avec l'expérience, se mettre au travail sur les toiles. Rothko dit à ses amis qu'il avait l'intention de la Chapelle pour être son seul énoncé artistique le plus important. Il est devenu considérablement impliqué dans la mise en page de l'immeuble, insistant sur ​​le fait qu'il disposent d'une coupole centrale comme celle de son atelier. Architecte Philip Johnson, incapable de transiger avec la vision de Rothko sur le type de lumière qu'il voulait dans l'espace, a quitté le projet en 1967, et a été remplacé par Howard BARNSTONE et Eugene Aubry. Les architectes souvent volé à New York pour des consultations et à une occasion ont apporté avec eux une miniature de l'immeuble à l'approbation de Rothko.

Pour Rothko, la chapelle était d'être une destination, un lieu de pèlerinage loin du centre d'art (dans ce cas, New York) où les demandeurs de nouvelles œuvres d'art «religieux» de Rothko pourrait de voyage. Initialement, la chapelle, maintenant non confessionnelle, devait être spécifiquement catholique romaine , et pendant les trois premières années du projet (1964-1967) Rothko estimé qu'il serait rester. Ainsi, la conception de Rothko de l'immeuble et les implications religieuses de peintures ont été inspirés par l'art et l'architecture catholique romaine. Sa forme octogonale est basé sur le byzantine église de Saint- Maria Assunta, et le format des triptyques sont basés sur des peintures de la Crucifixion. Le Menil croyait de l'aspect universel «spirituel» de l'œuvre de Rothko viendrait compléter les éléments du catholicisme romain.

La technique de la peinture de Rothko nécessaire endurance physique considérable que l'artiste malade était plus capable de rassembler. Pour créer les peintures qu'il envisageait, Rothko a été contraint d'embaucher deux assistants pour appliquer la peinture de marron en traits rapides de plusieurs couches: «rouges brique, rouges profonds, mauves noirs." Sur la moitié des œuvres, Rothko pas de la peinture lui-même appliqué et était pour le contenu le plus de partie pour superviser le processus ardu lente. Il sentait la fin des tableaux pour être "tourment" et le résultat inévitable était de créer «quelque chose que vous ne voulez pas regarder."

La chapelle est l'aboutissement de six années de la vie de Rothko et représente sa préoccupation croissante progressivement pour le transcendant. Pour certains, pour assister à ces peintures est de soumettre soi-même à une expérience spirituelle, qui, par sa transcendance du sujet, se rapproche de celle de la conscience elle-même. Il oblige à approcher les limites de l'expérience et se réveille un à la conscience de sa propre existence. Pour d'autres, les maisons de la chapelle quatorze grandes toiles dont les surfaces sombres, presque impénétrables représentent hermétisme et la contemplation.

Les peintures de la chapelle sont constitués d'un triptyque monochrome dans brun doux sur la paroi centrale (trois panneaux 5-par-15-pied), et une paire de triptyques sur la gauche et la droite en rectangles noirs opaques. Entre les triptyques sont quatre tableaux individuels (11 par 15 pieds chacun), et un tableau complémentaire individuelle face à la triptyque centrale de la paroi opposée. L'effet est d'entourer le spectateur avec massif, imposant des visions de ténèbres. Malgré son fondement dans le symbolisme religieux (le triptyque) et moins-que-subtile des images (la crucifixion), les peintures sont difficiles à fixer spécifiquement à la symbolique chrétienne traditionnelle, et peuvent agir sur les téléspectateurs de manière subliminale. Recherche spirituelle ou esthétique actif peut être obtenue à partir de la visionneuse de la même manière une icône religieuse avec le symbolisme spécifique fait. De cette façon, l'effacement de Rothko de symboles à la fois supprime et crée des obstacles au travail.

En fait, ces travaux seraient sa déclaration finale artistique au monde. Ils ont finalement été dévoilés lors de l'ouverture de la chapelle en 1971. Rothko n'a jamais vu la chapelle terminée et jamais installé les tableaux. Le 28 Février 1971, lors de la dédicace, Dominique de Menil dit, "Nous sommes encombré avec des images et que l'art abstrait peut nous amener à le seuil de la divine", notant le courage de Rothko dans la peinture ce que l'on pourrait appeler «forteresses impénétrables" de couleur. Le drame pour de nombreux critiques du travail de Rothko est la position difficile des peintures entre, comme Chase note, «le néant ou la mièvrerie» et «offre digne 'icônes muettes' 'le seul genre de beauté que nous trouvons acceptable aujourd'hui'."

Héritage

Les œuvres complètes sur toile de Rothko, 836 peintures, ont été catalogués par l'historien d'art David Anfam dans son livre de 1998de Mark Rothko: Les œuvres sur toile: Catalogue Raisonné, publié parYale University Press en 1998.

Le règlement de sa succession est devenu l'objet de laCase Rothko.

Un manuscrit inédit par Rothko sur ses philosophies sur l'art,la réalité de l'Artiste, a été édité par son fils, Christopher Rothko, et a été publié parYale University Press en 2006.

Rouge , une pièce basée sur Rothko, écrit par John Logan, ouvert au Donmar Warehouse à Londres le 3 Décembre 2009. L'un acte, jouer quatre-vingt-minute, avec Alfred Molina, centrée sur la période des peintures murales Seagram. Il a reçu d'excellentes critiques et a joué à guichets fermés. En 2010, Red ouvert sur ​​Broadway, où il a remporté six Tony Awards, y compris "Best Play". Molina a joué Rothko à Londres et à New York.

La collection de la famille de Mark Rothko œuvres appartenant à Mark Rothko Estate a été représenté par laPace Gallery à New York depuis 1978.

La ville lettone deDaugavpils, la ville natale de l'artiste défunt, a dévoilé un monument à l'artiste sur la rive de la rivière Daugava en 2003. En 2013, le Centre d'art de Mark Rothko ouvert à Daugavpils, après la famille Rothko avait donné une petite collection de œuvres originales de Rothko.

Marché de l'art

Au début de Novembre 2005 1953 peinture de RothkoHommage à Matissea battu le record pour une peinture d'après-guerre à une vente aux enchères publiques, la vente pour 22,5 millions de dollars.

En mai 2007, 1950 peinture de Rothko Centre blanc (jaune, rose et lavande sur Rose) ont éclaté à nouveau ce record, la vente chez Sotheby à New York pour 72,8 millions de dollars. La peinture a été vendue par le banquier David Rockefeller, qui a assisté à la vente aux enchères.

En mai 2011, Les ventes aux enchères de Christie vendu une peinture de Rothko jusqu'alors inconnu, ce qui représente pour le travail comme # 836. Le travail a été ajouté au catalogue Rothko existante de 835 œuvres après l'authentification d'experts. La peinture nouvellement découvert, Untitled, n ° 17 , créé en 1961, est venu à la lumière quand un collectionneur privé a mis en vente, affirmant qu'il l'a acheté directement de l'artiste. Une huile de sept pieds de hauteur sur toile en rouge et rose sur un fond ocre, la peinture a ouvert avec une offre de maison de 13 millions de dollars et a vendu pour 30 millions de dollars.

En mai 2012, 1961 peinture de Rothko Orange, Rouge, Jaune(# 693 de Anfamcatalogue raisonné) a été vendu par Christie à New York pour 86,9 millions de dollars, établissant un nouveaunominale valeurrecord pour une peinture d'après-guerre à une vente aux enchères publiques.