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A arte abstracta

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Kazimir Malevich, quadrado preto, c. 1913

A arte abstracta usa uma língua visual do formulário, da cor e da linha para criar uma composição que possa existir com um grau de independência das referências visuais no mundo. A arte ocidental tinha sido, do renascimento até o meio do século 19, apoiada pela lógica da perspectiva e uma tentativa de reproduzir uma ilusão da realidade visível. As artes de outras culturas do que o europeu tinha se tornado acessíveis e mostrou maneiras alternativas de descrever a experiência visual ao artista. Até o final do século 19 muitos artistas sentiram uma necessidade de criar um novo tipo de arte que abrangesse as mudanças fundamentais que ocorrem na tecnologia, ciência e filosofia. As fontes de que os artistas individuais seleccionaram seus argumentos teóricos eram diversas, e refletiam as preocupações sociais e intelectuais em todas as áreas da cultura ocidental naquele tempo.

Arte abstracta, arte não figurativa, a arte não-objetiva, ea arte não-representacional são frouxamente termos relacionados. Eles são similares, embora talvez não do significado idêntico.

Abstracção indica uma partida da realidade na descrição da imagens em arte. Esta saída de representação precisa pode ser apenas ligeiro, ou pode ser parcial, ou pode ser completa. Abstracção existe ao longo de um continuum. Mesmo a arte que aponta para a verossimilhança do mais alto grau pode ser dito para ser abstrata, pelo menos teoricamente, uma vez que a representação perfeita é provável ser excessivamente indescritível. Obra que toma liberdades, alterando por exemplo a cor eo formulário nas maneiras que são bem visíveis, pode ser dito para ser parcialmente abstrato. Abstracção total não carrega nenhum traço de qualquer referência a qualquer coisa reconhecível. Em abstração geométrica, por exemplo, é improvável encontrar referências às entidades naturalistas. A arte figurativa ea abstracção total, são quase mutuamente exclusivos. Mas figurativa e representacional (ou realista) contem frequentemente a abstracção parcial.

Tanto Abstração geométrica e Abstracção lírico são frequentemente totalmente abstrato. Entre os muito numerosos movimentos de arte que incorporam abstracção parcial seria, por exemplo, fauvism em que a cor é visível, deliberadamente alterados vis-a-vis a realidade, e cubismo , que descaradamente altera as formas de as entidades da vida real retratados.

História

Abstração na arte cedo e muitas culturas

Grande parte da arte de culturas anteriores - sinais e marcas em cerâmica, têxteis e pinturas e inscrições na rocha - foram simples, geométricas e lineares formas que possam ter tido um propósito simbólico ou decorativo. É a este nível de significado visual que a arte abstrata comunica. Um pode apreciar a beleza de Caligrafia chinesa ou Caligrafia islâmica sem ser capaz de lê-lo.

Século 19

Três movimentos de arte que contribuíram para o desenvolvimento da arte abstrata eram Romantismo , Impressionismo e Expressionismo . Independência artística para artistas foi avançada durante o século 19. Patronato da igreja diminuiu e mecenato privado do público tornou-se mais capaz de fornecer um meio de subsistência para os artistas.

James McNeill Whistler, Nocturne in Black and Gold: The Rocket Falling (1874), Detroit Institute of Arts. Um próximo abstração, em 1877 Whistler processou o crítico de arte John Ruskin para a difamação depois que o crítico condenou sua pintura Noturno no preto e ouro: O Rocket de queda. Ruskin acusado de Whistler "pedir [ndo] duzentos guinéus para jogar um pote de pintura na cara do público."

Insinuações iniciais de uma nova arte foi feita por James McNeill Whistler, que, na sua pintura Nocturne in Black and Gold: The Rocket caindo, (1872), colocou maior ênfase na sensação visual do que a representação de objetos. Um interesse objectivo no que é visto, pode ser discernido das pinturas de John Constable , JMW Turner , Camille Corot e deles para os impressionistas que continuaram a plein air pintura do Escola de Barbizon. Paul Cézanne tinha começado como um impressionista, mas seu objetivo - para fazer uma construção lógica da realidade baseada em uma visão de um único ponto, com a cor modulada em áreas planas - tornou-se a base de uma nova arte visual, mais tarde a ser desenvolvido em cubismo por George Braque e Pablo Picasso .

Expressionista pintores explorou o uso ousado da superfície da pintura, distorções e exageros, e cor intensa desenho. Expressionistas pinturas produzidas emocionalmente carregadas que foram reações a e percepções da experiência contemporânea; e reações ao impressionismo e outros mais direções conservadores da tarde pintura do século 19. Os expressionistas também mudou drasticamente a ênfase na matéria a favor da interpretação de estados psicológicos do ser. Embora artistas como Edvard Munch e James Ensor chamou influências principalmente a partir do trabalho do Pós-impressionistas eles foram fundamentais para o advento da abstração no século 20.

Henri Matisse , A cortina amarela, de 1915. Com seu Cor fauvista Matisse e desenho vem muito perto de pura abstração.

Além disso, no final do século 19 na Europa Oriental misticismo e início filosofia religiosa modernista como expresso por teósofo Mme. Blavatsky teve um profundo impacto sobre pioneiro artistas geométricas como Wassily Kandinsky, e Hilma af Klint. O ensinamento místico de Georges Gurdjieff e PD Ouspensky também teve uma influência importante sobre as primeiras formações dos estilos abstratos geométricos de Piet Mondrian e seus colegas no início do século 20.

Século 20

Impressionismo do cargo, tal como praticada por Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh e Paul Cézanne teve um enorme impacto sobre Arte do século 20 e levou ao advento da abstração do século 20. A herança de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin, e Seurat era essencial para o desenvolvimento de arte moderna. No início do século 20 Henri Ma e vários outros artistas jovens, incluindo o pré-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck revolucionou o mundo da arte Paris com "selvagem", multi-colorido, expressivo, paisagens e pinturas de figuras que os críticos chamados Fauvismo. Com seu uso expressivo da cor e sua livre e imaginativo desenho Henri Matisse vem muito perto de pura abstração na janela francesa em Collioure, (1914), Vista de Notre-Dame, (1914), e A cortina amarela desde 1915. A linguagem crua de cores desenvolvido pela Fauves influenciou diretamente outro pioneiro da abstracção Wassily Kandinsky (ver ilustração).

Embora o cubismo , em última análise depende de assunto, tornou-se, juntamente com Fauvismo, o movimento de arte que diretamente abriu a porta à abstração no século 20. Pablo Picasso fez seus primeiros cubistas pinturas com base na ideia de Cézanne que toda representação da natureza pode ser reduzido para três sólidos: cubo , esfera e cone. Com a pintura Les Demoiselles d'Avignon de 1907, Picasso criou dramaticamente uma imagem nova e radical que descreve uma cena do bordel crua e primitiva com cinco prostitutas, mulheres violentamente pintadas, que relembram Máscaras tribais africanas e seus próprios novos cubistas invenções. cubismo analítico foi desenvolvido conjuntamente por Pablo Picasso e Georges Braque, de cerca de 1908 até 1912. cubismo analítico, a primeira manifestação clara do cubismo, foi seguido por cubismo sintético , praticado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e inúmeros outros artistas para a década de 1920. cubismo sintético é caracterizada pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos da colagem, papier collé e uma grande variedade de assuntos mescladas. Os artistas colagem como Kurt Schwitters e Man Ray e outros, tendo o pista de cubismo foram fundamentais para o desenvolvimento do movimento chamado Dada .

O poeta italiano Marinetti publicou 'A Fundação e Manifesto de Futurism'in 1909, que inspirou artistas como Carlo Carra em, 'Pintura de sons, ruídos e cheiros "e 'Train in Motion' Umberto Boccioni, 1911, para uma nova fase de abstração e movimentos da arte profundamente influenciadas por toda a Europa.

Em 1913, o poeta Guillaume Appollinaire chamado o trabalho de Robert e Sonia Delaunay, Orfismo. Ele definiu-o como, a arte de pintar novas estruturas fora de elementos que não foram emprestados a partir da esfera visual, mas tinha sido criado inteiramente pelo artista ... é uma arte pura.

Desde a virada do século conexões culturais entre artistas das grandes cidades europeias e norte-americanas haviam se tornado extremamente ativa como eles se esforçavam para criar uma forma de arte igual aos grandes aspirações de Modernismo. Idéias foram capazes de cruzar-fertilizar por meio de artistas livros, exposições e manifestos para que muitas fontes estavam abertos à experimentação e discussão, e formaram a base para uma diversidade de modos de abstração. O excerto seguinte, 'The World Backwards', dá uma impressão de a inter-relação da cultura na época:

' O conhecimento de David Burliuk dos movimentos de arte moderna deve ter sido extremamente up-to-date, para o segundo Valete de exposição Diamonds, realizada em janeiro de 1912 (em Moscou) incluía não só pinturas enviados a partir de Munique, mas alguns membros do Alemão Die Brücke grupo, enquanto que a partir de Paris veio trabalho por Robert Delaunay, Henri Matisse e Fernand Léger, assim como Picasso. Durante a Primavera David Burliuk deu duas palestras sobre o cubismo e planejado uma publicação polêmico, que o Valete de Ouros era financiar. Ele foi para o exterior em maio e voltou determinado a rivalizar com o almanaque Der Blaue Reiter, que havia emergido das impressoras enquanto ele estava na Alemanha ».

Em 1911 muitos trabalhos experimentais na busca dessa "arte pura" tinha sido criado. František Kupka tinha pintado o trabalho Orphist, "Discos de Newton'.The Rayist (Luchizm) desenhos de Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, usado linhas como os raios de luz para fazer uma construção. Kasimir Malevich completou seu primeiro trabalho totalmente abstrato, o Suprematista, 'Praça Black', em 1915. Outra do grupo suprematista " Liubov Popova, criou as construções arquitectónicas e Ordenamento da Força Construções entre 1916 e 1921. Piet Mondrian foi evoluindo sua linguagem abstrata, de linhas horizontais e verticais com retângulos de cor, entre 1915 e 1919, neoplasticismo era a estética que Mondrian, Theo van Doesburg e outro no grupo De Stijl destina-se a reformular o ambiente do futuro.

Música

Arte visual, como se torna mais abstrato torna-se mais como a música : uma forma de arte que utiliza os elementos abstratos de som e divisões do tempo. Wassily Kandinsky, ele próprio um músico, foi inspirado pela possibilidade de marcas e associativo retumbante cor na alma. A idéia tinha sido apresentada pela Charles Baudelaire, que todos os nossos sentidos responder a vários estímulos, mas os sentidos estão ligados a um nível mais profundo estético.

Intimamente relacionado com esta, é a idéia de que a arte tem a dimensão espiritual e pode transcender experiência "todos os dias", chegando a um plano espiritual. O Sociedade Teosófica popularizou a antiga sabedoria dos livros sagrados da ?ndia e da China, nos primeiros anos do século. Foi neste contexto que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint e outros artistas que trabalham no sentido de um "estado sem objeto 'tornou-se interessado no ocultismo como uma maneira de criar um objeto' interior '. As formas universais e atemporais encontrados em Geometria : o círculo, quadrado e triângulo tornar os elementos espaciais em arte; eles são, como a cor, sistemas fundamentais subjacentes realidade visível.

Russo avant-garde

Muitos dos artistas abstratos na Rússia tornou-se construtivistas acreditando que a arte já não era algo remoto, mas a vida em si. O artista deve tornar-se um técnico, aprendendo a usar as ferramentas e materiais de produção moderna. Art para a vida! Era Slogan de Vladimir Tatlin, e que de todas as futuras construtivistas. Varvara Stepanova e Alexandre Exter e outros abandonaram a pintura de cavalete e desviado suas energias para design de teatro e trabalhos gráficos. Por outro lado estava Kazimir Malevich, Anton Pevsner e Naum Gabo. Eles argumentaram que a arte era essencialmente uma atividade espiritual; para criar o lugar do indivíduo no mundo, a não organizar a vida em um sentido materialista prático. Muitos daqueles que eram hostis à idéia de produção materialista da arte deixou a Rússia. Anton Pevsner foi para a França, Gabo foi primeiro para Berlim, depois para a Inglaterra e, finalmente, para a América. Kandinsky estudou em Moscou, em seguida, partiu para o Bauhaus. Em meados da década de 1920 o período revolucionário (1917-1921), quando os artistas tinha sido livre para experimentar foi mais; e na década de 1930 única arte realista social era permitido.

A Bauhaus

A Bauhaus em Weimar, a Alemanha foi fundada em 1919 por Walter Gropius. A filosofia subjacente ao programa de ensino era a unidade de todas as artes plásticas e visuais de arquitetura e pintura para tecelagem e vitrais. Esta filosofia tinha crescido a partir das idéias do Artes e Ofícios movimento na Inglaterra e nos Deutsche Werkbund. Entre os professores eram Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, Theo van Doesburg e Laszlo Moholy-Nagy. Em 1925 a escola foi transferida para Dessau e, como o Partido nazista assumiu o controle em 1932, A Bauhaus foi encerrada. Em 1937, uma exposição de arte degenerada ", Entartete Kunst 'continha todos os tipos de arte avant-garde desaprovado pelo partido nazista. Em seguida, o êxodo começou: não apenas a partir do Bauhaus, mas da Europa em geral; para Paris, Londres e América. Paul Klee foi para a Suíça, mas muitos dos artistas na Bauhaus foi para a América.

Abstracção em Paris e Londres

Kurt Schwitters, Das Undbild de 1919, Staatsgalerie Stuttgart

Durante a década de 1930 Paris tornou-se o acolhimento de artistas da Rússia, Alemanha, Holanda e outros países europeus afectados pela subida de totalitarismo. Sophie Tauber e Jean Arp colaboraram em pinturas e esculturas usando formas orgânicas / geométricas. O polonês Katarzyna Kobro aplicado idéias baseadas matematicamente a escultura. Os vários tipos de abstração agora na proximidade levou a tentativas de artistas para analisar os vários agrupamentos conceituais e estéticos. Uma exposição de quarenta e seis membros do grupo Cercle et Carré organizado pela Michel Seuphor contida trabalho pelos Neo-Plasticists bem como abstracionistas tão variados como Kandinsky, Anton Pevsner e Kurt Schwitters. Criticado por Theo van Doesburg ser muito indefinido uma coleção que ele publicar a revista Art Concret estabelecendo um manifesto que define uma arte em que a linha, cor e superfície única, são a realidade concreta. Abstraction-Création fundada em 1931 como um grupo mais aberto, desde um ponto de referência para artistas abstratos, como a situação política agravou-se em 1935, e novamente se reagruparam artistas, muitos deles em Londres. A primeira exposição de arte britânica foi realizada na Inglaterra em 1935. No ano seguinte, o mais abstrato e Exposição Internacional de concreto foi organizado pela Nicolete cinza incluindo o trabalho por Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth e Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson e Gabo se mudou para o Grupo St. Ives, na Cornualha para continuar seu trabalho "construtivista".

América: Mid-Century

Durante a ascensão dos nazistas ao poder na década de 1930 muitos artistas fugiram da Europa para os Estados Unidos. Até o início dos anos 1940 os principais movimentos em arte moderna, expressionismo, cubismo, abstração, surrealismo e dadaísmo foram representados em Nova York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, Max Ernst, André Breton, foram apenas alguns dos europeus exilados que chegaram em New York .. Os ricos influências culturais trazidas pelos artistas europeus foram destiladas e construído em cima por pintores locais de Nova York. O clima de liberdade em New York permitiu todas essas influências para florescer. As galerias de arte que haviam principalmente focados na arte européia começou a notar a comunidade artística local eo trabalho de artistas norte-americanos mais jovens, que tinham começado a amadurecer. Alguns destes artistas tornou-se distintamente resumo em sua obra madura. Alguns artistas do período desafiaram a categorização, como Georgia O'Keeffe que, enquanto um abstracionista modernista, foi um maverick puro em que ela pintou formas altamente abstratos, enquanto não entrar em qualquer grupo específico do período. Eventualmente artistas americanos que estavam trabalhando em uma grande diversidade de estilos começaram a se aglutinam em grupos coesos estilísticas. O grupo mais conhecido de artistas americanos ficou conhecida como a Expressionistas abstratos e do Escola de Nova York. Em Nova York havia uma atmosfera que fomentou a discussão e houve nova oportunidade para aprender e crescer. Artistas e professores John D. Graham e Hans Hofmann tornou-se figuras ponte importante entre os modernistas europeus recém-chegados e os artistas norte-americanos mais jovens que vêm de idade. Mark Rothko , nascido na Rússia, começou com imagens fortemente surrealista que mais tarde se dissolveu em suas composições de cores poderosas do início dos anos 1950. O gesto expressionista eo próprio ato de pintar, tornou-se de primordial importância para Jackson Pollock e Franz Kline. Enquanto na década de 1940 Arshile Gorky e de Trabalho figurativo de Willem de Kooning evoluiu para abstração até o final da década. Nova York se tornou o centro, e artistas em todo o mundo gravitaram em direção a ela; de outros lugares na América também.

Abstração no século 21

A idéia comum é que pluralismo caracteriza a arte no início do século 21. A "crise" na pintura e arte atual e atual crítica de arte hoje é provocada por pluralismo. Não há consenso, nem precisa haver, como a um estilo representante da idade. Há um vale tudo atitude que prevalece; um "tudo o que acontece", e, consequentemente, "nada acontecendo" síndrome; isso cria um engarrafamento estética sem direção firme e clara e com cada pista na artístico superestrada lotado. Consequentemente magníficas obras de arte importantes e continuam a ser feitos ainda que de uma grande variedade de estilos e temperamentos estéticas, o mercado sendo deixado para julgar o mérito.

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Na abstração do século 21 continua muito na vista, seus temas principais: o transcendental, o contemplativo eo intemporal são exempified por Barnett Newman, John McLaughlin, e Agnes Martin, bem como mais jovens artistas vivos. A arte como objecto, como visto na Escultura minimalista de Donald Judd e as pinturas de Frank Stella ainda são vistos hoje em permutações mais recentes. A poética , Abstração lírica eo uso sensual de cor visto no trabalho de pintores tão diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, entre outros.

Houve um ressurgimento após a guerra e na década de 1950 do figurativo, como Neo-Dada, Fluxus, Arte Conceptual, Neo-expressionismo, Arte de instalação, Performance Art, Vídeo Arte e Pop art vieram para significar a época de consumismo. A distinção entre arte abstrata e figurativa, ao longo dos últimos vinte anos, tornam-se menos definidos deixando uma ampla gama de idéias para todos os artistas.

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