Escultura
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Escultura é artwork tridimensional criada dando forma ou combinando materiais duros - tipicamente pedra - ou mármore, metal, vidro ou madeira. ("Plástico") Materiais mais leves também podem ser usados, tais como argila , têxteis , plásticos, polímeros e metais mais macios.
O termo foi estendido para obras, incluindo som, texto e luz.
Encontrados objectos podem ser apresentadas como esculturas. Os materiais podem ser trabalhados pela remoção tal como escultura; ou eles podem ser montados tal como por soldadura , tal como por endurecido disparar, ou moldados ou fundido. Superfície de decoração, tais como pintura pode ser aplicado. Escultura tem sido descrito como um dos artes de plástico, pois pode envolver a utilização de materiais que podem ser moldados ou modulado.
Escultura é uma importante forma de arte pública. Uma coleção de escultura em um jardim definição pode ser referido como um jardim de esculturas.
Tipos de escultura
Algumas formas comuns de escultura são:
- Escultura, escultura, que está cercada por todos os lados free-standing, exceto a base, pelo espaço. É também conhecida como a escultura "na rodada", e destina-se a ser visto de qualquer ângulo.
- Escultura sonora
- Escultura de luz
- Jóias ou Jóias
- Socorro - a escultura ainda está ligado a um segundo plano; são tipos baixo-relevo, alto-relevo, e -relevo afundado
- Arte site-specific
- Escultura cinética - envolve aspectos de movimento físico
- Fountain - a escultura é projetada com o movimento da água
- Móvel (ver também Stabiles de Calder.)
- Statue - escultura representacionalista que descreve um específico entidade, normalmente um pessoa, evento, animais ou objeto
- Bust - representação de uma pessoa a partir do peito para cima
- Estátua equestre - tipicamente mostrando uma pessoa significativa a cavalo
- Arte empilhadas - uma forma de escultura formada por reunião de objetos e 'empilhar' deles
- Escultura arquitectónica
- Arte ambiental
- Escultura ambiental
- Land art
Materiais de escultura ao longo da história
Os materiais utilizados na escultura são diversos, mudando ao longo da história. Escultores procuramos geralmente para produzir obras de arte que são tão permanente quanto possível, trabalhando em materiais duráveis e muitas vezes caros, como bronze
e pedra: mármore, calcário, pórfiro e granito . Mais raramente, materiais preciosos, como ouro , prata , jade e marfim foram utilizados para trabalhos criselefantina. Mais materiais comuns e menos caros foram usadas para a escultura para o consumo mais amplo, incluindo vidro , folhosas (como carvalho , / caixa de buxo, e cal / linden); terracota e outros cerâmica, e metais fundidos tais como estanho e zinco (spelter).
Esculturas são muitas vezes pintado, mas comumente perdem a sua pintura em tempos, ou restauradores. Muitas técnicas de pintura diferentes têm sido utilizados no fabrico de escultura, incluindo tempera, [pintura a óleo], dourando, pintura de casa, aerossol, esmalte e jateamento.
Muitos escultores buscar novas formas e materiais para fazer arte. Jim Gary usado vitrais e peças de automóveis, ferramentas, peças de máquinas e equipamento. Um dos de Pablo Picasso esculturas mais famosas incluído bicicletas peças. Alexander Calder e outros modernistas fizeram uso espetacular de pintado aço . Desde os anos 1960, acrílicos e outros plásticos foram usados também. Andy Goldsworthy faz suas esculturas extraordinariamente efêmeras a partir de materiais naturais quase inteiramente em ambientes naturais. Alguns escultura, tais como escultura de gelo, escultura em areia , e escultura de gás, é deliberadamente curta duração.
Escultores costumam construir pequenas obras preliminares chamados maquetes de materiais efêmeros como gesso de Paris, cera, argila, ou plasticina, como Alfred Gilbert fez para 'Eros' no Piccadilly Circus, em Londres. Em Retroarchaeology, estes materiais são, em geral do produto final.
Escultores usam às vezes objetos encontrados.
Asiático
Muitas formas diferentes de escultura foram utilizados na Ásia , com muitas peças sendo arte religiosa com base em Hinduísmo e Budismo ( arte budista ) e greco-budista arte. Uma grande quantidade de cambojano escultura Hindu é preservada em Angkor , no entanto organizado pilhagem teve um impacto pesado em muitos locais em todo o país. Na Tailândia, a escultura foi quase exclusivamente de imagens de Buda. Muitas esculturas tailandesas ou templos são dourados, e na ocasião enriquecido com incrustações. Veja também Arte tailandesa
East Asia
China
Artefatos de China datam já em 10.000 aC e chinês qualificados artesãos tinha sido ativo muito cedo na história, mas a maior parte do que é exibido como escultura vem de um seleto poucos períodos históricos. O primeiro período de interesse tem sido o Dinastia Zhou Ocidental (1050-771 aC), a partir do qual vêm de uma variedade de vasos de bronze fundido intrincados. O próximo período de interesse foi o Dinastia Han (206 aC-220 dC), começando com o espetacular Exército de Terracota montado para o túmulo de Qin Shi Huang , o primeiro imperador do importante, mas de curta duração, Dinastia Qin , que precedeu o Han. Túmulos escavados a partir do período Han têm revelado muitos valores encontrados para ser vigoroso, direto, e apelando 2000 anos mais tarde.
A primeira escultura budista é encontrado data do Período dos Três Reinos (terceiro século), enquanto a escultura do Grutas de Longmen perto Luoyang, Província de Henan ( Wei do Norte, século 5 e 6) tem sido amplamente reconhecida por sua especial qualidades elegantes.
O período considerado agora Idade de ouro da China é a Dinastia Tang , coincidindo com o que na Europa é às vezes chamado de Idade das Trevas). Figuras decorativas como os mostrados abaixo se tornou muito popular na cultura Euro-americana do século 20, e foram disponibilizados em grandes quantidades, como senhores da guerra nas guerras civis chineses exportaram-los para levantar o dinheiro. Considerado especialmente desejável, e até mesmo profunda, era a escultura budista, muitas vezes monumental, começou na Dinastia Sui, inspirado pela arte greco-budista da Ásia Central, e muitos são considerados tesouros de arte do mundo.
Após a Tang, o interesse ocidental em artefatos chineses cai drasticamente, exceto para o que poderia ser considerado como mobiliário ornamentais, e especialmente em objetos jade. Cerâmica de muitos períodos tiver sido coletado, e novamente o período Tang destaca-se para além de sua livre, sentimento fácil. Escultura chinesa não tem nudes-talvez do que outras figuras feitas para a formação médica ou prática e muito pouco retrato em comparação com a tradição europeia. Um lugar onde o retrato escultural foi perseguido, no entanto, foi nos mosteiros.
Quase nada, exceto jóias, jade, cerâmica ou é recolhido por museus de arte após a Dinastia Ming terminou no final do século 17 e absolutamente nada ainda foi reconhecida como a escultura da tumultos do século 20, embora tenha havido uma escola de soviético influenciados escultura realista social nas primeiras décadas do regime comunista, e como o século virou, artesãos chineses começaram a dominar gêneros comerciais escultura (as placas de coletor, estatuetas, brinquedos, etc.) e avant garde artistas chineses começaram a participar no Euro empresa -americano da arte contemporânea.
Jarra de vinho, Ocidental Dinastia Zhou (1050 aC-771 aC)
Calvalryman, Dinastia Qin
Exército Terracotta soldado e do cavalo do Dinastia Qin
Chimera (de um túmulo), Dinastia Han (202 aC-220 dC)
Tomb figura, Dinastia Han (202 aC-220 dC)
Northern Dynasty Wei Maitreya (386-534)
-
Dinastia Tang rider (618-907)
Dinastia Tang estatueta menina (618-907)
Boddisatva, Dinastia Tang (618-907)
Sentado Buddha , Dinastia Tang ca. 650.
O Leshan Giant Buddha, Dinastia Tang , concluída em 803.
Retrato da monge, Dinastia Song , do século 11
A madeira Bodhisattva da dinastia Song (960-1279)
A envidraçada estátua de grés, Dinastia Ming (século 16)
Estátua de Guanyin, por Chaozhong Ele, Dinastia Ming (1368-1644)
Underglaze azul estátua de um homem com seu cachimbo, a partir de Jingdezhen, Dinastia Ming (1368-1644)
Médico senhora, mid-19th século
Japão
Incontáveis pinturas e esculturas foram feitas, muitas vezes sob patrocínio governamental. A maioria escultura japonesa está associada com a religião, eo uso médio "declinou com a importância diminuição do budismo tradicional. Durante o período Kofun do terceiro século, esculturas de argila chamado haniwa foram erigidos túmulos fora. Dentro do Kondo em Horyu-ji é uma Trindade Shaka (623), o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas e também o Guardião dos Reis quatro direções. A imagem de madeira (9 c.) De Shakyamuni, o "histórico" Buda, consagrado num edifício secundário no Muro-ji, é típica do início Escultura Heian, com seu corpo pesado, coberto por dobras de cortinas grossas esculpidas na hompa-shiki (-ondas de rolamento) estilo, e sua austera, expressão facial retirada. A escola Kei de escultores, particularmente Unkei, criou um novo estilo, mais realista da escultura.
Ásia Central
Arte greco-budista é a manifestação artística de Greco-budismo , a cultural sincretismo entre o grego clássico cultura e Budismo , que se desenvolveu ao longo de um período de perto de 1.000 anos em Ásia Central, entre as conquistas de Alexandre, o Grande no Século 4 aC, e os islâmicos conquistas do século 7 dC. Arte greco-budista é caracterizada pela forte realismo idealista da arte helenística e as primeiras representações do Buda em forma humana, que ajudaram a definir o artístico (e particularmente, escultural) canon para a arte budista em todo o continente asiático até o presente. Ele também é um forte exemplo de cultural sincretismo entre as tradições orientais e ocidentais.
As origens da arte greco-budista podem ser encontrados no helenístico Greco-bactriano reino (250 BCE- 130 aC), localizado no atual Afeganistão , a partir do qual cultura helenística irradiada para o Subcontinente indiano com a criação da Indo-Grego reino (180 aC-10 aC). Debaixo de Indo-gregos e, em seguida, o Kushans, a interação da cultura grega e budista floresceu na área de Gandhara, no norte de hoje o Paquistão , antes de se espalhar ainda mais na Índia , influenciando a arte de Mathura, e, em seguida, o Hindu arte do Império Gupta, que era estender para o resto do Sudeste Asiático. A influência da arte greco-budista também se espalhou para o norte em direção a Ásia Central, afetando fortemente a arte do Bacia Tarim, e, finalmente, as artes da China , Coréia e Japão .
Fragmento do deus do vento Boreas, Hadda, Afeganistão .
Gandharan Atalante.
Winged Atalante.
O Buda, ladeado por Herakles / Vajrapani e Tyche / Hariti.
Gandhara Poseidon ( Antigo Museu do Oriente)
Tritão
Sul da Ásia
Índia
As esculturas primeira conhecidos são da civilização do Vale do Indo (3300-1700 BC), encontrado em sites de Mohenjo-daro e Harappa na atual Paquistão . Mais tarde, como o hinduísmo , o budismo , e Jainismo mais desenvolvido, a Índia produziu bronzes e esculturas de pedra de grande complexidade, como as esculturas do templo famosos que adornam vários santuários hindus, jainistas e budistas. Algumas delas, como os templos da caverna de Ellora e Ajanta, são exemplos de Arquitetura indiana do rock-corte, talvez os maiores e mais ambiciosos programas esculturais no mundo.
As esculturas de arenito rosa de Mathura evoluiu durante a Gupta Império período (4o-6o século dC) para atingir um nível muito elevado de execução finura e delicadeza na modelagem. Gupta período arte viria a influenciar estilos chineses durante a dinastia Sui, e os estilos artísticos em todo o resto do leste da Ásia. Esculturas mais recentes no Afeganistão , em estuque, xisto ou argila, display muito forte mistura de Indian maneirismo pós-Gupta e influência clássica. Os bronzes célebres do Chola dinastia (c. 850-1250) de sul da Índia são de particular importância; a figura emblemática de Nataraja sendo o exemplo clássico. As tradições de escultura indiana continuar nos séculos 20 e 21, com por exemplo, a escultura de granito de Mahabalipuram derivado do Dinastia Pallava. Escultura indiana contemporânea é tipicamente polimorfa, mas inclui figuras célebres como Dhruva Mistry.
Hindu, período Chola, 1000 AD
Bronze Chola-ra, 11o-12o séculos
Hoysala emblema
Século 13 Ganesha
Shiva e Parvati
Ellora templo de Shiva Kailash
Bhudevi
Escultura do século 14
Em Khajuraho
em Ellora caverna
Escultura na Parsurameswar Temple, Bhubaneswar
Escultura de Dança da mulher no Parsurameswar Temple
Senhor Vishnu em Bhubaneswar
A Escultura no templo Mukteswar, Bhubaneswar
África
Africano arte tem uma ênfase em Escultura - artistas africanos tendem a favorecer obras de arte tridimensionais sobre obras bidimensionais.
Esculturas africanas
O estilo, principais características estéticas, materiais e técnicas utilizadas para a criação de uma peça de escultura reflecte a região a partir da qual ela se origina. Esculturas muitas vezes têm funções únicas que variam muito de uma região geográfica para outra.
Na África Ocidental, as primeiras esculturas são conhecidos a partir da cultura Nok da Nigéria, que data de cerca de 500 aC. Os números de esculturas da África Ocidental tipicamente têm corpos alongados, formas angulares, e características faciais que representam um ideal, em vez de um indivíduo. Esses valores são utilizados em rituais religiosos. Eles são feitos para ter superfícies que são frequentemente revestidas com materiais colocadas sobre eles para oferendas cerimoniais. Em contraste com estas esculturas da África Ocidental são os de povos de língua Mande de uma mesma região. As peças mande são feitas de madeira e têm amplas superfícies planas. Seus braços e pernas são em forma de cilindros.
Na África Central, no entanto, as principais características distintivas incluem rostos em forma de coração que são curvadas para dentro e padrões de círculos e pontos de exibição. Embora alguns grupos preferem formas geométricas mais faciais e angulares, nem todas as peças são exactamente os mesmos, nem são feitas do mesmo material. O material primário é a madeira, apesar de marfim, osso, pedra, argila e metais também são utilizados. A região Central Africano tem muito marcante estilos que são muito fáceis de identificar, tornando a identificação regional, muito fácil.
Os africanos orientais não são conhecidos por sua escultura, mas, um tipo que é criado nesta área é esculturas pólos, que são pólos esculpidas em formas humanas, decorados com formas geométricas, enquanto os topos são esculpidas com figuras de animais, pessoas, e vários objectos. Estes postes são, então, colocados ao lado de sepulturas e estão associados com a morte e o mundo ancestral.
Mais antiga conhecida argila figuras data da África do Sul 400-600 AD e têm cabeças cilíndricas. Estas figuras de barro tem uma mistura de características humanas e animais. Diferente de figuras de barro, também existem apoios para a cabeça de madeira que foram enterrados com seus donos. Os encostos de cabeça tinham estilos que vão desde formas geométricas de figuras de animais. Cada região tinha um estilo único e significado para suas esculturas. O tipo de material e da finalidade para a criação de escultura em África reflectir a região a partir da qual as peças são criados.
Egito
O escultura monumental do Egito antigo é mundialmente famosa, mas refinadas e delicadas pequenas obras também são uma característica. A antiga arte da escultura egípcia evoluiu para representar as deidades egípcias antigas faraós, membros da realeza, e até mesmo servos e membros da equipe, em forma física. Convenções muito estritas foram seguidas durante a elaboração de estátuas: estátuas do sexo masculino eram mais escuras do que as do sexo feminino; em estátuas sentadas, as mãos foram necessárias para ser colocado sobre os joelhos e regras específicas regido aparência de cada divindade egípcia. Obras artísticas foram classificados de acordo com o exato cumprimento de todas as convenções e as convenções foram seguidos de forma estrita que mais de três mil anos, muito pouco mudou na aparência de estátuas, exceto durante um breve período de durante a regra de Akhenaton e Quando Nefertiti-retrato naturalista foi incentivada.
As Américas
Escultura no que é hoje a América Latina desenvolveu em duas áreas separadas e distintas, Mesoamérica no norte e no Peru , no sul. Em ambas as áreas, a escultura era inicialmente de pedra, e mais tarde de terracota e metal como as civilizações nestas áreas tornou-se tecnologicamente mais proficientes. A região mesoamericana produzido escultura mais monumental, a partir das obras maciças tipo bloco do olmeca e Culturas toltecas, à soberba baixo relevos que caracterizam os maias e astecas culturas. Na região andina, esculturas eram tipicamente pequeno, mas muitas vezes mostram habilidade excelente.
Na América do Norte, a madeira foi esculpida para Totens, máscaras, utensílios, Canoas de guerra e uma variedade de outros usos, com variação distinta entre as diferentes culturas e regiões. As cores mais desenvolvidos são aqueles da Pacific Northwest Coast, onde um grupo de estilos formais elaboradas e altamente estilizados desenvolvido formando a base de uma tradição vibrante que está em um renascimento hoje (ver Bill Reid) e mudou-se para outras mídias, como prata, ouro e materiais modernos. A introdução de ferramentas de metal introduziu novas técnicas de escultura, incluindo o uso de um Tipo preto de argillite, também chamado de ardósia preta, que é exclusivo para uso por artistas da Povos do Haida.
Além dos famosos totens, pintadas e esculpidas Casa frentes foram complementadas por mensagens esculpidas dentro e por fora, bem como figuras funerárias e outros itens. Entre o Inuit do extremo norte, estilos tradicionais de escultura em marfim e pedra-sabão foram ampliados através da utilização de ferramentas eléctricas modernas em novas direções para a cultura Inuit que, como a arte da costa noroeste, é altamente apreciados pelos colecionadores de arte para suas formas de plástico e interpretação inovadora da figura e história.
A chegada da cultura católica europeia facilmente adaptado competências locais para a prevalecente Barroco estilo, produzindo enormemente elaborado retábulos e outros principalmente esculturas de igreja em uma variedade de estilos híbridos. O mais famoso desses exemplos no Canadá é a área do altar do Basílica de Notre Dame, em Montreal, Quebec, que foi esculpida pelo camponês habitant trabalhadores. Mais tarde, artistas formados na tradição acadêmica ocidental seguido estilos europeus até que no final do século XIX, começaram a desenhar novamente em influências indígenas, nomeadamente no estilo barroco mexicano grotesco conhecido como Churrigueresque. Aborígenes também adaptado escultura igreja em variações sobre Carpenter gótico; Um exemplo famoso é a Igreja da Santa Cruz em Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.
A história da escultura nos Estados Unidos depois da chegada dos europeus reflete fundação do século 18 do país em romanos valores cívicos e republicanos Cristianismo protestante. Em comparação com áreas colonizadas pelos espanhóis, a escultura tem um início extremamente lento nas colónias britânicas, com quase nenhum lugar em igrejas, e só foi dado impulso pela necessidade de afirmar a nacionalidade após a independência. Escultura americana de meados para o final do século 19 foi muitas vezes clássica, muitas vezes românticos, mas mostrou uma inclinação para uma dramática, narrativa, realismo quase jornalística. Edifícios públicos durante o último trimestre do século 19 ea primeira metade do século 20, muitas vezes fornecido um cenário arquitetônico para a escultura, especialmente em relevo. Na década de 1950, a educação tradicional escultura seria quase ser completamente substituída por um Bauhaus influenciado preocupação para abstrato design. Escultura minimalista substituiu a figura em locais públicos e arquitetos quase completamente parado de usar escultura em ou em seus projetos. Escultores modernos (do século 21) usam ambos os projetos inspirados clássicos e abstratas. Começando na década de 1980, houve um movimento para trás em direção a escultura pública figurativa; em 2000, muitas das novas peças públicas nos Estados Unidos foram figurativa em design.
Europa
A mais antiga escultura Europeia a data retrata uma mulher formar, e foi estimado em datando de 35.000 anos atrás. A descoberta, em 2008, fez com que especialistas para revisar a história do desenvolvimento da arte.
-Grego-romano clássico
Características únicas para a tradição clássica europeia:
- figuras completas: usando o, homem atlético jovens ou encorpado nu feminino
- retratos: mostrando sinais de idade e caráter forte
- o uso de traje clássico e atributos de divindades clássicas
- A preocupação com o naturalismo com base na observação, muitas vezes a partir de modelos ao vivo
Recursos que as ações tradição clássica europeia com muitos outros:
- caracteres apresentar uma atitude de distância e contentamento interior
- detalhes não perturbar o sentido de ritmo entre os volumes sólidos e os espaços que os rodeiam
- peças sentir sólida e maiores do que realmente são
- espaço ambiente parece sagrado ou atemporal
O tema da nudez
Uma figura sem adornos na escultura clássica grega era uma referência ao estatuto ou papel da pessoa retratada, deidade, ou outro ser. Atletas, sacerdotisas, e divindades poderiam ser identificados pelo seu adorno ou a falta dela.
A Renascença preocupação com a aparência clássica grega, como o século 5 aC Doryphoros de Polykleitos, levaram à estátuas nuas figurativas ser visto como a "forma perfeita 'de representação para o corpo humano. Posteriormente, nudez na escultura e na pintura , muitas vezes tem representado uma forma de ideal, seja inocência, a abertura, ou pureza. Esculturas nuas ainda são comuns. Como na pintura, que muitas vezes são feitas como exercícios em esforços para compreender a anatomia estrutura do corpo humano e desenvolver habilidades que irão fornecer uma base para tornar o trabalho figurativo vestida.
Normalmente, as estátuas nuas são amplamente aceitos por muitas sociedades, em grande parte devido ao comprimento da tradição que suporta este formato. Ocasionalmente, a forma nua atrai acusações, muitas vezes por grupos morais ou religiosas. Alguns exemplos clássicos deste são a remoção das partes da escultura grega representando genitais masculinos (no Coleção do Vaticano), ea adição de uma folha de figueira para um molde de gesso de Michelangelo 'escultura de David s para Queen Victoria 's visita à Museu Britânico.
Gótico
Escultura gótica evoluiu a partir do rígida precoce e estilo alongado, ainda parcialmente românica, em uma sensação espacial e naturalista no final dos anos 12 e início do século 13. As estátuas de arquitectura no Oeste (Royal) Portal na catedral de Chartres (c. 1145) são as primeiras esculturas góticas e foram uma revolução no estilo e no modelo para uma geração de escultores. Antes disso não tinha havido nenhuma tradição escultura em Escultores Ile-de-France-so foram trazidos de Borgonha. Catedral de Bamberg teve o maior conjunto de esculturas do século 13. Na Inglaterra, a escultura foi mais confinado a tumbas e decorações não estatueta. Na Itália, houve ainda uma influência clássica, mas gótico feito incursões nas esculturas de púlpitos como o púlpito Pisa Batistério (1260) eo púlpito Siena (1268). Escultor holandês-borgonhesa Noel Sluter eo gosto pelo naturalismo sinalizou o começo do fim da escultura gótica, evoluindo em estilo renascentista classicistic até o final do século 15.
Renascença
Embora o Renascimento começou em momentos diferentes em várias partes da Europa (algumas áreas criou a arte mais no estilo gótico do que outras áreas) a transição do Gótico ao Renascimento na Itália foi sinalizado por uma tendência para o naturalismo com um aceno de cabeça para a escultura clássica. Um dos escultores mais importantes do renascimento clássico era Donatello. A maior conquista do que a arte historiadores se referem como seu período clássico é a estátua de bronze intitulado David (para não ser confundido com o David de Michelangelo), que está atualmente localizado no Bargello, em Florença. Na época de sua criação, foi a primeira estátua nua free-standing desde os tempos antigos. Concebido totalmente na rodada e independente de qualquer ambiente de arquitectura, é geralmente considerada a primeira grande obra de escultura renascentista. O movimento afetou todos os aspectos da arte, em todas as partes da Itália; como representado pelo renascimento consciente a partir de fontes arqueológicas da mesa de jantar antigo, pelo grande escultor Tullio Lombardo, para o Castello di Roncade no Veneto (a casa com o primeiro frontão free-standing desde a antiguidade.)
Durante o Renascimento principal, o tempo de cerca de 1500 a 1520, Michelangelo foi um escultor ativo com obras como David ea Pietà, bem como a Doni Virgin, Bacchus, Moisés, Rachel, Orgetorix, e membros da família Medici. David de Michelangelo é possivelmente a mais famosa escultura do mundo, que foi revelado em 8 de setembro de 1504. É um exemplo da contrapposto estilo de levantamento da figura humana, que novamente toma emprestado de escultura clássica. Estátua de Michelangelo de David difere de representações anteriores do assunto em que Davi é representado antes de sua batalha com Golias e não após a derrota do gigante. Em vez de ser mostrado vitorioso sobre um inimigo muito maior do que ele, David parece tenso e pronto batalha.
Maneirista
Durante o período maneirista, representações mais abstratas foram elogiados, (tais como a "figura serpentinata" ou "figura torcida") dando mais pensado para cor e composição, em vez de retrato realista dos assuntos em peça. Isto é exemplificado no Abduction de Giambologna / Rape das mulheres de Sabine, onde os números não estão posicionados de uma forma que é nada confortável, ou mesmo humanamente possível, mas a posição e emoção ainda nos deparamos. Outro exemplar do formulário é Benvenuto Cellini de 1540 saleiro em ouro e ébano, caracterizando Netuno e Amphitrite (terra e água) de forma alongada e posições desconfortáveis (poses improváveis).
Barroco
Na escultura barroca, grupos de figuras assumiu uma nova importância, e não havia um movimento dinâmico e energia do ser humano forms- eles espiral em torno de um vórtice central de vazio ou chegou fora no espaço circundante. Pela primeira vez, a escultura barroca muitas vezes tinham vários ângulos de visão ideais. A escultura barroca característica adicionou elementos extra-escultóricos, por exemplo, iluminação escondida, ou fontes de água. Muitas vezes, os artistas barrocos fundido escultura e arquitetura buscando criar uma experiência transformadora para o espectador. Gian Lorenzo Bernini foi sem dúvida o escultor mais importante do período barroco. Seus trabalhos foram inspirados pelas esculturas helenísticas da Grécia Antiga e Roma Imperial. Uma de suas obras mais famosas é O Êxtase de Santa Teresa (1647-1652).
Neo-Clássica
O período neoclássico (c.1750-1850) era uma das grandes idades de escultura pública, apesar de seus protótipos "clássicos" eram mais propensos a ser cópias romanas de esculturas helenísticas. Na escultura, os representantes mais conhecidos são o italiano Antonio Canova, o inglês John Flaxman eo dinamarquês Bertel Thorvaldsen. A maneira neoclássico Europeia também tomou conta nos Estados Unidos, onde o seu auge ocorreu um pouco mais tarde e é exemplificado nas esculturas de Hiram Powers.
Classicismo moderno
Classicismo moderno contrastou em muitas maneiras com a escultura clássica do século 19 que foi caracterizado por compromissos com o naturalismo ( Antoine-Louis Barye) - o melodramático ( François rude) sentimentalismo ( Jean Baptiste Carpeaux) - ou uma espécie de grandiosidade majestosa ( Lord Leighton). Várias direções diferentes na tradição clássica foram tomadas como o século virou, mas o estudo do modelo vivo ea tradição pós-renascentista que foi fundamental para eles.
Auguste Rodin era o escultor europeu mais renomado do início do século 20. Ele é muitas vezes considerado um escultural impressionista , assim como os seus alunos Camille Claudel, Medardo Rosso, Paolo Troubetzkoy, Rik Wouters, e Hugo Rheinhold, tentando modelar de um momento fugaz da vida comum.
Classicismo moderno mostrou um menor interesse no naturalismo e um maior interesse na estilização formal. Maior atenção foi dada aos ritmos de volumes e espaços -, bem como uma maior atenção às qualidades contrastantes de superfície (aberta, fechada, planar, etc. quebrado), enquanto menos atenção foi dada à narração de histórias e detalhes convincentes de anatomia ou de figurino . Foi dada uma maior atenção à efeito psicológico do que ao realismo físico. Foi dada uma maior atenção à mostrando o que era eterno e público, ao invés do que era momentânea e privado. Foi dada maior atenção aos exemplos de arte sacra antiga e medieval: egípcio, Oriente Médio, Asiático, Africano e Latino-americanas. Grandiosidade ainda era uma preocupação, mas em um contexto mais amplo, mais em todo o mundo.
Primeiros mestres do classicismo moderno incluído: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi.
À medida que o século avançava, classicismo moderno foi adotado como o estilo nacional dos dois grandes impérios totalitários europeus: Alemanha nazista ea União Soviética, que co-optou o trabalho de artistas anteriores como Kolbe e Wilhelm Lehmbruck na Alemanha e na Rússia Matveyev. A Alemanha nazista tinha um prazo de 12 anos; mas ao longo dos 70 anos da União Soviética, as novas gerações de escultores foram treinados e escolhidos dentro de seu sistema, e um estilo distinto, realismo socialista, desenvolvido, que voltou a ênfase do século 19 no melodrama e naturalismo.
Formação clássica foi erradicado da educação artística na Europa Ocidental (e das Américas) em 1970 e as variantes clássicas do século 20 foram marginalizados na história do modernismo. Mas classicismo continuou como a fundação de arte-educação nas academias soviéticas até 1990, fornecendo uma base para a arte figurativa expressivo em toda a Europa oriental e partes do Oriente Médio. Até o ano de 2000, a tradição clássica europeia mantém um grande apelo para os telespectadores - especialmente os turistas - e, especialmente, para os antigos, renascentista, barroco e períodos do século 19-mas aguarda uma tradição educativa para reviver seu desenvolvimento contemporâneo.
No resto da Europa, e do Estados Unidos da moderna clássica tornou-se mais decorativo ou / art déco ( Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) ou mais abstrata estilizado ou mais expressiva (e gótico) ( Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) - ou virado mais para o Renascimento ( Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) ou permaneceu o mesmo ( Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernismo
Movimentos escultura modernistas incluem Cubismo, Abstração geométrica, De Stijl, Suprematismo, o construtivismo , dadaísmo , Surrealismo, Futurismo, Formalismo O expressionismo abstrato, Arte Pop, Minimalismo, Land art, e Arte de instalação, entre outros.
Nos primeiros dias do século 20, Pablo Picasso revolucionou a arte da escultura, quando ele começou a criar suas construções formado pela combinação de objetos e materiais díspares em uma peça construída de escultura. Picasso reinventou a arte da escultura com seu uso inovador de construção de uma obra em três dimensões com materiais díspares. Assim como colagem foi um desenvolvimento radical em dois arte dimensional; por isso foi a construção de um desenvolvimento radical em três escultura dimensional. O advento de surrealismo levou a coisas ocasionalmente sendo descritas como "escultura" que não teria sido tão anteriormente, como "escultura involuntário" em vários sentidos, inclusive coulage. Nos anos posteriores, Pablo Picasso se tornou um prolífico ceramista e oleiro, revolucionando a forma de arte cerâmica é percebido. George E. Ohr e mais escultores contemporâneos como Peter Voulkos, Kenneth Preço, Robert Arneson, e George Segal e outros têm efetivamente utilizado cerâmica como um importante médio integral para o seu trabalho.
Da mesma forma, o trabalho de Constantin Brâncuşi no início do século abriu o caminho para a escultura abstrata mais tarde. Na revolta contra o naturalismo de Rodin e seus contemporâneos final do século 19, Brancusi destilada temas para baixo para suas essências como ilustrado pela sua Pássaro no Espaço (1924) série. Estas formas elegantemente refinado se tornou sinônimo de escultura do século 20. Em 1927, Brancusi ganhou um processo contra as autoridades alfandegárias norte-americanas que tentaram valorizar sua escultura como metal bruto. O processo levou a mudanças legais que permitam a importação de arte com isenção de direitos.
Impacto de Brancusi, com seu vocabulário de redução e abstração, é visto ao longo dos anos 1930 e 1940, e exemplificado por artistas comoGaston Lachaise,Sir Jacob Epstein,Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González,Pablo Serrano,Jacques Lipchitz e, mais tarde, no século porCarl Andre eJohn Safer que acrescentou movimento e monumentalidade ao tema da pureza da linha.
Desde a década de 1950as tendências da escultura modernista tanto abstrato e figurativo têm dominado a imaginação do público e da popularidade da escultura modernista tinha deixado de lado a abordagem tradicional.Picassofoi contratado para fazer uma maquete de um enorme 50 pés (15 m) -Alta escultura pública a ser construído emChicago, conhecida geralmente como a Chicago Picasso. Ele se aproximou do projeto com uma grande dose de entusiasmo, projetando uma escultura que foi ambígua e um tanto controversa. O que a figura representa não é conhecido; ele poderia ser um pássaro, um cavalo, uma mulher ou uma forma totalmente abstrata. A escultura, um dos mais famosos marcos históricos no centro de Chicago, foi inaugurada em 1967. Picasso recusou a pagar US $ 100.000 para ele, doá-lo ao povo da cidade.
Durante o final dos anos 1950 e os anos 1960 escultores abstractos começou a experimentar com uma grande variedade de novos materiais e abordagens diferentes para a criação de seu trabalho. Imaginário surrealista, abstração antropomórfica, novos materiais e combinações de novas fontes de energia e superfícies variadas e objetos tornou-se característica de muito nova escultura modernista. Projetos de colaboração com paisagistas, arquitetos e paisagistas expandiu o local ao ar livre e de integração contextual.
Artistas como Isamu Noguchi,David Smith,Alexander Calder,Jean Tinguely,Richard Lippold,George Rickey,Louise Bourgeois eLouise Nevelson veio a caracterizar o olhar da escultura moderna., eominimalista funciona porTony Smith,Robert Morris,Donald Judd,Larry Bell,Anne Truitt,Giacomo Benevelli,Arnaldo Pomodoro,Richard Serra,Dan Flavin e outros levaram escultura abstrata contemporânea em novas direções.
Na década de 1960 o expressionismo abstrato, abstração geométrica e Minimalismo predominaram. Algumas obras do período são: o Cubi obras de David Smith, e as obras de aço soldados de Sir Anthony Caro, o trabalho em grande escala de John Chamberlain, e obras escala de instalação ambiental por Mark di Suvero.
Durante a década de 1960 e 1970 escultura figurativa por artistas modernistas em formas estilizadas por artistas como: Leonard Baskin, Ernest Trova, Marisol Escobar, Paul Thek e Manuel Neri tornou-se popular. Na década de 1980 vários artistas, entre outros, explorando escultura figurativa foram Robert Graham em um estilo clássico articulado, e Fernando Botero trazer as 'figuras de grandes dimensões "de sua pintura em esculturas monumentais.
Minimalismo
O Estilo minimalista reduz escultura de suas características mais essenciais e fundamentais. Minimalistas incluem Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, e Dan Flavin;
Movimento Site-specific
Site específicos e arte ambiental trabalhos são representados por artistas: Donald Judd, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, e Christo e Jeanne-Claude levou escultura abstrata contemporânea em novas direções. Artistas criado escultura ambiental em locais expansivos na " arte da terra no oeste americano "grupo de projetos. Estes land art ou "arte de terra 'obras de escultura escala ambiental exemplificados por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell ( Roden Crater) e outros
O land art (arte de terra) escala ambiental escultura obras deRobert Smithson,Michael Heizer,James Turrell e outros
Postminimalism
Artistas Bill Bollinger,Eva Hesse,Sol LeWitt, Jackie Winsor,Keith Sonnier,Bruce Nauman, eLucas Samaras, entre outros foram pioneiros daPostminimalist sculpture.The mais tarde as obras deRobert Graham continuou evoluindo, muitas vezes emconfigurações de arte pública, para o século 21 .
Também durante os anos 1960 e 1970 artistas tão diversos como Stephen Antonakis,Chryssa,Walter De Maria,Dan Flavin,Robert Smithson,Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz,Duane Hanson eJohn DeAndrea explorado abstração, imagens e figuração atravésLuzescultura,arte terra, earte de instalação de novas maneiras.
Readymade
O termo encontrado art - objeto mais comumente encontrados (francês: objet trouvé) ou readymade - descreve a arte criada a partir da utilização indisfarçável, mas muitas vezes modificado, de objetos que normalmente não são considerados arte, muitas vezes, porque eles já têm, uma função utilitária mundano. Marcel Duchamp foi o criador deste no início do século 20 com peças como Fountain.
Arte Conceitual
Arte conceitual é arte em que o conceito (s) ou idéia (s) envolvida no trabalho têm precedência sobre tradicionais preocupações estéticas e materiais.As obras incluemOne and Three Chairs, 1965, é porJoseph Kosuth, euma árvore de carvalho porMichael Craig-Martin.
O pós-modernismo
Escultura pós-moderna ocupa um campo mais vasto de actividades do que a escultura modernista, como Rosalind Krauss observou. Sua idéia de escultura no campo expandido identificou uma série de oposições que descrevem as várias actividades de escultura-like que são escultura pós-moderna:
- Site-Construçãoé a interseção de paisagem e arquitetura
- Estruturas axiomáticaé a combinação de arquitetura e não-arquitetura
- Locais marcantesé a combinação de paisagem e não-paisagem
- Esculturaé a interseção de não-paisagem e não-arquitetura
Preocupação Krauss 'foi a criação de uma explicação teórica que poderia caber adequadamente os desenvolvimentos daarte Terra,escultura minimalista, earte do site-specific na categoria deescultura.Para fazer isso, a explicação dela criou uma série de oposições em torno relação do trabalho para seu ambiente .
Gêneros contemporâneos
Algumas formas de escultura modernas agora são praticadas ao ar livre, como arte ambiental e Escultura ambiental, e, muitas vezes, à vista dos espectadores, dando-lhes, assim, o parentesco com arte performática, aos olhos de alguns. Escultura de gelo é uma forma de escultura de gelo que utiliza como matéria- material. É popular na China, Japão, Canadá, Suécia e Rússia. Esculturas de gelo apresentam decorativamente em algumas cozinhas, especialmente na Ásia. esculturas cinéticas são esculturas que são projetados para se mover, que incluem Mobiles. esculturas de neve são geralmente esculpida em um único bloco de neve cerca de 6 a 15 pés (4,6 m) de cada lado e pesando cerca de 20-30 toneladas. A neve é densamente embalado em uma forma, depois de ter sido produzido por meios artificiais ou coletados no chão depois de uma queda de neve. esculturas sonoras assumir a forma de instalações sonoras interiores, instalações ao ar livre, tais como harpas eólicas, autômatos, ou ser mais ou menos perto convencional instrumentos musicais. Escultura sonora muitas vezes é específica do local. Um castelo de areia pode ser considerado como uma escultura de areia. Escultura Weightless (no espaço) como um conceito criado em 1985 pelo artista holandês Martin Sjardijn. Lego escultura tijolo envolve o uso de tijolos de Lego comuns para construir esculturas realistas ou artísticas, por vezes usando centenas de milhares de tijolos. brinquedos de arte tornaram-se um outro formato para artistas contemporâneos desde a década de 1990, como os produzidos por Takashi Murakami e Kid Robot, desenhado por Michael Lau, ou por feitos à mão Michael Leavitt (artista).
Status social
Em todo o mundo, escultores têm sido geralmente comerciantes cujo trabalho é não assinado. Mas, no mundo clássico, muitos gregos antigos escultores como Phidias começou a receber o reconhecimento individual em Atenas de Péricles, e tornou-se famoso e supostamente rico. Na Idade Média , artistas como o século 12 Gislebertus às vezes assinaram o seu trabalho, e foram procurados por diferentes cidades, especialmente a partir do Trecento em diante na Itália, com figuras como Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano e seu filho Giovanni. Muitos escultores também praticado em outras artes, por vezes, a pintura, como Andrea del Verrocchio, ou arquitetura , como Giovanni Pisano, Michelangelo, ou Jacopo Sansovino, e mantida grandes oficinas.
Do Artistas Alta Renascença como Michelangelo , Leone Leoni e Giambologna poderia tornar-se rico, e enobrecido, e entrar no círculo dos príncipes. Escultura decorativa muito em edifícios permaneceu um comércio, mas escultores que produzem peças individuais foram reconhecidos em um nível com pintores. Desde pelo menos o século 18, escultura também atraiu estudantes de classe média, embora tenha sido mais lento para fazer isso do que a pintura. Igualmente mulheres escultores levou mais tempo para aparecer do que mulheres pintores, e têm sido geralmente menos proeminente até o século 20, pelo menos.
Técnicas
Escultura em pedra
Escultura em pedra é uma atividade antiga onde pedaços de naturais áspera pedra são moldadas pela remoção controlada de pedra. Devido à permanência do material, as provas podem ser encontradas que mesmo as primeiras sociedades mergulhada em alguma forma de trabalho de pedra. Petroglyphs (também chamados de gravuras rupestres) são talvez a mais antiga forma: imagens criadas através da remoção de parte de uma rocha superfície que permanece em situ , por incisão, picotagem, escultura e abrasão. escultura monumental cobre grandes obras, e escultura arquitetônica, que é anexado aos edifícios. Hardstone escultura é a escultura para fins artísticos de pedras semi-preciosas como jade, ágata, ônix, cristal de rocha , SARD ou cornalina, e um termo geral para um objeto feito desta forma. gemas Gravado são pequenas jóias esculpidas, incluindo participações especiais, originalmente usados como anéis de vedação.
Escultura de bronze
Bronze é o metal mais popular para molde de metal esculturas ; um elenco escultura de bronze é muitas vezes chamado simplesmente de "bronze". Ligas de bronze comuns têm a propriedade incomum e desejável de expandir um pouco antes que eles definido, preenchendo assim os mais finos detalhes de um molde. Sua força e falta de fragilidade (ductilidade) é uma vantagem quando figuras em ação devem ser criadas, especialmente quando comparado com vários materiais cerâmicos ou de pedra (ver escultura de mármore para vários exemplos).
Talha
Escultura em madeira é uma forma de trabalhar madeira, por meio de uma ferramenta de corte na mão (esta pode ser uma ferramenta eléctrica), resultando em uma figura de madeira ou estatueta (pode ser resumo em natureza) ou na ornamentação escultura de uma madeira objeto.
Moldagem
A carcaça é um processo de fabrico pelo qual um material líquido é (geralmente) vertida para um molde, que contém uma cavidade oca da forma desejada, e depois deixou-se solidificar. A peça moldada sólida é então ejectado ou quebrado para fora para completar o processo. De moldagem pode ser utilizado para formar metais líquidos quentes ou vários materiais que conjunto frio após a mistura dos componentes (tais como epóxis, betão, gesso e argila ). Fundição é mais frequentemente usado para fazer formas complexas que seriam de outra forma difícil ou antieconômico para fazer por outros métodos.
Fundição é um processo de 6.000 anos de idade. O mais velho sobrevivente de fundição é um sapo de cobre a partir de 3200 aC. O processo de fundição é subdividido em dois subgrupos distintos: fundição molde descartável e não-descartáveis.
Conservação
Esculturas são sensíveis às condições ambientais, tais como temperatura , humidade e exposição à luz e luz ultravioleta . A chuva ácida , também pode causar danos a certos materiais de construção e monumentos. Isto resulta quando o ácido sulfúrico na chuva reage quimicamente com os compostos de cálcio nas pedras (calcário, grés, mármore e granito) para criar o gesso , que então flocos de fora.
Artes similares
Outras artes que estão relacionados com escultura:
