Escultura
Sabías ...
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La escultura es ilustraciones tridimensionales creadas formando o combinando materiales duros - típicamente piedra - o mármol, metal, vidrio o madera. ("Plástico") materiales más suaves también se pueden utilizar, como arcilla , textiles , plásticos, polímeros y metales blandos.
El término se ha ampliado a los trabajos incluyendo sonido, texto y la luz.
Los objetos encontrados se pueden presentar como esculturas. Los materiales pueden ser procesados por la eliminación como talla; o pueden ser montados tal como por soldadura , endurecidos por ejemplo disparando, o moldeado o fundido. Decoración de la superficie, tales como Puede aplicarse pintura. Escultura ha sido descrita como una de las artes plásticas, ya que pueden implicar el uso de materiales que pueden ser moldeados o modulada.
La escultura es una forma importante de arte público. Una colección de escultura en un jardín de ajuste puede ser referido como un jardín de esculturas.
Tipos de escultura
Algunas formas comunes de la escultura son:
- La escultura, la escultura que se encuentra rodeada por todos los lados autoportante, excepto la base, por el espacio. También se conoce como la escultura "en la ronda", y está destinado a ser visto desde cualquier ángulo.
- Escultura de sonido
- Escultura de luz
- Joyería o joyería
- Alivio - la escultura todavía está unido a un fondo; tipos son bajorrelieve, altorrelieve, y relieve hundido
- Arte site-specific
- Escultura cinética - involucra aspectos de movimiento físico
- Fuente - la escultura está diseñada con el movimiento del agua
- Mobile (véase también Stabiles de Calder.)
- Estatua - escultura que representa a un representacionalista específica entidad, por lo general una persona, evento, animales o objeto
- Busto - representación de una persona desde el pecho hacia arriba
- Estatua ecuestre - por lo general muestra a una persona significativa a caballo
- Arte Stacked - una forma de escultura formada por unión de objetos y 'apilar' ellos
- Escultura arquitectónica
- Arte Ambiental
- Escultura ambiental
- Land art
Los materiales de la escultura a través de la historia
Los materiales utilizados en la escultura son diversas, cambiantes a lo largo de la historia. Escultores han buscado generalmente para producir obras de arte que son tan permanente como sea posible, trabajando en materiales duraderos y con frecuencia costosos tales como bronce
y piedra: mármol, piedra caliza, pórfido y granito . Más raramente, materiales preciosos como oro , plata , jade y marfil fueron utilizados para obras criselefantinas. Más se utilizaron materiales comunes y menos costosos para la escultura para el consumo más amplio, incluyendo vidrio , maderas duras (como el roble , / caja de madera de boj, y cal / tilo); terracota y otros cerámicas y metales fundidos como estaño y zinc (peltre).
Esculturas son a menudo pintado, pero comúnmente perder su pintura en cuando, o restauradores. Muchas técnicas de pintura diferentes se han utilizado en la fabricación de escultura, incluyendo tempera, [la pintura al óleo], dorado, pintura de casas, aerosol, esmalte y arenado.
Muchos escultores buscan nuevas formas y materiales para hacer arte. Jim Gary usa vidrieras y piezas de automóviles, herramientas, piezas de la máquina y el hardware. Uno de de Pablo Picasso esculturas más famosas incluyen bicicleta partes. Alexander Calder y otros modernistas hicieron uso espectacular de pintado de acero . Desde la década de 1960, acrílicos y otros plásticos se han utilizado también. Andy Goldsworthy hace sus esculturas efímeras inusualmente a partir de materiales naturales casi en su totalidad en escenarios naturales. Algunos escultura, como escultura de hielo, esculturas de arena , y escultura de gas, es deliberadamente de corta duración.
Escultores suelen construir pequeñas obras preliminares llamados maquetas de materiales efímeros como Escayola, cera, arcilla o plastilina, como Alfred Gilbert hizo por 'Eros' en Piccadilly Circus, Londres. En Retroarchaeology, estos materiales son generalmente el producto final.
Escultores utilizan a veces objetos encontrados.
Asiático
Muchas formas diferentes de escultura fueron utilizados en Asia , con ser muchos pedazos arte religioso basado en el hinduismo y el budismo ( arte budista ) y greco-budista arte. Una gran parte de Camboya hindú escultura se conserva en Angkor , sin embargo organizado saqueo ha tenido un fuerte impacto en muchos sitios en todo el país. En Tailandia, la escultura era casi exclusivamente de imágenes de Buda. Muchas esculturas o templos tailandeses son dorados, y en ocasiones enriquecidos con incrustaciones. Ver también Arte tailandés
Este De Asia
China
Los artefactos de China, se remontan ya en 10.000 antes de Cristo y el chino experto artesanos habían estado activos desde muy temprano en la historia, pero la mayor parte de lo que se muestra como la escultura proviene de unos períodos históricos seleccionados. El primer período de interés ha sido la Dinastía Zhou del Oeste (1050-771 aC), de la que viene de una variedad de vasijas de bronce fundido intrincados. El próximo período de interés fue el Dinastía Han (206 aC-220 dC), comenzando por la espectacular Ejército de Terracota montado para la tumba de Qin Shi Huang , el primer emperador de la importante pero de corta duración dinastía Qin que precedió a los han. Tumbas excavadas en el período Han han revelado muchas figuras que se encuentran a ser vigoroso, directo y atractivo 2000 años después.
La primera escultura budista se encuentra data del Período de los Tres Reinos (siglo tercero), mientras que la escultura de la Grutas de Longmen cerca Luoyang, La provincia de Henan ( Wei del Norte, quinto y sexto siglo) ha sido ampliamente reconocida por su especial cualidades elegante.
El período ahora considerado como Edad de oro de China es la Dinastía Tang , coincidiendo con lo que en Europa se llama a veces la Edad Oscura). Figuras decorativas como las que se muestra a continuación se hizo muy popular en la cultura euro-americana del siglo 20, y se pusieron a disposición a granel, como señores de la guerra en las guerras civiles chinos les exportan a recaudar dinero. Considerado especialmente deseable, e incluso profundo, era la escultura budista, a menudo monumental, que comenzó en la dinastía Sui, inspirado en el arte greco-budista de Asia Central, y muchos son considerados tesoros del arte mundial.
Tras la Tang, el interés occidental en artefactos chinos cae drásticamente, a excepción de lo que podría considerarse como muebles ornamentales, y sobre todo en objetos jade. La cerámica de muchos períodos que se ha recogido, y de nuevo el período Tang se destaca además por su libre, sentimiento fácil. Escultura china no tiene desnudos-otros, quizás, que figuras hechas para la formación médica o en la práctica, y muy poco en comparación con el retrato de la tradición europea. Un lugar donde fue perseguido retrato escultórico, sin embargo, fue en los monasterios.
Casi nada, aparte de joyas, jade, cerámica o es recogida por museos de arte después de la dinastía Ming terminó a finales del siglo 17, y absolutamente nada todavía ha sido reconocida como la escultura del tumultuoso siglo 20, aunque hubo una escuela de soviético influenciado escultura realista social en las primeras décadas del régimen comunista, y como el cambio de siglo, los artesanos chinos comenzaron a dominar los géneros comerciales escultura (las placas colectoras, figuras, juguetes, etc.) y vanguardistas artistas chinos comenzó a participar en el euro empresa -American del arte contemporáneo.
Jarra de vino, Dinastía Zhou del Oeste (1050 aC-771 aC)
Calvalryman, Dinastía Qin
Soldado del ejército de terracota y el caballo de la dinastía Qin
Quimera (de una tumba), Dinastía Han (202 aC-220 dC)
Figura tumba, Dinastía Han (202 aC-220 dC)
Dinastía Wei del Norte Maitreya (386-534)
-
Dinastía Tang jinete (618-907)
Dinastía Tang figurilla chica (618-907)
Boddisatva, dinastía Tang (618-907)
Sentado Buda , Dinastía Tang ca. 650.
La Gran Buda de Leshan, Dinastía Tang , completado en 803.
Retrato del monje, la dinastía Song , del siglo 11
Una madera Bodhisattva de la dinastía Song (960-1279)
Una vidriera estatua de gres, de la dinastía Ming (siglo 16)
Estatua de Guanyin, por Chaozhong Él, de la dinastía Ming (1368-1644)
Estatua bajo vidriado azul de un hombre con su pipa, desde Jingdezhen, la dinastía Ming (1368-1644)
Siglo señora, mid-19th del doctor
Japón
Se realizaron pinturas y esculturas Innumerables, a menudo bajo el patrocinio gubernamental. La mayor escultura japonesa se asocia con la religión, y el uso medio 'declinó con la importancia disminución del budismo tradicional. Durante el período Kofun del siglo III, esculturas de arcilla llamados haniwa se levantaron tumbas fuera. Dentro de la Kondo en Hōryū-ji es un Shaka Trinidad (623), el Buda histórico, flanqueada por dos bodhisattvas y también el Reyes Guardianes de las cuatro direcciones. La imagen de madera (novena c.) De Shakyamuni, el "histórico" Buda, consagrado en un edificio secundario en el Muro-ji, es típica de principios Escultura Heian, con su pesado cuerpo, cubierto por los pliegues de las cortinas gruesas talladas en la hompa-shiki (onda rodadura) estilo, y su austera expresión facial, retirada. La escuela Kei de escultores, especialmente Unkei, creó un nuevo estilo, más realista de la escultura.
Asia Central
Arte greco-budista es la manifestación artística de Grecobudismo , un carácter cultural sincretismo entre el griego clásico la cultura y el budismo , que se desarrolló en un período de cerca de 1.000 años en Asia Central, entre las conquistas de Alejandro Magno en el Cuarto siglo antes de Cristo, y los islámicos conquistas de la CE del siglo séptimo. Arte greco-budista se caracteriza por el fuerte realismo idealista del arte helenístico y las primeras representaciones de Buda en forma humana, que han ayudado a definir la artística (y en particular, escultórica) canon para el arte budista en todo el continente asiático hasta el presente. También es un fuerte ejemplo de culturales sincretismo entre las tradiciones orientales y occidentales.
Los orígenes del arte greco-budista se encuentran en el helenístico Greco-bactriano reino (250 BCE- 130 aC), situado en el actual Afganistán , de la que la cultura helenística irradiaba en el Subcontinente indio con el establecimiento de la Indogriego reino (180 aC-10 aC). Bajo la Indo-griegos y luego el Kushans, la interacción de la cultura griega y budista floreció en la zona de Gandhara, en el norte de la actual Pakistán , antes de extenderse aún más en la India , que influyen en el arte de Mathura, y luego el hindú arte de la Imperio Gupta, que iba a extender al resto de Asia sudoriental. La influencia del arte greco-budista también se extendió hacia el norte hacia Asia Central, afectando fuertemente el arte de la Cuenca del Tarim, y en última instancia, las artes de China, , Corea y Japón .
Fragmento del dios del viento Boreas, Hadda, Afganistán .
Gandhara Atalante.
Atalante alas.
El Buda, flanqueado por Heracles / Vajrapani y Tyche / Hariti.
Gandhara Poseidón ( Antiguo Oriente Museo)
Tritón
Asia Del Sur
India
Las esculturas primera conocidas son de la civilización del valle del Indo (3300-1700 aC), que se encuentra en los sitios en Mohenjo-Daro y Harappa en la actual Pakistán . Más tarde, como el hinduismo , el budismo , y Jainismo desarrollándose, India produjo bronces y esculturas de piedra de gran complejidad, como las famosas esculturas de los templos que adornan varios santuarios hindúes, jainistas y budistas. Algunos de ellos, como los templos de la cueva de Ellora y Ajanta, son ejemplos de Arquitectura rupestre de la India, tal vez los esquemas escultóricas más grandes y ambiciosos del mundo.
Las esculturas de piedra arenisca de color rosa de Mathura evolucionó durante el Época del Imperio Gupta (siglo 4 al 6 dC) para llegar a una muy alta finura de ejecución y la delicadeza en el modelado. Gupta periodo arte más tarde influir en estilos chinos durante la dinastía Sui y los estilos artísticos en el resto de este de Asia. Esculturas recientes en Afganistán , en estuco, esquisto o arcilla, pantalla muy fuerte mezcla de indio manierismo post-Gupta y la influencia clásica. Los bronces célebres de la Chola dinastía (c. 850 a 1250) de sur de la India son de particular interés; la figura icónica de Nataraja es el ejemplo clásico. Las tradiciones de la escultura india continúan en los siglos 20 y 21 con, por ejemplo, la talla de granito Mahabalipuram derivado de la Dinastía Pallava. Escultura india contemporánea es típicamente polimorfa pero incluye figuras célebres como Dhruva Mistry.
Hindú, período Chola, el año 1000
Bronce Chola-ra, siglos 11 al 12
Hoysala emblema
Siglo 13 Ganesha
Siva y Parvati
Ellora Kailash templo de Shiva
Bhudevi
La escultura del siglo 14
En Khajuraho
en Ellora cueva
Escultura en Parsurameswar Templo, Bhubaneswar
Escultura de Baile de la mujer en el templo Parsurameswar
Señor Vishnu en Bhubaneswar
Una escultura en Mukteswar templo, Bhubaneswar
África
Arte africano tiene un énfasis en Escultura - artistas africanos tienden a favorecer a las obras de arte en tres dimensiones sobre las obras bidimensionales.
Esculturas africanas
El estilo, claves estéticas características, los materiales y las técnicas utilizadas en la creación de una escultura refleja la región de la que procede. Esculturas menudo tienen funciones únicas que varían ampliamente de una región geográfica a otra.
En África occidental, las esculturas más tempranas conocidas son de la cultura Nok de Nigeria, que data alrededor del año 500 antes de Cristo. Las cifras de esculturas de África Occidental suelen tener cuerpos alargados, formas angulares, y rasgos faciales que representan un ideal más que un individuo. Estas cifras se utilizan en rituales religiosos. Están hechos para tener superficies que a menudo se recubren con materiales que les impone para las ofrendas ceremoniales. En contraste con estas esculturas de África Occidental son las de los pueblos de habla Mande de la misma región. Las piezas Mande son de madera y tienen superficies anchas y planas. Sus brazos y piernas tienen forma de cilindros.
En África central, sin embargo, las principales características distintivas son rostros en forma de corazón que se curvan hacia adentro y patrones de visualización de los círculos y puntos. Aunque algunos grupos prefieren formas faciales más geométricas y angulares, no todas las piezas son exactamente los mismos, ni son hechos del mismo material. El material principal es de madera, aunque también se utilizan marfil, hueso, piedra, arcilla y metal. La región de África Central ha muy llamativo estilos que son muy fáciles de identificar, haciendo la identificación regional muy fácil.
Los africanos orientales no son conocidos por su escultura, pero, un tipo que se crea en esta área es esculturas de polos, que son polos talladas en formas humanas, decorados con formas geométricas, mientras que las copas están talladas con figuras de animales, personas, y varios objetos. Estos polos son, entonces, colocados junto a las tumbas y se asocian con la muerte y el mundo ancestral.
Más antiguo conocido arcilla cifras fecha de África del Sur 400-600 dC y tienen cabezas cilíndricas. Estas figuras de arcilla tienen una mezcla de rasgos humanos y animales. Aparte de figuras de barro, también hay reposacabezas de madera que fueron enterrados con sus dueños. Los reposacabezas tenían estilos que van desde formas geométricas a figuras de animales. Cada región tenía un estilo único y sentido a sus esculturas. El tipo de material y el propósito de la creación de la escultura en África reflejan la región de la cual se crean las piezas.
Egipto
La escultura monumental del antiguo Egipto es mundialmente famoso, pero pequeñas obras refinadas y delicadas son también una característica. El antiguo arte de la escultura egipcia evolucionó para representar a las antiguas deidades egipcias faraones, reyes, e incluso los funcionarios y miembros del personal, en forma física. Convenciones muy estrictas fueron seguidos mientras que la elaboración estatuas: estatuas masculinas eran más oscuras que las mujeres; en estatuas sedentes, se exigió a las manos para ser colocado en las rodillas y las reglas específicas gobernado aparición de cada deidad egipcia. Las obras artísticas fueron clasificados de acuerdo con el exacto cumplimiento de todas las convenciones y los convenios fueron seguidos de forma tan estricta que más de tres mil años, muy pocos cambios en la apariencia de las estatuas, excepto durante un breve período de durante el gobierno de Akhenatón y -cuando Nefertiti fue animado representación naturalista.
Las Americas
Escultura en lo que hoy es América Latina desarrolló en dos áreas separadas y distintas, Mesoamérica en el norte y Perú en el sur. En ambas áreas, la escultura fue inicialmente de piedra, y más tarde de terracota y metal como las civilizaciones en estas áreas se hicieron más con conocimientos tecnológicos. La región mesoamericana produjo escultura más monumental, de los trabajos de tipo bloque masivas de la olmeca y Culturas tolteca, a la magnífica bajo relieves que caracterizan a los mayas y aztecas culturas. En la región andina, esculturas eran por lo general pequeñas, pero a menudo muestran excelente habilidad.
En América del Norte, la madera fue esculpida por Tótems, máscaras, utensilios, Canoas de guerra y una variedad de otros usos, con una variación distinta entre las diferentes culturas y regiones. Los estilos más desarrollados son los de la Pacific Northwest Coast, donde un grupo de elaborados y muy estilizadas estilos formales desarrolló formando la base de una tradición viva que está en un renacimiento de hoy (ver Bill Reid) y se ha trasladado a otros medios, tales como plata, oro y materiales modernos. La introducción de herramientas de metal introdujo nuevas técnicas de talla, incluyendo el uso de un tipo negro de argilita, también llamado negro de la pizarra, que es exclusivo para uso de los artistas de la Pueblo Haida.
Además de los famosos tótems, pintado y tallado fachadas de las casas se complementaron con tallados mensajes dentro y por fuera, así como figuras funerarias y otros artículos. Entre las Inuit del lejano norte, estilos de tallado tradicionales de marfil y esteatita se han ampliado a través del uso de herramientas eléctricas modernas en las nuevas orientaciones de la cultura Inuit que, como el arte de la Costa Noroeste, muy codiciada por los coleccionistas por sus formas plásticas y interpretación innovadora de la figura y la historia.
La llegada de la cultura católica europea adaptar fácilmente las capacidades locales para la prevaleciente barroco estilo, produciendo enormemente complicado retablos y otros en su mayoría esculturas de la iglesia en una variedad de estilos híbridos. El más famoso de esos ejemplos en Canadá es el área del altar de la Basílica de Notre Dame, en Montreal, Quebec, que fue tallada por los campesinos trabajadores habitant. Más tarde, los artistas formados en la tradición académica occidental siguieron estilos europeos hasta que a finales del siglo XIX comenzaron a dibujar de nuevo en las influencias indígenas, sobre todo en el estilo grotesco barroco mexicano conocido como Churrigueresco. Pueblos aborígenes también adaptados escultura iglesia en variaciones en Carpintero gótico; Un ejemplo famoso es la Iglesia de la Santa Cruz en Skookumchuck Hot Springs, Columbia Británica.
La historia de la escultura en los Estados Unidos después de la llegada de los europeos refleja la fundación del campo del siglo 18 en romanos valores cívicos republicanos y El cristianismo protestante. En comparación con las zonas colonizadas por los españoles, la escultura tiene un comienzo muy lento en las colonias británicas, con casi ningún lugar en las iglesias, y sólo recibió un impulso por la necesidad de afirmar la nacionalidad después de la independencia. Escultura americana de mediados y finales del siglo 19 era a menudo clásica, a menudo romántica, pero mostró una inclinación para una dramática, narrativa, realismo casi periodística. Los edificios públicos durante el último cuarto del siglo 19 y la primera mitad del siglo 20 a menudo proporcionan un entorno arquitectónico para la escultura, sobre todo en relieve. Por la década de 1950, la educación escultura tradicional sería casi completamente reemplazada por una Bauhaus-influenciado preocupación por abstracta diseño. Escultura minimalista sustituye la figura en lugares públicos y arquitectos casi completamente dejado de usar la escultura en o sobre sus diseños. Escultores modernos (siglo 21) utilizan ambos diseños clásicos y abstractos inspirados. A partir de la década de 1980, hubo un giro de nuevo hacia la escultura pública figurativa; para el año 2000, muchas de las nuevas piezas públicas en los Estados Unidos eran figurativas en el diseño.
Europa
La escultura europea más temprana hasta la fecha retrata a una mujer formar, y se ha estimado en que data de hace 35.000 años. El descubrimiento en 2008 ha causado expertos para revisar la historia de la evolución del arte.
Greco-romano-clásica
Las características únicas de la tradición clásica europea:
- figuras llenas: el uso de la joven, atlético masculino o con cuerpo desnudo femenino
- retratos: mostrar signos de la edad y el carácter fuerte
- el uso de traje clásico y atributos de deidades clásicas
- La preocupación por el naturalismo basado en la observación, a menudo a partir de modelos vivos
Características que las acciones europeas tradición clásica con muchos otros:
- personajes presentan una actitud de distancia y satisfacción interior
- detalles no interrumpen el sentido del ritmo entre los volúmenes sólidos y los espacios que los rodean
- piezas sienten sólidos y más grande de lo que realmente son
- espacio ambiente se siente sagrado o intemporal
El tema de la desnudez
Una cifra sin adornos en la escultura clásica griega era una referencia a la condición o función de la persona representada, deidad, o de otro ser. Los atletas, sacerdotisas y deidades podían ser identificados por su adorno o falta de ella.
El Renacimiento preocupación por la imaginería clásica griega, como el siglo quinto antes de Cristo Doríforo de Policleto, dirigidos a las estatuas figurativas desnudos ser vistos como la "forma perfecta" de la representación para el cuerpo humano. Posteriormente, la desnudez en la escultura y la pintura a menudo ha representado una forma de ideales, ya sea la inocencia, la apertura, o pureza. Esculturas desnudas todavía son comunes. Al igual que en la pintura, que a menudo se hacen como los ejercicios en los esfuerzos para comprender la anatomía estructura del cuerpo humano y desarrollar habilidades que sirvan de fundamento para hacer obra figurativa vestida.
Por lo general, las estatuas desnudas son ampliamente aceptados por muchas sociedades, en gran parte debido a la longitud de la tradición que apoya esta forma. De vez en cuando, la forma desnuda dibuja objeciones, a menudo por grupos morales o religiosas. Los ejemplos clásicos de esto son la eliminación de las partes de la escultura griega que representa los genitales masculinos (en el Colección del Vaticano), y la adición de una hoja de parra para un molde de yeso de Miguel Ángel 's escultura de David de la reina Victoria 's visita a la Museo Británico.
Gótico
Escultura gótica evolucionó de la rigidez temprano y estilo alargado, aún en parte románico, en una sensación espacial y naturalista a finales del 12 y principios del siglo 13. Las estatuas de arquitectura en la occidental (Royal) Portal en la catedral de Chartres (c. 1145) son las esculturas góticas más tempranas y fueron una revolución en el estilo y el modelo para una generación de escultores. Antes de esto no había habido tradición de escultura en Escultores Ile-de-France-so fueron traídos de Borgoña. Catedral de Bamberg tuvo el mayor conjunto de la escultura del siglo 13. En Inglaterra la escultura estaba más limitada a las tumbas y decoraciones no estatuilla. En Italia todavía había una influencia clásica, pero gótico hecho incursiones en las esculturas de los púlpitos como el púlpito de Pisa Baptisterio (1260) y el púlpito de Siena (1268). Escultor holandés-borgoñón Claus Sluter y el gusto por el naturalismo marcó el principio del fin de la escultura gótica, evolucionando hacia el estilo clasicista del Renacimiento a finales del siglo 15.
Renacimiento
Aunque el Renacimiento comenzó en diferentes momentos en diferentes partes de Europa (algunas áreas crearon el arte ya en el estilo gótico que otras áreas) la transición del gótico al renacimiento en Italia fue señalado por una tendencia hacia el naturalismo con un guiño a la escultura clásica. Uno de los escultores más importantes del renacimiento clásico era Donatello. El mayor logro de lo que el arte historiadores se refieren como su período clásico es la estatua de bronce titulada David (que no debe confundirse con el David de Miguel Ángel), que actualmente se encuentra en el Bargello de Florencia. En el momento de su creación, fue la primera estatua desnuda independiente desde la antigüedad. Concebido plenamente en la ronda e independiente de cualquier entorno arquitectónico, en general se considera que es la primera gran obra de la escultura renacentista. El movimiento afectó a todos los aspectos del arte, en todas partes de Italia; representada por el renacimiento consciente de fuentes arqueológicas de la antigua mesa de comedor, por el gran escultor Tullio Lombardo, para el Castello di Roncade en el Véneto (la casa con el primer frontón independiente desde la antigüedad.)
Durante la principal Renacimiento, el tiempo desde 1500 a 1520, Miguel Ángel fue un escultor activo con obras como David y la Piedad, así como la Virgen Doni, Baco, Moisés, Rachel, Orgetórix, y miembros de la familia Medici. David de Miguel Ángel es posiblemente la más famosa escultura en el mundo, que se dio a conocer el 8 de septiembre de 1504. Es un ejemplo de la estilo contrapposto de plantear la figura humana, que toma prestado de nuevo desde la escultura clásica. Estatua de Miguel Ángel de David se diferencia de las representaciones anteriores de la materia en que David se muestra antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En vez de ser mostrado victorioso sobre un enemigo mucho más grande que él, David se ve tenso y listo para la batalla.
Manierista
Durante el período manierista, representaciones más abstractas fueron elogiados, (como la "figura serpentinata" o "figura retorcida") dando más pensado para dar color y composición en lugar de representación realista de los sujetos en la pieza. Esto se ejemplifica en Secuestro de Giambologna / Violación de las Sabinas, donde las cifras no están colocadas de manera que es nada cómodo, o incluso humanamente posible, pero la posición y la emoción todavía se encuentran. Otro ejemplo de la forma es Benvenuto Cellini de 1540 salero de oro y ébano, con Neptuno y Anfitrite (tierra y agua) en forma alargada y posiciones incómodas (posturas inverosímiles).
Barroco
En la escultura barroca, grupos de figuras tomado un nuevo aspecto, y no había un movimiento dinámico y la energía del humano formas- que en espiral alrededor de un vórtice central vacía, o llegaron hacia el exterior en el espacio circundante. Por primera vez, la escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales. La escultura barroca característica añade elementos extra-escultóricas, por ejemplo, iluminación oculta, o fuentes de agua. A menudo, los artistas barrocos fusionan la escultura y la arquitectura que busca crear una experiencia transformadora para el espectador. Gian Lorenzo Bernini fue sin duda el más importante escultor de la época barroca. Sus obras fueron inspiradas por las esculturas helenísticas de la antigua Grecia y la Roma Imperial. Una de sus obras más famosas es El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652).
Neoclásico
El período neoclásico (c.1750-1850) fue una de las grandes épocas de la escultura pública, a pesar de sus prototipos "clásicos" tenían más probabilidades de ser copias romanas de esculturas helenísticas. En la escultura, los representantes más conocidos son el italiano Antonio Canova, el inglés John Flaxman y el danés Bertel Thorvaldsen. La manera neoclásica Europea también se afianzó en los Estados Unidos, donde se produjo algo más tarde su pináculo y se ejemplifica en las esculturas de Hiram Powers.
Clasicismo moderno
Clasicismo moderno contrasta en muchos aspectos con la escultura clásica del siglo 19 que se caracterizó por los compromisos con el naturalismo ( Antoine-Louis Barye) - lo melodramático ( François Rude) sentimentalismo ( Jean Baptiste Carpeaux) - o una especie de grandiosidad majestuosa ( Lord Leighton). Se tomaron varias direcciones diferentes en la tradición clásica como el cambio de siglo, pero el estudio del modelo en vivo y la tradición post-renacentista seguía siendo fundamental para ellos.
Auguste Rodin fue el más renombrado escultor europeo de principios del siglo 20. A menudo se le considera una escultural impresionista , como son sus estudiantes Camille Claudel, Medardo Rosso, Paolo Troubetzkoy, Rik Wouters, y Hugo Rheinhold, tratando de modelar de un momento fugaz de la vida ordinaria.
Clasicismo moderno mostró un menor interés por el naturalismo y un mayor interés en la estilización formal. Se prestará una mayor atención a los ritmos de volúmenes y espacios -, así como una mayor atención a las cualidades contrastantes de superficie (abierta, cerrada, plana, rotos, etc.), mientras que se presta menos atención a la narración de historias y detalles convincentes de la anatomía o de disfraces . Se prestará una mayor atención a los efectos psicológicos que al realismo físico. Se prestará una mayor atención a lo que mostraba era eterno y pública, en lugar de lo que era momentáneo y privado. Se prestará una mayor atención a los ejemplos de antiguas y medievales artes sagradas: Egipcia, de Oriente Medio, Asia, África y Mesoamérica. La grandiosidad seguía siendo una preocupación, pero en un contexto más amplio en todo el mundo.
Los primeros maestros del clasicismo moderno incluyen: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi.
A medida que avanzaba el siglo, se adoptó el clasicismo moderno como el estilo nacional de los dos grandes imperios totalitarios europeos: Alemania nazi y la Rusia soviética, quien co-optado el trabajo de artistas anteriores como Kolbe y Wilhelm Lehmbruck en Alemania y Matveyev en Rusia. Alemania nazi tenía una carrera de 12 años; pero en los 70 años de la URSS, las nuevas generaciones de escultores fueron entrenados y elegidos dentro de su sistema, y un estilo distintivo, realismo socialista, desarrollado, que regresó a la insistencia del siglo 19 en el melodrama y el naturalismo.
Formación clásica se desarraigó de la educación artística en Europa Occidental (y América) para 1970 y las variantes clásicas del siglo 20 fueron marginados en la historia de la modernidad. Pero clasicismo continuó como el fundamento de la educación artística en las academias soviéticas hasta 1990, proporcionando una base para la figuración expresiva en toda Europa oriental y partes de Oriente Medio. Para el año 2000, la tradición clásica europea mantiene un gran atractivo para los espectadores - especialmente los turistas - y especialmente para los antiguos, renacentistas, barrocos y períodos -pero siglo 19 le espera una tradición educativa para revivir su desarrollo contemporáneo.
En el resto de Europa, y el Estados Unidos moderno clásico se convirtió sea más decorativas / art deco ( Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) o de manera más abstracta estilizada o más expresivo (y gótico) ( Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) - o se volvió más al Renacimiento ( Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) o se mantuvo igual ( Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernismo
Movimientos escultura modernistas incluyen Cubismo, La abstracción geométrica, De Stijl, Suprematismo, el constructivismo , el dadaísmo , Surrealismo, Futurismo, Formalismo El expresionismo abstracto, Arte Pop, Minimalismo, Land art, y El arte de instalación, entre otros.
En los primeros días del siglo 20, Pablo Picasso revolucionó el arte de la escultura cuando él comenzó a crear sus construcciones formado mediante la combinación de objetos y materiales dispares en una sola pieza construida de escultura. Picasso reinventó el arte de la escultura con su uso innovador de la construcción de una obra en tres dimensiones con materiales dispares. Así como el collage fue un desarrollo radical en dos dimensiones del arte; también lo fue la construcción de un desarrollo radical en tres dimensiones la escultura. El advenimiento de El surrealismo llevó a las cosas de vez en cuando ser descritos como "escultura" que no habría sido tan previamente, como "escultura involuntaria" en varios sentidos, entre ellos coulage. En años posteriores Pablo Picasso se convirtió en un prolífico ceramista y alfarero, revolucionando la forma de arte de cerámica se percibe. George E. Or y escultores más contemporáneos como Peter Voulkos, Kenneth Precio, Robert Arneson y George Segal y otros han utilizado con eficacia la cerámica como un importante medio integral de su trabajo.
Del mismo modo, la obra de Constantin Brancusi a principios del siglo allanó el camino para la escultura abstracta después. En revuelta contra el naturalismo de Rodin y sus contemporáneos finales del siglo 19, Brancusi destila sujetos abajo a sus esencias como lo ilustra su Pájaro en el espacio (1924) serie. Estas formas elegantemente refinados se convirtieron en sinónimo de la escultura del siglo 20. En 1927, Brancusi ganó una demanda contra las autoridades aduaneras estadounidenses que intentaron poner en valor su escultura como el metal en bruto. La demanda llevó a los cambios legales que permitan la importación de arte abstracto libre del deber.
Impacto de Brancusi, con su vocabulario de reducción y abstracción, es visto a través de los años 1930 y 1940, y se ejemplifica por artistas comoGaston Lachaise,Sir Jacob Epstein,Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González,Pablo Serrano,Jacques Lipchitz y más tarde en el siglo porCarl Andre yJohn Safer quien añadió movimiento y monumentalidad al tema de la pureza de líneas.
Desde la década de 1950las tendencias de la escultura modernista tanto abstracta y figurativa han dominado la imaginación del público y la popularidad de la escultura modernista había dejado de lado el enfoque tradicional.Picassofue el encargado de hacer una maqueta de una enorme de 50 pies (15 m) -alta escultura pública que se construirá enChicago, conocido generalmente como el Chicago Picasso. Se acercó al proyecto con un gran entusiasmo, el diseño de una escultura que era ambigua y algo polémico. Lo que la figura representa no se conoce; podría ser un pájaro, un caballo, una mujer o una forma totalmente abstracto. La escultura, uno de los hitos más reconocibles en el centro de Chicago, se dio a conocer en 1967. Picasso se negó a pagar 100.000 dólares por ella, donarlo a la gente de la ciudad.
A finales de los años 1950 y la década de 1960 escultores abstractos comenzaron a experimentar con una amplia gama de nuevos materiales y diferentes enfoques para la creación de su trabajo. Imaginería surrealista, abstracción antropomórfica, nuevos materiales y combinaciones de nuevas fuentes de energía y las superficies y objetos variados convirtieron en característica de gran parte nueva escultura modernista. Proyectos de colaboración con diseñadores, arquitectos, paisajistas y arquitectos paisajistas ampliaron el sitio al aire libre y la integración contextual.
Artistas como Isamu Noguchi,David Smith,Alexander Calder,Jean Tinguely,Richard Lippold,George Rickey,Louise Bourgeois yLouise Nevelson llegaron a caracterizar el aspecto de la escultura moderna., y elminimalista obras dede Tony Smith,Robert Morris,Donald Judd,Larry Bell,Anne Truitt,Giacomo Benevelli,Arnaldo Pomodoro,Richard Serra,Dan Flavin y otros llevaron escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones.
Por la década de 1960 el expresionismo abstracto, la abstracción geométrica y el minimalismo predominaron. Algunas obras de la época son: la Cubi obras de David Smith, y las obras de acero soldadas de Sir Anthony Caro, el trabajo a gran escala de John Chamberlain, y las obras de instalación de escala del medio ambiente por Marcos di Suvero.
Durante la década de 1960 y 1970 la escultura figurativa de artistas modernistas en formas estilizadas de artistas como: Leonard Baskin, Ernest Trova, Marisol Escobar, Paul Thek y Manuel Neri se hizo popular. En la década de 1980 varios artistas, entre otros, la exploración de la escultura figurativa fueron Robert Graham en un estilo clásico articulado, y Fernando Botero traer "figuras de gran tamaño" de su pintura en esculturas monumentales.
Minimalismo
La Estilo minimalista reduce la escultura de sus características más esenciales y fundamentales. Minimalistas incluyen a Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, y Dan Flavin;
Movimiento específico del sitio
Sitio específico y obras de arte del medio ambiente están representados por los artistas: Donald Judd, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, y Christo y Jeanne-Claude llevado escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones. Los artistas crean escultura ambiental en los sitios expansivas en el ' land art en el oeste americano 'grupo de proyectos. Estos land art o "arte terrestre obras de escultura escala ambiental ejemplificados por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell ( Roden Cráter) y otros
La land art (arte de la tierra) obras de escultura escala del medio ambiente porRobert Smithson,Michael Heizer,James Turrell y otros
Postminimalismo
Artistas Bill Bollinger,Eva Hesse,Sol LeWitt, Jackie Winsor,Keith Sonnier,Bruce Nauman, yLucas Samaras, entre otros fueron pioneros depostminimalista sculpture.The tarde obras deRobert Graham continuaron evolucionando, a menudo enlos ajustes de arte público, en el siglo 21 .
También durante los años 1960 y 1970 artistas tan diversos como Stephen Antonakis,Chryssa,Walter De Maria,Dan Flavin,Robert Smithson,Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz,Duane Hanson yJohn DeAndrea explorado la abstracción, las imágenes y la figuración a travésLuzescultura,Land art, yel arte de instalación de nuevas maneras.
Readymade
El término encontró arte - objeto encontrado con mayor frecuencia (en francés: objet trouvé) o readymade - describe el arte creado a partir de la utilización no disimulada, pero a menudo modificado, de objetos que normalmente no se consideran arte, a menudo porque ya tienen una función mundana, utilitario. Marcel Duchamp fue el creador de este a principios del siglo 20 con piezas como fuente.
Arte Conceptual
El arte conceptual es arte en el que el concepto (s) o idea (s) que participan en el trabajo tienen prioridad sobre las preocupaciones estéticas y materiales tradicionales.Los trabajos incluyenUno y Tres Sillas, 1965, es porJoseph Kosuth, yun árbol de roble por Michael Craig-Martin.
El posmodernismo
Escultura posmoderna ocupa un campo más amplio de actividades que la escultura modernista, como ha observado Rosalind Krauss. Su idea de la escultura en el campo expandido identificó una serie de oposiciones que describen las distintas actividades de la escultura como que son la escultura postmoderna:
- Site-construcciónes la intersección de paisaje y arquitectura
- Estructuras axiomáticases la combinación de la arquitectura y la no-arquitectura
- Sitios marcadoses la combinación de paisaje y no-paisaje
- Esculturaes la intersección de la no-paisaje y no-arquitectura
Preocupación Krauss estaba creando una explicación teórica que podría encajar adecuadamente los desarrollos deLand art,escultura minimalista yel arte del sitio-específica en la categoría deescultura.Para ello, su explicación creado una serie de oposiciones alrededor de la relación de la obra con su entorno .
Géneros contemporáneos
Algunas formas de la escultura moderna ahora se practican al aire libre, como el arte del medio ambiente y la escultura del Medio Ambiente, y con frecuencia a la vista de los espectadores, lo que les da el parentesco de arte de performance en los ojos de algunos. Escultura de hielo es una forma de escultura que utiliza el hielo como la prima material. Es muy popular en China, Japón, Canadá, Suecia y Rusia. Esculturas de hielo cuentan decorativamente en algunas cocinas, especialmente en Asia. esculturas cinéticas son esculturas que están diseñados para moverse, que incluyen los móviles. esculturas de nieve suelen ser talladas en un solo bloque de nieve alrededor de 6 a 15 pies (4,6 m) a cada lado y un peso de alrededor de 20 - 30 toneladas. La nieve está densamente empaquetada en una forma después de haber sido producida por medios artificiales o recogidos desde el suelo después de una nevada. esculturas de sonido toman la forma de instalaciones de sonido en interiores, instalaciones al aire libre como arpas eólicas, autómatas, o ser más o menos cerca convencional instrumentos musicales. Escultura de sonido es a menudo de sitio específico. Un castillo de arena puede ser considerada como una escultura de arena. Escultura Weightless (en el espacio exterior) como un concepto creado en 1985 por el artista holandés Martin Sjardijn. Lego escultura ladrillo implica el uso de piezas de Lego comunes para construir esculturas realistas o artísticas a veces utilizando cientos de miles de ladrillos. juguetes de arte se han convertido en otro formato para artistas contemporáneos desde finales de 1990, como los producidos por Takashi Murakami y Kid Robot, diseñado por Michael Lau, o hecho a mano Michael Leavitt (artista).
Estatus social
A nivel mundial, escultores generalmente han sido comerciantes cuyo trabajo es sin signo. Pero en el mundo clásico, muchos griegos antiguos escultores como Fidias comenzó a recibir reconocimiento individual en la Atenas de Pericles, y se hizo famoso y presumiblemente rico. En la Edad Media , artistas como el siglo 12 Gislebertus veces firmaron su trabajo y fueron buscados por diferentes ciudades, sobre todo desde el Trecento en adelante en Italia, con figuras como Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano y su hijo Giovanni. Muchos escultores también practicaron en otras artes, a veces la pintura, como Andrea del Verrocchio, o la arquitectura , como Giovanni Pisano, Miguel Ángel, o Jacopo Sansovino, y mantienen grandes talleres.
Desde el Artistas del Alto Renacimiento como Miguel Ángel , Leone Leoni y Giambologna podrían llegar a ser rico, y ennoblecido, y entrar en el círculo de los príncipes. Escultura decorativa Gran parte de los edificios se mantuvo un comercio, pero los escultores que producen piezas individuales fueron reconocidos al nivel de los pintores. Por lo menos desde el siglo 18, la escultura también atrajo a estudiantes de clase media, a pesar de que era más lento para hacerlo que la pintura. Igualmente mujeres escultores tomó más tiempo en aparecer que las pintoras, y han sido, en general menos prominente hasta el siglo 20 por lo menos.
Técnicas
Esculpir
Talla de piedra es una antigua actividad donde las piezas de origen natural áspera piedra se forma por la retirada controlada de piedra. Debido a la permanencia de la materia, la evidencia se puede encontrar que incluso las primeras sociedades complacieron en alguna forma de trabajo de la piedra. Petroglifos (también llamados grabados rupestres) son tal vez la forma más temprana: imágenes creadas por la eliminación de parte de una roca de superficie que se mantiene en situ , mediante la incisión, picoteo, la talla, y abrasión. Escultura monumental cubre grandes obras, y la escultura arquitectónica, que se adjunta a los edificios. Hardstone talla es la talla para los propósitos artísticos de piedras semipreciosas como jade, ágata, ónix, cristal de roca , SARD o cornalina, y un término general para un objeto hecho de esta manera. Grabado gemas son pequeñas gemas talladas, incluyendo cameos, utilizados originalmente como anillos de sello.
Escultura de bronce
El bronce es el metal más popular para fundición de metal esculturas ; un elenco escultura de bronce es a menudo llamado simplemente un "bronce". Aleaciones de bronce comunes tienen la propiedad inusual y deseable de ampliar levemente justo antes de que se impuso, llenando así los detalles más finos de un molde. Su fuerza y falta de fragilidad (ductilidad) es una ventaja cuando figuras de acción se van a crear, especialmente en comparación con diversos materiales cerámicos o de piedra (ver la escultura de mármol de varios ejemplos).
La talla de madera
La talla de madera es una forma de trabajar la madera por medio de una herramienta de corte en la mano (esto puede ser una herramienta eléctrica), lo que resulta en una figura de madera o una figurita (esto puede ser abstracto en la naturaleza) o en la ornamentación escultórica de una madera objeto.
Fundición
Casting es un proceso de fabricación por el cual un material líquido es (generalmente) se vierte en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. La colada sólida es entonces expulsado o se rompe a cabo para completar el proceso. De colada puede ser utilizado para formar metales líquidos calientes o varios materiales que conjunto frío después de la mezcla de los componentes (tales como epoxis, hormigón, yeso y arcilla ). Fundición es la más utilizada para la fabricación de formas complejas que serían de otro modo difícil o antieconómico para hacer por otros métodos.
Casting es un proceso 6.000 años. El casting más antiguo sobreviviente es una rana cobre de 3200 antes de Cristo. El proceso de fundición se subdivide en dos subgrupos distintos: fundición de molde fungible y no fungible.
Conservación
Esculturas son sensibles a las condiciones ambientales como la temperatura , la humedad y la exposición a la luz y la luz ultravioleta . La lluvia ácida también puede causar daño a ciertos materiales de construcción y monumentos históricos. Esto se produce cuando el ácido sulfúrico en la lluvia reacciona químicamente con los compuestos de calcio en las piedras (piedra caliza, arenisca, mármol y granito) para crear el yeso , que luego se descascara.
Artes similares
Otras artes que están relacionados con la escultura:
