Igor Stravinsky

Igor Stravinsky.

Igor Stravinsky Fyodorovich ( russe : Игорь Фёдорович Стравинский, Igor 'Fjodorovič Stravinskij) ( 17 juin 1882 - 6 avril 1971 ) était un Russe compositeur, considéré par beaucoup à la fois dans Ouest et sa terre natale pour être le compositeur le plus influent de la musique du 20e siècle. Il était la quintessence Russie cosmopolite qui a été nommé par Le magazine Time comme l'une des 100 personnes les plus influentes du siècle. En plus de la reconnaissance qu'il a reçu pour ses compositions, il a également atteint la célébrité en tant que pianiste et un conducteur, souvent à des créations de ses œuvres.

Carrière de compositeur de Stravinsky était remarquable par sa diversité stylistique. Il connaît une renommée internationale avec trois ballets commandée par l'impresario Sergei Diaghilev et interprété par Diaghilev Ballets Russes (Ballets russes): [[Le Firebird | L'Oiseau de feu («L'Oiseau de feu")]] (1910), Petrouchka (1911/1947), et [[Le Sacre du Printemps | Le Sacre du printemps ("Le Sacre du printemps")]] (1913). Le Rite, dont la première a provoqué une émeute, transformé la façon dont les compositeurs ultérieurs pensé structure rythmique; à ce jour sa vision de rituels païens, adopté dans une ancienne Russie imaginaire continue d'éblouir et d'accabler le public.

Après cette première phase de Russie Stravinsky se est tourné vers néoclassicisme dans les années 1920. Les œuvres de cette période ont eu tendance à faire usage de formes musicales traditionnelles ( concerto grosso, fugue, symphonie), souvent caché une veine d'intense émotion sous un aspect de surface de détachement ou de l'austérité, et souvent payé hommage à la musique de maîtres du passé, par exemple JS Bach et Tchaïkovski .

Dans les années 1950, il a adopté procédures de série, en utilisant les nouvelles techniques sur ses vingt dernières années. Les compositions de Stravinsky de cette période parts traits avec tous sa production plus tôt: l'énergie rythmique, la construction d'idées mélodiques étendues à partir de quelques cellules à deux ou trois notes, et la clarté de la forme, de l'instrumentation et d'énonciation.

Il a également publié un certain nombre de livres tout au long de sa carrière, presque toujours à l'aide d'un collaborateur, parfois non crédité. Dans son autobiographie, 1936, Chroniques de ma vie, écrit avec l'aide de Roland-Manuel, Stravinsky inclus sa déclaration tristement célèbre que «la musique est, par sa nature même, essentiellement impuissante à exprimer quoi que ce soit." Avec Roland-Manuel et Pierre Souvtchinsky il a écrit son 1939-1940 Université De Harvard Charles Eliot Norton Lectures, qui ont été livrés en français et plus tard recueillis sous le titre Poétique musicale en 1942 (traduit en 1947 en tant Poétique musicale). Plusieurs interviews dans lesquelles le compositeur a parlé à Robert Craft ont été publiés en tant que conversations avec Igor Stravinsky Ils ont collaboré sur cinq autres volumes au cours de la décennie suivante.

Biographie

Russie

Stravinsky est né en Oranienbaum (Lomonosov rebaptisé en 1948), la Russie et a grandi à Saint-Pétersbourg , à un père polonais et d'une mère catholique russe. Son enfance, il a rappelé dans son autobiographie, fut troublé: "Je ne ai jamais tombé sur quelqu'un qui avait une réelle affection pour moi." Son père, Fyodor Stravinsky, était un chanteur basse au Théâtre Mariinsky à Saint-Pétersbourg, et le jeune Stravinsky a commencé des leçons de piano et plus tard étudié la théorie musicale et tenté une certaine composition. En 1890, Stravinsky a vu une performance de Tchaïkovski le ballet La Belle au bois dormant au Théâtre Mariinsky; la performance, sa première exposition à un orchestre, hypnotisé. A quatorze ans, il avait maîtrisé Mendelssohn l ' Concerto pour piano en sol mineur, et l'année suivante, il a terminé une réduction pour piano de l'un des Les quatuors à cordes d'Alexander Glazunov.

Malgré son enthousiasme pour la musique, ses parents se attendaient à devenir un avocat. Stravinsky inscrits pour étudier le droit à la Université de Saint-Pétersbourg en 1901, mais a été mal adapté pour elle, assister à des séances de classe moins de cinquante en quatre ans. Après la mort de son père en 1902, il avait déjà commencé passer plus de temps sur ses études musicales. En raison de la fermeture de l'université au printemps de 1905, à la suite de Bloody Sunday, Stravinsky a été empêché de prendre ses finales de droit, et a reçu seulement un diplôme demi-cours, en Avril 1906. Par la suite, il se est concentré sur la musique. Sur les conseils de Nikolaï Rimski-Korsakov , probablement le plus grand compositeur russe de l'époque, il a décidé de ne pas entrer dans le Saint-Pétersbourg Conservatoire; à la place, en 1905, il a commencé à prendre la tutelle privée deux fois par semaine à partir de Rimsky-Korsakov, qui est devenu comme un second père pour lui.

En 1905, il a été fiancée à son cousin Katerina Nossenko, qu'il avait connu depuis l'enfance. Ils se sont mariés le 23 Janvier 1906 , et leurs deux premiers enfants, Fyodor et Ludmilla, sont nés en 1907 et 1908 respectivement.

En 1909, son Feu d'artifice (Feu d'artifice), a été effectuée à Saint-Pétersbourg, où il a été entendu par Sergei Diaghilev, directeur de la Ballets Russes à Paris . Diaghilev a été suffisamment impressionné pour commander Stravinsky pour effectuer certaines orchestrations, puis de composer une partition de ballet pleine longueur, [[Le Firebird | L'Oiseau de feu (L'Oiseau de feu)]].

Suisse

Igor Stravinsky.

Stravinsky se rend à Paris en 1910 pour assister à la première de The Firebird. Sa famille l'a rejoint bientôt, et a décidé de rester dans l'Ouest pour un temps. Il a déménagé à la Suisse , où il a vécu jusqu'en 1920 dans Clarens et Lausanne. Pendant ce temps, il compose trois autres œuvres pour les Ballets Russes- Petrouchka (1911), écrite à Lausanne, et [[Le Sacre du Printemps | Le Sacre du printemps (Le Sacre du printemps)]] ( 1913 ) et Pulcinella, tant à l'écrit à Clarens.

Alors que les Stravinsky étaient en Suisse, leur deuxième fils, Soulima (qui devint plus tard un compositeur mineur), est né en 1910; et leur deuxième fille, Maria Milena, est né en 1913. Au cours de cette dernière grossesse, Katerina a été constaté que la tuberculose, et elle a été placée dans un sanatorium suisse pour son accouchement. Après un bref retour en Russie en Juillet 1914 à recueillir des matériaux de recherche pour Les Noces, Stravinsky a quitté son pays natal et est retourné en Suisse juste avant le déclenchement de la Première Guerre mondiale a entraîné la fermeture des frontières. Il a été de ne pas retourner en Russie depuis près de cinquante ans. Stravinsky était un des rares orthodoxes de l'Est ou de Russie orthodoxes représentants de la communauté vivant en Suisse à cette époque et se souvient encore en tant que telle en Suisse à ce jour.

France

Il a déménagé à France en 1920, où il a formé une entreprise et relation musicale avec le fabricant de piano française Pleyel. Essentiellement, Pleyel a agi comme son agent dans la collecte des redevances mécaniques pour ses œuvres, et en retour, lui a fourni avec un revenu mensuel et un studio dans lequel au travail et à recevoir des amis et relations d'affaires. Il a également organisé, pourrait-on dire re-composé, beaucoup de ses premiers travaux pour la Pleyela, la marque Pleyel de piano, d'une manière qui fait pleinement usage de 88 notes du piano, sans égard pour le nombre ou la durée des doigts de l'homme et les mains. Ces rouleaux ont pas été enregistrés, mais ont plutôt été marquées à partir d'une combinaison de fragments de manuscrits et notes manuscrites par le musicien français, Jacques Larmanjat, qui était le directeur musical du département de rouleau de Pleyel. Stravinsky a prétendu plus tard que son intention avait été de donner aux auditeurs une version définitive des performances de sa musique, mais depuis les rouleaux ne étaient pas les enregistrements, il est difficile de voir comment efficace cette intention aurait pu être dans la pratique. Alors que beaucoup de ces œuvres font maintenant partie du répertoire standard, au moment de nombreux orchestres trouvé sa musique au-delà de leurs capacités et insondable. Les grandes compositions émises sur Pleyela rouleaux de piano incluent Le Sacre du printemps, Petrouchka, Firebird, Les Noces et chant du rossignol. Pendant les années 1920, il a également enregistré rouleaux Duo-Art de la Société Eoliennes à Londres et à New York, dont tous ne survivre.

Après un court séjour à proximité de Paris , il se installe avec sa famille dans le sud de la France; il revient à Paris en 1934, à vivre à la rue du Faubourg Saint-Honouré. Stravinsky se souvint plus tard cette dernière et que son malheureux adresse européenne; la tuberculose de sa femme infecté sa fille aînée Ludmila, et Stravinsky lui-même. Ludmila est mort en 1938, Katerina l'année suivante. Alors que Stravinsky était à l'hôpital, où il a été traité pendant cinq mois, sa mère mourut aussi. Stravinsky avait déjà des contacts dans le États-Unis ; il travaillait sur le Symphonie en ut pour l'Orchestre symphonique de Chicago, et avait accepté de donner des conférences dans Harvard pendant l'année scolaire de 1939-40. Lorsque la Seconde Guerre mondiale a éclaté en Septembre, il partit pour les Etats-Unis.

Bien que son mariage avec Katerina enduré pendant 33 ans, le véritable amour de sa vie, et plus tard son partenaire jusqu'à sa mort, était sa seconde épouse Vera de Bosset (1888-1982). Lorsque rencontré Vera Stravinsky à Paris en Février 1921, elle a été mariée au peintre et scénographe Serge Sudeikin, mais ils ont vite commencé une affaire qui a conduit à son départ de son mari. Depuis lors et jusqu'à la mort de Katerina d'un cancer en 1939, Stravinsky a mené une double vie, passer une partie de son temps avec sa première famille et le reste avec Vera. Katerina bientôt appris de la relation et l'a acceptée comme inévitable et permanente. Autour de ce temps tous deux quitté la France pour les Etats-Unis, pour échapper à la Seconde Guerre mondiale (Stravinsky en 1939 après la mort de Katerina, Vera suivante en 1940). Stravinsky et Vera se sont mariés en Bedford, MA, Etats-Unis, sur 9 Mars 1940 .

Amérique

Au début, Stravinsky se installe à Hollywood, mais il a déménagé à New York en 1969 . Il a continué à vivre dans le États-Unis jusqu'à sa mort en 1971; il est devenu un naturalisé en 1945. Stravinsky avait adapté à la vie en France, mais le déplacement en Amérique à l'âge de 58 a été une perspective très différente. Pour un temps, il conserva un anneau de émigré amis et contacts russes, mais a finalement trouvé que ce n'a pas subi sa vie intellectuelle et professionnelle. Il a été élaboré à la vie culturelle croissante de Los Angeles, en particulier pendant la Seconde Guerre mondiale, alors que tant d'écrivains, musiciens, compositeurs, et des conducteurs installés dans la région; ceux-ci inclus Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine et Arthur Rubinstein. Il a vécu assez proche de Arnold Schoenberg, se il ne avait pas une relation étroite avec lui. Bernard Hollande note qu'il était particulièrement friand des écrivains britanniques qui lui rendaient souvent visite à Beverly Hills », comme WH Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas (qui a partagé le goût du compositeur pour les spiritueux durs) et, en particulier, Aldous Huxley, avec lequel Stravinsky a parlé en français. »Il se installe dans la vie à Los Angeles et parfois dirigé des concerts avec le Los Angeles Philharmonic au célèbre Hollywood Bowl ainsi que l'ensemble des USA Quand il prévu d'écrire un opéra WH Auden, la nécessité d'acquérir plus de familiarité avec l' anglais le monde a coïncidé avec sa réunion, le chef d'orchestre et musicologue Robert Craft. Artisanat vivait avec Stravinsky jusqu'à la mort du compositeur, agissant comme interprète, chroniqueur, chef assistant, et factotum d'innombrables tâches musicales et sociales.

En 1962, Stravinsky a accepté une invitation à revenir à Saint-Pétersbourg ( Leningrad ) pour une série de concerts. Il a passé plus de deux heures parlant avec le dirigeant soviétique Nikita Khrouchtchev , qui l'a invité à revenir à l' Union soviétique . Malgré l'invitation, Stravinsky est resté installé dans l'Ouest. Dans les dernières années de sa vie, Stravinsky vivait à Essex House à New York City.

Grave de Stravinsky San Michele

Il mourut à l'âge de 88 ans à New York et a été enterré dans Venise sur l'île de cimetière de San Michele. Sa tombe est proche de la tombe de son collaborateur de longue date Diaghilev. La vie professionnelle de Stravinsky avait englobé la plupart du 20e siècle, y compris bon nombre de ses styles de musique classique moderne, et il influencé les compositeurs à la fois pendant et après sa vie. Il a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame au 6340 Hollywood Boulevard et reçu à titre posthume la Grammy Award pour Lifetime Achievement en 1987.

Personnalité

Stravinsky affiché un désir inépuisable pour explorer et apprendre sur l'art, la littérature et la vie. Cette volonté se est manifestée dans plusieurs de ses collaborations Paris. Non seulement il était le compositeur principal Sergei Diaghilev Ballets Russes, mais il a également collaboré avec Pablo Picasso ( Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Oedipus Rex, 1927) et George Balanchine ( Apollon musagète, 1928). Son goût de la littérature était large, et reflète son désir constant de nouvelles découvertes. Les textes et les sources littéraires pour son travail commencé avec une période d'intérêt pour le folklore russe , ont progressé à des auteurs et l'classiques Liturgie latine, et a déménagé à la France contemporaine ( André Gide, dans Perséphone) et finalement la littérature anglaise, y compris Auden, TS Eliot et médiévale vers anglais. A la fin de sa vie, il a mis en hébreu Ecriture en Abraham et Isaac.

Stravinsky et Pablo Picasso ont collaboré à Pulcinella en 1920. Picasso a eu l'occasion de faire plusieurs croquis du compositeur.

Patronage ne était jamais loin. Au début des années 1920, Leopold Stokowski a donné un soutien régulier Stravinsky à travers un «bienfaiteur» pseudonymes. Le compositeur a également été en mesure d'attirer des commissions: la plupart de son travail à partir de L'Oiseau de feu partir a été écrit pour des occasions spécifiques et a été payé généreusement.

Stravinsky se est avéré apte à jouer le rôle de "l'homme du monde», l'acquisition d'un instinct vif pour les questions d'affaires et apparaissant détendu et à l'aise dans de nombreuses grandes villes du monde. Paris , Venise, Berlin , Londres et New York City tous hébergés apparitions réussies comme pianiste et chef d'orchestre. La plupart des gens qui l'ont connu à travers les transactions liées aux performances parlaient de lui aussi poli, courtois et serviable. Par exemple, Otto Klemperer, qui savait Arnold Schoenberg ainsi, dit qu'il a toujours trouvé Stravinsky beaucoup plus coopérative et facile à traiter. Dans le même temps, il avait un mépris marqué pour ceux qu'il percevait comme ses inférieurs sociaux: Robert Craft a été gêné par son habitude de taper un verre avec une fourchette et fort exigeant une attention dans les restaurants.

Même si un coureur de jupons notoire (qui a été répandu pour avoir des affaires avec des partenaires de grande envergure tels que Coco Chanel), Stravinsky était aussi un homme de famille qui a consacré des quantités considérables de son temps et les dépenses à ses fils et filles.

Périodes stylistiques

La carrière de Stravinsky peut être divisé grosso modo en trois périodes stylistiques.

Nationalisme

La première période (exclusion de certains travaux mineurs début) a commencé avec Feu d'artifice et qui ont réussit avec les trois ballets composés pour Diaghilev. Ces trois œuvres ont plusieurs caractéristiques en commun: ils sont marqués pour un orchestre extrêmement large; ils utilisent russes folkloriques thèmes et des motifs; et ils sont influencés par la notation et l'instrumentation imaginative de Rimski-Korsakov. Ils présentent également une évolution stylistique considérable: de la L'oiseau de feu, qui met l'accent sur certaines tendances de Rimsky-Korsakov et dispose pandiatonicism ostensiblement dans le troisième mouvement, à l'utilisation de polytonalité dans Petrouchka, et les polyrythmies et dissonances de Le Sacre du printemps intentionnellement brutales.

La première des ballets, L'Oiseau de feu, est réputé pour son imagination l'orchestration, évidente dès le début de l'introduction en 12/8, qui exploite le registre grave de la contrebasse. Petrouchka, la première des ballets de Stravinsky se appuyer sur folklorique la mythologie , est également marqué distinctement. Dans le troisième ballet, Le Sacre du printemps, le compositeur a tenté de dépeindre musicalement la brutalité de la Russie païenne, qui a inspiré les motifs violents qui reviennent tout au long du travail. Une fois de plus, l'originalité de Stravinsky est évident: le thème d'ouverture, joué sur un basson au sommet de son registre, est devenu l'un des passages les plus célèbres de la musique classique, de même que la pulsation syncopée croche motif dans les cordes, son accents marqués par la corne .

Si l'intention déclarée de Stravinsky était «de les envoyer tous à l'enfer", puis il peut avoir évalué le première de 1913 Le sacre du printemps comme un succès: il est parmi les plus célèbres émeutes de la musique classique, et Stravinsky appelés fréquemment comme un «scandale» dans son autobiographie. Il y avait des rapports de bagarres dans le public, et la nécessité d'une présence de la police pendant le deuxième acte. L'ampleur réelle du tumulte, cependant, est ouvert au débat, et ces rapports peut être apocryphe.

Stravinsky a commenté plus tard à propos de la première de The Rite:. "Quant à la performance réelle, je ne suis pas en mesure de juger, que je ai quitté l'auditorium les premières mesures du prélude, qui avait à la fois évoqués ricanements je étais dégoûté . Ces manifestations, d'abord isolé, devint bientôt générale, provoquant des contre-manifestations et très rapidement en développement dans un vacarme terrible. Pendant tout le spectacle, je étais à Du côté de Nijinsky dans les ailes. Il était debout sur une chaise, criant «Seize, dix-sept, dix-huit» - ils avaient leur propre méthode de comptage pour garder le temps. Naturellement, les danseurs pauvres pouvaient rien entendre en raison de la ligne dans l'auditorium et le bruit de leurs propres pas de danse. Je devais tenir Nijinsky par ses vêtements, car il était furieux, et prêt à se lancer sur la scène à tout moment et de créer un scandale. Diaghilev gardé ordonnant les électriciens pour allumer les lumières ou désactiver, espérant de cette façon de mettre un terme au bruit. Ce est tout ce dont je me souviens que la première performance. "

Autres pièces de cette période comprennent: Le Rossignol (Le Rossignol); Renard (1916); Histoire du soldat (L'Histoire du soldat) (1918); et Les Noces (Le mariage) (1923).

Néoclassique

La prochaine phase du style de composition de Stravinsky étendu, passant d'environ 1920 à environ 1950. Pulcinella (1920) et l'Octuor (1923) pour instruments à vent sont premières compositions de Stravinsky aux longs son réexamen de la musique classique de Mozart et de Bach et de leurs contemporains. Pour ça " néo-classique "style de Stravinsky abandonné les grands orchestres exigées par les ballets, et se place largement aux instruments à vent, piano et chant choral et de chambre œuvres.

D'autres travaux tels que Oedipus Rex (1927), Apollon musagète (1928, pour le Ballet de Russie) et le Dumbarton Oaks Concerto (1937-1938) a poursuivi cette re-pensée de styles de musique du XVIIIe siècle.

Œuvres de cette période comprennent les trois symphonies:. La Symphonie des Psaumes (Symphonie des Psaumes) (1930), Symphony in C (1940) et la Symphonie en trois mouvements (1945) Apollon, Persephone (1933) et Orphée (1947) illustrent pas seulement retour de Stravinsky à la musique de la période classique, mais aussi son exploration des thèmes de l'ancien monde classique tels que la mythologie grecque .

Stravinsky a terminé sa dernière œuvre néo-classique, l'opéra Progrès The Rake, en 1951, sur un livret de WH Auden basée sur les gravures de Hogarth . Il a été presque ignoré après qu'il a été mis en scène par le Metropolitan Opera en 1953. Il a été présenté par le Santa Fe Opera dans sa première saison en 1957 avec Stravinsky présents, et cela a marqué le début de sa longue association avec la société. La musique est directe, mais bizarre; il emprunte de l'harmonie tonale classique, mais aussi exclame dissonances surprenantes; il dispose de la marque de Stravinsky hors rythmes; et il rappelle les opéras et les thèmes de Monteverdi, Gluck et Mozart . L'opéra a été relancé par le Metropolitan Opera en 1997.

En série

Stravinsky a commencé à utiliser dodécaphonisme, la technique dodécaphonique initialement conçu par Arnold Schoenberg, au début des années 1950 (après la mort de Schoenberg). Robert Craft encouragé cette entreprise.

Il a d'abord expérimenté avec non-dodécaphonique technique sérielle en petites œuvres vocales et de chambre tels que la Cantate (1952), Septuor (1953), et trois chansons de Shakespeare (1953), et sa première composition pour être pleinement fondée sur ces techniques de série non-dodécaphoniques est In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-1957) est son premier travail pour y inclure une série de douze sons, et Canticum Sacrum (1955) est sa première pièce pour contenir un mouvement entièrement basé sur un ton ligne ("Surge, aquilo"). Stravinsky plus tard étendu son utilisation de dodécaphonisme dans les travaux y compris Threni (1958), A Sermon, un récit, et une prière (1961), et The Flood (1962), qui sont basées sur des textes bibliques.

Agon, écrite 1954-1957, est un ballet chorégraphié pour douze danseurs. Ce est une composition de transition importante entre la période néo-classique de Stravinsky et son style de série. Certains numéros de Agon rappellent le «blanc note" de la tonalité de sa période néo-classique, tandis que d'autres (par exemple Bransle Gay) afficher sa ré-interprétation des méthodes série.

Innovation et de l'influence

"L'un des innovateurs vraiment d'époque de la musique", l'aspect le plus important de l'œuvre de Stravinsky en dehors de ses innovations techniques, y compris dans le rythme et l'harmonie, est le "visage changeant," de son style de composition tout en étant toujours, "conservant une identité essentielle distinctive ». Il se est inspiré de différentes cultures, langues et littératures. En conséquence, son influence sur les compositeurs à la fois durant sa vie et après sa mort était, et reste, considérable. "Aucun autre compositeur du XXe siècle a exercé une telle influence omniprésente ou dominé son art dans la façon dont Stravinsky fait durant sa carrière de cinq décennies de musique".

Composition

L'utilisation de Stravinsky développement de motifs (l'utilisation de figures musicales qui se répètent sous différentes formes à travers une composition ou une section de composition) inclus additif développement de motifs. Ce est là que les notes sont soustraites ou ajoutées à un motif sans tenir compte des changements conséquents dans mètre. Une technique similaire peut être trouvé dès le XVIe siècle, par exemple dans la musique de Cipriano de Rore, Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo, et Jean de Macque, la musique avec laquelle Stravinsky exposé familiarité.

Le Sacre du printemps est également remarquable pour son utilisation incessante de ostinati; par exemple dans le croche ostinato sur les chaînes accentué par huit cornes dans la section Auguries du printemps (Danses des Jeunes Filles). L'ouvrage contient également des passages où plusieurs affrontement ostinati un contre l'autre.

Rythme

Stravinsky a été noté pour son usage distinctif de rythme, en particulier dans Le Sacre du Printemps.

Selon Philip Glass:

l'idée de pousser les rythmes à travers les barres de [...] a ouvert la voie [...] la structure rythmique de la musique est devenu beaucoup plus fluide et d'une certaine manière spontanée

Verre loue aussi «primitive, élan rythmique décalée" de Stravinsky.

Selon Andrew J. Browne, "Stravinsky est peut-être le seul compositeur qui a élevé le rythme en elle-même à la dignité de l'art."

Le rythme et la vitalité grandement influencé le compositeur de Stravinsky Aaron Copland.

Néoclassicisme

Premières œuvres néo-classiques de Stravinsky le ballet Pulcinella étaient de 1920, et de la stripped-down et délicatement marqué Octuor pour vents de 1923. Stravinsky peut avoir été précédés dans son utilisation de dispositifs néoclassiques par des compositeurs antérieurs (tels que Erik Satie).

À la fin des années 1920 et 1930, l'utilisation par les compositeurs du néoclassicisme était devenue généralisée.

Citation

Stravinsky a poursuivi une longue tradition, qui remonte au moins au XVe siècle sous la forme de la quodlibet et masse parodie, en composant des morceaux qui élaborent sur des œuvres de compositeurs individuelles antérieures. Un des premiers exemples de ce est son Pulcinella de 1920, dans lequel il a utilisé la musique qui à l'époque a été attribuée à Giovanni Pergolesi comme matériau de base, parfois en citant directement et à d'autres moments réinventer. Il a développé la technique plus loin dans le ballet Le Baiser de la fée de 1928, basé sur la musique-la plupart des pièces pour piano-de Tchaïkovski . Les exemples ultérieurs de transformations musicales comparables comprennent l'utilisation de Stravinsky de Schubert Circus Polka (1942) et Happy Birthday to You in voeux Prelude (1955).

matériel Folk

Dans Le Sacre du Printemps de Stravinsky dépouillé thèmes folkloriques à leurs contours mélodiques les plus élémentaires, et souvent les crispé delà de la reconnaissance avec des notes ajoutées, et d'autres techniques, y compris inversion et diminution. Seulement dans des études récentes, tel que décrit dans Stravinsky de Richard Taruskin et les traditions russes, ont découvert les analystes le matériel source original pour certains de la musique dans le rite.

Orchestre

Comme beaucoup de la fin des compositeurs romantiques, Stravinsky souvent appelés pour d'énormes forces orchestrales, surtout dans les premiers ballets. Sa première percée L'Oiseau de feu lui a donné l'égal de Nikolaï Rimski-Korsakov et a allumé la "fusibles sous la marque jusqu'à instrumentale du 19ème siècle orchestre". Dans L'Oiseau de feu, il a pris l'orchestre à part et l'a analysé. Le Sacre du Printemps d'autre part a été caractérisé par Aaron Copland que la réalisation orchestrale avant tout dans le 20ème siècle.

Stravinsky a aussi écrit pour des combinaisons uniques d'instruments dans les petits ensembles, choisis pour leurs couleurs sonores précises. Par exemple, Histoire du soldat est marqué (L'Histoire du soldat) pour clarinette , basson , cor , trombone , violon , contrebasse et percussion, une combinaison frappante inhabituel pour 1918.

Stravinsky occasionnellement exploité les plages extrêmes d'instruments, le plus célèbre à l'ouverture du Sacre du printemps de Stravinsky, où utilise les hauteurs extrêmes du basson pour simuler le «réveil» symbolique d'un matin de printemps.

Réception

Critiques défavorables

Erik Satie a écrit un article sur Igor Stravinsky qui a été publiée dans Vanity Fair (1922). Satie avait rencontré Stravinsky pour la première fois en 1910. L'attitude de Satie vers le compositeur russe est marqué par déférence, comme on peut le voir dans les lettres qu'il lui a écrit en 1922, la préparation de l'article de Vanity Fair. Avec une pointe d'ironie, il a conclu une de ces lettres "Je vous admire: n'êtes-vous pas la Grande Stravinsky que je sois peu Erik Satie?." Dans l'article publié, Satie a fait valoir que la mesure de la «grandeur» d'un artiste en le comparant à d'autres artistes, comme se parlant à propos de certains «vérité», est illusoire: chaque morceau de musique doit être jugé sur ses mérites propres, et non en comparant pour les normes d'autres compositeurs. Ce était exactement ce que Jean Cocteau avait fait, en commentant deprecatingly sur Stravinsky dans son livre 1918 Le Coq et l'Arlequin.

Tous les signes indiquent une forte réaction contre le cauchemar du bruit et de l'excentricité qui était l'un des héritages de la guerre .... Que sont devenus les œuvres qui composent le programme du concert Stravinsky qui a créé un tel émoi quelques années il ya? Pratiquement l'ensemble du lot sont déjà sur le plateau, et ils y restera jusqu'à quelques névrosés blasés une fois de plus se sentir un désir de manger des cendres et de remplir leur ventre avec le vent d'est. |

En 1935, le compositeur américain Marc Blitzstein comparé à Stravinsky Jacopo Peri et CPE Bach, en admettant que "On ne peut nier la grandeur de Stravinsky. Ce est juste qu'il ne est pas assez grand". De Blitzstein marxiste position est que le souhait de Stravinsky était à la «musique de divorce des autres courants de la vie», qui est «symptomatique d'une évasion de la réalité", entraînant une "perte d'endurance ses nouvelles œuvres montrent", nommant spécifiquement Apollo, le Capriccio, et Le Baiser de la fée.

Compositeur Constant Lambert décrit pièces telles que Histoire du soldat (L'Histoire du soldat) comme contenant "abstraction essentiellement de sang-froid". Lambert a continué, "fragments mélodiques dans Histoire du Soldat sont complètement dénuée de sens eux-mêmes. Ils ne sont que des successions de notes qui peuvent être commodément divisés en groupes de trois, cinq et sept ans et fixent contre d'autres groupes mathématiques", et il a décrit la cadence pour solo tambours que «pureté musicale ... réalisé par une espèce de castration musicale". Il a comparé le choix de Stravinsky "les drabbest et les moins importantes des phrases» pour Gertrude Stein: «Chaque jour, ils étaient gay là, ils étaient tous les jours régulièrement gay là-bas" ("Helen Furr et Georgine Skeene", 1922), "dont l'effet serait également appréciée par quelqu'un qui n'a aucune connaissance de l'anglais que ce soit".

Dans son livre Philosophie de la musique moderne (1949), Theodor Adorno appelle Stravinsky un acrobate, un fonctionnaire, un mannequin de tailleur, hébéphrénique, psychotique, infantile, fasciste, et consacré à faire de l'argent. Une partie de l'erreur du compositeur, de l'avis de Adorno, était son néo-classicisme, mais le plus important était de sa musique "la pseudomorphism de la peinture,« jouer hors LE TEMPS espace (espace-temps) plutôt que Le Temps Durée (temps-durée) de Henri Bergson. "Un truc caractérise tous les efforts officiels de Stravinsky: l'effort de sa musique pour dépeindre le temps comme dans un tableau de cirque et de présenter complexes de temps comme se ils étaient spatiale Cette astuce, cependant, se épuise bientôt.." Ses «procédures rythmiques ressemblent étroitement le schéma des conditions catatoniques. Dans certains schizophrènes, le processus par lequel l'appareil moteur devient conducteurs indépendants à répétition infinie des gestes ou des mots, à la suite de la désintégration de l'ego."

La réception de Stravinsky en Russie et l'URSS allait et venait. Performances de sa musique se est arrêtée du monde 1933 jusqu'au début des années 1960, moment où la position officielle est devenu que l'on doit apprécier Stravinsky.

Critiques favorables

Selon le Progrès de Paul Griffith The Rake "donne justification en termes de psychologie humaine et des réalités du monde, pour ce besoin obsessionnel de répéter et de revenir".

Bien que la musique de Stravinsky a été critiqué pour sa gamme de styles savants avaient "commencé progressivement à percevoir éléments unificateurs dans la musique de Stravinsky," dans les années 1980, dont un, «gravité» de «ton» ou de «but» ".

Prix

• Sonning Award (1959; le Danemark )

Enregistrements

Igor Stravinsky trouvé enregistrements d'être un outil pratique et utile dans la préservation de ses propres pensées sur l'interprétation de sa musique. Comme chef d'orchestre de sa propre musique, il a enregistré principalement pour Columbia Records, en commençant en 1928 avec une performance de la suite originale de L'Oiseau de feu et finales en 1967 avec la suite de la même ballet 1945. Dans les années 1940, il a fait plusieurs enregistrements pour RCA Victor à la République Studios à Los Angeles. Bien que la plupart de ses enregistrements ont été effectués avec des musiciens de studio, il a également travaillé avec le Chicago Symphony Orchestra, le Cleveland Orchestra, le Orchestre symphonique de la SRC, le New York Philharmonic Orchestra et le Royal Philharmonic Orchestra.

Liste des œuvres

Bien que Stravinsky est surtout connu pour ses œuvres scéniques, en particulier ses ballets, ses compositions couvrent un large éventail de formes musicales.

Opéra / théâtre

Ballet

• L'Oiseau de feu (L'Oiseau de feu) (1909-1910, rev. 1919)
• Petrouchka (1910 à 1911, rév. 1946)
• Le Sacre du printemps (Le Sacre du printemps) (1911-1913)
• Pulcinella, pour orchestre de chambre et solistes (1919-1920)
• Les Noces (Le mariage), pour solistes, chœur, quatre pianos et percussions (1914-1917 / 21-23)
• Apollon musagète, pour orchestre à cordes (1927-1928)
• Baiser de la fée (Le Baiser de la fée) (1928, rév. 1950)
• Jeu de cartes (Card Game) (1936)
• Scènes de ballet (1944)
• Apollo, pour orchestre à cordes (révision de Apollon musagète) (1947)
• Orphée, pour orchestre de chambre (1947)
• Agon, pour orchestre de chambre (1953 à 1957)

Orchestral

• Symphonie en mi bémol majeur (1907)
• Scherzo fantastique(1908)
• Feu d'artifice(Feu d'artifice) (1908)
• Le Chant du rossignol(chant du rossignol) (1917)
• Symphonies pour instruments à vent(1920)
• Suite dePulcinella(1920)
• Suite n ° 2 pour orchestre de chambre (1921)
• Suite n ° 1 pour orchestre de chambre (1925)
• Quatre études, pour orchestre (1928)
• Divertimento (Suite de Le ------ de la Fée, 1934)
• Concerto en mi bémol Dumbarton Oaks, pour orchestre de chambre (1938)
• Symphony in C (1940)
• Cirque Polkapour orchestre (1942)
• Danses concertantespour orchestre de chambre (1942)
• Trois Poésies de la lyrique japonaise, pour voix et piano ou orchestre de chambre (1913)
• Trois Petites Chansons, pour voix et piano (ou petit orchestre) (1913/1930)
• Pribaoutki, pour voix, flûte, hautbois, clarinette, basson, violon, alto, violoncelle, contrebasse (1914)
• Berceuses du chat, pour contralto et trois clarinettes (1916)
• Detskiye pesenki(Trois contes pour enfants), pour voix et piano (1917)
• Quatre Chants russes paysannes, pour voix de femme non accompagnés (1917)
• Berceuse, pour voix et piano (1918)
• Quatre Chants russes, pour voix et piano (1918/1919)
• Petit Ramusianum harmonique, pour la voix ou voix seule (1938)
• Trois chansons de William Shakespeare, pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, alto et (1953)
• Quatre Chants russes, pour mezzo-soprano, flûte, harpe et la guitare (1954, versions deQuatre Chants russesetDetskiye pesenki)
• In memoriam Dylan Thomas(Dirge Canons et Song) (1954)
• Elegy for JFK, pour baryton et trois clarinettes (1964)
• Le hibou et le Pussy Cat, pour soprano et piano (1966)

Bande

• Preludium pour Jazz Band(1936-1937)
• Ebony Concertopour clarinette et orchestre de jazz (1945)

Chambre / instrumental

• Trois pièces pour quatuor à cordes (1914)
• Verser Pablo Picasso, pièce pour clarinette (1917)
• Canon pour les deux cornes (1917)
• Duo pour deux bassons (1918)
• Suite deL'Histoire du soldat, pour violon, clarinette et piano (1919)
• Trois pièces pour clarinette (1919)
• Concertino pour quatuor à cordes (1920)
• Octuor pour instruments à vent (1923)
• Suite italienne(dePulcinella), pour violon et piano (1925)
• Duo concertantpour violon et piano (1932)
• Suite italienne(dePulcinella), pour violoncelle et piano (1932-1933) (en collaboration avec Gregor Piatigorsky)
• Pastorale, pour violon et piano (1933)
• Suite italienne(dePulcinella), pour violon et piano (1934) (en collaboration avec Samuel Dushkin)
• Elegy, pour alto solo (1944)
• Septuor (1953)
• Epitaphium, pour flûte, clarinette et harpe (1959)
Quatre Chants russes(Quatre Chants russes) - Pleyel, Paris, Pleyela 8455 (1922/3)
• Concertino - Pleyel, Paris, Pleyela 8456 (1923)
• Les Noces(Le mariage) - Pleyel, Paris 8831-8834, 8861 (1923)
• L'Oiseau de feu(L'Oiseau de feu) - Pleyel, Paris, Pleyela 10039-10045 (1926)
• L'Oiseau de feu(L'Oiseau de feu) - Aeolian Company, Londres, D759 Duo-Art - D769 (1929)