La musique populaire américaine

La musique populaire américaine a eu un effet profond sur la musique à travers le monde. Le pays a vu la montée des styles populaires qui ont eu une influence significative sur la culture mondiale, y compris ragtime , le blues, le jazz , rock, R & B , doo wop, évangile, âme, funk, heavy metal, punk, discothèque, maison, techno, salsa , grunge et hip hop. En outre, l'industrie de la musique américaine est très diversifiée, en soutenant un certain nombre de styles régionaux comme zydeco, klezmer et slack-key. L'attrait de ces modèles réside dans leurs rythmes énergiques, souples, leur appel lignes vocales, et dans de nombreux cas, leurs associations symboliques avec le sort des plus démunis.

Styles distinctifs de la musique populaire américaine ont émergé au début du 19e siècle et au 20e siècle, l'Amérique industrie de la musique a développé une série de nouvelles formes de musique, en utilisant des éléments de blues et d'autres genres de La musique folk américaine. Ces styles populaires disponibles country, R & B, jazz et rock. Les années 1960 et années 70 ont vu un certain nombre de changements importants dans la musique populaire américaine, y compris le développement d'un certain nombre de nouveaux styles, y compris les métaux lourds, punk, soul et hip hop. Bien que ces styles ne étaient pas populaires dans le sens de courant, ils ont été enregistrés dans le commerce et sont donc des exemples de la musique populaire par opposition à populaire ou musique classique.

Early chanson populaire

Le premier grand compositeur populaire américaine, Stephen Foster.

Les premières chansons qui pourraient être considérés comme la musique populaire américaine, par opposition à la musique populaire d'une région ou l'origine ethnique particulier, étaient sentimentale chansons de société par Stephen Foster et ses pairs, et des chansons destinés à une utilisation dans les expositions de troubadour , des productions théâtrales qui a comporté chant, la danse et des spectacles comiques. Les expositions de troubadour généralement utilisé Instruments africains et danse, et en vedette des artistes avec leurs visages noircis, une technique appelée blackface . Vers le milieu du 19e siècle, les entreprises de tourisme ont pris cette musique non seulement à toutes les parties des États-Unis, mais aussi en Angleterre, en Europe occidentale, et même en Afrique et en Asie. Minstrel shows étaient généralement annoncés comme si la musique des spectacles était dans un Le style afro-américaine, si ce ne était souvent pas vrai.

Fiche couvercle de musique pour " Dandy Jim de Caroline "par Dan Emmett, Londres, c. 1844.

Les Noirs avaient pris part à la culture populaire américaine avant l'époque de la guerre civile, au moins datant du Grove Theatre africaine à New York dans les années 1820 et la publication de la première musique par un compositeur noir, Francis Johnson, en 1818. Cependant, ces jalons importants encore eu lieu entièrement dans les conventions de la musique européenne. La première chanson de troubadour était extrêmement populaire " Jump Jim Crow »par Thomas "Daddy" Rice, qui a été réalisée en 1832 et a fait sensation à Londres quand riz effectuée là en 1836. Le riz utilisé une danse qu'il copié à partir d'un garçon d'écurie avec une mélodie adoptée d'une irlandaise gabarit. Les éléments africains inclus l'utilisation du banjo , qu'on croit provenir instruments à cordes Afrique de l'Ouest, et les rythmes accentués et additifs. Beaucoup de chansons des expositions de troubadour sont souvient encore aujourd'hui, surtout ceux de Daniel Emmett et Stephen Foster, celle-ci étant, selon David Ewen, "premier compositeur majeur de l'Amérique, et l'un des écrivains remarquables du monde de chansons" . Les chansons de Foster étaient typiques de l'ère de troubadour dans leur sentimentalité éhontée, et leur acceptation de l'esclavage. Néanmoins, Foster a fait plus que la plupart des auteurs-compositeurs de la période d'humaniser les Noirs qu'il composa à propos, comme dans "Nelly était une dame", une chanson plaintive mélancolie d'un homme noir le deuil de la perte de sa femme.

Le minstrel show a marqué le début d'une longue tradition de la musique afro-américaine étant approprié pour un public populaire, et a été la première forme typiquement américain de la musique pour trouver une renommée internationale, dans le milieu du 19e siècle. Comme Donald Clarke l'a noté, les expositions de troubadour contenait «musique essentiellement noir, tandis que les actes les plus réussis étaient blancs, de sorte que des chansons et des danses d'origine noire ont été imités par des artistes blancs puis reprises par des artistes noirs, qui donc dans une certaine mesure a fini par se imiter ". Clarke attribue l'utilisation de blackface à un désir de les Américains blancs de glorifier l'existence brutale de deux Noirs libres et esclaves en les dépeignant individus heureuse et insouciante, mieux adaptés à la vie de la plantation et de la performance des chansons simples, joyeux aussi facilement plaisaient blanc auditoires.

Spectacles de ménestrel blackface resté populaire tout au long de la dernière partie du 19ème siècle, ne se éteignent progressivement vers le début du 20e siècle. Pendant ce temps, une forme de théâtre somptueux et élaboré appelé spectacle a surgi, à commencer par Charles M. Barras ' The Black Crook . Extravaganzas ont été critiquées par les journaux et églises de la journée parce que les spectacles étaient considérés titiller sexuellement, avec des femmes chantant des chansons paillardes vêtus de vêtements presque transparente. David Ewen a décrit cela comme le début de la «carrière longue et active dans l'exploitation sexuelle» de la comédie musicale américaine et chanson populaire . Plus tard, extravagances ont éléments de spectacles burlesques, qui étaient satirique et productions parodiques qui étaient très populaires à la fin du 19ème siècle .

Comme l'extravagance et le burlesque, le spectacle de variétés était une production comique et grivoise, populaire à partir du milieu à la fin du 19ème siècle, date à laquelle il avait évolué en vaudeville. Ce formulaire a été innové par les producteurs comme Tony Pastor qui a essayé d'encourager les femmes et les enfants à assister à ses spectacles; ils étaient hésitants parce que le théâtre a longtemps été le domaine d'une foule grossière et désordonnée . Au début du 20e siècle, était un vaudeville divertissement respecté pour les femmes et les enfants, et les auteurs-compositeurs comme Gus Edwards a écrit des chansons qui étaient populaires à travers le pays . Les émissions les plus populaires de vaudeville étaient, comme le Ziegfeld Follies, une série de chansons et des sketches qui a eu un effet profond sur le développement ultérieur de Broadway théâtre musical et les chansons de Tin Pan Alley.

	"Old Folks at Home" Chansons de troubadour populaires, comme celui-ci par Stephen Foster, faisait partie du répertoire de bandes de camp pendant la guerre civile. Cette performance est par la guerre civile reconstituteurs, le Caroline du Sud Band 2ème chaîne.
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Tin Pan Alley

Tin Pan Alley était une zone appelée Union Square à New York, qui devint le centre majeur pour l'édition de musique au milieu des années 1890. Les auteurs-compositeurs de cette époque écrit des chansons formules, beaucoup d'entre eux ballades sentimentales . Pendant cette période, un sens de la conscience nationale était en développement, comme les États-Unis sont devenus une puissance mondiale formidable, surtout après la Guerre hispano-américaine. La disponibilité accrue et l'efficacité des chemins de fer et le service postal aidé diffuser des idées, y compris des chansons populaires.

Certains des éditeurs les plus notables de Tin Pan Alley inclus Willis Woodward, la Maison Witmark de l'édition, Charles K. Harris, et Edward B. Marks and Joseph W. Stern. Stern et Marks ont été parmi les auteurs-compositeurs de Tin Pan Alley plus connus; ils ont commencé à écrire ensemble en amateurs en 1894 . En plus des traditionnels, des ballades populaires et d'autres chansons clean-cut, certains éditeurs de Tin Pan Alley concentrés sur rude et risqué. Coon chansons étaient un autre élément important de Tin Pan Alley, dérivé des chansons édulcorées du minstrel show avec "verve et de l'électricité" apporté par le «assimilation du rythme de ragtime" . La première chanson de coon populaire était "New Coon en ville", introduit en 1883, et suivie par une vague de crieurs coon comme Ernest Hogan et May Irwin .

Broadway

Le début du 20e siècle a également vu la croissance de Broadway, un groupe de théâtres spécialisés dans comédies musicales. Broadway est devenu l'un des endroits les plus éminents de théâtre musical dans le monde, et a produit un ensemble de chansons qui ont conduit Donald Clarke appeler l'ère, l'âge d'or de la chanson. La nécessité d'adapter des chansons agréables aux contraintes d'un théâtre et un terrain activé et a encouragé une croissance de songwriting et la montée des compositeurs comme George Gershwin, Vincent Youmans, Irving Berlin et Jerome Kern .

Opéras étrangères étaient populaires parmi les classe supérieure tout au long du 19ème siècle, alors que d'autres styles de théâtre musical inclus opérettes, opéras ballade et la opéra bouffe. Les Anglais de opérettes Gilbert et Sullivan étaient particulièrement populaires, tout en compositions américains avaient du mal à trouver un public. George M. Cohan a été le premier compositeur américain notable de théâtre musical, et le premier à se éloigner de l'opérette, et est également remarquable pour l'utilisation de la langue de la langue vernaculaire dans son travail. Au début du 20e siècle, cependant, dramaturges noirs, compositeurs et musiciens avaient un effet profond sur le théâtre musical, à commencer par les travaux de Will Marion Cook, James Reese Europe et James P. Johnson; le premier grand succès musical noir était Mélangez long en 1921.

Opérettes importés et des productions nationales par deux Blancs et les Noirs comme Cohan comme Cook, Europe et Johnson ont tous une influence formatrice sur Broadway. Des compositeurs comme Gershwin, Porter et Kern faites théâtre musical comique dans un passe-temps national, avec une sensation qui était typiquement américain et ne dépend pas sur les modèles européens. La plupart de ces personnes étaient juifs, avec Cole Porter la seule exception majeure; ils étaient les descendants d'immigrés du 19e siècle qui fuient la persécution dans le Empire russe , la plus influente installés dans différents quartiers de New York City. Bon nombre des premières comédies musicales ont été influencés par la musique noire, montrant des éléments de jazz au début, comme Au Dahomey; les compositeurs juifs de ces œuvres ont peut-être vu les connexions entre le noir traditionnel notes bleues et leur propre folklore Musique juive.

Chansons de Broadway ont été enregistrés au tournant du siècle, mais ne est pas devenu très populaire en dehors de leur contexte théâtral que beaucoup plus tard. Jerome Kern "Ils ne croyaient pas moi" était une chanson qui est devenu début nationale populaire. Innovations ultérieures de Kern inclus un terrain plus crédible que les histoires plutôt informes construites autour des chansons d'œuvres antérieures, en commençant par Show Boat en 1927. George Gershwin était peut-être le compositeur le plus influent sur Broadway, en commençant par "Swanee" en 1919 et travaille tard pour le jazz et les orchestres. Sa composition la plus durable peut être l'opéra Porgy and Bess , l'histoire de deux Noirs, qui Gershwin conçu comme une sorte de "opéra folk", une création d'un nouveau style de théâtre musical américain basé sur les idiomes américains.

Rag

Ragtime était un style de musique de danse basé autour du piano, en utilisant des rythmes syncopés et chromatismes ; plus connu interprète et compositeur du genre était sans aucun doute Scott Joplin. Les rythmes de ragtime en haillons sont documentés au moins aussi loin que 1886, au Congo Square à New Orléans, où afro-américains et des Caraïbes danses mélangés dans de folles célébrations. Auteur Gunther Schuller voit ragtime comme un mélange d'éléments africains avec le modèle 2/4 des marches européennes , Tandis que d'autres soulignent l'importance du gabarits et autres styles de danse entre la musique de grands groupes américains africains dans de nombreuses villes du Nord au cours de la fin du 19ème siècle. Donald Clarke considère ragtime l'aboutissement de chansons ragondin, d'abord utilisé dans expositions de troubadour et puis vaudeville, et le résultat des rythmes de ménestrel percolation dans le courant; Il suggère également que le son distinctif de ragtime peut-être venu d'une tentative d'imiter le banjo afro-américaine utilisant le clavier .

En raison de la nature essentiellement afro-américaine du ragtime, il est le plus souvent considéré comme le premier style de musique populaire américaine d'être une musique vraiment noir; certes, il a également été fortement influencé par des éléments européens, mais ragtime a syncope et un son plus authentique noir à la musique populaire. Chansons de ragtime populaires ont été notées et vendus comme partitions, mais le style général a été joué plus informelle à travers le pays; ces artistes amateurs ont joué une forme plus fluide du ragtime qui est finalement devenu une influence formatrice majeur sur le jazz .

Early musique populaire enregistrée

Thomas Edison invention s 'du cylindre de phonographe a débuté la naissance de la musique enregistrée. Le premier cylindre d'être libéré était " Semper Fidelis "par le US Marine Band. Dans un premier temps, les bouteilles ont été libérés avec parcimonie, mais que leurs ventes ont augmenté de plus rentable, la distribution ont augmenté. Ces chansons enregistrées début étaient un mélange de vaudeville, quatuors de barbier, des marches, de l'opéra, des chansons, de nouveauté et d'autres airs populaires. Beaucoup de normes populaires, tels que "The Good Old Summertime", "Shine on Harvest Moon", et "Over There" viennent de cette époque. Il y avait aussi quelques coups premières dans le domaine du jazz, en commençant par le 1917 enregistrements de Dixieland Jazz Band original, et suivies par Creole Jazz Band de King Oliver, qui a joué dans un style plus authentique de jazz de la Nouvelle Orléans.

Blues avaient été autour d'un long temps avant, il est devenu une partie de la première explosion de musique populaire enregistrée dans l'histoire américaine. Cela est arrivé dans les années 1920, lorsque classiques de blues chanteuses comme Ma Rainey, Bessie Smith et Mamie Smith a grandi très populaire; le premier coup de ce champ était Mamie Smith "Crazy Blues". Ces chanteurs de blues urbain changé l'idée de la musique populaire d'être des chansons simples qui pourraient être facilement effectuées par quiconque de travaille principalement associée à un chanteur individuel. Des artistes comme Sophie Tucker, connu pour "un de ces jours", est étroitement associé avec leurs hits, ce qui rend leurs interprétations individualisés tout aussi important que la chanson elle-même.

Dans le même temps, les maisons de disques comme Paramount Records et OKeh Records ont lancé le domaine de la musique de la course, qui était surtout le blues ciblées à un public afro-américains. Le plus célèbre de ces actes a poursuivi en inspirer genres grande partie du développement populaire tard du blues et blues-dérivés, y compris Charley Patton, Lonnie Johnson et Robert Johnson.

Jazz populaire (1920-1935) et le swing (1935-1947)

Jazz est une musique caractérisée par notes bleues, syncopes, balançoire, appeler et d'intervention, polyrythmies et improvisation. Bien que l'origine une sorte de la musique de danse, de jazz a été "longtemps considéré une sorte de musique populaire ou vernaculaires (et a également) devenu une forme d'art sophistiqué qui a interagi de façon significative avec le musique de la salle de concert " . Le développement de Jazz se est produite à peu près au même temps que ragtime moderne, blues, gospel et musique country, qui peuvent tous être considérée comme faisant partie d'un continuum sans démarcation claire entre eux; jazz spécifiquement était le plus étroitement lié à ragtime, avec lesquels il pourrait se distingue par l'utilisation de l'improvisation rythmique plus complexe, plaçant souvent des notes loin du rythme implicite. Les premiers groupes de jazz adoptées grande partie du vocabulaire du blues, y compris les billets pliés et bleu et "grognements" instrumentales et frottis.

Paul Whiteman a été le chef d'orchestre le plus populaire des années 1920, et a réclamé pour lui-même le titre "The King of Jazz." Malgré son embauche Bix Beiderbecke et beaucoup d'autres meilleurs musiciens de jazz blancs de l'époque, plus tard générations d'amateurs de jazz ont souvent jugé la musique de Whiteman d'avoir peu à voir avec du vrai jazz. Néanmoins, sa notion de combiner le jazz avec des orchestrations complexes a été retourné à plusieurs reprises par les compositeurs et arrangeurs de décennies plus tard.

Whiteman commandé "Rhapsody in Blue" de Gershwin, qui a été débuté par l'orchestre de Whiteman. Le groupe de Ted Lewis était deuxième seulement à Paul Whiteman en popularité dans les années 1920, et sans doute joué plus vrai jazz avec moins de prétention que Whiteman, en particulier dans ses enregistrements de la fin des années 1920. Certains des autres groupes "de jazz" de la décennie inclus ceux de: Harry Reser, Leo Reisman, Abe Lyman, Nat Shilkret, George Olsen, Ben Bernie, Bob Haring, Ben Selvin, Earl Burtnett, Gus Arnheim, Rudy Vallee, Jean Goldkette, Isham Jones, Roger Wolfe Kahn, Sam Lanin, Vincent Lopez, Ben Pollack et Fred Waring.

Dans les années 1920, la musique jouée par ces artistes était extrêmement populaire auprès du public et a été généralement étiqueté comme le jazz. Aujourd'hui, cependant, cette musique est dénigré et étiqueté comme «la musique douce" par les puristes de jazz. La musique que les gens considèrent aujourd'hui comme «jazz» avaient tendance à être joué par les minorités. Dans les années 1920 et au début des années 1930, cependant, la majorité des gens a écouté ce que nous appellerions aujourd'hui "de la musique douce" et le jazz hard a été classé comme "la musique chaude" ou "la musique de la course."

En 1935, musique swing est devenu populaire avec le public et rapidement remplacé le jazz comme le type le plus populaire de la musique (bien que leur était certaine résistance à au premier abord). la musique Swing est caractérisé par une section rythmique solide, généralement constitué d'un contrebasse et à la batterie, en jouant dans un milieu de jeûner tempo, et les dispositifs rythmiques comme le note balancée. Swing est surtout une sorte de jazz fusion des années 1930 avec des éléments de blues et la sensibilité pop de Tin Pan Alley . Balançoire utilisé gros groupes que les autres types de jazz et avaient été dirigés par des chefs d'orchestre que disposés étroitement le matériau, ce qui décourage l'improvisation qui avait fait partie intégrante de jazz. David Clarke appelé oscillation la première "style orienté jazz (soit) au centre de la musique populaire ... et non pas simplement en lui donnant l'épine dorsale" . À la fin des années 1930, les chanteurs sont devenus de plus en plus important, prenant finalement devant de la scène après la American Federation of Musicians grève, ce qui a rendu l'enregistrement avec une large bande prohibitif . Balançoire en vint à être accompagné d'une danse populaire appelé danse swing, qui était très populaire à travers les États-Unis, entre les deux auditoires blancs et noirs, en particulier les jeunes.

	"Jumpin 'at the Woodside" Il se agit par Count Basie & His Orchestra, une chanson populaire de swing par une légende du jazz.
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La diversification et la vulgarisation Blues

En plus de la musique de jazz et de swing populaire écoutés par l'Amérique traditionnelle, il y avait un certain nombre d'autres genres qui étaient populaires parmi certains groupes de personnes, par exemple les minorités ou les auditoires ruraux. Au début des années 1920 et qui accélère considérablement dans les années 1940, les bleus ont commencé à diversifier rapidement dans un large éventail de nouveaux styles. Il se agit notamment d'un style appelé uptempo énergique rhythm and blues (R & B), une fusion de blues et anglo-celtique chanson appelée musique country et la fusion hymnes et spirituals avec des structures de blues appelé la musique gospel. Plus tard que ces autres styles, dans les années 1940, un blues, R & B et de la fusion des pays éventuellement appelés rock and roll développé, éventuellement venir à dominer populaire américaine au début des années 1960.

La musique country est essentiellement une fusion de blues américain africains et spirituals avec Musique folk des Appalaches, adapté pour un public de pop et popularisé en commençant dans les années 1920. Une importance particulière a été airs irlandais et écossais, la musique de danse, ballades et styles vocaux, aussi bien que Américain De Naissance, Espagnol, Allemand, Français et La musique mexicaine. L'instrumentation du pays au début tournait autour du européenne dérivé du violon et de l'Afrique dérivés banjo , à la guitare ajouté plus tard. La musique country instrumentation utilisé des éléments africains comme un format d'appel et de réponse, la musique improvisée et rythmes syncopés. Plus tard encore, instruments à cordes comme le ukulélé et steel guitar est devenu monnaie courante en raison de la popularité de Musique hawaïenne au début du 20e siècle et l'influence de musiciens tels que Sol Hoopii et Lani McIntyre. . Les racines de la musique country moderne sont généralement attribués à 1927, quand la musique découvreur de talents Ralph Peer enregistré Jimmie Rodgers et La famille Carter. Leurs enregistrements sont considérés comme la fondation pour la musique country moderne. Il y avait eu la musique populaire avant 1927 qui pourrait être considérée comme un pays, mais, comme Ace Collins souligne, ces enregistrements avaient «marginale et très incompatible" effets sur les marchés nationaux de la musique, et ont été que superficiellement similaire à ce qui était alors connu sous le nom la musique hillbilly . En plus de Rodgers et les Carter, un musicien nommé Bob Wills était un artiste début influente connu pour un style appelé Western swing, qui était très populaire dans les années 1920 et 30, et était responsable d'avoir une influence importante du jazz à la musique country.

Rhythm and blues (R & B) est un style qui a surgi dans les années 1930 et 40, une forme rythmique et uptempo de blues avec une instrumentation plus complexe. Auteur Amiri Baraka décrit début R & B comme «énormes unités de rythme fracassant derrière hurlant chanteurs de blues (qui) ont dû crier pour être entendu au-dessus du fracas et strumming des différents instruments électrifiés et les sections rythmiques bouillonnantes . R & B a été enregistrée pendant cette période, mais pas beaucoup et n'a pas été largement promu par les maisons de disques, qui a estimé qu'il ne était pas adapté pour la plupart des publics, en particulier les Blancs de la classe moyenne, en raison des paroles suggestives et rythmes entraînants . Chefs d'orchestre comme Louis Jordan innové le son du début de R & B. La bande de Jordanie a présenté une petite section de klaxon et de premier plan de l'instrumentation rythme et chansons utilisées avec des thèmes lyriques bluesy. À la fin des années 1940, il avait produit dix-neuf grands succès, et a contribué à ouvrir la voie pour les contemporains comme Wynonie Harris, John Lee Hooker et Roy Milton.

Spirituals chrétiens et de la musique de blues rural sont à l'origine de ce qui est maintenant connu comme la musique gospel. Dès les années 1920 environ, les églises afro-américaines en vedette évangile au début de la forme d'adorateurs proclamant leur dévotion religieuse (témoignage) de manière improvisée, souvent musical. Évangile moderne a commencé avec le travail de compositeurs, le plus important Thomas A. "chansons (composé) sur la base de spirituals et des hymnes familiers, fusionné au blues et les rythmes de jazz" Dorsey, qui . De ces premières églises du 20e siècle, la musique gospel, réparties à travers le pays. Il est resté associé presque entièrement avec les églises afro-américaines, et habituellement présenté une chorale avec un ou plusieurs solistes virtuoses.

Rock and roll est un genre de musique populaire, développé principalement à partir de country, blues et R & B. Facilement l'unique style le plus populaire de la musique dans le monde entier, roche origines exactes et développement précoce ont été chaudement débattue. historien de la musique Robert Palmer a noté que les influences du style sont très diversifiés, et comprennent le Afro-Caraïbes " Bo Diddley a battu ", des éléments de" swing big band "et Musique latine comme le cubaine fils et " Rythmes mexicains " . Un autre auteur, George Lipsitz prétend que le rock est née dans les zones urbaines de l'Amérique, où il a formé un "polyglotte, la culture de la classe ouvrière () où les significations sociales précédemment transportés dans l'isolement en blues, country, polka, zydeco et latins musiques trouvé une nouvelle expression comme ils mélangés dans un environnement urbain " .

1950 et années 60

Le milieu du 20e siècle a vu un certain nombre de changements très importants dans la musique populaire américaine. Le domaine de la musique pop développé considérablement au cours de cette période, le prix de plus en plus faible de la musique enregistrée a stimulé la demande et plus de bénéfices pour l'industrie du disque. En conséquence, musique le marketing est devenu de plus en plus importante, ce qui entraîne un certain nombre de stars de la pop grand public dont la popularité était auparavant inconnu. Beaucoup des premiers de ces étoiles étaient crooners italo-américains comme Dean Martin, Rudy Vallee, Tony Bennett, Perry Como, Frankie Laine et, le plus célèbre, le «premier chanteur pop d'engendrer hystérie chez ses fans" Frank Sinatra. L'ère de l'étoile teen pop moderne, cependant, a commencé dans les années 1960. Bubblegum groupes pop comme Les Monkees ont été choisis entièrement pour leur apparence et leur capacité à vendre des disques, sans égard à la capacité musicale. La même période, cependant, a également vu l'émergence de nouvelles formes de musique pop qui ont obtenu une présence plus permanente dans le domaine de la musique populaire américaine, y compris rock, soul et pop-folk. À la fin des années 1960, deux développements ont complètement changé la musique populaire: la naissance d'un contre-culture, qui se opposait explicitement la musique traditionnelle, souvent en tandem avec l'activisme politique et social, et le passage de compositeurs professionnels aux artistes qui étaient à la fois chanteurs et auteurs-compositeurs.

Rock and roll abord entrés musique populaire dominante à travers un style appelé rockabilly, qui fusionne le son naissante de rock avec des éléments de la musique country. Black Rock-performé et rouler avaient déjà eu un succès limité grand public, et certains observateurs au moment cru qu'un artiste blanc qui pourraient crédible chanter dans un R & B et le style du pays serait un succès. Sam Phillips, de Memphis, Tennessee Sun Records, a été celui qui a trouvé un tel interprète, dans Elvis Presley , qui est devenu l'un des musiciens les plus vendus dans l'histoire, et traduits rock and roll au public à travers le monde . Le succès de Presley a été précédée par Bill Haley, un artiste dont le blanc " Rock Around the Clock »est parfois souligné que le début de l'ère du rock. Cependant, la musique de Haley était« plus organisé »et« plus calculé »que les« rythmes plus lâches "de rockabilly, qui a également, contrairement à Haley, ne utilisent pas de saxophones ou choeur le chant .

	"Good Rockin 'Tonight" Ce est par Elvis Presley et est l'une des chansons les plus populaires de l'époque de rockabilly.
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R & B est restée extrêmement populaire dans les années 1950 entre public noir, mais le style n'a pas été jugé approprié pour les blancs, ou noirs-bourgeois respectables raison de sa nature suggestive. Beaucoup de chansons populaires de R & B ont plutôt été interprétées par des musiciens blancs comme Pat Boone, dans un style traditionnel plus agréable au goût, et transformé en tubes pop . À la fin des années 1950, cependant, il y avait une vague de populaire blues-rock noir et R influencé pays hôtes artistes gagnent notoriété sans précédent parmi les auditeurs blancs; ceux-ci inclus Bo Diddley et Chuck Berry . Au fil du temps, les producteurs dans le domaine de la R & B se sont tournés vers progressivement plusieurs actes à base de roche comme Little Richard et Fats Domino.

Doo wop est un genre de musique d'harmonie vocale effectuée par des groupes qui sont devenus populaires dans les années 1950. Bien que parfois considéré comme un type de roche, doo wop est plus précisément une fusion de R & B vocale, le gospel et le jazz avec les bleus et les structures de la pop , Bien avant les années 1960, les lignes de séparation rock doo wop, R & B et d'autres styles connexes était très floue. Doo wop est devenu le premier style de musique R & B dérivées "à prendre forme, à se définir comme quelque chose de personnes reconnues comme nouveau, différent, étrange, leur» (souligné dans l'original) . Comme doo wop a augmenté plus populaire, plus d'innovations ont été ajoutées, y compris l'utilisation d'un chanteur basse plomb, une pratique qui a commencé avec Jimmy Ricks de Les Ravens . Doo Wop interprètes étaient à l'origine presque tout noir, mais quelques groupes blancs et intégrées est vite devenu populaire. Il se agit notamment un certain nombre de Groupes italo-américains comme Dion et les Belmonts et Frankie Valli & The Four Seasons, tandis que d'autres ajoutées chanteuses et même formé des groupes de tout-femmes dans le domaine presque universellement mâle; ceux-ci inclus Le Queens et Les Chantels .

Les années 1950 ont vu un certain nombre de brèves modes qui a continué à avoir un grand impact sur les styles avenir de la musique. Des artistes comme Pete Seeger et Les Tisserands popularisé une forme de renaissance vieux temps des La musique anglo-américaine. Ce champ est finalement devenu associé à la gauche politique et le communisme , conduisant à une baisse de acceptabilité artistes étaient de plus en plus la liste noire et critiqué. Néanmoins, cette forme de pop-folk a exercé une profonde influence dans la forme de 1950 folk-rock et les styles connexes. Parallèlement au succès plutôt sporadique de la musique folklorique anglo popularisé vint une série de Engouements de danse latine, y compris mambo, rumba, chachachá et boogaloo. Bien que leur succès a de nouveau été sporadique et brève, la musique latine a continué d'exercer une influence continue sur rock, soul et d'autres styles, ainsi que éventuellement évoluer vers la musique salsa dans les années 1970.

Pays: Nashville sonore

Depuis la fin des années 1920, un style distinctif d'abord appelé «vieux-timey" ou "hillbilly" la musique a commencé à être diffusé et enregistré dans le Sud et le Midwest rural; premiers artistes inclus la famille Carter, Charlie Poole et ses Caroline du Nord Ramblers, et Jimmie Rodgers. La performance et la diffusion de cette musique était régionale au début, mais les déplacements de population causés par la Seconde Guerre mondiale, réparties plus largement. Après la guerre, il y avait un intérêt accru dans les styles de spécialité, y compris ce qui a été connu comme la race et la musique hillbilly; ces styles ont été renommés au rhythm and blues et de country et western, respectivement . Grands labels avaient eu un certain succès la promotion de deux sortes d'actes de pays: Sud artistes comme nouveauté Tex Williams et chanteurs comme Frankie Laine, qui a mélangé pop et country dans un style classique sentimentale . Cette période a également vu la montée de Hank Williams, un chanteur de country blanche qui avait appris le blues d'un musicien de rue noir nommé Tee-Tot, au nord-ouest de l'Alabama . Avant sa mort en 1953, Hank Williams a enregistré onze célibataires qui ont vendu au moins un million d'exemplaires chacun et pionnier de la Son de Nashville.

Le son de Nashville était une sorte de musique populaire du pays qui a surgi dans les années 1950, une fusion de populaire jazz big band et swing avec le lyrisme de pays honky-tonk . Le succès populaire des enregistrements de Hank Williams avait convaincu les maisons de disques que la musique de pays pourrait trouver de grands publics. Les maisons de disques ont alors essayé de dépouiller les éléments, honky-tonk bruts en provenance de la musique country, en supprimant le son rythmé rurale qui avait fait Williams célèbre. L'industrie de Nashville a réagi à la hausse des rockabilly interprète Elvis Presley par des artistes de marketing qui ont traversé le fossé entre les pays et pop; . Chet Atkins, chef de La division de musique country de la RCA, a fait le plus d'innover le son de Nashville en abandonnant les éléments rugueux de pays, tandis que Owen Bradley a utilisé des techniques de production sophistiquées et de l'instrumentation lisse qui a fini par devenir la norme dans le Nashville Sound, qui a également augmenté à intégrer cordes vocales et chorales . En début des années 1960, le son de Nashville a été perçue comme édulcorée par de nombreux artistes et les fans plus traditionalistes, résultant dans un certain nombre de scènes locales comme le Son Lubbock et plus influente, le Son Bakersfield.

Tout au long des années 1950, le genre le plus populaire de la musique country était le Nashville Sound, qui était une nappe et le style orienté pop. Beaucoup de musiciens ont préféré un son rugueux, conduisant à l'élaboration de la Lubbock son et Bakersfield Sound. Le Bakersfield sonore a été innové dans Bakersfield, en Californie du milieu à la fin des années 1950, par des artistes comme Wynn Stewart, qui a utilisé des éléments de Western swing et rock, comme le breakbeat, avec un style vocal de honky tonk . Il a été suivi par une vague d'artistes comme Buck Owens et Merle Haggard, qui a popularisé le style.

Âme

Soul est une combinaison de R & B et gospel qui a commencé dans les années 1950 aux États-Unis. Soul est caractérisé par son utilisation des techniques de l'Évangile avec un plus grand accent sur ​​les chanteurs, et l'utilisation de thèmes profanes. Les années 1950 enregistrements de Sam Cooke, Ray Charles et James Brown sont communément considérés comme les débuts de la musique soul. Les premiers enregistrements de Solomon Burke pour Atlantic Records codifiées le style, et comme Peter Guralnick écrit, "il était seulement avec la rencontre de Burke et de l'Atlantique dossiers que vous pourriez voir quelque chose ressemblant à un mouvement " .

Le Motown Record Corporation dans [[{Detroit Michigan]] est devenu un succès avec une série de dossiers de l'âme fortement influencé pop-, qui étaient assez acceptable pour les auditeurs blancs de manière à permettre de R & B et soul au croisement de grands publics. Un centre important de l'enregistrement de la musique de l'âme était Florence, Alabama, où la renommée Studios exploité. Jimmy Hughes, Percy Sledge et Arthur Alexander enregistré à la renommée; plus tard, dans les années 1960, Aretha Franklin serait également enregistrer dans la zone. Fame Studios, souvent désigné comme Muscle Shoals , d'après une ville voisine de Florence, jouissait d'une relation étroite avec Stax, et la plupart des musiciens et producteurs qui ont travaillé à Memphis a également contribué à des enregistrements réalisés dans l'Alabama.

A Memphis, Stax Records a produit des enregistrements par Soul pionniers Otis Redding, Wilson Pickett et Don Covay. Autres artistes Stax tels que Eddie Floyd et Johnnie Taylor a également apporté des contributions significatives à la musique de l'âme. En 1968, le mouvement de la musique de l'âme avait commencé à éclats, comme James Brown et Sly & the Family Stone a commencé à élargir et abstraite à la fois l'âme et le rhythm and blues en d'autres formes. Guralnick a écrit que plus "que toute autre chose ... ce qui me semble avoir apporté l'ère de l'âme à un broyage, halte troublant était la mort de Martin Luther King en Avril 1968" .

1960 roche

Le premier des principaux nouveaux genres de rock des années 1960 était surf, lancé par californienne Dick Dale. Surf était en grande partie instrumentale et à base de guitare rock avec un son distordu et nasillard, et a été associé avec le sud de la Californie surf à base de la culture des jeunes. Dale avait travaillé avec Leo Fender, le développement de la " amplificateur Showman et ... l'unité de réverbération qui donnerait la surf music sa sonorité distinctive floue " .

Inspiré par l'accent lyrique de surf, si ce ne est la base musicale, Les Beach Boys ont commencé leur carrière en 1961 avec une série de hits comme " Surfin 'USA ". Leur son était pas instrumentale, ni à base de guitare, mais était plein de «riche, dense et incontestablement spéciale" "voix flottante (avec) Quatre harmonies Freshman-ish équitation sur une bourdonnaient, le fardeau de propulsion " . le compositeur des Beach Boys Brian Wilson a augmenté progressivement plus excentrique, d'expérimenter de nouvelles techniques de studio comme il est devenu associé en plein essor avec le contre-culture.

La contre était un mouvement de jeunes qui comprenait l'activisme politique, en particulier dans l'opposition à la guerre du Vietnam, et la promotion de divers idéaux hippies. Les hippies étaient associés principalement avec deux sortes de musique: le folk-rock et country rock de gens comme Bob Dylan et Gram Parsons et le rock psychédélique de groupes comme Jefferson Airplane et Les Portes. Ce mouvement a été très étroitement liée à la British Invasion, une vague de bandes du Royaume-Uni qui sont devenus populaires dans la majeure partie des années 1960. La première vague de l'invasion britannique incluait des groupes comme The Zombies et les Moody Blues, suivis par des groupes de rock comme les Rolling Stones , The Who et, le plus célèbre, Les Beatles . Le son de ces bandes a été hard rock tranchant, avec les Beatles »connus à l'origine pour des chansons qui étaient pratiquement identiques à chansons classiques du rock noir par Little Richard, Chuck Berry, Smokey Robinson, The Shirelles et Isley Brothers . plus tard, comme la contre-développé, Le Beatles ont commencé à utiliser des techniques plus avancées et des instruments inhabituels, comme le sitar, ainsi que plus de paroles originales.

Joan Baez et Bob Dylan

Folk-rock a attiré sur le succès grand public sporadiques de groupes comme le Kingston Trio et les Chanteurs Almanach, tandis que Woodie Guthrie et Pete Seeger ont contribué à radicaliser politiquement musique rurale folk blanc . Le musicien populaire Bob Dylan accède à la notoriété dans le milieu des années 1960, la fusion folk avec le rock et faire la scène naissante étroitement lié au mouvement des droits civiques. Il a été suivi par un certain nombre de bandes pays-rock comme The Byrds et les Flying Burrito Brothers et auteurs-compositeurs orientée folkloriques comme Joan Baez et la canadienne Joni Mitchell. Toutefois, d'ici la fin de la décennie, il y avait peu de conscience politique ou sociale évidente dans les paroles de pop- auteurs-compositeurs comme James Taylor et Carole King, dont les chansons auto-parqués étaient profondément personnel et émotionnel.

Rock psychédélique était un dur, type de conduite de la roche à base de guitare, étroitement associé à la ville de San Francisco, en Californie . Bien que Jefferson Airplane était le seul psychédélique bande San Francisco d'avoir un succès d'envergure nationale, avec "Somebody to Love" de 1967 et "White Rabbit", le Grateful Dead, un folk, country et bluegrass à saveur jam band, "incarne tous les éléments de la scène de San Francisco et est venu ... pour représenter la contre le reste du pays »; Grateful Dead est également devenu connu pour l'introduction de la contre-culture, et le reste du pays, les idées de gens comme Timothy Leary, en particulier l'utilisation de drogues hallucinogènes comme le LSD à des fins spirituelles et philosophiques .

	"Lapin Blanc" Il se agit par Jefferson Airplane et est l'une des chansons les plus légendaires dugenre rock psychédélique.
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1970 et années 80

Après les changements politiques, sociaux et musicaux turbulences des années 1960 et au début des années 1970, la musique rock diversifié. Ce qui était autrefois connu comme le rock and roll , un style assez discret de la musique, avait évolué dans une catégorie fourre-tout appelé simplement la musique de roche , un terme générique qui finirait par inclure divers styles comme la musique heavy metal, punk rock et, parfois même hip hop . Pendant les années 70, cependant, la plupart de ces styles ne faisaient pas partie de la musique traditionnelle, et évoluaient dans la scène musicale underground.

Début des années 1970 ont vu une vague de chanteurs-compositeurs qui a attiré sur les textes introspectifs, profondément personnelles et affectives de folk-rock des années 1960. Ils comprenaient James Taylor, Carole King et d'autres, tous connus aussi bien pour la capacité lyrique que pour leurs performances. La même période a vu la montée de bluesy Southern rock et groupes de pays de rock comme le Allman Brothers Band et Lynyrd Skynyrd . Dans les années 1970, soft rock développé, une sorte de forme simple, discret et moelleux de la pop-rock, illustrée par un certain nombre de groupes comme l'Amérique et le pain, dont la plupart sont peu connu aujourd'hui; beaucoup étaient one-hit wonders . En outre, plus dures bandes arène du rock comme Chicago et Styx ont également vu un certain succès majeur.

Willie Nelson

Les années 1970 ont vu l'émergence d'un nouveau style de musique country qui était aussi rugueux et dur tranchant, et qui est rapidement devenu la forme la plus populaire du pays. C'était outlaw pays, un style qui comprenait des étoiles ordinaires commeWillie Nelson et Waylon Jennings .Outlaw pays était très rock-orienté, et a eu des paroles qui se concentraient sur ​​le criminel, en particulier la drogue et de l'alcool, pitreries de ses interprètes, qui ont grandi leurs cheveux longs, portaient denim et cuir et ressemblaient à des hippies à la différence des pays chanteurs nettoyage coupées que ont été poussant le son de Nashville .

Par le milieu des années 70, une discothèque, une forme de musique de danse, a été de devenir populaire, l'évolution des clubs de danse souterrains à intégrer l'Amérique. Disco atteint son apogée après la publication de Saturday Night Fever et le phénomène entourant le film et la bande sonore par les Bee Gees. Le temps de Disco était court, cependant, et en 1980, fut bientôt remplacé par un certain nombre de genres qui a évolué hors de la scène punk rock, comme la Nouvelle Vague. Bruce Springsteen est devenu une grande star, d'abord dans le milieu à fin des années 70, puis à travers le ' 80, avec denses, paroles impénétrables et chansons hymnes qui a résonné avec les classes moyennes et inférieures .

70s funk et soul

Au début des années 1970, la musique de l'âme a été influencé par le rock psychédélique et d'autres styles. L'effervescence politique et sociale des artistes inspirés fois comme Marvin Gaye et Curtis Mayfield pour libérer déclarations album de longueur avec le commentaire social percutant. Des artistes tels que James Brown a conduit âme vers plus orientée vers la musique de danse, qui a finalement évolué dans funk. Funk a été caractérisée par 1970 groupes comme Parliament-Funkadelic, The Meters, et James Brown lui-même, tandis que les groupes les plus polyvalents comme War, The Commodores et Earth, Wind and Fire est également devenu populaire. Pendant les années 70, certains très lisses et commerciaux aux yeux bleus actes de l'âme comme de Philadelphie Hall & Oates atteints succès grand public, ainsi que d'une nouvelle génération de coin de rue harmonie ou de la ville-soul des groupes comme The Delfonics et de l'Université Howard Unifics.

À la fin des années 70, Philly soul, le funk, le rock et la plupart des autres genres ont été dominées par des pistes disco-fléchie. Pendant cette période, des groupes de funk comme Le O'Jays et The Spinners continué à tourner hits. Après la mort du disco en 1980, la musique de l'âme a survécu pendant une courte période avant de passer encore une autre métamorphose. Avec l'introduction d'influences de la musique électro et funk, de la soul est devenu moins de matières premières et produit plus habilement, résultant en un genre de musique qui a été de nouveau appelé R & B , coutume de distinguer le rythme tôt et le blues en l'identifiant comme R & B contemporain .

80 pop

Dans les années 1960, le terme de rhythm and blues avaient plus largement utilisée; à la place, des termes tels que de la musique de l'âme ont été utilisés pour décrire la musique populaire afro-américaine. Dans les années 1980, cependant, le rhythm and blues revinrent en service, le plus souvent sous la forme de R & B , un usage qui a continué à la présente. R & B contemporain surgi lorsque sensuelle chanteurs funk comme le prince est devenu très populaire, aux côtés de stars de la pop orientée de danse-comme Michael Jackson et chanteuses comme Tina Turner et Whitney Houston .

À la fin des années 1980, pop-rock composée en grande partie de la radio-friendly glam bandes métalliques, qui ont utilisé des images provenant de la Colombie- mouvement glam avec les paroles et attitudes machistes, accompagnés par la musique hard rock et heavy metal solo virtuose. Bandes de cette époque comprenaient de nombreux groupes britanniques comme Def Leppard, ainsi que des groupes américains lourds influencé métalliques Mötley Crüe, Guns N 'Roses, Bon Jovi et Van Halen .

Le milieu des années 1980 ont également vu Gospel voir son pic de popularité. Une nouvelle forme de gospel avait évolué, appelé la musique chrétienne contemporaine (CCM). CCM avait été autour depuis la fin des années 1960, et se composait d'un son pop / rock avec de légères paroles religieuses. CCM était devenu la forme la plus populaire de l'Évangile au milieu des années 1980, en particulier avec des artistes comme Amy Grant, Michael W. Smith, et ​​Kathy Troccoli. Amy Grant était le CCM plus populaire, et le gospel, le chanteur des années 1980, et après avoir connu un succès sans précédent au sein du CCM, passa en pop mainstream dans les années 1980 et 1990. Michael W. Smith a également eu un succès considérable dans CCM avant de traverser à une carrière réussie dans la musique pop ainsi. Grant plus tard produire le premier n ° 1 pop hit de CCM ("Baby Baby"), et l'album le plus vendu de CCM ( Coeur In Motion ).

Dans les années 1980, les cartes de musique country ont été dominées par des chanteurs pop avec seulement influences tangentielles de la musique country, une tendance qui se poursuit depuis. Les années 1980 ont vu une renaissance de pays-style honky tonk avec la montée de gens comme Dwight Yoakam et les nouvelles traditionalistes Emmylou Harris et Ricky Skaggs , ainsi que le développement des artistes de pays alternatives comme Uncle Tupelo. Plus tard, des artistes de country alternative, comme Whiskeytown de Ryan Adams et Wilco, ont trouvé un certain succès mainstream.

	"Killin 'Time" noicon Cette chanson est parClint Black et a remporté plus de prix que presque tous les autres, y compris six catégories différentes desCountry Music Awards.
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Naissance de l'underground

Durant les années 1970, un certain nombre de différents styles émergé en début Contrairement à la musique populaire américaine traditionnelle. Bien que ces genres ne sont pas largement populaire dans le sens de la vente de nombreux enregistrements à de grands publics, ils étaient des exemples de la musique populaire , par opposition à des gens ou musique classique. dans les années 1970, les Noirs et les Portoricains à New York ville développée la culture hip-hop , qui a produit un style de musique appelé aussi le hip-hop . À peu près au même moment, Latinos, en particulier les Cubains et les Portoricains, à New York a également innové musique salsa , qui combine de nombreuses formes de musique latine avec R & B et le rock. Les genres de punk rock et de heavy metal ont été plus étroitement associés avec le Royaume-Uni dans les années 70, tandis que divers dérivés américains ont évolué plus tard dans la décennie et dans les années 80. Pendant ce temps, Detroit a évolué lentement une série de genres de musique électronique comme maison et techno qui devint plus tard une grande partie de la musique populaire dans le monde entier.

Hip hop

Le hip hop est un mouvement culturel, dont la musique est une partie, avec des graffitis et breakdance. La musique est composée de deux parties, le rap , la prestation de chant rapides, très rythmés et lyriques, et DJing, la production de l'instrumentation soit par échantillonnage, l'instrumentation , le turntablism ou beatbox . Hip hop ont surgi au début des années 1970 dans le Bronx, à New York Ville . jamaïcaine immigrée DJ Kool Herc est largement considéré comme l'ancêtre du hip-hop; il a apporté avec lui la pratique de grillage sur les rythmes de chansons populaires. A New York, des DJs comme Kool Herc joué dossiers de funk, discothèque et rock des chansons populaires. Emcees origine se levèrent pour présenter les chansons et de garder la foule en délire et de la danse; au fil du temps, les DJs ont commencé à isoler les pauses de percussion (le climax rythmique des chansons), produisant ainsi un battement répété que les maîtres de cérémonie frappa plus.

Rapper salutations inclus à des amis et des ennemis, des exhortations à danser et coloré possède, souvent humoristiques. Au début des années 1980, il y avait eu des chansons populaires hip hop comme " Rappers Delight "par le Sugarhill Gang et quelques grandes célébrités de la scène, comme LL Cool J et Kurtis Blow. Autres artistes ont expérimenté avec des paroles politisées et conscience sociale, tandis que d'autres fusions réalisées avec le jazz , heavy metal, techno, funk et soul. Hip hop a commencé à diversifier dans la dernière partie des années 1980. Nouveaux styles sont apparus, comme solution de rechange hip hop et la étroitement liée jazz fusion rap, mis au point par des rappeurs comme De La Soul et Guru. Les équipages Public Enemy et NWA ne le plus à cette époque pour amener le hip-hop à l'attention nationale; l'ancien l'a fait avec des paroles incendiaires et politiquement chargées, tandis que le second est devenu le premier exemple éminent de gangsta rap.

Salsa

musique de Salsa est un diversifiée et surtout le rythme des Caraïbes qui est populaire dans de nombreux latino-américains pays. Salsa intègre plusieurs styles et les variations; le terme peut être utilisé pour décrire toute forme de plus les populaires cubains -derived genres musicaux (comme chachachá et mambo). Plus précisément cependant, la salsa se ​​réfère à un style particulier a été développé par milieu des années 1970, des groupes de New York City -Zone cubains et portoricains immigrants aux États-Unis , et descendants stylistiques comme 1980 salsa romantica .

musique de Salsa a toujours un 4/4 mètre. La musique est formulée dans des groupes de deux bars, en utilisant des motifs rythmiques récurrents, et le début des phrases dans le texte et instruments chanson. Typiquement, les motifs rythmiques jouées sur la percussion sont assez compliquées, souvent avec plusieurs modèles différents joués simultanément. Le rythme clave est un élément important qui constitue la base de la salsa. En dehors de percussion, une variété d'instruments mélodiques sont couramment utilisés comme accompagnement, comme une guitare , trompettes , trombones , le piano, et beaucoup d'autres, le tout en fonction des artistes de la scène. Les bandes sont généralement divisés en sections de cuivres et de rythme, le plomb par un ou plusieurs chanteurs ( soneros ou salseros ) .

Punk et rock alternatif

Punk était une sorte de musique rock rebelle qui a commencé dans les années 1970, comme une réaction contre la musique populaire de la journée, surtout discothèque, qui a été considérée comme insipide et sans inspiration; punk, appuyé sur des groupes américains, y compris le Velvet Underground, The Stooges et New York Dolls . Punk était bruyant, agressif et généralement très simple, nécessitant peu de formation musicale à jouer. Plus tard dans la décennie, des groupes britanniques comme les Sex Pistols et The Clash trouvé éphémère renommée à la maison et, dans une moindre mesure, aux États-Unis. Groupes américains dans le domaine inclus plus célèbre The Ramones, ainsi que des groupes comme les Talking Heads qui ont joué un genre plus artsy de la musique qui a été étroitement associé avec le punk avant de finalement évoluer vers pop- Nouvelle Vague . Autres actes majeurs inclure Blondie, Patti Smith et Television.

Henry Rollins, un musicien punk rock

Punk hardcore a été la réponse des jeunes américains à travers le monde l' explosion punk rock de la fin des années 1970. Hardcore punk rock dépouillé et New Wave de ses tendances élitistes et parfois artsy, résultant en des chansons courtes, rapides et intenses qui ont parlé aux jeunes mécontents. Hardcore explosé dans les métropoles américaines de Los Angeles , Washington, DC , New York et Boston et la plupart des villes américaines avaient leurs propres scènes locales à la fin des années 1980 .

Rock alternatif est un regroupement diversifié de groupes de rock qui en Amérique élaborés en grande partie de la scène hardcore dans les années 1980 une forte opposition à la scène de la musique traditionnelle. Sous-genres de rock alternatif qui se sont développées au cours de la décennie comprennent indie rock, le rock gothique, grunge, et college rock. La plupart des groupes alternatifs ont été unifiés par leur endettement collectif au punk, qui a jeté les bases de la musique underground et alternative dans les années 1970. Bien que le genre est considéré comme le rock, certains styles ont été influencés par American folk, reggae et jazz. Comme le punk et le hardcore, rock alternatif eut peu de succès grand public en Amérique dans les années 1980, mais via la mise en place de la base d'une scène indie grâce aux tournées, radio étudiante, fanzines, et le bouche-à-bouche, groupes alternatifs jeté les bases de la percée de le genre dans la conscience publique américaine dans le prochain République decade.One est un groupe de rock alternatif

Heavy metal

Heavy metal est une forme de musique caractérisé par des rythmes agressifs, de conduite et de guitares distordues fortement amplifiés, généralement avec des paroles grandioses et instrumentation virtuose. Heavy metal est un développement de blues, le rock blues, rock et rock progressif. Ses origines se trouvent dans les groupes de hard rock britanniques qui entre 1967 et 1974 ont eu blues et de rock et créé un hybride avec un son lourd, guitare-et-tambours-centrée. La plupart des pionniers dans le domaine, comme Black Sabbath, étaient en anglais, même si beaucoup ont été inspirés par des artistes américains comme Blue Cheer et Jimi Hendrix.

Bon Jovi

Peut-être le changement le plus important dans les années 1990 dans la musique populaire américaine a été la montée du rock alternatif à travers la popularité du grunge. Ceci était auparavant un groupement explicitement anti-mainstream des genres qui se dressaient à grande renommée début dans les années 1990. Le genre à ses débuts a été largement situé sur Sub Pop Records, une compagnie fondée par Bruce Pavitt et John Poneman. Groupes grunge importants signés à l'étiquette étaient Green River (de la moitié des membres de ce groupe deviendrait plus tard les membres de la fondation Pearl Jam), Sonic Youth (mais pas d'une bande de grunge ils étaient influents sur des bandes de grunge et en fait, il était sur ​​l'insistance de Kim Gordon que la société David Geffen signé Nirvana) et Nirvana. Grunge est un sous-genre de rock alternatif avec un ", couvant boues sombre à base de guitare" sonore , en tirant sur ​​le heavy metal, punk, et des éléments de groupes comme Sonic Youth et leur utilisation des "accords non conventionnels se plier chansons pop contraire standards complètement hors de forme " . Avec l'ajout d'un "élément Beatlesque mélodique" au son de groupes comme Nirvana, grunge est devenu très populaire à travers les États-Unis . Grunge est devenu un succès commercial dans les années 1990, avec un pic entre 1991 et 1994. Les bandes de villes américaines du Pacifique Nord-Ouest en particulier Seattle, Washington , étaient responsables de la création de grunge et plus tard rendu populaire auprès des publics traditionnels. La supposée génération X, qui avait juste atteint l'âge adulte alors que la popularité de grunge culminé, ont été étroitement associé à grunge, le son qui a contribué à "définir le désespoir de (ce) génération» . Plus tard, des bandes Poster Grunge tels que les Foo Fighters et Creed est devenu forme populaire de rock alternatif parce qu'il était et est toujours la radio très sympathique contrairement à la bande Grunge dont ils ont été influencés par musicalement. bandes Pop Punk comme GreenDay et Blink 182 a également gagné en popularité.

Gangsta rap est un genre de hip hop, surtout caractérisée par un accent lyrique sur la sexualité macho, physique et une image dangereux criminel. Bien que les origines de gangsta rap remontent au milieu des années 1980 raps de Philadelphie Schoolly D et le West Coast Ice-T, le style est généralement dit avoir commencé dans la région de Los Angeles et Oakland, où Too Short, NWA et d'autres ont trouvé leur renommée. Cette West Coast scène rap a engendré le début des années 1990 G-funk sonore, qui jumelé paroles de rap gangsta avec un ton épaisse et brumeuse, reposant souvent sur ​​des échantillons de 1970 P-funk; les partisans les plus connus de ce son étaient les rappeurs révolutionnaires Dr. Dre et Snoop Doggy Dogg.

À la fin de la décennie et dans le début des années 2000 la musique pop a consisté essentiellement en une combinaison de pop-hip-hop et R & B pop teintée, y compris un certain nombre de bandes de garçon et divas femmes. Le son prédominant dans 90 pays de la musique pop était avec seulement des éléments très limitées de pays. Cela comprend de nombreux artistes best-seller des années 1990, comme Clint Black, Shania Twain, Faith Hill et la première de ces étoiles de croisement, Garth Brooks .

	"Viens comme tu es" Cette chanson est parNirvana, qui a fait plus que tout autre groupe d'apporter grunge dans le courant dominant.
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Impact social et international

La musique populaire américaine est devenu extrêmement populaire à l'échelle internationale. Rock, hip hop, jazz, country et d'autres styles ont des fans à travers le monde. BBC Radio DJ Andy Kershaw, par exemple, a noté que la musique country est populaire à travers pratiquement le monde entier . En effet, sur "toutes les contributions faites par les Américains au monde culture ... (musique populaire américaine) a été pris (plus) à cœur par le monde entier " . autres styles de la musique populaire américaine ont également eu un effet formateur international, y compris le funk, la base pour Afrique de l'Ouest Afrobeat, R & B, un important source pour jamaïcain de reggae , et rock, qui a profondément influencé les plus tous les genres de la musique populaire dans le monde entier. Rock, country, jazz et hip hop sont devenus une partie retranché de nombreux pays, conduisant à des variétés locales comme la musique country australienne, Tanzanie Bongo Flava et rock russe.

Rock a eu une influence formatrice sur la musique populaire, qui a eu pour effet de transformer "le concept même de ce que la musique populaire" esttout Charlie Gillett a fait valoir que le rock and roll "a été le premier genre populaire à intégrer l'impulsion implacable et volume de la vie urbaine dans la musique elle-même " .

Les répercussions sociales de la musique populaire américaine ont été ressentis à la fois aux États-Unis et dans les pays étrangers. Commençant dès les extravagances de la fin du 19e siècle, la musique populaire américaine a été critiquée pour être trop sexuellement titillant et pour encourager la violence, la toxicomanie et le comportement généralement immorale. Les critiques ont été particulièrement visés par les styles afro-américaines de la musique comme ils ont commencé à attirer des auditoires blancs, généralement jeunes; blues, jazz, rock et hip hop tombent tous dans cette catégorie ].