La pintura occidental
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La historia de la pintura occidental representa un continuo, aunque interrumpida, la tradición de la antigüedad hasta la actualidad. Hasta la mitad del siglo 19 se ocupa principalmente de representación y Los modos clásicos de producción, después de lo cual más tiempo moderno, abstracto y formas conceptuales ganaron favor.
Los avances en Occidental pintura históricamente paralelo ésos en la pintura oriental, en general unos pocos siglos más tarde. El arte africano, Arte islámico, Arte indio, El arte chino, y Arte japonés cada uno tenía influencia significativa en arte occidental, y, eventual, viceversa.
Sirviendo Inicialmente patrocinio imperial, privado, cívica y religiosa, la pintura occidental encontró más tarde el público en el aristocracia y la clase media. Desde las Edad Media a través de los renacentistas pintores trabajaban para la iglesia y la aristocracia adinerada. Comenzando con los barrocos artistas de la época recibió encargos privados de una clase media más educada y próspera. La idea de " el arte por el arte ", comenzó a encontrar su expresión en la obra de los románticos pintores como Francisco de Goya , John Constable y JMW Turner . Durante el comercial del siglo 19 galerías se establecieron y siguió prestando mecenazgo en el siglo 20.
Pintura occidental alcanzó su cenit en Europa durante el Renacimiento, en conjunción con el refinamiento de dibujo, el uso de perspectiva, arquitectura ambiciosa, tapices, vidrieras , la escultura y el período antes y después de la llegada de la imprenta. A raíz de la profundidad del descubrimiento y la complejidad de las innovaciones del Renacimiento, la rica herencia de la pintura occidental (desde el barroco a Arte contemporáneo). La historia de la pintura continúa en el siglo 21.
Pre-historia
Los refugios de Bhimbetka, pintura de la roca, edad de piedra , la India
Uro Pintura rupestre, Lascaux, Francia
Lascaux, caballo
Lascaux, Toros y Caballos
Bison , en el gran salón de policromes, Cueva de Altamira, España
Petroglifos, de Suecia, Edad de Bronce nórdica (pintado)
Pictogramas de la Gran Galería, Parque Nacional Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 BCE
Cueva de las Manos (Español de la Cueva de las Manos) en la provincia de Santa Cruz, en Argentina, c.550 AC
La historia de la pintura se remonta en el tiempo a los artefactos de los humanos prehistóricos, y se extiende por todas las culturas. Las más viejas pinturas sabidas están en el Grotte Chauvet en Francia, demandada por algunos historiadores para ser cerca de 32.000 años. Se graban y se pintan usando ocre rojo y el pigmento negro y muestran caballos, rinoceronte, leones, búfalo, mamut o seres humanos cazando a menudo. Hay ejemplos de pinturas de cuevas por todo mundo-en Francia, India, España, Portugal, China, Australia, etc Hay muchos temas en común a través de los diferentes lugares que se han encontrado las pinturas; lo que implica la universalidad de propósito y la similitud de los impulsos que podrían haber creado las imágenes. Diversas conjeturas se han hecho en cuanto al significado de estas pinturas tuvieron que las personas que las hicieron. Los hombres prehistóricos pudieron haber pintado animales para "atrapar" su alma o espíritu con el fin de cazar con mayor facilidad, o las pinturas puede representar una visión animista y homenaje a los alrededores la naturaleza , o pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión que es innata de los seres humanos, o pueden ser grabaciones de las experiencias de vida de los artistas y las historias relacionadas de los miembros de su círculo.
La pintura occidental
Egipto, Grecia y Roma
Sennedjem ara su campo con un par de bueyes, c. 1200 aC
Antiguo Egipto , la diosa Isis , pintura mural, c. 1360 aC
Antiguo Egipto , la reina Nefertari
Antiguo Egipto , papiro
Paneles PITSA, uno de los pocos sobrevivientes de pinturas sobre tabla Grecia Arcaica, ca. 540-530 aC
Escena en el Simposio Tumba del nadador en Paestum, alrededor del año 480 aC Arte griego
Knossos
Arte romano, Pompeya
Arte romano
Arte romano
Arte romano
Arte romano
Arte romano
Arte romano
Antiguo Egipto , una civilización con fuertes tradiciones de la arquitectura y la escultura (ambos originalmente pintado en colores brillantes), tenía muchas pinturas murales en templos y edificios, y las ilustraciones pintadas en papiro manuscritos. Pintura mural egipcio y pintura decorativa es a menudo gráfico, a veces más simbólica que realista. Pintura egipcia representa figuras de contorno en negrita y plana silueta, en la que la simetría es una característica constante. Pintura egipcia tiene estrecha relación con la llama en lengua su escrito Jeroglíficos egipcios. Símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de la lengua escrita. Los egipcios también pintada en ropa, los restos de los cuales sobreviven hoy. Pinturas egipcias antiguas sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. Los antiguos egipcios crearon pinturas para hacer el más allá de los fallecidos en un lugar agradable. Los temas incluyen viaje por el más allá o sus deidades protectoras introducción de los fallecidos a los dioses del inframundo. Algunos ejemplos de estas pinturas son pinturas de los dioses y diosas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis . Algunas pinturas de las tumbas muestran las actividades que los fallecidos estaban involucrados en cuando estaban vivos y deseaba seguir haciendo por toda la eternidad. En el Nuevo Reino y más tarde, el Libro de los Muertos fue enterrado con la persona sepultada. Se consideró importante para una introducción a la otra vida.
Al norte de Egipto fue la civilización minoica en la isla de Creta. Las pinturas murales que se encuentran en el palacio de Knossos son similares a los de la Egipcios, pero mucho más libre en el estilo.
Alrededor de 1100 aC, las tribus del norte de Grecia conquistaron Grecia y su arte tomaron una nueva dirección. La cultura de la antigua Grecia es notable por sus destacadas contribuciones a las artes visuales. Pintura sobre cerámica de la antigua Grecia y cerámica da una idea particularmente informativo en el camino de la sociedad en la Grecia Antigua funcionó. Muchos buenos ejemplos de Negro-figura pintura del florero y Pintura de los vasos de figuras rojas todavía existe. Algunos pintores griegos famosos que trabajaron en los paneles de madera y se mencionan en los textos son Apeles, Zeuxis y Parrasio; sin embargo, con la única excepción de la Paneles PITSA, no hay ejemplos de la antigua pintura sobre tabla griega sobreviven, sólo descripciones escritas de sus contemporáneos o posteriores romanos. Zeuxis vivió en el siglo quinto antes de Cristo y se dice que es el primero en utilizar sfumato. De acuerdo a Plinio el Viejo, el realismo de sus pinturas fue tal que las aves trataron de comer las uvas pintadas. Apeles se describe como el más grande pintor de antigüedad, y se caracteriza por una técnica perfecta en el dibujo, colores brillantes, y el modelado.
Arte romano fue influenciado por Grecia y en parte se puede tomar como descendiente de la pintura griega antigua. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Casi todos los supervivientes obras romanas son las pinturas murales, muchos de villas en Campania, en el sur de Italia. Esa pintura se pueden agrupar en cuatro grandes "estilos" o períodos y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva y paisaje puro. Casi los retratos pintados sólo sobreviven desde el mundo antiguo son un gran número de Momia Retratos de forma busto que se encuentran en el Cementerio antiguo tardío de Al-Fayum. Aunque éstos no eran ni de la mejor época ni la más alta calidad, que son impresionantes en sí mismos, y sugieren la calidad de la mejor obra antigua. Un número muy pequeño de miniaturas de los libros ilustrados Late Antique también sobreviven, así como un lugar mayor número de copias de los mismos a partir del período medieval.
Edad Media
Algodón Génesis Una miniatura de Abraham Reunión Angels
Bizantino icono, siglo sexto
Mosaicos de arte bizantino en Ravenna
Bizantino, del siglo sexto
Limbourg Hermanos
Limbourg Hermanos
Libro de horas
La captura de Jerusalén durante la Primera Cruzada , c. 1099
El Morgan Hoja, de la Winchester Biblia 1160-1175, Escenas de la vida de David
Yaroslavl Evangelios c. 1220s
Carolingia
Carolingia San Marcos
Retrato Evangelista
Giottino
Vitale da Bologna
Simone Martini
Simone Martini
Cimabue
Giotto
Giotto
Giotto
Andrei Rublev
Andrei Rublev, Ascensión, 1408
Ambrogio Lorenzetti
Pietro Lorenzetti
-
Duccio
Bonaventura Berlinghieri, San Francisco de Asís, 1235
Iglesia de Chora
Catedral del Arcángel
Monasterio Voronet
El surgimiento del cristianismo impartió otro espíritu y el objetivo de estilos de pintura. Arte bizantino, una vez que su estilo se estableció en el siglo sexto, puesto gran énfasis en mantener tradicional iconografía y estilo, y ha evolucionado gradualmente durante los mil años del Imperio Bizantino y las tradiciones vivas de griego y ruso ortodoxo pintura de iconos. Pintura bizantina tiene una sensación hierática y los iconos eran y siguen siendo vistos como una representación de la revelación divina. Habia muchos frescos, pero menos de ellos han sobrevivido de mosaicos . Arte bizantino se ha comparado a lo contemporáneo abstracción, en su planitud y representaciones muy estilizadas de las figuras y el paisaje. Algunos períodos del arte bizantino, en especial los llamados del Arte macedonio de alrededor del siglo 10, son más flexibles en el enfoque. Frescos de la Palaeologian renacentista de principios de los años c14th sobrevivir en el Iglesia de Chora en Estambul.
En el post-Antique Europa católica el primer estilo artístico distintivo que emerge, que incluyó pintura era la Arte insular de las Islas Británicas, donde los únicos ejemplos que sobreviven son miniaturas Manuscritos iluminados, como el Libro de Kells . Estos son más famosos por su decoración abstracta, aunque las cifras, ya veces las escenas, también estaban representados, sobre todo en Retratos evangelista. Carolingia y Arte otoniano también sobrevive principalmente en manuscritos, aunque algunos pintura mural se quedan, y más están documentados. El arte de este período combina influencias "bárbaras" Insular y con una fuerte influencia bizantina y una aspiración de recuperar monumentalidad clásica y aplomo.
Paredes de Románico y Iglesias góticas fueron decorados con frescos, así como escultura y muchos de los pocos que quedan murales tienen gran intensidad, y combinan la energía decorativa del arte insular con una nueva monumentalidad en el tratamiento de las figuras. Muchas más miniaturas Manuscritos iluminados sobreviven de la época, mostrando las mismas características, que continúan en el Época gótica.
Pintura sobre tabla se vuelve más común durante el Románico, bajo la fuerte influencia de iconos bizantinos. Hacia la mitad del siglo 13, El arte medieval y Pintura gótica se hizo más realista, con los inicios de interés en la representación de volumen y perspectiva en Italia con Cimabue y luego su discípulo Giotto. De Giotto en el tratamiento de la composición por los mejores pintores también se convirtió en mucho más libre e innovador. Ellos son considerados como los dos grandes maestros medievales de pintura en la cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utiliza un enfoque más realista y dramático a su arte. Su alumno, Giotto, tomó estas innovaciones a un nivel más alto que a su vez establece las bases de la tradición de la pintura occidental. Ambos artistas fueron pioneros en el movimiento hacia el naturalismo.
Se construyeron iglesias con más y más ventanas y el uso de coloridos vitrales convierten en un elemento básico en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esto se encuentra en la catedral de Notre Dame de París. En el siglo 14 las sociedades occidentales eran tanto más rica y cultivada y pintores encontraron nuevos clientes en la nobleza e incluso el burguesía. Manuscritos iluminados adquirieron un nuevo personaje y, las mujeres de la corte de moda vestidos delgados se muestran en sus paisajes. Este estilo pronto se hizo conocido como el estilo internacional y pinturas y retablos tabla Tempera ganaron importancia.
Renacimiento y Manierismo
Fra Angelico
Filippo Lippi
Andrea Mantegna
Masaccio la expulsión de Adán y Eva del Edén, antes y después de la restauración
Paolo Uccello
Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Tiziano
Sandro Botticelli
Piero della Francesca
Giorgione
Jacopo Tintoretto
Jan van Eyck
Jan van Eyck
Rogier van der Weyden
Robert Campin
Hieronymus Bosch
Pieter Bruegel
Hans Holbein el Joven
El Greco
El Renacimiento (francés para "renacimiento"), un movimiento cultural que abarca aproximadamente el 14 a través de la mitad del siglo 17, anunciaron el estudio de las fuentes clásicas, así como los avances en la ciencia, que influyó profundamente en la vida intelectual y artística europea. En Italia artistas como Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti , Raphael , Giovanni Bellini y Titian tomó la pintura a un nivel superior mediante el uso de perspectiva, el estudio de la anatomía humana y la proporción, y mediante la elaboración de un refinamiento sin precedentes en las técnicas de dibujo y pintura.
Pintores flamencos, holandeses y alemanes del Renacimiento como Hans Holbein el Joven, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, El Bosco, y Pieter Bruegel representan un enfoque distinto al de sus colegas italianos, uno que es más realista y menos idealizado. Pintura de género se convirtió en un lenguaje popular entre los pintores del Norte como Pieter Bruegel. La adopción de la pintura al óleo cuya invención fue tradicionalmente, pero erróneamente, acreditado a Jan Van Eyck, (una figura de transición importante que tiende un puente sobre la pintura en la Edad Media con la pintura de principios del Renacimiento), hizo posible una nueva la verosimilitud en la representación de la realidad. A diferencia de los italianos, cuyo trabajo inspirado en gran medida desde el arte de la antigua Grecia y Roma, los norteños conservan un residuo estilística de la escultura y manuscritos iluminados de la Edad Media.
Pintura renacentista refleja la revolución de las ideas y la ciencia ( astronomía , geografía ) que se produjeron en este período, el Reforma, y la invención de la imprenta. Durero, considerado uno de los más grandes grabadores, afirma que los pintores no son meros artesanos, pero pensadores también. Con el desarrollo de la pintura de caballete en el Renacimiento, la pintura se independizó de la arquitectura. Tras siglos dominados por la imaginería religiosa, tema secular cuestión volvió lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluyen visiones del mundo que les rodea, o los productos de su propia imaginación en sus pinturas. Los que podían permitirse el gasto podría convertirse en mecenas y retratos de comisión de sí mismos o de su familia.
En el siglo 16, las imágenes móviles que pueden ser colgados fácilmente en las paredes, en lugar de pinturas colocadas en estructuras permanentes, entraron en la demanda popular.
La Alto Renacimiento dio lugar a un arte estilizado conocido como Manierismo. En lugar de las composiciones equilibradas y enfoque racional a la perspectiva que caracterizó el arte en los albores del siglo 16, los manieristas buscaron inestabilidad, artificio, y la duda. Las caras no perturbadas y gestos de Piero della Francesca y las vírgenes tranquilas de Raphael se sustituyen por las expresiones con problemas de Pontormo y la intensidad emocional de El Greco.
Barroco y Rococó
Artemisia Gentileschi
Frans Hals
Jan Vermeer
Diego Velázquez
Nicolas Poussin
Jusepe de Ribera
Salvator Rosa
Claude Lorrain
Giovanni Battista Tiepolo
Antoine Watteau
Jean-Honouré Fragonard
François Boucher
Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun
Maurice Quentin de La Tour
Joshua Reynolds
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Francis Hayman
Angelica Kauffmann
Pintura barroca se asocia con el barroco movimiento cultural, un movimiento a menudo se identifica con el absolutismo y la Contrarreforma o renacimiento católico; la existencia de importante la pintura barroca en países no absolutistas y protestantes también, sin embargo, pone de relieve su popularidad, como el estilo extendido por toda Europa occidental.
Pintura barroca se caracteriza por gran drama, color rico, profundo, y la luz intensa y sombras oscuras. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento. Durante el período que se inicia alrededor de 1600 y durante todo el siglo 17, la pintura se caracteriza por ser de estilo barroco . Entre los más grandes pintores del barroco son Caravaggio , Rembrandt , Frans Hals, Rubens , Velázquez, Poussin, y Jan Vermeer. Caravaggio es un heredero del humanista de la pintura Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintó directamente de la vida y spotlit dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Pintura barroca a menudo dramatiza escenas usando efectos de luz; esto se puede ver en las obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour.
Durante el siglo 18, rococó siguió como una extensión más ligera del barroco, a menudo frívola y erótico. rococó desarrollado por primera vez en las artes decorativas y diseño de interiores en Francia. Sucesión de Luis XV trajo un cambio en los artistas de la corte y la moda artística general. Las décadas de 1730 representaron la altura del desarrollo Rococó en Francia ejemplificado por las obras de Antoine Watteau y François Boucher. Rococó todavía mantiene el sabor barroco para las formas complejas y patrones intrincados, pero en este punto, que había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluyendo el gusto por los diseños orientales y composiciones asimétricas.
El estilo rococó se extendió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue recibido con facilidad en las regiones católicas de Alemania, Bohemia y Austria , donde se fusionó con las animadas tradiciones barrocas alemanas. Alemán rococó se aplicó con entusiasmo a las iglesias y palacios, sobre todo en el sur, mientras que Federico el rococó se desarrolló en el Reino de Prusia.
Los maestros franceses Watteau, Boucher y Fragonard representan el estilo, al igual que Giovanni Battista Tiepolo y Jean-Baptiste-Siméon Chardin que fue considerado por algunos como el mejor pintor francés del siglo 18 - Anti-rococó. El retrato fue un componente importante de la pintura en todos los países, pero sobre todo en Inglaterra, donde los líderes fueron William Hogarth , en un estilo realista contundente, y Francis Hayman, Angelica Kauffmann (quien era suizo), Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds en estilos más favorecedores influenciados por Anthony van Dyck . Mientras que en Francia durante la época rococó Jean-Baptiste Greuze (el pintor favorito de Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, y Élisabeth Vigée-Lebrun fueron grandes logros Retratistas y Pintores de historia.
William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para rococó belleza. Aunque no hace referencia intencionadamente el movimiento, argumentó en su análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y curvas S prominentes en rococó fueron la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o círculo en Clasicismo). El principio del fin para rococó llegó a principios de los años 1760 como figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzó a expresar su crítica a la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel lamentó el "revoltijo ridícula de conchas, dragones, cañas, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos.
Por 1785, Rococo había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de los neoclásicos artistas como Jacques-Louis David.
Siglo 19: neoclasicismo, la pintura de historia, romanticismo, impresionismo, poste impresionismo, simbolismo
Jacques-Louis David 1787
John Singleton Copley, 1778
Antoine-Jean Gros, 1804
John Constable 1802
Francisco Goya 1814
Théodore Géricault 1819
Caspar David Friedrich c.1822
Karl Brullov 1827
Eugène Delacroix, 1830
JMW Turner 1838
Ivan Aivazovsky 1850
Gustave Courbet 1849-1850
Jean Auguste Dominique Ingres 1862
Jan Matejko 1862
Camille Corot c.1867
Claude Monet 1872
Edgar Degas 1876
Édouard Manet 1882
Aleksander Gierymski 1884
Albert Bierstadt 1886
Valentin Serov 1887
Vincent van Gogh 1888
Ilya Repin 1891
-
Józef Chelmonski 1896
Paul Gauguin 1897-1898
Georges-Pierre Seurat 1884-1886
Thomas Eakins, 1884-1885
Albert Pinkham Ryder, 1890
Winslow Homer 1899
Witold Wojtkiewicz 1905
Paul Cézanne 1906
Después rococó , se levantó en el siglo 18, en la arquitectura y, a continuación, en la pintura severa neoclasicismo , mejor representada por artistas como David y su heredero Ingres. Obra de Ingres ya contiene gran parte de la sensualidad, pero ninguno de la espontaneidad, que fue caracterizar el Romanticismo . Este movimiento se volvió su atención hacia el paisaje y la naturaleza, así como la figura humana y la supremacía del orden natural por encima de la voluntad de la humanidad. Hay un filosofía panteísta (véase Spinoza y Hegel) dentro de esta concepción que se opone a la Ilustración ideales al ver el destino de la humanidad en una luz más trágica o pesimista. La idea de que los seres humanos no están por encima de las fuerzas de la Naturaleza está en contradicción con antiguos griegos ideales y renacentistas donde la humanidad estaba por encima de todas las cosas y era dueño de su destino. Este pensamiento llevado artistas románticos para representar la sublimes, iglesias en ruinas, naufragios, masacres y locura.
Por los pintores de mediados del siglo 19 se convirtió en liberado de las exigencias de su patrocinio a sólo representan escenas de la religión, la mitología, el retrato o la historia. La idea del "arte por el arte" comenzó a encontrar su expresión en la obra de pintores como Francisco de Goya, John Constable y JMW Turner. Pintores románticos se volvieron pintura de paisaje en un género importante, considerado hasta entonces como un género menor o como un fondo decorativo para composiciones de figuras. Algunos de los principales pintores de este período son Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner , Caspar David Friedrich y John Constable . Francisco de Goya 's trabajo tarde demuestra el interés romántico en lo irracional, mientras que el trabajo de Arnold Böcklin evoca misterio y las pinturas de Estética artista movimiento James Abbott McNeill Whistler evocan tanto la sofisticación y decadencia. En los Estados Unidos la tradición romántica de la pintura de paisaje era conocido como el Escuela del río Hudson: exponentes incluyen Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran, y John Frederick Kensett. Luminismo fue un movimiento en la pintura de paisaje de América en relación con la Escuela del río Hudson.
El líder Pintor Barbizon School Camille Corot pintó tanto en un romántico y un vena realista; su obra prefigura impresionismo , al igual que las pinturas de Eugène Boudin, que fue uno de los primeros pintores franceses del paisaje a pintar al aire libre. Boudin fue también una importante influencia en el joven Claude Monet , a quien en 1857 se presentó a Pintura al aire libre. Una fuerza importante en el giro hacia Realismo a mediados de siglo era Gustave Courbet. En el último tercio de los impresionistas del siglo como Édouard Manet, Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt , y Edgar Degas trabajó en un enfoque más directo que previamente había sido exhibido públicamente. Se abstuvieron alegoría y narrativa en favor de respuestas individualizadas para el mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio, confiando en destreza del dibujo y una paleta muy cromática. Manet, Degas, Renoir, Morisot, y Cassatt concentra principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet y Degas reinterpretados cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de los Manet volver a imaginar reunieron con hostil recepción pública. Renoir, Morisot, y Cassatt volvió a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro, Sisley y utiliza el paisaje como su motivo principal, la fugacidad de la luz y el tiempo juega un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley más estrechamente adherido a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscaba retos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminó en su serie de obras monumentales de los lirios de agua pintadas en Giverny.
Pissarro adoptó algunos de los experimentos de Post-Impresionismo. Ligeramente más jóvenes post-impresionistas como Vincent van Gogh , Paul Gauguin, y Georges-Pierre Seurat, junto con Paul Cézanne llevó arte al borde de modernismo; por Gauguin Impresionismo dio paso a un simbolismo personal; Seurat transformó color quebrado del impresionismo en un estudio óptica científica, estructurada sobre composiciones de friso; Método turbulento de Van Gogh de la aplicación de la pintura, junto con un uso sonora de color, predijo el expresionismo y Fauvismo, y Cézanne, con el deseo de unir a la composición clásica con una abstracción revolucionaria de las formas naturales, vendría a ser visto como un precursor del arte del siglo 20o. El hechizo del impresionismo se sintió en todo el mundo, incluso en Estados Unidos, donde se convirtió en parte integral de la pintura de Impresionistas americanos como Childe Hassam, John Henry Twachtman, y Theodore Robinson. También ejerció influencia en los pintores que no eran principalmente impresionista en teoría, como el pintor de retrato y paisaje John Singer Sargent. Al mismo tiempo en Estados Unidos a finales del siglo 20 existía un realismo nativo y casi insular, que se recoge en abundancia en la obra figurativa de Thomas Eakins, el Escuela Ashcan, y los paisajes terrestres y marinos de Winslow Homer, cuyas pinturas fueron profundamente invertido en la solidez de las formas naturales. El paisaje visionario, un motivo que dependen en gran medida de la ambigüedad del nocturne, encontró sus defensores en Albert Pinkham Ryder y Ralph Albert Blakelock.
En el siglo 19 también hubo varios, más bien diferentes, grupos de Pintores simbolistas cuyas obras resonado con artistas más jóvenes del siglo 20, especialmente con el Fauvistas y el Surrealistas. Entre ellos se encontraban Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops, y Jan Toorop, y Gustav Klimt, entre otros, incluyendo la Simbolistas rusos como Mikhail Vrubel.
Pintores simbolistas minaron la mitología y la imagen de sueño de un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que trajeron a la mente un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en el simbolismo no son lo familiar emblemas de la corriente principal iconografía pero las referencias intensamente personales, privados, oscuros y ambiguos. Una filosofía más que un estilo real de arte, los pintores simbolistas influyó en el contemporáneo Art Nouveau y movimiento Les Nabis. En su exploración de temas oníricos, pintores simbolistas se encuentran al otro lado de siglos y culturas, como lo son todavía hoy; Bernard Delvaille ha descrito Surrealismo de René Magritte como "Simbolismo más Freud ".
Siglo 20
Henri Matisse , 1905, Fauvismo
Henri Matisse , 1909, finales Fauvismo
Pablo Picasso de 1907, a principios del cubismo
Georges Braque, 1910, el cubismo analítico
La herencia de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin, y Seurat era esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo 20 Henri Matisse y varios otros jóvenes artistas, incluyendo el pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionó el mundo del arte de París con "salvaje", de varios colores, expresivo, paisajes y cuadros de figuras que los críticos llaman Fauvismo (como se ve en la galería de arriba). Henri Matisse segunda versión 's de La danza significa un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. Refleja fascinación incipiente de Matisse con arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el fondo azul-verde fresco y la sucesión rítmica de desnudos bailando transmiten los sentimientos de liberación emocional y . hedonismo Pablo Picasso hizo sus primeros cubistas pinturas en base a la idea de Cézanne que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon 1907, (ver galería) Picasso creó dramáticamente una nueva y radical de imagen que representa una escena del burdel crudo y primitivo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recuerdan Máscaras africanas tribales y sus propios nuevos cubistas invenciones. cubismo analítico (ver galería) fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, ejemplificada por violín y Candlestick, Paris, (visto arriba) de aproximadamente 1908 a través de 1912. cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético , practicada por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y un sinnúmero de otros artistas en la década de 1920. cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionado.
La Salón de Otoño de 1905 trajo notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y Fauvismo. El grupo ganó su nombre, después de crítico Louis Vauxcelles describió su trabajo con la frase " Donatello au milieu des fauves "(" Donatello entre las fieras "), contrastando las pinturas con un renacimiento escultura de tipo que compartía la habitación con ellos. Henri Rousseau (1844-1910), un artista que Picasso conocía y admiraba, y que no era un Fauve, tuvo su gran escena de la selva "El león hambriento se lanza sobre el antílope" también colgando cerca de las obras de Matisse y que pueden haber tenido una influencia en lo particular término sarcástico usado en la prensa. Comentario Vauxcelles 'se imprimió el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas, y pasó a ser de uso popular.
Aunque las imágenes fueron ampliamente derided- "Un bote de pintura ha sido arrojado en la cara del público", declaró el crítico Camille Mauclair (1872-1945) -ellos también atrajo cierta atención favorable. La pintura que fue señalado por la mayoría de los ataques era Matisse Mujer con un sombrero; la compra de esta obra por Gertrude y Leo Stein tuvo un efecto muy positivo sobre Matisse, que sufría la desmoralización de la mala recepción de su obra.
Durante los años comprendidos entre 1910 y el final de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo , varios movimientos surgieron en París. Giorgio de Chirico se trasladó a París en julio de 1911, donde se unió a su hermano Andrea (el poeta y pintor conocido como Alberto Savinio). A través de su hermano conoció a Pierre Laprade miembro del jurado en el Salón de Otoño, donde expuso tres de sus obras oníricas: Enigma del Oráculo, Enigma de una tarde y autorretrato. Durante 1913 expone su obra en el Salón de los Independientes y Salon d'Automne, su obra fue notado por Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire y varios otros. Sus pinturas atractivas y misteriosas se consideran fundamentales para los inicios de Surrealismo. Canción de Amor 1914, es una de las más famosas obras de De Chirico y es un ejemplo temprano de la estilo surrealista, a pesar de que fue pintado diez años antes del movimiento fue "fundada" por André Breton en 1924 (ver galería).
En las dos primeras décadas del siglo 20 y después el cubismo, varios otros movimientos importantes surgieron; Futurismo ( Balla), El arte abstracto ( Kandinsky) Der Blaue Reiter ( Wassily Kandinsky y Franz Marc), Bauhaus ( Kandinsky y Klee), Orfismo, ( Delaunay y Kupka), Sincromismo ( Russell), De Stijl ( van Doesburg y Mondrian), Suprematismo ( Malevich), Constructivismo ( Tatlin), el dadaísmo ( Duchamp, Picabia y Arp), y Surrealismo ( de Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí y Ernst). La pintura moderna influenciada todas las artes visuales, desde Arquitectura y el diseño modernista, a cine de vanguardia, el teatro y danza moderna y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, de la fotografía y la poesía concreta de arte de publicidad y la moda. La pintura de Van Gogh ejerció gran influencia en el siglo 20 el expresionismo , como puede verse en la obra de la Fauvistas, Die Brücke (un grupo liderado por el pintor alemán Ernst Kirchner), y el expresionismo de Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Chaim Soutine y otros.
Los pioneros de la abstracción
Piet Mondrian de 1911, temprano De Stijl
Marcel Duchamp, 1912, cubismo y Futurismo
Wassily Kandinsky, 1913, nacimiento del arte abstracto
Robert Delaunay, 1912-1913, Orfismo
Morgan Russell, 1913-1914 Sincromismo
Giacomo Balla, 1913-1914, Futurismo
Kazimir Malevich, 1916, Suprematismo
Theo van Doesburg, 1917, De Stijl, Neoplasticismo
Wassily Kandinsky, pintor ruso, artista gráfico y arte teórico, uno de los artistas más famosos del siglo 20 es generalmente considerado el primer pintor importante de moderno arte abstracto . Como uno de los primeros modernista, en busca de nuevos modos de expresión visual y expresión espiritual, teorizó como hizo contemporánea ocultistas y teósofos, que la abstracción visual pura tenían vibraciones corolario con el sonido y la música. Se postula que la abstracción pura podía expresar la espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones generalmente se titulan como el ejemplo en el (anterior galería) Composición VII, haciendo conexión con la obra de los compositores de música. Kandinsky incluido muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro De lo espiritual en el arte. Arte de Piet Mondrian también estaba relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 empezó a interesarse por la movimiento teosófico lanzada por Helena Petrovna Blavatsky en el siglo 19. Blavatsky creyó que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profunda que la proporcionada por medios empíricos, y gran parte de la obra de Mondrian para el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese conocimiento espiritual. Otros pioneros más importantes de la abstracción temprana incluyen pintor sueco Hilma af Klint, pintor ruso Kazimir Malevich, y Swiss pintor Paul Klee. Robert Delaunay era un artista francés que se asocia con Orfismo, (una reminiscencia de un vínculo entre la pura abstracción y el cubismo). Sus obras posteriores fueron más abstracto, que recuerda Paul Klee. Sus principales contribuciones a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz de color, y un claro amor por la experimentación de profundidad y tono. Por invitación de Wassily Kandinsky, Delaunay y su esposa la artista Sonia Delaunay, se unió el jinete azul ( Der Blaue Reiter), una Múnich grupo basado de abstractos artistas, en 1911, y su arte tomó un giro hacia lo abstracto. Sin embargo, otros pioneros importantes de la pintura abstracta incluyen Pintor checo, František Kupka y Sincromismo, un movimiento artístico fundado en 1912 por los artistas americanos Stanton MacDonald-Wright y Morgan Russell que se asemeja mucho Orfismo.
Fauvismo, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Henri Matisse , Fauvismo, 1905
André Derain, Fauvismo, 1906
Maurice de Vlaminck, Fauvismo, 1906
Wassily Kandinsky, Der Blaue Reiter, 1903
Alexej von Jawlensky, Der Blaue Reiter, 1909
Franz Marc, Der Blaue Reiter, 1913-1914
Ernst Kirchner,Die Brücke, 1913
Otto Mueller,Die Brücke, 1919
Les fauves (francés para las bestias salvajes ) eran pintores del siglo 20 temprano, experimentar con la libertad de expresión a través del color. El nombre fue dado, con humor y no como un cumplido, al grupo por el crítico de arte Louis Vauxcelles. fauvismo fue una agrupación de corta duración y floja de los artistas de principios del siglo 20 a principios cuyas obras enfatizado cualidades pictóricas, y el uso imaginativo de color profundo sobre los valores de representación. Fauvistas hizo que el tema de la pintura fácil de leer, exagerada perspectivas y una predicción profética interesante del fauvistas se expresó en 1888 por Paul Gauguin a Paul Sérusier,
"¿Cómo ve estos árboles Están amarilla Así, ponen en amarillo;?. Esta sombra, más bien azul, pintar con puro azul de ultramar;? estas hojas rojas Ponga en bermellón. "
Los líderes del movimiento eran Enrique Matisse y André Derain - rivales amistosos de una especie, cada uno con sus propios seguidores. En última instancia Matisse se convirtió en el yang a Picasso 's yin en el siglo 20. Pintores fauvistas incluyen Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, el pintor holandés Kees van Dongen, y socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros.
Fauvismo, como movimiento, no tenía teorías concretas, y fue de corta duración, que comienza en 1905 y termina en 1907, sólo tenían tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad en la edad y el auto-creación previa en el mundo del arte académico. Su 1905 retrato de Mme. Matisse La Línea Verde, (arriba), causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Él dijo que quería crear arte para deleitar; el arte como decoración era su propósito y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906 por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard, André Derain fue a Londres y produjo una serie de pinturas como Puente de Charing Cross, Londres (arriba) en el estilo fauvista, parafraseando la famosa serie por el impresionista pintor Claude Monet .
En 1907 Fauvismo ya no era un nuevo movimiento chocante, pronto fue sustituido porel cubismoen la pantalla de radar críticos como la última novedad enarte contemporáneo de la época. En 1907 Appolinaire, al comentar sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, dijo, " No estamos aquí en presencia de un extravagante o una empresa extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable ".
Der Blaue Reiter era un movimiento alemán que duró desde 1911 a 1914, fundamental al expresionismo, junto con muere Brücke, un grupo de alemanes expresionistas artistas formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores de Die Brücke fueron Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff. Miembros posteriores incluyeron Max Pechstein, Otto Mueller y otros. Este era un grupo seminal, que en su momento tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo 20 y creó el estilo de expresionismo .
Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, cuya psíquicamente expresiva pintura del ruso bailarina Retrato de Alexander Sakharoff de 1909, se encuentra en la galería superior, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger y otros fundaron al grupo Der Blaue Reiter en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky Juicio Final de una exhibición. Der Blaue Reiter careció un manifiesto artístico central, pero fue centrado alrededor de Kandinsky y Marc. Artistas Gabriele Münter y Paul Klee también participaron.
El nombre del movimiento viene de una pintura por Kandinsky creó en 1903 (véase la ilustración). También se afirma que el nombre podría haber derivado del entusiasmo de Marc para los caballos y del amor de Kandinsky del azul del color. Para Kandinsky, azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro el azul, más despierta el deseo humano para el eterno.
Expresionismo, simbolismo, American Modernismo, Bauhaus
Gustav Klimt,el expresionismo, 1907-1908
Marc Chagall,el expresionismoyel surrealismo, 1911
Arthur Dove, tempranomodernismo americano, 1911
Egon Schiele, SimbolismoExpresionismo, 1912
Amedeo Modigliani, SimbolismoExpresionismo, 1917
Marsden Hartley, Modernismo americano, 1914
Paul Klee, Bauhaus, 1921
Stuart Davis, Modernismo americano, 1921
Expresionismo y Simbolismo son grandes rúbricas que describe varios movimientos importantes y relacionadas en la pintura del siglo 20, que dominó gran parte del arte de vanguardia están realizando en el oeste, este y norte de Europa. Expresionismo fue pintado en gran medida entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, sobre todo en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Artistas expresionistas están relacionados con tanto surrealismo y simbolismo y son cada uno de forma única y un tanto excéntrica personal. Fauvismo, Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de expresionistas y simbolistas pintores. Artistas como interesantes y diversos como Marc Chagall, cuya pintura Yo y la aldea , (arriba) le dice a una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico de artística Simbolismo. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Kollwitz Schmidt, Georges Rouault, Amedeo Modigliani y algunos de los estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley, y Stuart Davis, fueron considerados influyentes pintores expresionistas. Aunque Alberto Giacometti se piensa principalmente como un intenso escultor surrealista, hizo pinturas expresionistas intensos también.
En los EE.UU. durante el período entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial pintores solían ir a Europa para su reconocimiento. artistas modernistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy y Stuart Davis, reputaciones creadas en el extranjero. Mientras Patrick Henry Bruce, crearon cubistas pinturas relacionadas en Europa , tanto Stuart Davis y Gerald Murphy hicieron pinturas que eran primeras inspiraciones para American pop art y Marsden Hartley experimentó con expresionismo . Durante la década de 1920 el fotógrafo Alfred Stieglitz exhibió Georgia O'Keeffe , Arthur Dove, Alfred Maurer, Charles Demuth, John Marin y otros artistas incluyendo Masters Europeo Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau, Paul Cézanne, y Pablo Picasso , en su galería de la ciudad de Nueva York el 291 . En Europa maestros como Enrique Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientes de cualquier movimiento.
Dada y Surrealismo
Francis Picabia, 1916,Dadá
André Masson, 1922, temprano Surrealismo
Marcel Duchamp, 1915-1923,Dadá
Kurt Schwitters, 1919,collage pintado,Dadá
Max Ernst, 1920, temprano Surrealismo
Joan Miró, 1923-1924,abstracta Surrealismo
René Magritte, 1928-1929, Surrealismo
Yves Tanguy, 1927, Surrealismo
Marcel Duchamp llegó a la fama internacional en la estela de la Ciudad de Nueva York Armory Show de 1913 donde su Desnudo bajando una escalera se convirtió en la causa célebre. Posteriormente creó el Bare The Bride Stripped por sus solteros, incluso, Gran Vidrio (ver arriba). La Gran Vidrio empujó el arte de la pintura a los nuevos límites radicales son parte pintura, parte del collage, que forma parte de la construcción. Duchamp (que era muy pronto para renunciar a la creación artística de ajedrez ) se asoció estrechamente con el dadaísmo movimiento que comenzó en punto muerto Zürich, Suiza , durante la Primera Guerra Mundial y llegó a su máximo desde 1916 hasta 1920. El movimiento artes principalmente involucrados visuales, literatura (poesía, manifiestos de arte , la teoría del arte), el teatro y el diseño gráfico, y se concentraron su política de lucha contra la guerra a través de un rechazo de las normas vigentes en el arte a través de anti-arte obras culturales. Francis Picabia (ver arriba), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, junto con Duchamp y muchos otros están asociados con el movimiento dadaísta. Duchamp y varios dadaístas también se asocian con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en los años 1920 y 1930.
En 1924 André Breton publicó el Manifiesto Surrealista. El movimiento surrealista en la pintura se convirtió en sinónimo de la vanguardia y que contó con artistas cuyas obras variadas de lo abstracto a la super-realista. Con obras sobre papel como máquina Gire rápidamente, (arriba) Francis Picabia continuó su participación en el dadaísmo movimiento a través de 1919 en Zurich y París, antes de romperse lejos de él después de desarrollar un interés en el arte surrealista. Yves Tanguy, René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocido por sus representaciones realistas de la imagen de sueño y fantásticas manifestaciones de la imaginación. de Joan Miró Tierra labrada de 1923-1924 raya en la abstracción, esta pintura temprana de un complejo de objetos y figuras, y arreglos de caracteres sexualmente activas; fue el primero de Miró Surrealista obra maestra. El más abstracto Joan Miró, Jean Arp, André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940.
A lo largo de la década de 1930, el surrealismo continuó a ser más visible para el público en general. La grupo surrealista desarrollado en Gran Bretaña y, según Breton, su 1936 London International exposición surrealista fue una cota máxima de la época y se convirtió en el modelo para exposiciones internacionales. Grupos surrealistas en Japón, y en especial en América Latina, el Caribe y en México produjeron obras innovadoras y originales.
Dalí y Magritte creó algunas de las imágenes más reconocidas del movimiento. La pintura 1928/1929 Esta no es una pipa, por Magritte es el tema de un libro de 1973 Michel Foucault, Esto no es una pipa (edición de Inglés, 1991), que trata sobre la pintura y su paradoja. Dalí se unió al grupo en 1929, y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.
Surrealismo como un movimiento visual había encontrado un método: para exponer la verdad psicológica por extracción de objetos ordinarios de su significado normal, a fin de crear una imagen convincente de que estaba más allá de organización formal ordinaria, y la percepción, a veces evocando empatía del espectador, a veces la risa y a veces indignación y desconcierto.
1931 fue un año en que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: en un ejemplo (ver galería de arriba) formas líquidas se convierten en la marca de Dalí, particularmente en su La persistencia de la memoria , que cuenta con la imagen de los relojes que sag como si se están derritiendo. Evocaciones de tiempo y de su misterio convincente y el absurdo.
Las características de este estilo - una combinación de los depictive, lo abstracto y lo psicológico - vinieron a presentarse a la alienación que muchas personas sentían en elperiodo modernista, combinado con el sentido de llegar más profundamente en la psique, que se "hizo todo con la individualidad de uno ".
Max Ernst, cuya pintura 1920 Asesinar Avión (arriba), estudió filosofía y psicología en Bonn y estaba interesado en las realidades alternativas experimentadas por los locos. Sus pinturas pueden haber sido inspirado por el psicoanalista Sigmund Freud estudio 's de los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en una mujer como un complejo de castración. La imagen central de dos pares de patas se refiere a los deseos hermafroditas de Schreber. Inscripción de Ernst en la parte posterior de la pintura lee: La imagen es curiosa debido a su simetría. Los dos sexos equilibrio entre sí.
Durante la década de 1920 la obra de André Masson fue enormemente influyente en ayudar al joven artista Joan Miró encontrar sus raíces en la nueva pintura surrealista. Miró reconoció en cartas a su marchante Pierre Matisse la importancia de Masson como un ejemplo para él en sus primeros años en París.
Mucho después de que las tensiones personales, políticos y profesionales han fragmentado el grupo surrealista en el aire y éter, Magritte, Miró, Dalí y los otros surrealistas seguir para definir un programa visual en las artes. Otros destacados artistas surrealistas incluyen Giorgio de Chirico, Meret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, y Leonor Fini entre otros.
Neue Sachlichkeit, el realismo social, el regionalismo, pintura American Scene, Simbolismo
George Grosz, 1920,Neue Sachlichkeit
Thomas Hart Benton, 1920,Regionalismo
Charles Demuthprimaverade 1921, Americanprecisionismo (protopop art)
Joaquín Torres García, 1932,América Latina abstracta Simbolismo
Durante los años 1920 y la década de 1930 y la Gran Depresión , la escena artística europea se caracteriza por el surrealismo, el cubismo tardío, el Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit, y el expresionismo; y fue ocupada por maestros pintores de color modernistas como Henri Matisse y Pierre Bonnard.
En Alemania Neue Sachlichkeit ("Nueva Objetividad") surgió como Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizado sus pinturas. El trabajo de estos artistas surgió de expresionismo, y fue una respuesta a las tensiones políticas de la República de Weimar , y era a menudo agudamente satírica.
Pintura americana de escena y el Realismo Social y movimientos Regionalismo que contenía tanto el comentario político y social dominaron el mundo del arte en los EE.UU.. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, de Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, y otros se convirtieron en prominentes. En América Latina, además de la uruguaya pintor Joaquín Torres García y Rufino Tamayo de México, el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado y los cuadros simbolistas de Frida Kahlo comenzó un renacimiento de las artes para la región, con un uso del color y la histórica, y los mensajes políticos. Frida Kahlo simbolista 's trabaja también relacionarse fuertemente al surrealismo y al movimiento de realismo mágico en la literatura. El drama psicológico en muchos de autorretratos de Kahlo (arriba) ponen de relieve la vitalidad y la pertinencia de sus pinturas a los artistas en el siglo 21.
Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, " El hombre en la encrucijada ", en el vestíbulo del edificio de la RCA en Centro Rockefeller. Cuando su patrón Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluyó un retrato de Lenin y otras imágenes comunista, despedido Rivera, y el trabajo sin terminar fue finalmente destruido por el personal de Rockefeller. La película Cradle Will Rock incluye una dramatización de la controversia. Frida Kahlo obras (de la esposa de Rivera) se caracterizan a menudo por sus retratos crudos de dolor. De sus 143 pinturas 55 son autorretratos, que con frecuencia incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. Kahlo fue profundamente influenciado por la cultura indígena mexicana, que es evidente en los colores brillantes de sus pinturas y de simbolismo dramático. Temas cristianos y judíos se representan a menudo en su trabajo, así; que combina elementos de la clásica tradición religiosa mexicana, que eran a menudo sangrienta y violenta, con representaciones surrealistas. Mientras que sus pinturas no son abiertamente cristiano-que era, después de todo, un confeso comunista ciertamente contienen elementos del estilo cristiano mexicano macabra de pinturas religiosas.
El activismo político fue una pieza importante de la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte está profundamente arraigada en la Revolución Mexicana, un período violento y caótico en la historia de México en el que varias facciones políticas y sociales lucharon por el reconocimiento y el poder. El período comprendido entre la década de 1920 a la década de 1950 es conocido como el renacimiento mexicano, y Siqueiros estuvo activo en el intento de crear un arte que era a la vez mexicana y universal. Él dio brevemente la pintura para centrarse en la organización de los mineros en Jalisco. Corrió un taller de arte político en la ciudad de Nueva York, en preparación para el 1936 Huelga General para la Paz y el Primero de Mayo desfile. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile. Entre 1937 y 1938 se luchó en la Guerra Civil española junto a las fuerzas republicanas españolas, en oposición al golpe militar de Francisco Franco. El estaba exiliado dos veces en México, una en 1932 y otra vez en 1940, después de su intento de asesinato de León Trotsky .
Durante la década de 1930 la política de izquierda radical caracterizado muchos de los artistas vinculados al surrealismo, entre ellos Pablo Picasso . El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la localidad vasca de Gernika fue el escenario del " Bombardeo de Gernika "por la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes estaban atacando a apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar el Gobierno Vasco y el gobierno republicano español. La ciudad fue devastada, aunque el conjunto vizcaíno y el roble de Gernika sobrevivieron. Pablo Picasso pintó su mural de tamaño Guernica para conmemorar los horrores de los bombardeos.
En su forma final, Guernica es un inmenso blanco y negro, 3,5 metros (11 pies) de altura y 7,8 metros (23 pies) de ancho mural pintado en aceite. El mural presenta una escena de la muerte, la violencia, la brutalidad, el sufrimiento y desamparo sin retratar sus causas inmediatas. La elección para pintar de contrastes en blanco y negro con la intensidad de la escena representada e invoca la inmediatez de una fotografía de periódico. Picasso pintó el cuadro de tamaño mural llamado Guernica en protesta por los bombardeos. La pintura fue exhibida por primera vez en París en 1937, y luego Escandinavia, luego en Londres en 1938 y finalmente en 1939 a petición de la pintura de Picasso fue enviado a los Estados Unidos en un préstamo a largo plazo (por seguridad) en el MoMA. La pintura fue en un viaje de museos de todo el EE.UU. hasta su regreso definitivo al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, donde se exhibió durante casi treinta años. Finalmente de acuerdo con Pablo Picasso deseo 's para dar la pintura a la gente de España como un regalo, que fue enviado a España en 1981.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930, a través de los años de arte estadounidense de la Segunda Guerra Mundial se caracterizó por el realismo social y Pintura Escena americana (como se ve arriba) en el trabajo de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata personas sentadas en un centro cena tarde por la noche. No sólo es la pintura más famosa de Hopper, pero una de las más reconocibles en el arte americano. Actualmente se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago. La escena se inspiró en una cena (ya demolido) en Greenwich Village, el barrio de la casa de Hopper en Manhattan. Hopper comenzó a pintar inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este evento había un gran sentimiento de tristeza el país, la sensación de que es retratado en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del comedor, y en el interior ninguno de los tres patrones aparentemente está buscando o hablar con los demás, sino que se ha perdido en sus propios pensamientos. Este retrato de la vida urbana moderna como vacía o solo es un tema común en toda la obra de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood desde 1930. Retrato un agricultor horquilla de retención y una mujer más joven en frente de una casa de estilo gótico del carpintero, que es una de las imágenes más conocidas en el siglo 20 el arte americano. Los críticos de arte tenían opiniones favorables acerca de la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron la pintura estaba destinado a ser una sátira de la vida rural de pueblo pequeño. Así, se ve como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticos de la América rural, en la línea de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio , 1920 Sinclair Lewis ' Main Street , y de Carl Van Vechten La condesa tatuada en la literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión , la pintura llegó a ser visto como una representación de inquebrantable espíritu pionero americano.
El expresionismo abstracto
Willem De Kooning, 1952-1953, Figurativo expresionismo abstracto
Jackson Pollock , No. 5, 1948 , Expresionismo abstracto
Franz Kline, 1950, pintura de acción
Barnett Newman,La Voz de Fuego,1967,Color Field - Expresionismo abstracto
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunciaron el triunfo de América del expresionismo abstracto, un movimiento modernista que combinan lecciones aprendidas de Henri Matisse , Pablo Picasso , el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo, y principios de la modernidad a través de grandes maestros en América como Hans Hofmann y John D. Graham. Artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo de André Breton, la galería de Pierre Matisse, y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo , así como otros factores.
Posterior a la Segunda Guerra Mundial estadounidense pintura llamada expresionismo abstracto incluía artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Mark Tobey, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov , Esteban Vicente, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, y Theodoros Stamos, entre otros. El expresionismo abstracto estadounidense obtuvo su nombre en 1946 por el crítico de arte Robert Coates. Se ve como la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética anti-figurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo, la Bauhaus y cubismo sintético. El expresionismo abstracto, la pintura de acción, y la pintura Color Field están en sinónimo de la Escuela de Nueva York.
Técnicamente el surrealismo fue un precursor importante para El expresionismo abstracto, con su énfasis en la espontánea, la creación automática o subconsciente. Jackson Pollock goteo de pintura 's en un lienzo tendido en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en la obra de André Masson. Otra manifestación temprana importante de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista estadounidense Northwest Mark Tobey, especialmente sus lienzos "escritura blanca", que, aunque por lo general no es grande en escala, anticipar el "todo" mirada de las pinturas de goteo de Pollock.
Además, expresionismo abstracto tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, altamente idiosincrásico y, algunos se sienten, más nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (sobre todo) en Nueva York que tenían muy diferentes estilos, e incluso aplicar a trabajar que no es especialmente abstracto ni expresionista. Energéticas "de Pollock pinturas de acción ", con su sensación de" ocupado ", son diferentes tanto técnica como estéticamente, al violentos y grotescos Mujeres serie de Willem de Kooning. Como se ha visto en la galería Mujer V es uno de una serie de seis cuadros realizados por De Kooning entre 1950 y 1953, que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, colección Mujer I: El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, en junio de 1950, el cambio y la pintura de la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar repetidamente. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de de Kooning poco después y alentó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning era comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer colección II: El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, Woman III, Teherán Museo de Arte Contemporáneo, la mujer IV, Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri. durante el verano de 1952, pasó en East Hampton, de Kooning estudiarse más a fondo del tema a través de dibujos y pasteles. Él pudo haber terminado el trabajo sobre la mujer que a finales de junio, o posiblemente tan tarde como noviembre de 1952, y, probablemente, las otras tres mujeres fotos se concluyó casi al mismo tiempo. Las series de la mujer son decididamente pinturas figurativas. Otro artista importante es Franz Kline, como lo demuestra su pintura High Street, 1950 (ver galería) como con Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, se marcó un " pintor de acción debido a su estilo aparentemente espontánea e intensa, centrándose menos, o nada todo, en figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso de la lona.
Clyfford Still,Barnett Newman, (ver arriba),Adolph Gottlieb, y los bloques serenamente brillantes de color enMark Rothkotrabajo 's (que no es lo que generalmente se llama expresionista y que Rothko negado era abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos , aunque a partir de lo queClement Greenberg denominó ladirección del campo Color del expresionismo abstracto. Ambos Hans Hofmann (ver galería) yRobert Motherwell (galería) se pueden describir cómodamente como practicantes de lapintura de acción ypintura campo Color.
Expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo 20, como Wassily Kandinsky. Si bien es cierto que la espontaneidad o de la impresión de espontaneidad caracterizan muchos de los expresionistas obras abstractas, la mayoría de estas pinturas involucrados planificación cuidadosa, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía. Una excepción podría ser las pinturas de goteo de Pollock.
¿Por qué este estilo ganó la aceptación general en la década de 1950 es una cuestión de debate. Americano El realismo social había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciada no sólo por la Gran Depresión , sino también por los realistas sociales de México, como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. el clima político después de la Segunda Guerra Mundial no tolera mucho las protestas sociales de los pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a ser exhibido durante la década de 1940 en galerías de Nueva York como Art of this Century . A finales de 1940 hasta mediados de la década de 1950 marcó el comienzo de la Era McCarthy. era después de la Segunda Guerra Mundial y una época de conservadurismo político y la censura artística extrema en los Estados Unidos. Algunas personas han conjeturado que ya que el tema era a menudo totalmente abstracto, expresionismo abstracto se convirtió en una estrategia segura para los artistas a seguir este estilo. El arte abstracto puede ser visto como apolítico. O si el arte era político, el mensaje era en gran parte para los de adentro. Sin embargo esos teóricos están en la minoría. Como la primera escuela verdaderamente original de la pintura en América, expresionismo abstracto demostró la vitalidad y la creatividad del país en los años de la posguerra, así como su capacidad (o necesidad) para desarrollar un sentido estético que no se ve limitada por las normas europeas de la belleza.
Aunque expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York, y el área de San Francisco Bay. Pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, incluyendo el uso de grandes lienzos, un enfoque de "all-over", en la que todo el lienzo está tratado con la misma importancia (en comparación con el ser centro de más interés que los bordes. El lienzo como Arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano de la imagen se convirtió en un credo de los pintores Color Field. Muchos otros artistas comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas expresionista abstracto durante la década de 1950, incluyendo Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Ray Parker, Nicolas Carone, Grace Hartigan, Friedel Dzubas y Robert Goodnough entre otros.
Durante la década de 1950 la pintura Coloración Campo se refirió inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente la obra de Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell y Adolph Gottlieb. En esencia, describe pinturas abstractas con grandes extensiones planas de color que expresan los sentimientos y las propiedades de las grandes áreas de la superficie matizada sensuales y visuales. El crítico de arte Clement Greenberg percibida del campo de color la pintura como en relación con, pero diferente de la pintura de acción. La extensión total y gestalt de la obra de los primeros pintores de campo de color habla de una experiencia casi religiosa, asombrado en la cara de un universo en expansión de la sensualidad, color y superficie. Durante los-principios y mediados de los años 1960 la pintura Color Field era el término usado para describir a artistas como Jules Olitski, Kenneth Noland, y Helen Frankenthaler, cuyas obras estaban relacionados con la segunda generación del expresionismo abstracto, y para los artistas más jóvenes como Larry Zox, y Frank Stella, - todo se mueve en una nueva dirección. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, y otros a menudo se utilizan referencias muy reducidos a la naturaleza, y pintado con un uso altamente articulado y psicológica de color. En general, estos artistas eliminan imágenes reconocibles. En las montañas y el mar, de 1952, (ver arriba) una obra fundamental de la pintura Colorfield por Helen Frankenthaler el artista utiliza la técnica de tinción por primera vez.
En Europa fue la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse . También en Europa, Tachismo (el equivalente europeo al expresionismo abstracto) se apoderó de la nueva generación. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein y Pierre Soulages entre otros se consideran importantes figuras de la pintura europea de la posguerra.
Con el tiempo la pintura abstracta en América se convirtió en movimientos como el Neo-Dada, pintura Color Field, la abstracción pictórica Publicar, Op art, hard edge, arte minimalista, pintura de la lona en forma, Abstracción lírica, Neo-expresionismo y la continuación del expresionismo abstracto. Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción imaginería surgió a través de diversos nuevos movimientos, en particular del arte pop.
Realismo, Paisaje, Figuración, Bodegón, Paisaje urbano
Edward Hopper,La Estación de El(1908) Paisaje urbano
Arshile Gorky, 1929-1936, pre-figuración expresionista abstracto
Andrew Wyeth,Mundial de Christina(1948), Realismo
Lucian Freud, 1951 - 1952,FigurativaExpresionismo
Edward Hopper, 1953, Paisaje urbano
Milton Avery, 1958,pintura de paisaje
Frank Auerbach, 1960,FigurativaExpresionismo
Edward Hopper, Nighthawks(1942) Paisaje urbano
Durante la década de 1930 hasta la década de 1960 la pintura abstracta como en América y Europa se convirtió en movimientos como el expresionismo abstracto, la pintura Color Field, post-pictórica abstracción, el arte Op, la pintura dura de vanguardia, arte minimalista, pintura de la lona en forma, y la abstracción lírica. Otros artistas reaccionaron como una respuesta a la tendencia hacia la abstracción que permite imaginería para continuar a través de varios nuevos contextos, como el Movimiento Figurativa Área de la Bahía en la década de 1950 y las nuevas formas de expresionismo de la década de 1940 a través de la década de 1960. En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de la vida aún más importante, la exploración de una amplia variedad de enfoques que representa botellas diarias e implementos de cocina. A lo largo del siglo 20 muchos pintores practicaron Realismo y utilizan imágenes expresiva; practicar el paisaje y la pintura figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida y expresividad única como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning y otros. Junto con Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard, Georges Braque, y otros maestros del siglo 20.
El retrato de Arshile Gorky de Willem de Kooning (arriba) es un ejemplo de la evolución de expresionismo abstracto del contexto de la pintura figura, el cubismo y surrealismo. junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham Gorki creado bio-morphically forma y composiciones figurativas abstractas que por la década de 1940 convertido en pinturas totalmente abstractas. La obra de Gorki parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, las emociones y la forma, el uso de la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.
Estudio tras Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez , 1953 (véase más arriba) es una pintura de la artista de origen irlandés Francis Bacon y es un ejemplo de Post II Guerra Mundial Europeo expresionismo . El trabajo muestra una versión distorsionada del retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra es uno de una serie de variantes de la pintura de Velázquez que Bacon ejecutado en toda la década de 1950 y comienzos de 1960, sobre un total de cuarenta obras -cinco. Cuando se le preguntó por qué estaba obligado a revisar el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que se limitó a "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa de calle que el color púrpura, sin entrar en un especie de falsa manera fauve ". El Papa en esta versión hierve de ira y la agresión, y los colores oscuros dan a la imagen un aspecto grotesco y de pesadilla. Las cortinas plisadas del telón de fondo se vuelven transparentes, y parecen caer a través de la cara del Papa. La obra figurativa de Francis Bacon, Frida Kahlo , Edward Hopper, Lucian Freud Andrew Wyeth y otros sirvió como una especie de alternativa al expresionismo abstracto. Una de las imágenes más conocidas en el arte americano del siglo 20 es la pintura de Wyeth, Mundial de Christina , actualmente en la colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York . Representa a una mujer tendida en el suelo en un sin árboles, en su mayoría campo leonado, mirando y arrastrándose hacia una casa gris en el horizonte; un granero y varias otras pequeñas dependencias están al lado de la casa. Este tempera trabajo, hecho en un estilo realista, es casi siempre en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París refiere a menudo Tachismo, el equivalente europeo del expresionismo abstracto norteamericano y los artistas también están relacionados con la cobra. Proponentes importantes siendo Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, entre varios otros. Durante la década de 1950 Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo), y la abstracción de Staël, abandonados, y regresaron a las imágenes a través de la figuración y el paisaje. Obra De Staël 's fue rápidamente reconocido dentro del mundo del arte de la posguerra, y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década de 1950. Su regreso a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) durante la década de 1950 puede ser visto como un precedente influyente para la American Movimiento Figurativa Área de la Bahía, ya que muchos de los pintores abstractos como Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar; volver a las imágenes a mediados de los años 1950. Gran parte de la obra tardía de Staël 's - en particular, su diluido, y el aceite diluido sobre lienzo paisajes abstractos de los mediados de los años 1950 predice la pintura Color Field y la abstracción lírica de los años 1960 y 1970. colores vivos e intensamente vivida de Nicolas de Staël en su última pinturas predicen la dirección de la mayor parte de la pintura contemporánea que vinieron después de él incluyendo el arte pop de la década de 1960.
Arte pop
El arte pop en Estados Unidos fue en gran medida inspirado inicialmente por las obras de Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg. Aunque las pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis y Charles Demuth durante los años 1920 y 1930 ponen la mesa para el arte pop en Estados Unidos.
En la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1950 , Robert Rauschenberg y Jasper Johns crearon obras de arte que en un principio parecía ser una continuación de la pintura expresionista abstracta. En realidad sus obras y el trabajo de Larry Rivers, eran desviaciones radicales del expresionismo abstracto sobre todo en el uso de las imágenes banales y literal y la inclusión y la combinación de materiales mundanos en su trabajo. Las innovaciones de uso específico Johns 'de varias imágenes y objetos como sillas, números, metas, latas de cerveza y la bandera americana; Ríos pinturas de temas extraídos de la cultura popular, como George Washington cruzando el Delaware, y sus inclusiones de imágenes de los anuncios como el camello de los cigarrillos Camel, y sorprendentes construcciones de Rauschenberg usando inclusiones de objetos e imágenes tomadas de la cultura popular, ferreterías, depósitos de chatarra, las calles de la ciudad, y la taxidermia dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte americano. Finalmente en 1963 el movimiento llegó a ser conocido en todo el mundo como arte pop.
El arte pop es ejemplificado por los artistas: Andy Warhol , Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein, entre otros. Lichtenstein utiliza el aceite y pintura Magna en sus obras más conocidas, como el ahogamiento de la muchacha (1963), que se apropió de la historia principal en DC Comics Corazones Secreto # 83. ( Drowning chica ahora está en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.) También con contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si creado por reproducción fotográfica. Lichtenstein diría de su propia obra: expresionistas abstractos "poner las cosas en el lienzo y respondió a lo que habían hecho, a las posiciones de colores y tamaños Mi estilo es completamente diferente, pero la naturaleza de sofocar las líneas más o menos es lo mismo. ; la mía simplemente no vienen a buscar caligráfica, como Pollock o Kline del "arte pop se fusiona la cultura popular y de masas con obras de arte, mientras que la inyección de humor, la ironía, y las imágenes reconocibles y contenido en la mezcla.. En octubre de 1962 la galería de Sidney Janis monta Los Nuevos Realistas la primera gran exposición colectiva del arte pop en una galería de arte de la parte alta de Nueva York. Sidney Janis montada la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y reverberó en todo el mundo. Más temprano en el otoño de 1962 una importancia histórica y pionera Nueva Pintura de Common Objects exposición de arte Pop, comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena envió ondas de choque a través del oeste de Estados Unidos. Latas de sopa Campbell (a veces referido como 32 de latas de sopa Campbell ) es el título de un Andy Warhol obra de arte (ver galería) que se produjo en 1962. Se compone de treinta y dos lienzos, cada una mide 20 pulgadas de alto x 16 pulgadas de ancho (50,8 x 40,6 cm) y cada uno compuesto de una pintura de una sopa de Campbell can-uno de cada sopa enlatada variedad la compañía ofreció en su momento. Las pinturas individuales fueron producidos con una semi-mecanizada proceso de serigrafía, utilizando un no- estilo pictórico. Ellos ayudaron a marcar el comienzo del arte pop como un importante movimiento artístico que se basó en los temas de la cultura popular . Estas obras de Andy Warhol son repetitivos y se hacen de una manera comercial no pictórica.
Más temprano en Inglaterra en 1956 el término "Pop Art" fue utilizado por Lawrence Alloway para describir pinturas que celebran el consumismo de la época de la Segunda Guerra Mundial después. Este movimiento rechazó expresionismo abstracto y su enfoque en la hermenéutica y el interior psicológico, a favor del arte que representa, ya menudo celebra la cultura material de los consumidores, la publicidad, y la iconografía de la época de producción en masa. Las primeras obras de David Hockney cuyas pinturas salido de Inglaterra durante la década de 1960 como A Bigger Splash , (ver arriba) y las obras de Richard Hamilton, Peter Blake, y Eduardo Paolozzi, se consideran ejemplos seminales en el movimiento. Mientras que en la escena del centro de Nueva York East Village 10a Calle artistas galerías estaban formulando una versión americana del arte pop. Claes Oldenburg tenía su tienda, y la Galería verde en la calle 57 comenzó a mostrar Tom Wesselmann y James Rosenquist. Más tarde Leo Castelli expuso otro estadounidense artistas, entre ellos la mayor parte de la carrera de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial y visto en los cómics ordinarias y en las pinturas como Drowning Girl, 1963, en la galería de arriba. Hay una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes - con un sentido del humor; y artistas pop como Alex Katz (cuya parodia de la fotografía de retrato y de la vida suburbana se puede ver arriba), Claes Oldenburg, Andy Warhol , Roy Lichtenstein y los demás.
Art Brut, Nuevo Realismo, Bay Area Figurativa Movimiento, Neo-Dada, Fotorrealismo
Jasper Johns, 1961,Neo-Dada
Robert Rauschenberg, 1963,Neo-Dada
Jean Dubuffet, 1962, Art Brut
Richard Diebenkorn, 1963,Área de la Bahía Movimiento Figurativa
Durante los años 1950 y 1960 como la pintura abstracta en América y Europa evolucionó en movimientos tales como la pintura Color Field, la abstracción pictórica Publicar, Op art, hard edge, arte minimalista, pintura de la lona en forma, abstracción lírica, y la continuación del expresionismo abstracto. Otros artistas reaccionaron como una respuesta a la tendencia hacia la abstracción con el Art brut, Fluxus, Neo-Dada, Nuevo Realismo, permitiendo que las imágenes de volver a emerger a través de varios nuevos contextos como el arte pop, el Figurativa Movimiento área de la bahía y más tarde en la década de 1970 Neo-expresionismo. La Área de la Bahía Movimiento Figurativa de los cuales David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn cuya pintura Paisaje urbano 1, 1963 es un ejemplo típico (ver arriba) eran miembros influyentes florecieron durante los años 1950 y 1960 en California. Aunque a lo largo del siglo 20 pintores continuaron practicando el realismo y el uso de imágenes, la práctica de paisaje y la pintura figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida y expresividad única como Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, y otros. Pintores más jóvenes practican el uso de imágenes de formas nuevas y radicales. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney , Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl y Vija Celmins eran unos pocos que llegó a ser prominente entre los años 1960 y la década de 1980. Fairfield Porter (véase más arriba) fue en gran parte autodidacta, y produjeron el trabajo de representación en medio del movimiento expresionista abstracto. Sus temas eran sobre todo paisajes, interiores domésticos y retratos de la familia, amigos y compañeros artistas, muchos de ellos afiliados a la Escuela de Nueva York de escritores, entre ellos John Ashbery, Frank O'Hara y James Schuyler. Muchas de sus pinturas se establecieron en o alrededor de la casa de verano de la familia en Gran Spruce Head Island, Maine.
También durante los años 1960 y 1970, hubo una reacción contra la pintura. Críticos como Douglas Crimp vieron la obra de artistas como Ad Reinhardt, y declararon la "muerte de la pintura". Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos ganaron protagonismo algunos de los cuales son: postminimalismo, el arte de la Tierra, videoarte, Arte de la instalación, arte povera, arte de la performance, arte corporal, fluxus, arte correo, los situacionistas y arte conceptual entre otros.
Neo-Dada es también un movimiento que comenzó 1n los años 1950 y 1960 y fue relacionado con el expresionismo abstracto solamente con imágenes. Con la aparición de artículos manufacturados combinados, con materiales de artista, se aleja de las convenciones anteriores de la pintura. Esta tendencia en el arte es ejemplificado por la obra de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, cuyos "cosechadoras" en la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de instalación y uso que se hace del conjunto de grandes objetos físicos, incluyendo rellenos animales, aves y comercial . fotografía Robert Rauschenberg, (ver título combinan, 1963, anteriormente), Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, y Edward Kienholz entre otros fueron pioneros importantes de la abstracción y el Pop Art; la creación de nuevas convenciones del arte de decisiones; hicieron aceptable en serios círculos de arte contemporáneo de la inclusión radical de materiales inverosímiles como partes de sus obras de arte.
La abstracción geométrica, Op Art, Hard-Edge, campo Color, Minimal Art, Nuevo Realismo
Yves Klein, 1962,Nuevo Realismo
Josef Albers, 1965,la abstracción geométrica
Barnett Newman, 1966,Color Field - Minimalismo
Richard Anuszkiewicz, 1978, Op art
Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland, Larry Zox, Al Held, Mino Argento son artistas estrechamente asociado con geométrica la abstracción, el arte Op, pintura Color Field, y en el caso de Hofmann y Newman El expresionismo abstracto, así. Agnes Martin, Robert Mangold (ver arriba), Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, son ejemplos de los artistas asociados con el minimalismo y (excepciones de Martin, Baer y Marden) el uso de la tela en forma también durante el período que comienza a principios de 1960. Muchos artistas abstractos geométricos, minimalistas y pintores Duro-borde elegidos para utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso de la tela con forma se asocia principalmente con pinturas de los años 1960 y 1970 que son fríamente abstracta, formalista, geométrica, objetiva, racionalista, de líneas puras, descaradamente agudo filo, o minimalista en carácter. La Bykert Gallery, y el Park Place Gallery eran vitrinas importantes para el minimalismo y la pintura de la lona en forma de la ciudad de Nueva York durante la década de 1960.
En 1965, una exposición llamada The Responsive Ojo , comisariada por William C. Seitz, se celebró en el Museo de Arte Moderno, en la ciudad de Nueva York. Los trabajos mostrados han sido muy variados, abarcando el [minimalismo de Frank Stella, el arte de Op Larry Poons, obra de Alexander Liberman, junto a los maestros del movimiento Op Art: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley y otros. La exposición se centró en los aspectos de percepción del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimiento y la interacción de las relaciones entre los colores. Op art, también conocido como arte óptico, se utiliza para describir algunas pinturas y otras obras de arte que utilizan ilusiones ópticas. el arte Op también es muy afín al la abstracción geométrica y hard edge. Aunque a veces el término utilizado para ello es la abstracción perceptual. Op art es un método de pintura relativo a la interacción entre la ilusión y el plano de la imagen, entre la comprensión y ver. Obras de arte Op son abstractos, con muchas de las piezas más conocidas hechas sólo en blanco y negro. Cuando el espectador mira, se da la impresión de movimiento, las imágenes ocultas, el parpadeo y las vibraciones, los patrones, o, alternativamente, de la hinchazón o deformaciones.
Lona en forma, Escuela Color Washington, abstracta Ilusionismo, abstracción lírica
Pintura Coloración Campo señaló claramente hacia una nueva dirección en la pintura americana, lejos del expresionismo abstracto. Pintura Coloración Campo está relacionado con la abstracción post-pictórica, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura del Duro-borde y la abstracción lírica.
Pintura Coloración Campo tratado de deshacerse arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, y otros de uso frecuente reducen considerablemente las referencias a la naturaleza, y se pintaban con un uso altamente articulado y psicológica de color. En general, estos artistas eliminan imágenes reconocibles. Algunos artistas hacen referencias al arte pasado o presente, pero en general, pintura campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. En la consecución de esta dirección de arte moderno, los artistas quisieron presentar cada cuadro como una imagen unificada, cohesiva, monolítica. Gen Davis junto con Kenneth Noland, Morris Louis y varios otros era un miembro de los pintores de la escuela Color Washington que empezó a crear pinturas Color Field en Washington DC durante los años 1950 y 1960, Negro, Gris, Beat (véase más arriba) es una gran pintura de rayas verticales y típico del trabajo de Gene Davis.
Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, y Al Amar son ejemplos de los artistas asociados con el uso de la tela en forma durante el período que se inicia a principios de 1960. Muchos geométrico abstracto artistas, minimalistas y pintores Duro-borde elegidos para utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso de la tela con forma se asocia principalmente con pinturas de los años 1960 y 1970 que son fríamente abstracta, formalista, geométrica, objetiva, racionalista, de líneas puras, descaradamente agudo filo, o minimalista en carácter.
Desde 1960 Frank Stella produjo pinturas de aluminio y pintura cobre y son sus primeras obras utilizando lienzos con forma (lienzos en forma distinta de la del rectángulo o cuadrado tradicional), a menudo estar en L, N, T o T-formas. Estos más tarde se convirtieron en diseños más elaborados, en el Polígono Irregular serie (67), por ejemplo. También en la década de 1960, Stella comenzó a utilizar una gama más amplia de colores, típicamente dispuestas en líneas rectas o curvas. Más tarde comenzó su serie de ángulos (71) de las pinturas, en las que los arcos , a veces solapada, dentro de las fronteras cuadrados están dispuestos lado a lado para producir círculos completos y medio pintados en el color de los anillos concéntricos. Harran II, de 1967, es un ejemplo de la Serie Transportador (ver arriba). Estas pinturas tienen nombres de ciudades circulares que había visitado mientras que en el Oriente Medio a principios de la década de 1960. Los lienzos irregular Polígono y series Transportador ampliaron aún más el concepto de la lona en forma.
El Emmerich Galería Andre, la Galería Leo Castelli, el Feigen Galería Richard, y el Park Place Gallery eran vitrinas importantes para la pintura del color campo, pintura de la lona en forma y la abstracción lírica, en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Hay una conexión con la abstracción post-pictórica, que reaccionó contra el misticismo expresionismos abstractos ', hiper-subjetividad, y el énfasis en hacer que el acto de la pintura misma dramáticamente visible -, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un requisito casi ritual para pintura grave. Durante la década de 1960 la pintura y Coloración Campo arte minimalista a menudo se asocia estrechamente con los demás. En la actualidad por la década de 1970 ambos movimientos se convirtieron decididamente diversa.
Otro movimiento relacionado de la década de 1960 abstracción lírica es un término que fue acuñado originalmente por Larry Aldrich (el fundador del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich, Ridgefield Connecticut) en 1969 para describir lo Aldrich dijo que vio en los estudios de muchos artistas en ese momento . También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Americano y otros museos en los Estados Unidos entre 1969 y 1971.
Abstracción lírica a finales del decenio de 1960 se caracterizó por las pinturas de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young y otros, y junto con el movimiento Fluxus y postminimalismo (un término acuñado por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) trató de ampliar los límites de resumen la pintura y el minimalismo, centrándose en el proceso, los nuevos materiales y nuevas formas de expresión. Postminimalismo menudo incorporando materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, la instalación, la repetición en serie, ya menudo con referencias al dadaísmo y el surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse. Abstracción lírica, Arte Conceptual, postminimalismo, Arte Tierra, Vídeo, arte de performance, el arte de instalación, junto con la continuación de Fluxus, el expresionismo abstracto, la pintura Color Field, Pintura del Duro-borde, Minimal Art, el arte Op, arte pop, fotorrealismo y Nuevo Realismo extendió los límites de Arte Contemporáneo en el mediados de 1960 hasta la década de 1970. Abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta de rueda libre que surgió a mediados de la década de 1960 cuando los pintores abstractos regresaron a diversas formas de pictórica, gráfica, el expresionismo con un enfoque predominante en el proceso, gestalt y estrategias compositivas repetitivos en general.
Abstracción lírica comparte similitudes con la pintura del campo de color y el expresionismo abstracto sobre todo en el uso despreocupado de pintura - textura y superficie. Dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de cepillado, salpicado, manchada, squeegeed, vertido, y la pintura salpicó superficialmente se parecen a los efectos observados en el expresionismo abstracto y Coloración Campo pintura. Sin embargo, los estilos son muy diferentes. Que lo distingue de expresionismo abstracto y pintura de acción de los años 1940 y 1950 es el acercamiento a la composición y el drama. Como se ve en Action Painting hay un énfasis en pinceladas, drama compositivo, tensión compositiva dinámico. Mientras en abstracción lírica como lo demuestra el 1971 Ronnie Landfield pintura Jardín de las Delicias, (arriba) hay una sensación de aleatoriedad compositiva, todo composición, bajo drama de llave y relajado compositiva y un énfasis en el proceso, la repetición, y un todo sensibilidad.
Resumen Ilusionismo, Monocromo, Minimalismo, postminimalismo
Uno de los primeros artistas específicamente asociados con el minimalismo fue el pintor, Frank Stella, cuyas pinturas "raya" principios fueron destacados en el 1959 muestran, "16 estadounidenses", organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La anchura de las rayas en las pinturas de la raya de Frank Stellas se determinaron por las dimensiones de la madera, visible como la profundidad de la pintura cuando se ve desde el lado, utilizado para construir el chasis de apoyo sobre la cual se estira el lienzo. Las decisiones acerca de las estructuras en la superficie frontal de la tela por lo tanto no eran totalmente subjetiva, pero pre-condicionados por una característica "dado" de la construcción física del soporte. En el catálogo espectáculo, Carl Andre señaló, "El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha visto en la necesidad de pintar rayas. No hay nada más en su pintura." Estas obras reductivos estaban en agudo contraste con las pinturas llenas de energía y, al parecer altamente subjetivas y cargadas de emoción de Willem De Kooning o Franz Kline y, en cuanto a los precedentes entre la anterior generación de expresionistas abstractos, se inclinó más hacia menos gestual, a menudo sombrío colorista pinturas de campo de Barnett Newman y Mark Rothko .
Aunque Stella recibió atención inmediata de la serie MOMA, artistas comoLarry Poons cuyos trabajos relacionados con el Op Art, con su énfasis en puntos, óvalos y la persistencia de imágenes rebotando a través de campos de color,Kenneth Noland, Ralph Humphrey,Robert Motherwell yRobert Ryman habían comenzado a explorar rayas,monocromáticas yformatos Duro-borde de finales de 1950 a través de la década de 1960.
Debido a una tendencia en el minimalismo de excluir lo pictórico, ilusionista y ficticio en favor de lo literal, (como se demuestra por Robert Mangold, que entendía el concepto de la forma de la tela y su relación con la objetualidad ) - hubo un movimiento lejos de pictórica y hacia preocupaciones escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor, y terminó como creador de objetos. Su ensayo seminal, "objetos específicos" (publicado en Artes Anuario 8, 1965), fue una piedra de toque de la teoría de la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte americano, y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló a la evidencia de este desarrollo en las obras de una gran variedad de artistas activos en Nueva York en el momento, incluyendo Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia "preliminar" de Judd fue la obra de George Earl Ortman , que había concretado y se destila formas de pintura en romos, difíciles geometrías, filosóficamente cargadas. Estos objetos específicos habitaron un espacio no entonces cómodamente clasificarse ya sea como la pintura o la escultura. Que la identidad categórica de tales objetos en sí estaba en cuestión, y que evitó fácil asociación con convenciones gastadas y el exceso de familiares, era una parte de su valor de Judd.
En un sentido mucho más amplio y general, se podría, de hecho, encontrar raíces europeas del minimalismo en las abstracciones geométricas pintores de la Bauhaus, en las obras de Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento DeStijl, en constructivistas rusos y en el obra del escultor rumano Constantin Brancusi. Pintores norteamericanos Larry Poons, Ronald Davis, Robert Mangold, Brice Marden y hasta un pintor expresionista más orientada como Cy Twombly muestran una clara influencia europea en su pura abstracción, pintura minimalista de la década de 1960. Ronald Davis poliuretano funciona desde finales del homenaje de 1960 a la remuneración de cristal roto de Marcel Duchamp .
Este movimiento fue duramente criticado por los altos críticos de arte modernistas formalistas e historiadores. Algunos críticos pensaron ansiosos arte minimalista representa una mala interpretación de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura como se define por el crítico Clement Greenberg, posiblemente el crítico norteamericano dominante de la pintura en el período previo a la década de 1960. La crítica más notable del minimalismo fue producido por Michael Fried, un crítico Greenberg, quien se opuso a la labor sobre la base de su "teatralidad". En Arte y objetualidad (publicado en Artforum en junio de 1967), declaró que la obra minimalista del arte, la escultura minimalista particular, se basa en un compromiso con el aspecto físico del espectador. Sostuvo que el trabajo como Robert Morris transforma el acto de ver a un tipo de espectáculo, en el que el artificio del acto se dio a conocer la observación y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético dentro, a un evento fuera de la obra como un fracaso del arte minimalista. Ensayo obstinado de Fried fue cuestionada inmediatamente por el artista Robert Smithson en una carta al editor en la edición de octubre de Artforum. Smithson declaró lo siguiente: "Lo que más teme Fried es la conciencia de lo que está haciendo, es decir ser él mismo teatral. "
Otros artistas minimalistas incluyen:Richard Allen,Walter Darby Bannard,John Hoyland,Larry Bell, Ronald Bladen,Mel Bochner,Norman Carlberg,Erwin Hauer,Dan Flavin,Sol LeWitt,Brice Marden,Agnes Martin,Jo Baer,John McCracken, Pablo Mogensen , David Novros,Ad Reinhardt,Fred Sandback,Richard Serra,de Tony Smith,Robert Smithson, yAnne Truitt.
Ad Reinhardt, en realidad un artista de lageneración expresionista abstracto, pero cuyareductiva todo-negro pinturas parecía anticipar el minimalismo, tenía esto que decir sobre el valor de un enfoque reduccionista al arte: "La materia más en él, el más ocupado del trabajo del arte, peor es. Más es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para despejar la vista. El que pone al descubierto de uno mismo es obsceno. Art comienza con el deshacerse de la naturaleza. "
Durante los años 1960 y 1970 artistas como poderosos e influyentes como Robert Motherwell, Adolph Gottlieb,Phillip Guston,Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff,Agnes Martin,Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly,Morris Louis, Helen Frankenthaler, de Gene Davis,Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell,Friedel Dzubas, y los artistas más jóvenes comoBrice Marden,Robert Mangold,Sam Gilliam,Sean Scully,Pat Steir,Elizabeth Murray,Larry Poons,Walter Darby Bannard,Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis,Dan Christensen, Joan Snyder,Richard Tuttle,Ross Bleckner,Archie Rand,Susan Crile, y docenas de otros producen pinturas vitales e influyentes.
Todavía otras innovaciones importantes en la pintura abstracta tuvieron lugar durante los años 1960 y 1970 se caracterizan por Monocromo pintura y la pintura del Duro-borde inspirado por Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, y Ellsworth Kelly. Artistas tan diversificada como Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden y otros exploran el poder de simplificación. La convergencia de la pintura Color Field, arte minimalista, Pintura del Duro-borde, abstracción lírica, y postminimalismo blurredthe distinción entre movimientos que se hizo más evidente en los años 1980 y 1990. La movimiento Neo-expresionismo está relacionada con la evolución de anteriores en abstracto expresionismo, Neo-Dada, la abstracción lírica y pintura postminimal.
Neo-expresionismo
A finales de 1960 el pintor expresionista abstracto Philip Guston ayudó a liderar una transición desde el expresionismo abstracto a Neo-expresionismo en la pintura, el abandono de la llamada "abstracción pura" del expresionismo abstracto en favor de las representaciones más caricaturescas de varios símbolos y objetos personales. Estas obras fueron fuente de inspiración para una nueva generación de pintores interesados en un renacimiento de la imaginería expresivo. Su pintura pintura, fumar, comer 1973, visto anteriormente en la galería es un ejemplo de retorno final y concluyente de Guston a la representación.
A finales de 1970 y principios de 1980, también hubo un retorno a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña . Estos movimientos fueron llamados Transavantguardia, Neue Wilde, Figuración Libre, Neo-expresionismo, la escuela de Londres, y en los años 80 los Stuckists respectivamente. Estas pinturas se caracterizaron por grandes formatos, libre expresiva toma de marca, la figuración, el mito y la imaginación. Todos los trabajos en este género llegó a ser etiquetados neoexpresionismo. La reacción crítica se dividió. Algunos críticos lo consideraron como impulsado por motivaciones lucrativas por las grandes galerías comerciales. Este tipo de arte sigue en popularidad en el siglo 21, incluso después de la caída de arte de finales de 1980. Anselm Kiefer es una figura destacada en Europa Neo-expresionismo por la década de 1980, (ver a lo desconocido Pintor 1983, en la galería de arriba) temas de Kiefer se abrieron a partir de un enfoque en la alemana papel en la civilización a la suerte del arte y la cultura en general. Su trabajo se hizo más escultórico e implica no sólo la identidad nacional y la memoria colectiva, pero también oculta simbolismo, la teología y la mística . El tema de todo el trabajo es el trauma experimentado por sociedades enteras, y el continuo renacimiento y renovación en la vida.
Durante la década de 1970 en los pintores de Estados Unidos que comenzó a trabajar con superficies vigorizado y quien regresó a las imágenes como Susan Rothenberg ganó en popularidad, especialmente como se ve más arriba en pinturas como caballo 2, 1979. Durante la década de 1980 los artistas americanos como Eric Fischl, (ver Bad Boy, 1981, anteriormente), David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, y Keith Haring, y los pintores italianos como Mimmo Paladino, Sandro Chia, y Enzo Cucchi, entre otros definida la idea de Neo -expressionism en América.
Neo-expresionismo era un estilo de pintura moderna que se hizo popular a finales de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980. Se desarrolló en Europa como una reacción contra el conceptual y el arte minimalista de los años 1960 y 1970. Los neo-expresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces de una manera casi abstracta), de una manera áspera y violenta emocional utilizando colores vivos y armonías de color banales. Los pintores veteranos Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, AR Penck y Georg Baselitz, junto con artistas ligeramente más jóvenes como Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Damien Hirst , Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, y muchos otros se hizo conocido por trabajar en esta intensa vena expresionista de la pintura .
Pintura todavía mantiene una posición respetada en arte contemporáneo. arte es un campo abierto ya no dividido por el objetivo dicotomía no objetiva. Los artistas pueden lograr el éxito crítico si sus imágenes son de representación o abstracto. ¿Qué tiene de divisas es el contenido, la exploración de los límites de la media, y la negativa a recapitular las obras del pasado como un objetivo final.
La pintura contemporánea en el siglo 21
A lo largo del siglo 20 y en el siglo 21, con la llegada de Moderno y las formas de arte posmodernas, las distinciones entre lo que generalmente se consideran como lasbellas artesy lasartes bajas han comenzado a desaparecer, como el arte de alta contemporánea continúa desafiando estos conceptos mediante la mezcla conpopulares cultura.
Al comienzo de la Pintura contemporánea del siglo 21 y el arte contemporáneo en general continúa en varios modos contiguos, que se caracteriza por la idea de pluralismo. La "crisis" en la pintura y el arte actual y corriente la crítica de arte hoy es provocada por pluralismo. No hay consenso, ni tiene por qué no ser, como a un estilo representativo de la edad. No es un todo vale actitud que prevalece; un "todo lo que pasa", y por lo tanto "nada que hacer" síndrome; esto crea un atasco de tráfico estética sin rumbo firme y clara y con cada carril de la artística superautopista de lleno a capacidad. En consecuencia obras magníficas e importantes de arte se siguen realizando aunque de una gran variedad de estilos y temperamentos estéticos, el mercado está dejando de juzgar el mérito.
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