Le Sacre du Printemps

Le Sacre du printemps, le titre français Le Sacre du printemps ( de Russie : «Весна священная», Vesna svyashchennaya) est un ballet et le travail de concert d'orchestre par le compositeur russe Igor Stravinsky . Il a été écrit pour la saison de Paris 1913 Sergei Diaghilev Ballets Russes entreprise, avec une chorégraphie de Vaslav Nijinski et des scénographies et des costumes par Nicholas Roerich. Lorsque le ballet a été réalisée, à la Théâtre des Champs-Élysées le 29 mai 1913, le avant-gardiste de la musique et la chorégraphie a provoqué une quasi-émeute dans le public. Bien que conçu comme un travail pour la scène, avec des passages spécifiques accompagnant personnages et l'action, la musique atteint succès grandissant comme un morceau de concert et plus tard a été reconnu comme l'une des œuvres musicales les plus influents du 20e siècle. Il est largement réalisée dans la salle de concert, et est fréquemment relancé sur la scène.

Stravinsky était un jeune, compositeur pratiquement inconnu quand Diaghilev a recruté pour créer des œuvres pour les Ballets russes. Le Rite est le troisième projet de ce type, après l'acclamé L'Oiseau de feu (1910) et Petrouchka (1911). Le concept derrière Le Rite, développé par Roerich du synopsis l'idée de Stravinsky, est suggéré par son sous-titre, "Images de la Russie païenne en deux parties»; dans le scénario, après divers rituels primitifs célébrant l'arrivée du printemps, une jeune fille est choisie comme victime sacrificielle et se danse à la mort. Après un accueil critique mitigé pour sa course original et d'une courte visite à Londres, le ballet était non exécutée jusqu'à ce que les années 1920, quand une version chorégraphiée par Léonide Massine remplacé l'original de Nijinsky. Massine était le précurseur de nombreuses productions innovantes dirigées par les plus grands maîtres de ballet du monde, qui a gagné le travail d'acceptation dans le monde entier. Dans les années 1980, une chorégraphie originale de Nijinsky, longtemps cru perdu, a été reconstruit par le Joffrey Ballet à Los Angeles.

La partition de Stravinsky contient de nombreuses fonctionnalités qui étaient nouvelles pour l'époque, y compris les expériences tonalité, mètre, le rythme, stress et dissonance. Les analystes ont noté dans la partition une base importante dans la musique folklorique russe, une relation qui Stravinsky avait tendance à nier. La musique a influencé de nombreux grands compositeurs du 20e siècle et est l'une des œuvres les plus enregistrés dans le répertoire classique.

Fond

Stravinsky, dessiné par Picasso

Igor Stravinsky était le fils de Fyodor Stravinsky, le principal contrebasse au Opéra impérial de Saint-Pétersbourg , et Anna, née Kholodovskaya, un chanteur amateur compétente et pianiste d'une vieille famille russe établi. L'association de Fyodor avec la plupart des grandes figures de la musique russe, y compris Rimsky-Korsakov , Borodine et Mussorgsky, signifiait que Igor a grandi dans une maison intensément musicale. En 1901, Stravinsky a commencé à étudier le droit à Université de Saint-Pétersbourg, tout en prenant des leçons privées en harmonie et contrepoint. Ayant impressionné Rimsky-Korsakov avec certains de ses efforts de composition début, Stravinsky a travaillé sous la direction du compositeur plus. Au moment de la mort de son mentor en 1908 Stravinsky avait produit plusieurs ouvrages, parmi eux un Sonate pour piano en fa dièse mineur (1903-1904), un Symphonie en mi bémol majeur (1907), dont il catalogué comme "Opus 1", et en 1908 une courte pièce orchestrale, Feu d'artifice ("Fireworks").

En 1909, Feu d'artifice a été réalisée lors d'un concert à Saint-Pétersbourg. Parmi ceux dans le public était l'impresario Sergei Diaghilev, qui à cette époque avait l'intention d'introduire la musique russe et de l'art à des publics occidentaux. Comme Stravinsky, Diaghilev avait initialement étudié le droit, mais avait gravitaient via le journalisme dans le monde du théâtre. En 1907, il a commencé sa carrière théâtrale en présentant cinq concerts à Paris; l'année suivante, il a présenté l'opéra de Moussorgski Boris Godounov. En 1909, toujours à Paris, il a lancé le Ballets Russes, d'abord avec Borodine Danses polovtsiennes de Prince Igor et Rimsky-Korsakov Schéhérazade. Pour présenter ces œuvres Diaghilev recruté le chorégraphe Michel Fokine, le concepteur Léon Bakst et la danseuse Vaslav Nijinsky. L'intention de Diaghilev, cependant, était de produire de nouvelles œuvres dans un style typiquement 20ème siècle, et il a été la recherche de talents de composition fraîche. Ayant entendu Feu d'artifice qu'il approchait Stravinsky, d'abord avec une demande d'aide dans l'orchestration de la musique de Chopin pour créer le ballet Les Sylphides. Stravinsky a travaillé sur l'ouverture "Nocturne" et la fermeture "Valse Brillante"; sa récompense était une bien plus grande commission, pour écrire la musique d'un nouveau ballet, L'Oiseau de feu (L'oiseau de feu) pour la saison 1910.

Stravinsky a travaillé tout l'hiver de 1909-1910, en étroite association avec Fokine chorégraphie qui a été L'Oiseau de feu. Pendant cette période Stravinsky fait la connaissance de Nijinsky qui, bien que pas danser dans le ballet, était un fin observateur de son développement. Stravinsky était peu flatteur lors de l'enregistrement de ses premières impressions de la danseuse, observant qu'il semblait immature et gauche pour son âge (il avait 21 ans). D'autre part Stravinsky trouvé Diaghilev une source d'inspiration, "l'essence même d'une grande personnalité". L'Oiseau de feu a été créée le 25 Juin 1910 avec Tamara Karsavina dans le rôle principal, et fut un grand succès public. Cela a permis que la collaboration Diaghilev-Stravinsky continuerait, en premier lieu avec Petrouchka (1911), puis Le Sacre du Printemps.

Synopsis et la structure

Stravinsky a décrit Le Sacre du printemps comme "une œuvre musicale-chorégraphique, [représentant] la Russie païenne ... unifié par une seule idée: le mystère et la grande vague de la puissance créatrice du Printemps". Le travail n'a pas de parcelle ou narrative spécifique, mais doit être considérée comme une succession d'épisodes chorégraphiques.

Les titres français de pièces et mouvements sont donnés dans la forme établie en 1913. Il ya eu de nombreuses variantes de la traduction en anglais; ceux représentés sont de l'édition 1967 de la partition.

Création

Conception

Sergei Diaghilev, directeur des Ballets Russes de 1909 à 1929, peint par Léon Bakst

Stravinsky a donné des versions contradictoires de la genèse du Sacre. Dans un article de 1920, il avait souligné que les idées musicales étaient venus d'abord, que le réglage païen avait été suggérée par la musique plutôt que l'inverse. Cependant, dans son autobiographie, il décrit 1936 l'origine de l'œuvre ainsi: "Un jour [en 1910], quand je terminais les dernières pages de L'Oiseau de Feu à Saint-Pétersbourg, je ai eu une vision éphémère ... Je ai vu dans mon imagination un païen de rite solennel:.. anciens sages, assis en cercle, en regardant une jeune fille se dansent à mort Ils la sacrifier pour apaiser le dieu du printemps Tel était le thème de la Sacre du Printemps ". En 1969, Stravinsky a produit un autre compte de l'évolution du Sacre, dans laquelle il a reconnu sa tôt "mémoire défectueuse". En 1907 et 1908 Stravinsky mis en musique deux poèmes de Gorodetsky. Un troisième poème dans la même anthologie concerne le choix d'une jeune fille par un vieux sorcier d'être sacrifié à Yarila, dieu du printemps.

En tout cas, en mai 1910 Stravinsky a discuté de l'idée avec Nicholas Roerich, le plus grand expert russe sur l'art populaire et rituels anciens. Roerich avait la réputation d'un artiste et mystique, et avait fourni les scénographies pour 1909 la production de Diaghilev des Danses polovtsiennes. La paire a rapidement accepté sur un titre de travail, "le grand sacrifice" (en russe: Velikaia zhertva); Diaghilev a donné sa bénédiction au travail, même si la collaboration a été mis en attente pour une année, tandis que Stravinsky a été occupé avec sa deuxième commande importante pour Diaghilev, le ballet Petrouchka.

En Juillet 1911 Stravinsky visité Talashkino, près de Smolensk, où Roerich séjournait avec le Maria Tenicheva, un mécène noté des arts et un sponsor du magazine de Diaghilev World of Art. Ici, sur plusieurs jours, Stravinsky et Roerich finalisé la structure du ballet. Thomas F. Kelly, dans son histoire de la première Rite, suggère que les deux parties païenne scénario qui a émergé a été principalement conçu par Roerich. Stravinsky a expliqué plus tard à Nikolai Findeyzen, l'éditeur de la Gazette musicale de Russie, que la première partie du travail serait appelé "Le Baiser de la Terre", et serait composé de jeux et de danses rituelles interrompues par une procession de sages, culminant dans une danse frénétique que les gens ont adopté le printemps. La deuxième partie, "Le Sacrifice", aurait un aspect plus sombre; jeux de nuit secrètes de jeunes filles, menant au choix d'un sacrifice et sa danse éventuelle à la mort avant que les sages. Le titre de travail initial a été changé pour «Saint Printemps" (en russe: Vesna sviashchennaia), mais le travail est devenu généralement connu par le rendu français Le Sacre du Printemps, avec le sous-titre «Tableaux de la Russie païenne en Deux partis», ou son anglais équivalente Le Sacre du printemps, avec les sous-titre "Photos de la Russie païenne en deux parties".

Composition

Clarens, en Suisse (photo moderne), où la plupart des Le Sacre du printemps a été composée

Les carnets de Stravinsky montrent que après son retour à son domicile à Ustilug en Ukraine en Septembre 1911, il a travaillé sur deux mouvements, les «augures du printemps" et le "Printemps Rounds". En Octobre il a quitté pour Ustilug Clarens en Suisse, où, dans un minuscule et peu meublé salle de huit pieds carrés, avec seulement un piano, une table et deux chaises-il a travaillé tout au long de l'hiver 1911-1912 sur le score. En Mars 1912, selon la chronologie de carnet de croquis, Stravinsky avait rempli la partie I et a rédigé une grande partie de la partie II. Il a également préparé une version pour piano à deux mains, par la suite perdu, qu'il a peut-être utilisé pour démontrer le travail à Diaghilev et les Ballets Russes conducteur Pierre Monteux en Avril 1912. Il a également fait un arrangement pour piano à quatre mains, qui est devenue la première version publiée du Sacre; lui et le compositeur Claude Debussy joué la première moitié de cette ensemble, en Juin 1912.

Suite à la décision de Diaghilev à retarder la première jusqu'en 1913, Stravinsky Le Sacre mis de côté durant l'été 1912. Il a connu la saison de Paris, et accompagné à l'Diaghilev Festival de Bayreuth pour assister à une performance de Parsifal. Stravinsky a repris son travail sur Le Sacre à l'automne; les carnets indiquent qu'il avait terminé le contour de la danse sacrificielle finale le 17 Novembre 1912. Au cours des mois restants de l'hiver, il a travaillé sur la partition d'orchestre, qu'il a signé et daté "achevées en Clarens 8 Mars 1913". Collaborer à Clarens à l'époque avec Maurice Ravel sur une adaptation de Moussorgski Khovanshchina, il a montré le manuscrit à Ravel, qui était très enthousiaste à ce sujet et prédit dans une lettre à un ami que la première performance du Sacré serait aussi importante que la première de Debussy Pelléas et Mélisande. Après les répétitions d'orchestre a commencé à la fin de Mars, Monteux a attiré l'attention du compositeur à plusieurs passages qui étaient à l'origine des problèmes: cornes inaudibles, un solo de flûte noyé par cuivres et les cordes, et de multiples problèmes avec l'équilibre entre les instruments dans la section de cuivres cours épisodes fortissimo. Stravinsky a modifié ces passages, et aussi tard que Avril était encore en train de réviser et de réécrire les dernières mesures de la «Danse sacrificiel". Révision de la note n'a pas pris fin avec la version préparée pour la première 1913; plutôt, Stravinsky a continué à faire des changements pour les 30 prochaines années ou plus. Selon Van den Toorn, «[n] o autres travaux de Stravinsky a subi une telle série de révisions post-Première".

Stravinsky a reconnu que l'ouverture basson la mélodie de l'œuvre a été dérivée d'une anthologie de chansons folkloriques lituaniennes, mais a maintenu que ce était son seul emprunt de ces sources; si d'autres éléments sonnait comme la musique folklorique autochtone, dit-il, ce était dû à "un peu de mémoire inconsciente 'Folk'". Cependant, le savant Stravinsky Lawrence Morton a identifié plusieurs autres mélodies dans la Partie I comme ayant leurs origines dans la collection lituanienne. Plus récemment Richard Taruskin a découvert la transposition dans le travail de l'un des "Cent russes nationales Songs" de Rimski-Korsakov. Taruskin note le paradoxe que Le Sacre, généralement reconnu le plus révolutionnaire des premières œuvres du compositeur, est en fait enracinée dans les traditions de la musique russe.

Réalisation

Nijinsky en 1911, représenté par John Singer Sargent en costume pour son rôle dans Le ballet de Nicolas Tcherepnine Le Pavillon d'Armide.

Taruskin a énuméré un certain nombre de sources qui Roerich consulté lors de la création de ses modèles. Parmi celles-ci La Chronique primaire, un recueil du 12ème siècle des coutumes païennes début, et L'étude de Alexander Afanasyev du folklore paysan et de la préhistoire païenne. La collection de la princesse Tenisheva de costumes a été une source d'inspiration début. Lorsque les dessins étaient complets, Stravinsky a exprimé sa joie et les a déclarés "un vrai miracle".

La relation de Stravinsky avec son autre principal collaborateur, Nijinsky, était plus compliquée. Diaghilev avait décidé que le génie de Nijinsky en tant que danseuse se traduirait par le rôle de maître de ballet; il ne était pas dissuadé lors de la première tentative de Nijinsky à la chorégraphie, de Debussy L'après-midi d'un faune, a provoqué la controverse et la quasi-scandale en raison des nouveaux mouvements stylisés de la danseuse et son geste ouvertement sexuel à la fin de l'œuvre. Il ressort de la correspondance contemporain qui, au moins initialement, Stravinsky vu les talents de Nijinski en tant que chorégraphe avec l'approbation; une lettre qu'il a envoyée à Findeyzen loue «zèle passionné et complète l'effacement de soi" de la danseuse. Cependant, dans ses mémoires 1936 Stravinsky écrit que la décision d'employer Nijinsky dans ce rôle lui a rempli avec appréhension; bien qu'il admirait tant que danseur Nijinsky il ne avait pas confiance en lui en tant que chorégraphe: "... le pauvre garçon ne savait rien de la musique, il ne pouvait ni lire, ni jouer d'un instrument.". Plus tard encore, Stravinsky serait ridiculiser les jeunes filles de danse de Nijinski comme «cagneux et tressé long Lolitas". Stephen Walsh, analyste Stravinsky leader, a suggéré que le désaveu tardive de la chorégraphie de Nijinsky, avec le refus des influences de musique folklorique, faisait partie d'une tentative par le compositeur, alors en exil, à minimiser racines et influences russes de la musique.

Récit autobiographique de Stravinsky se réfère à de nombreux «incidents douloureux» entre le maître de ballet et les danseurs au cours de la période de répétition. Au début de 1913, lorsque Nijinsky était mal en retard, Stravinsky a été averti par Diaghilev que «si vous venez ici immédiatement ... le Sacré ne aura pas lieu". Les problèmes ont été surmontés lentement, et quand les dernières répétitions sont tenues en mai 1913, les danseurs semblent avoir maîtrisé les difficultés du travail. Même metteur en scène sceptiques des Ballets russes, Serge Grigoriev, était plein d'éloges pour l'originalité et le dynamisme de la chorégraphie de Nijinsky.

Le chef d'orchestre Pierre Monteux avait travaillé avec Diaghilev depuis 1911, et a été en charge de l'orchestre à la première de Petrouchka. La première réaction de Monteux le rite, après avoir entendu Stravinsky jouer une version de piano, était de quitter la salle et trouver un coin tranquille. Bien qu'il serait exercer ses fonctions avec professionnalisme consciencieux, il ne est jamais venu à aimer le travail; près de cinquante ans après la première, il a dit enquêteurs qu'il détestait. Le 30 Mars Monteux Stravinsky informé des modifications qu'il pensait étaient nécessaires, et peut-être seulement reçu le score final achevé vers la fin de Avril 1913. L'orchestre, provenant principalement de la Concerts Colonne à Paris, contenait 99 joueurs. La première partie du ballet a reçu deux répétitions d'orchestre complets en Mars, avant Monteux et l'entreprise a quitté pour effectuer à Monte-Carlo. Répétitions repris quand ils sont revenus, Stravinsky ne arrivant à Paris le 13 mai, de sorte que le nombre anormalement élevé de répétitions, dix-sept ans uniquement orchestre et cinq avec les danseurs, a dû être monté dans la quinzaine avant l'ouverture, tandis que des spectacles et des répétitions de autres musiques continué.

La musique contenait tellement de combinaisons de notes inhabituelles qui Monteux a dû demander aux musiciens de cesser d'interrompre quand ils pensaient qu'ils avaient trouvé des erreurs dans la partition, disant qu'il allait leur dire si quelque chose a été mal joué. "Les musiciens pensaient absolument fou» ;. À un moment donné, en laiton culminant fortissimo, l'orchestre se est séparé en rire nerveux au son, provoquant Stravinsky à intervenir en colère.

Le rôle de la victime sacrificielle devait être dansé par la sœur de Nijinski, Bronislava Nijinska; quand elle est tombée enceinte pendant les répétitions, elle a été remplacée par l'alors relativement inconnu Maria Piltz.

Historique des performances et de la réception

Première

Le New York Times rapporte la première Rite sensationnel, neuf jours après l'événement

Paris de Théâtre des Champs-Élysées est une nouvelle structure, qui avait ouvert le 2 Avril 1913, un programme célébrant les œuvres de la plupart des grands compositeurs de la journée. Le gestionnaire du théâtre, Gabriel Astruc, était déterminé à abriter le Ballets Russes saison 1913, et payé Diaghilev la grande somme de 25 000 francs par représentation, le double de ce qu'il avait payé l'année précédente. La vente des billets pour la soirée, les prix des billets étant doublé pour une première, se élèvent à 35 000 francs. Le programme pour le 29 mai 1913 comprenait également Les Sylphides, Weber Le Spectre de la rose et Danses polovtsiennes de Borodine.

À l'époque, un public de ballet typiquement parisien se composait de deux différents groupes: l'ensemble riche et à la mode, qui seraient attendais à voir un spectacle traditionnel avec de la belle musique, et un Groupe "Bohemian" qui, le poète-philosophe Jean Cocteau a affirmé, serait "acclamé, bon ou mauvais, tout ce qui est nouveau en raison de leur haine des boîtes". Les dernières répétitions ont eu lieu la veille de la première, en présence de membres de la presse et des invités variés. Selon Stravinsky tout allait pacifiquement. Cependant, le porte-parole de L'Écho de Paris, Adolphe Boschot, prévoyait ennuis possibles; il se demandait comment le public recevrait le travail, et a suggéré qu'ils pourraient mal réagir se ils pensaient qu'ils étaient moquaient.

Dans la soirée du 29 mai, le théâtre était plein à craquer: Gustav Linor rapporté, "Jamais ... a été la salle si pleine, ou si resplendissante; les escaliers et les couloirs étaient bondés de spectateurs désireux de voir et d'entendre". La soirée a débuté avec Les Sylphides, dans lequel Nijinsky et Karsavina dansé les rôles principaux Le Rite suivi. il ya un accord général entre les témoins oculaires et les commentateurs que les perturbations dans le public a commencé lors de l'introduction, et a grandi dans un crescendo lorsque le rideau se leva sur les danseurs de timbrage "Augures de printemps". Marie Rambert, qui travaillait comme assistant de Nijinsky, a rappelé plus tard que ce était bientôt impossible d'entendre la musique sur la scène. Dans son récit autobiographique, Stravinsky écrit que le rire moqueur qui a salué les premières mesures de l'introduction le dégoûtait, et qu'il a quitté la salle à regarder le reste de la performance des coulisses de la scène («Je ne ai plus jamais été que colère") . Les manifestations, dit-il, a grandi dans «un vacarme terrible» qui, avec les bruits sur scène, noyé la voix de Nijinsky qui criait les numéros d'étape aux danseurs. Le journaliste et photographe Carl Van Vechten enregistré que la personne derrière lui se est laissé emporter par l'excitation, et «se mit à battre rythmiquement sur le dessus de ma tête", bien que Van Vechten n'a pas remarqué cela d'abord, sa propre émotion étant si grand.

Danseurs en costumes originaux de Nicholas Roerich. De gauche à droite, Julitska, Marie Rambert, Jejerska, Boni, Boniecka, Fidèle

Monteux croit que les ennuis ont commencé lorsque les deux factions dans le public ont commencé à attaquer l'autre, mais leur colère mutuelle a été rapidement détournée vers l'orchestre: «Tout a été jeté disponibles dans notre direction, mais nous avons continué à jouer". Une quarantaine des pires contrevenants ont été éjectés, soit par la police ou par la direction. Grâce à toutes les perturbations de la performance a continué sans interruption. Les choses ont progressé nettement plus silencieux lors de la partie II, et par quelques comptes rendu d'Maria Piltz de la finale de "Danse sacrificiel» a été regardé en silence raisonnable. A la fin il y avait plusieurs rappels pour les danseurs, pour Monteux et l'orchestre, et Stravinsky et Nijinsky avant continué le programme de la soirée.

Parmi les revues de presse plus hostiles était celle de Critique de l 'Le Figaro, Henri Quittard, qui a appelé le travail "une barbarie laborieux et puérile» et a ajouté «Nous sommes désolés de voir un artiste comme M. Stravinsky se impliquer dans cette aventure déconcertante". D'autre part Gustav Linor, écrivant dans le premier magazine de théâtre Comoedia, pensait que la performance était superbe, surtout celle de Maria Piltz; les perturbations, tandis que déplorable, ne étaient que "un débat Rowdy" entre deux factions mal élevés. Emile Raudin, de Les Marges, qui avait à peine entendu parler de la musique, a écrit: «Ne pourrions-nous demander à M. Astruc ... de mettre de côté un spectacle pour les spectateurs bien intentionnés ... Nous pourrions au moins proposer à expulser le? élément femelle ". Le compositeur Alfredo Casella pensait que les manifestations visaient à la chorégraphie de Nijinsky plutôt qu'à la musique, un point de vue partagé par la critique Michel-Dimitri Calvocoressi, qui a écrit: «L'idée était excellente, mais n'a pas été réalisée avec succès". Calvocoressi n'a pas respecté aucune hostilité direct à la différence de compositeur, dit-il, la première de Debussy Pelléas et Mélisande en 1902. Parmi les rapports ultérieurs que le compositeur vétéran Camille Saint-Saëns avait claqué la porte de la première, Stravinsky a observé que ce était impossible; Saint-Saëns n'a pas assisté. Stravinsky a également rejeté l'histoire de Cocteau que, après la représentation, Stravinsky, Nijinsky, Diaghilev et Cocteau lui-même a pris un taxi pour l' Bois de Boulogne où Diaghilev larmes récité des poèmes de Pouchkine . Stravinsky rappellera simplement un dîner de célébration avec Diaghilev et Nijinski, à laquelle l'impresario a exprimé toute sa satisfaction quant au résultat. Pour Maximilien Steinberg, un ancien condisciple dans Rimsky-Korsakov, Stravinsky a écrit que la chorégraphie de Nijinsky avait été «incomparable: à l'exception de quelques endroits, tout était comme je le voulais".

Course initiale et Joffrey renaissance

Après la première, il y avait cinq autres représentations de The Rite à Paris, la dernière le 13 Juin. Bien que ces occasions étaient relativement pacifique, quelque chose de l'ambiance de la première nuit resté; le compositeur Puccini, qui a assisté à la deuxième représentation le 2 Juin, a décrit la chorégraphie ridicule et l'cacophonous- de musique "de l'œuvre d'un fou, le public siffla, rit -. Et a applaudi". Stravinsky, confiné à son lit par la fièvre typhoïde, n'a pas rejoint la société quand il est allé à Londres pour quatre représentations au Théâtre Royal, Drury Lane . Examen de la production de Londres, La critique du Times a été impressionné comment les différents éléments du travail se sont réunis pour former un ensemble cohérent, mais était moins enthousiaste au sujet de la musique elle-même, opinant que Stravinsky avait entièrement sacrifiée mélodie et l'harmonie pour le rythme: «Si M. Stravinsky avait voulu être vraiment primitive, il aurait été sage de marquer son ballet ... pour rien, mais la batterie ". L'historien de ballet Cyril Beaumont a commenté sur les "mouvements lents et grossiers» des danseurs, trouver ces "en opposition complète avec les traditions du ballet classique".

Après les performances de Londres et de Paris, les événements ont conspiré pour empêcher de nouvelles mises en scène. La chorégraphie de Nijinsky, qui Kelly décrit comme «si frappant, si scandaleux, si frêle à sa préservation", ne semble pas encore jusqu'à ce que des tentatives ont été faites pour le reconstruire dans les années 1980. Le 19 Septembre 1913 Nijinsky marié Romola de Pulszky tandis que le Ballets Russes était en tournée sans Diaghilev en Amérique du Sud. Lorsque Diaghilev a découvert qu'il était désemparé et furieux que son amant était marié, et a rejeté Nijinsky. Diaghilev a ensuite été obligé de réembaucher Fokine, qui avait démissionné en 1912 parce Nijinsky avait demandé de chorégraphier Faune. Fokine a fait une condition de son réemploi qu'aucun de la chorégraphie de Nijinsky serait effectuée. Dans une lettre à la critique d'art et historien Alexandre Benois, Stravinsky a écrit: «[L] a possibilité a disparu pendant un certain temps de voir quelque chose de précieux dans le domaine de la danse et, plus important encore, de revoir cette progéniture de mine».

Le déclenchement de la Première Guerre mondiale en Août 1914 a perturbé le circuit des tournées établie, qui comprenait pays désormais sur des côtés opposés, et a causé un certain nombre de danseurs, dont Fokine, pour revenir à leurs propres pays. Diaghilev se réconcilia avec ré-enclenchement de Nijinsky à la fois comme danseuse et chorégraphe, mais Nijinsky avait été placé en résidence surveillée en Hongrie comme un ennemi citoyen russe. Sa libération a été obtenue par Diaghilev dans un échange de prisonniers avec les États-Unis en 1916, pour une visite là-bas, mais sa santé mentale a baissé régulièrement et il n'a pris aucune autre partie dans le ballet professionnel après 1917. En 1920, lorsque Diaghilev décidé de faire revivre Le Rite , il a constaté que personne ne se souvenait maintenant la chorégraphie.

Le 30 Septembre 1987, le Joffrey Ballet à Los Angeles effectuée Le Rite basée sur une reconstruction de 1913 chorégraphie de Nijinsky, jusque-là la pensée perdue sans retour. La performance résulte de plusieurs années de recherche, principalement par Millicent Hodson, qui reconstitué la chorégraphie ainsi que des livres originaux rapides, des croquis et des photographies contemporaines, et les souvenirs de Marie Rambert et d'autres survivants. La version de Hodson a depuis lors été réalisée par le Kirov Ballet, à la Théâtre Mariinsky en 2003 et plus tard cette année à Covent Garden. Le Ballet Joffrey prévoit une performance commémorative en Mars 2013, Austin, Texas, pour marquer le centenaire de l'œuvre.

Le Rite avec d'autres chorégraphies

Léonide Massine, qui a chorégraphié la renaissance 1920

Stravinsky a passé la plupart des années de guerre en Suisse, et est devenu un exil permanent de son pays après la 1917 Révolution russe . Lorsque la guerre prit fin, il a repris son partenariat avec Diaghilev. En Décembre 1920 Ernest Ansermet a mené une nouvelle production à Paris, chorégraphié par Léonide Massine, avec le Nicholas Roerich conceptions retenu; le danseur principal était Lydia Sokolova. Dans ses mémoires, Stravinsky est équivoque à propos de la production Massine; le jeune maître de ballet, écrit-il, a montré "talent incontestable", mais il y avait quelque chose de "forcée et artificielle» dans sa chorégraphie, qui ne avait pas la relation organique nécessaire avec la musique. Sokolova, dans son compte plus tard, a rappelé certaines des tensions qui entourent la production, avec Stravinsky, "porter une expression qui aurait effrayé une centaine élu Vierges, pranc [ant] et dans l'allée centrale», tandis que Ansermet répété l'orchestre.

Le ballet a été présentée pour la première aux États-Unis le 11 Avril 1930, lorsque 1920 version Massine a été réalisée par le Orchestre de Philadelphie à Philadelphie sous Leopold Stokowski, avec Martha Graham danser le rôle de l'Élu. La production a déménagé à New York, où Massine a été soulagé de trouver les auditoires réceptifs, un signe, pensait-il, que les New Yorkais ont finalement commencent à prendre au sérieux le ballet. La première production de conception américaine, en 1937, était celle de la Moderne exposant de danse Lester Horton, dont la version remplacé le réglage de Russie païenne d'origine avec un Wild West arrière-plan et l'utilisation de Danses amérindiennes.

Le Théâtre du Bolchoï à Moscou, où la production 1965 du Sacre a été décrit par un critique comme «la propagande soviétique à son meilleur"

En 1944 Massine a commencé une nouvelle collaboration avec Roerich, qui, avant sa mort en 1947 a réalisé un certain nombre de croquis pour une nouvelle production qui Massine mené à terme au La Scala de Milan en 1948. Ce annoncé un certain nombre de productions européennes significatives d'après-guerre. Mary Wigman à Berlin (1957) suivie Horton pour mettre en évidence les aspects érotiques de sacrifice vierge, comme l'a fait Maurice Béjart à Bruxelles (1959). Représentation de Béjart remplacé le sacrifice culminant avec une représentation de ce que le critique Robert Johnson décrit comme «le coït cérémonie". Le 1962 la production de Royal Ballet, chorégraphié par Kenneth MacMillan et conçu par Sidney Nolan, a été créée le 3 mai et a été un triomphe critique. Il est resté dans le répertoire de l'entreprise depuis plus de 50 ans; après sa reprise de mai 2011, le Daily Telegraph 'critique Mark Monahan a appelé une des plus grandes réalisations de la Royal Ballet. Moscou a d'abord vu le Sacre en 1965, dans une version chorégraphiée pour le Ballet Bolchoï par Natalia et Kasatkina Vladimir Vasiliev. Cette production a été montré dans Leningrad quatre ans plus tard, à la Maly Théâtre de l'Opéra, et a introduit un scénario qui a fourni le Chosen One avec un amant qui sème la vengeance sur les aînés après le sacrifice. Johnson décrit la production comme «un produit de l'athéisme d'État ... la propagande soviétique à son meilleur".

En 1975, Pina Bausch, qui avait pris au cours de la Wuppertal compagnie de ballet, a fait sensation dans le monde du ballet avec sa représentation Stark, joué sur un stade recouvert de terre, dans lequel le Chosen One est sacrifiée pour satisfaire la misogynie des hommes environnantes. A la fin, selon l 'The Guardian Luke Jennings, "le casting est la sueur strié, sale et haletant audible". En Amérique, en 1980, Paul Taylor a utilisé la version pour piano à quatre mains de Stravinsky du score comme arrière-plan pour un scénario basé sur le meurtre de l'enfant et de films de gangster images.En Février 1984 Martha Graham, dans sa 90e année, a repris son association avecLe Sacrede chorégraphier une nouvelle production à de New YorkState Theatre. Le New York Timescritique la performance déclarée "un triomphe ... totalement élémentaire, primale de l'expression de émotion de base que toute cérémonie tribale, comme envoûtante mis en scène dans son pessimisme délibérée car il est riche en implication ".

Les éditeurs de musique Boosey and Hawkes ont estimé que depuis sa création, le ballet a fait l'objet d'au moins 150 productions, dont beaucoup sont devenus des classiques et ont été réalisées dans le monde entier. Parmi les interprétations les plus radicales est la version de Glen Tetley 1974, dans laquelle le Chosen One est un jeune mâle. Plus récemment, il ya eu une version solo de danse conçu par Javier de Frutos, une interprétation de punk rock de Michael Clark, et Rites (2008), par The Australian Ballet en conjonction avec Bangarra Dance Theatre, qui représente les perceptions autochtones des éléments de la terre, air, le feu et l'eau.

Des concerts

Les commentateurs ont largement convenu que, à la suite de réceptions enthousiastes des concerts à Moscou, Paris, Londres et Philadelphie, le travail a eu un impact plus grand dans la salle de concert que sur la scène. Beaucoup de révisions de Stravinsky à la musique ont été avec la salle de concert plutôt que le théâtre à l'esprit.

Le 18 Février 1914 Le Rite a reçu sa première version de concert (la musique sans le ballet), à Saint-Pétersbourg dans Serge Koussevitzky. le 5 Avril de cette année, Stravinsky a connu lui-même le succès populaire de The Rite comme une œuvre de concert, au Casino de Paris. Après le spectacle, à nouveau sous Monteux, le compositeur a été porté en triomphe de la salle sur les épaules de ses admirateurs. Le Rite a eu sa première représentation en concert Colombie le 7 Juin 1921, à la salle de la reine à Londres sous Eugene Goossens. Sa première américaine a eu lieu le 3 Mars 1922, quand Leopold Stokowski inclus dans un programme de l'Orchestre de Philadelphie. Goossens a également été responsable de l'introduction Le Rite en Australie en 1946, comme chef d'orchestre invité de l' Orchestre symphonique de Sydney.

Stravinsky abord dirigé les travaux en 1926, dans un concert donné par le Concertgebouw Orchestra d'Amsterdam; deux ans plus tard il a apporté à la Salle Pleyel à Paris pour deux représentations en vertu de son bâton. Parmi ces occasions plus tard, il a écrit que «grâce à l'expérience que je l'avais gagné avec toutes sortes d'orchestres ... Je avaient atteint un point où je pourrais obtenir exactement ce que je voulais, comme je le voulais". Le travail est devenu un aliment de base dans les répertoires de tous les grands orchestres, et a été cité par Leonard Bernstein comme «la pièce la plus importante de la musique du 20e siècle".

(88 puis vieilli) En 1963, 50 ans après la première, Monteux ont convenu de procéder à un spectacle commémoratif à Londres Royal Albert Hall. Selon Isaiah Berlin, un ami proche du compositeur, Stravinsky a informé qu'il n'a pas l'intention d'entendre sa musique étant "assassiné par ce boucherie affreuse ". Au lieu de cela il a organisé des billets pour la performance de ce soir particulier de Mozart l 'opéra Le Mariage de Figaro , au Covent Garden. Sous la pression de ses amis, Stravinsky a été persuadé de quitter l'opéra après le premier acte. Il est arrivé à l'Albert Hall tout comme la performance de Le Rite finissait; compositeur et chef d'orchestre partagé une étreinte chaleureuse en face de l'ignorent, public acclamant sauvagement. Le biographe de Monteux John Canarina fournit un angle différent, à cette occasion, l'enregistrement que par la fin de la soirée Stravinsky avait affirmé que "Monteux, presque seul parmi les conducteurs, ne déprécie Rite ou regardé pour sa propre gloire en elle, et il a continué à jouer toute sa vie avec la plus grande fidélité ».

Musique

Caractère général et de l'instrumentation

Couverture de 1913 à quatre mains réduction pour piano deLe Sacre du printemps, la première version publiée du travail

Les commentateurs ont souvent décrit Le Rite ' la musique de en termes vifs; Paul Rosenfeld, en 1920, a écrit de lui «livre [ant] avec le rythme des moteurs, des tourbillons et des spirales comme les vis et les volants, broie et cris comme travaillant le métal". Dans une analyse plus récente, The New York Times critique Donal Henahan se réfère à «grand craquement, hargneux accords des cuivres et tonitruant thumps de la timbale". Le compositeur Julius Harrison reconnu négativement l'unicité de l'œuvre: il a démontré "l'horreur de Stravinsky de tout pour dont la musique a résisté à ces nombreux siècles ... tout effort humain et le progrès sont balayés pour faire place à des sons hideux ... "

Dans L'Oiseau de feu , Stravinsky avait commencé à expérimenter avec bitonalité (l'utilisation de deux clés différentes simultanément). Il a pris cette technique plus loin dans Petrouchka , mais a réservé sa pleine vigueur pour Le Rite où, comme l'analyste EW Blanc explique, il «poussé [it] à sa conclusion logique". Blanc observe aussi le caractère métrique complexe de la musique, avec des combinaisons de binaire et ternaire dans lequel un battement irrégulier forte est accentuée par la percussion puissant. Le critique musical Alex Ross a décrit le processus par lequel Stravinsky irrégulière adaptée et la matière absorbée traditionnel russe dans la partition. Il "procédé à leur pulvériser en bits motiviques, les empiler en couches, et les remonter dans des collages et des montages cubistes".

La durée des travaux est d'environ 35 minutes. Le score appelle à un piccolo , trois flûtes (doublement deuxième tiers piccolo), une flûte alto, quatre hautbois (quatrième doubler deuxième cor anglais), cor anglais, trois clarinettes en B ♭ et A (doublement deuxième tiers clarinette basse), piccolo clarinette E ♭ et D, on clarinette basse, quatre bassons (quatrième doublement deuxième contrebasson), un contrebasson; huit cornes (septième et huitième doublement ténor Wagner tubas), quatre trompettes en C, petite trompette en ré, trompette basse dans E ♭, trois trombones , deux basses tubas ; une section de percussion avec 5 timbales (nécessitant deux joueurs), grosse caisse, gong, triangle, tambourin, cymbales , cymbales antiques dans A et B ♭ ♭, Guiro; et cordes. Malgré le grand orchestre, une grande partie de la partition est écrite chambre-mode, avec des instruments individuels et les petits groupes ayant des rôles distincts.

Partie I: L'Adoration de la Terre

La mélodie est jouée par l'ouverture d'un basson solo dans un registre très élevé, ce qui rend l'instrument presque non identifiable; progressivement d'autres instruments à vent sont émis et sont finalement rejoints par des chaînes. Le son se fonde avant l'arrêt soudain, Colline dit, "tout comme il regorge extase dans bloom". Il ya donc une réitération du basson solo ouverture, joue désormais un demi-ton plus bas.

La première danse, «Augures de printemps", est caractérisée par une corde de marquage répétitif dans les cors et cordes, sur la base de E-plat superposée sur une triade de E, G-forte et B. White suggère que cette combinaison noir et blanc, qui Stravinsky considéré comme le point focal de l'œuvre entière, a été conçu sur le piano, depuis les accords constitutifs sont fits confortables pour les mains sur un clavier. Le rythme de l'estampage est perturbé par changement constant de Stravinsky de l' accent, sur et hors du temps, avant que la danse se termine par un effondrement, comme si d'épuisement. Le «Rituel de l'enlèvement" qui suit est décrit par Hill comme «le plus terrifiant de chasses musicales". Il conclut par une série de trilles de flûte que inaugurer le "Spring rounds", dans lequel un thème lent et laborieux augmente graduellement à un dissonante fortissimo, «caricature affreuse" du thème principal de l'épisode.

Cuivres et percussions dominent le «Rituel des tribus rivales» commence. Un air émerge sur ténor et basse tubas, leader après beaucoup de répétition à l'entrée de la procession du Sage. La musique vient alors à un arrêt virtuel, "blanchi de couleur libre" (Hill), que le Sage bénit la terre. La "danse de la Terre" commence alors, apportant la partie I à un proche dans une série de phrases de la plus grande vigueur qui sont brusquement mis fin à ce Colline décrit comme un "franc, l'amputation brutale".

Partie II: The Sacrifice

Sketches of Maria Piltz exécutant la danse sacrificielle

Partie II dispose d'une plus grande cohésion que son prédécesseur. Colline décrit la musique comme la suite d'un arc allant du début de l'Introduction à la conclusion de la dernière danse. Bois et trompettes bouchées sont proéminentes à travers l'introduction, qui se termine par un certain nombre de cadences croissantes sur les cordes et flûtes. La transition vers les «cercles mystiques" est presque imperceptible; le thème principal de la section a été préfigurée dans l'Introduction. Un accord répétée fort, ce qui Berger compare à un rappel à l'ordre, annonce le moment de choisir la victime sacrificielle. Le «Glorification de la Chosen One" est brève et violente; dans le "Evocation des Ancêtres» qui suit, de courtes phrases sont entrecoupées de roulements de tambour. Le "action rituelle des ancêtres" commence tranquillement, mais lentement construit une série de climax avant de diminuer à coup dans les phrases calmes qui ont commencé l'épisode.

La transition finale introduit le "sacrificiel Dance". Ceci est écrit comme un rituel plus disciplinés que la danse extravagante qui a fini la partie I, si elle contient certains moments sauvages, avec la grande section de percussion de l'orchestre donné pleine voix. Stravinsky a eu des difficultés avec le présent article, en particulier avec les dernières mesures qui concluent le travail. La fin abrupte déplut plusieurs critiques, dont l'un a écrit que la musique "tombe soudainement sur ​​le flanc". Stravinsky lui-même appelé à l'accord final avec mépris comme un «bruit», mais dans ses diverses tentatives pour modifier ou réécrire la section, a été incapable de produire une solution plus acceptable.

Influence et adaptations

Les trois pièces écrites pour Diaghilev à effectuer que des ballets, Le Sacre du printemps , Petrouchka et Le Firebird , sont devenus plus populaires que des pièces de concert que l'une des œuvres de Stravinsky destinés à être la musique non accompagnés. Le Rite a été décrit comme "le plus célèbre Composition du début du XXe siècle »; l'universitaire et critique Jan Smaczny, faisant écho à Bernstein, appelle une des compositions les plus influents du 20e siècle, en fournissant "une stimulation sans fin pour les artistes et les auditeurs". Selon Kelly la première 1913 pourrait être considéré comme «le plus important seul moment dans l'histoire de la musique du 20e siècle», et ses répercussions se font encore sentir dans le 21e siècle. Ross a décrit Le Rite comme une œuvre prophétique, présageant la "deuxième avant-gardiste" ère dans la composition de musique classique du corps plutôt que de l'esprit, dans lequel «[m] Elodies suivraient les modèles de la parole; rythmes correspondraient l'énergie de la danse ... sonorités aurait la dureté de la vie telle qu'elle est réellement vécu ".

Parmi compositeurs du 20ème siècle le plus influencé par Le Sacre de Stravinsky est presque contemporain, Edgard Varèse, qui avait assisté à la première 1913. Varèse, selon Ross, a été particulièrement attirée sur les «harmonies cruelles et stimulant rythmes» de Le Rite , qu'il employait à plein effet dans son travail de concert Amériques (1921), a marqué pour un orchestre massif avec des effets sonores ajoutés dont le rugissement d'un lion et une sirène des Lamentations. Aaron Copland, Stravinsky à qui était une inspiration particulière en jours de la anciens étudiants, considérés comme Le Sacre un chef-d'œuvre qui avait créé "la décennie de l'accent déplacées et la corde polytonal". Copland a adopté la technique de Stravinsky de composer dans les petites sections qu'il a ensuite mélangées et réarrangés, plutôt que de travailler du début à la fin. Ross cite la musique du ballet de Copland Billy the Kid comme venant directement de la section "Spring rounds" de Le Rite . Pour Olivier Messiaen Le Rite était d'une importance particulière; il a constamment analysé et exposé sur le travail, qui lui a donné un modèle durable pour l'entraînement rythmique et montage du matériel.

Après la première de l'écrivain Léon Vallas a estimé que Stravinsky avait écrit la musique 30 années en avance sur son temps, apte à être entendu en 1940. Par coïncidence, il était cette année-là que Walt Disney a publié Fantasia , un film d'animation basé sur la musique de Le Rite et d'autres compositions classiques. Le Rite segment du film dépeint la préhistoire de la Terre, ce qui conduit à l'extinction des dinosaures. Parmi ceux impressionné par le film était Gunther Schuller, plus tard, un compositeur, chef d'orchestre et jazz savant. Le Sacre du Printemps séquence, dit-il, l'accablait et déterminé sa future carrière dans la musique: «Je l'espère [Stravinsky] apprécié que des centaines, voire des milliers de musiciens étaient tournés sur Le Sacre du Printemps ... grâce à Fantasia, musiciens qui pourrait autrement jamais avoir entendu parler du travail, ou du moins pas avant de nombreuses années plus tard. " Dans la vie plus tard, Stravinsky selon dégoût pour l'adaptation, mais comme le remarque Ross, dit-il rien de critique à l'époque; selon Ross, le compositeur Paul Hindemith a observé que "Igor semble aimer".

Enregistrements

Avant les premiers enregistrements de disques de phonographe de Le Rite ont été émises en 1929, Stravinsky avait aidé à produire une version pianola du travail pour la Société Eoliennes. Il a également créé un arrangement beaucoup plus complète pour les Français société joueur de piano Pleyel, avec qui il a signé un contrat en 1923 en vertu de laquelle un grand nombre de ses premières œuvres ont été reproduites sur ce milieu. La version de Pleyel Le Sacre du printemps a été publié en 1921; la Colombie-Rex Lawson pianolist enregistré l'œuvre sous cette forme en 1990

En 1929, Stravinsky et Monteux rivalisaient d'effectuer le premier enregistrement de gramophone de Le Rite . Alors que Stravinsky a conduit l'Orchestre des Concerts Straram dans un enregistrement pour le label Columbia, dans le même temps Monteux a été l'enregistrement pour le label HMV. La version de Stokowski suivi en 1930. Stravinsky a fait deux autres enregistrements, en 1940 et 1960. Selon le critique Edward Greenfield, Stravinsky était pas techniquement un grand chef d'orchestre mais, Greenfield dit, dans l'enregistrement 1960 avec l' Orchestre symphonique de Britannique le compositeur inspiré une performance avec "poussée extraordinaire et la résilience». Dans les conversations avec Robert Craft, Stravinsky a examiné plusieurs enregistrements de The Rite fait dans les années 1960. De Herbert von Karajan de 1963 l'enregistrement avec le Philharmonique de Berlin, Stravinsky a commenté: "L'enregistrement est généralement bonne, la performance est ... trop poli, un sauvage des animaux de compagnie plutôt que d'une réelle". Pierre Boulez, avec l' Orchestre National de France (1963), était "moins bonne que je l'avais espéré ... très mauvaise tempi et quelques modifications de mauvais goût". Un enregistrement par The Moscow State Symphony Orchestra en 1962 a été complimenté pour rendre le son de la musique russe "qui est juste», mais le jugement de clôture de Stravinsky est qu'aucun de ces trois représentations est à préserver.

À partir de 2012, il ya bien plus de 100 enregistrements différents de Le Rite disponible dans le commerce, et beaucoup d'autres détenus dans les archives sonores bibliothèque. Il est devenu l'un des plus enregistrée de toutes les œuvres musicales du 20e siècle.

Editions

Le score de 1913 autographe, utilisé dans la première et d'autres spectacles début, n'a jamais été publié. Le score d'abord publié était l'arrangement pour piano à quatre mains (Édition Russe de Musique, RV196), daté de 1913. Publication de la partition d'orchestre a été empêché par le déclenchement de la guerre en Août 1914. Après la reprise des travaux en 1920 Stravinsky, qui n'a pas entendu la musique pendant sept ans, fait de nombreuses révisions à la partition, qui a finalement été publié en 1921 (édition Russe de Musique, RV 197 / 197b. grandes et poche scores).

En 1922, Ansermet, qui se préparait à effectuer le travail à Berlin, envoyé à Stravinsky une liste des erreurs qu'il avait trouvés dans la partition publiée. En 1926, dans le cadre de sa préparation pour la performance de cette année avec l' Orchestre du Concertgebouw, Stravinsky a réécrit le "Evocation des Ancêtres" section et a apporté des modifications substantielles à la «sacrificiel Dance". L'ampleur de ces révisions, ainsi que les recommandations de Ansermet, convaincu Stravinsky qu'une nouvelle édition était nécessaire, et cela est apparu sous forme grande et une poche en 1929. Il n'a pas, cependant, incorporer tous les amendements de Ansermet et, prêter à confusion, portait la date et code RV de l'édition 1921, rendant la nouvelle édition difficile à identifier.

Stravinsky a continué à réviser le travail, et en 1943 a réécrit le "sacrificiel Dance". En 1948, Boosey and Hawkes a publié une version corrigée du score 1929 (B & H 16333); 1943 amendement de Stravinsky de la «Danse sacrificiel" n'a pas été incorporé dans la nouvelle version et est restée impayée, à la déception du compositeur. Il a estimé qu'il était "beaucoup plus facile de jouer ... et de qualité supérieure dans l'équilibre et la sonorité" pour les versions antérieures.

Le score 1929 constitue la base de la plupart des représentations de The Rite . Boosey and Hawkes réédité son édition 1948 à 1965, et produit une nouvelle édition gravé (B & H 19441) en 1967. La société a également émis une réimpression non modifiée de la réduction 1913 de piano en 1952 (B & H 17271) et une version révisée de piano, incorporant 1929 révisions, en 1967.